Depuis le samedi 25 novembre 2023, le Burkina Faso pleure la perte d'un de ses grands musiciens. Le chanteur et virtuose du dozo n'goni Baba Commandant a tiré sa révérence après une intense tournée internationale, laissant derrière lui un héritage musical qui résonnera à jamais au cœur du pays des Hommes Intègres. Quelques semaines avant son envol pour une série de concerts aux États-Unis, le punk noir du Burkina a fait escale au Périscope. J'ai eu le privilège de partager une partie de l'après-midi en sa compagnie, plongeant dans l'univers de l'afrobeat mandingue qu'il a méticuleusement forgé au fil des années avec son groupe, le Mandingo Band. Souriant, sa voix rauque résonnant dans la salle lyonnaise, et son regard perçant captivant, Mamadou Sanou, plus connu sous le nom de Baba Commandant, m'a emmené dans un voyage à travers ses souvenirs. Il m'a partagé ses expériences, depuis sa découverte de Fela Kuti et sa jeunesse sous Thomas Sankara, évoquant les débuts de la musique dans les rues animées de sa ville natale, Bobo Dioulasso, jusqu'à son installation vers Ouagadougou. Il a partagé les détails de ses rencontres déterminantes, comme avec Camille Louvel, un jeune DJ français installé au Burkina, et sa complicité avec un autre grand chanteur regretté du pays, Victor Démé.Dès son premier album, enregistré aux studios Ouaga Jungle et signé par le label américain Sublime Frequencies, Baba Commandant a su captiver, envoûter et rassembler avec son propre genre de musique : un afrobeat mandingue qui emprunte aux traditions de la confrérie des chasseurs animistes dozos et à l'univers de Fela. À travers cette fusion musicale, il a chanté sur des faits sociaux et distillé de nombreux messages qu'il nous a livré dans cette ultime interview. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Nuits Sonores a dévoilé les premiers noms de sa nouvelle édition prévue pour mai 2024. À cette occasion, je vous ramène quelques mois en arrière lors de la précédente, pour les vingt ans de cet événement majeur. J'ai eu l'opportunité de rencontrer la rappeuse MC Yallah, l'une des artistes les plus importantes d'Ouganda. D'origine kényane et née à Kampala, biberonnée au rap américain, elle a rapidement commencé à rapper et est devenue la pionnière du hip-hop dans son pays en 1999. Quelques années plus tard, le collectif Nyege Nyege (festival et label) a contribué à sa reconnaissance mondiale. Qu'elle s'exprime en langue luo, kiswahili, luganda ou en anglais, le flow percutant de la personnalité charismatique de MC Yallah s'imprègne de productions hip-hop, afrobeats, drill, dancehall ou électro, marquant les scènes underground et club d’Afrique. Avec plusieurs albums à son actif, dont des collaborations prestigieuses, notamment avec le producteur français, berlinois d’adoption, Debmaster, MC Yallah a signé deux albums, Kubali en 2019 et Yallah Beibe sorti cette année sur les labels Hakuna Kulala, label sœur du renommé Nyege Nyege. Sur ces instrumentales explosives, MC Yallah rappe et partage des valeurs panafricaines, humaines, spirituelles, et surtout s’attaque aux injustices, guerres, abus policiers, violences, et drames de nos sociétés. Puissante, underground, tout en étant festive, la rappeuse kényano-ougandaise, accompagnée de Debmaster, m’a ouvert les portes de son univers musical. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

C’est lors de sa venue à Lyon au Ninkasi que j'ai rejoint Nneka à son hôtel, à quelques mètres de la salle. Vêtue simplement, entourée de son fils, j'avais l'impression de rendre visite à une amie.On rit, on croise plusieurs conversations à la fois, et l'interview commence. La chanteuse se remémore sa vie depuis son plus jeune âge. Elle est née à Warri, au sud du Nigeria. C'est dans cette grande ville rythmée par l'industrie pétrolière que Nneka va commencer le chant, en l'étudiant et en le perfectionnant au sein de chorales de Gospel. Mais c'est en Allemagne que son destin musical prend un tournant. Arrivée à dix-huit ans à Hambourg à la recherche de sa mère, elle va trouver refuge dans un foyer tenu par des sœurs catholiques.Sa force et sa résilience va alors se traduire dans son art. En parallèle d'études d'anthropologie, Nneka va rapidement développer sa poésie, chanter et rapper, en studio ou sur des scènes locales. Sa voix et son flow vont marquer très vite les esprits, notamment à travers son premier disque "Victim Of Truth" qui la révélera au monde. La presse la compare à Lauryn Hill ou Erykah Badu du fait que la chanteuse a un univers singulier qui navigue entre Soul, Reggae, et Hip-Hop.Six albums au compteur, dont deux EP, qui narrent son histoire du Nigeria à l'Europe, mais aussi ses luttes et son regard critique sur les guerres, la société marchande et ses vices. Mais surtout, Nneka transmet de nombreux messages spirituels et humains, notamment à travers son dernier disque "Back and Forth", sorti fin octobre. La chanteuse nous raconte sa vie et surtout, comme dans son nouvel EP, elle nous encourage à trouver notre potentiel, notre génie, en évitant de se noyer sous les abondances d’informations, de réseaux sociaux et autres tentations de la société capitaliste. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Bassiste, chanteuse et productrice, Adi Oasis se fait remarquer depuis plusieurs années par sa voix et son jeu de basse que bon nombre d'artiste se sont arraché entre Jungle, Anderson .Paak, Lee Fields, ou encore Chet Faker. Ayant grandit en banlieue parisienne au sein d'une famille martiniquaise, elle s'est imprégnée de ces sonorités antillaises et de la soul américaine qu'écoutait ses parents. Ces influences l'ont alors rapidement poussées à s'adonner à la composition, en poursuivant son chemin à Brooklyn où elle s'est fait une place d'honneur dans ses multiples collaborations. Mais c'est avec un EP au grand succès puis un album "Lotus Glow" qu'Adi Oasis marque un tournant avec un véritable chef d'œuvre néo-soul. Les productions soignées, qui groove, aux accents funky, RnB et Hip-Hop teintées de sa voix envoûtante, en font un projet ambassadeur de la scène néo-soul, aux valeurs féministes et panafricaines, en plus de featurings prestigieux. Un épanouissement musical et personnel qu'elle a partagé lors de cette rencontre à l'occasion de son passage à Jazz à Vienne, où elle m'a plongée dans sa vie au destin singulier, dans lequel la musique a toujours été là. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Pionnier de la basse électrique, maître incontesté du slap (technique de basse percussive), Marcus Miller est sans aucun doute l'un des bassistes les plus impressionnants au monde, voire le meilleur. Lors de son passage à Jazz à Vienne, Marcus Miller a généreusement dévoilé les secrets de ses quatre décennies d'exploration musicale, de maîtrise des techniques, de voyages inspirants, et de rencontres marquantes, éléments qu'il a habilement tissés au fil de ses albums. Ce New-Yorkais, qui a cultivé son art dans les quartiers de Brooklyn tout en fréquentant la prestigieuse School of Music and Art de Manhattan, se révèle comme un véritable pilier de la basse électrique. Marcus Miller se distingue non seulement par son emblématique chapeau noir solidement vissé sur sa tête, mais surtout par son groove inimitable et son jeu en slap, des éléments qui ont solidifié sa réputation légendaire.Son parcours extraordinaire l'a conduit à collaborer avec les plus grands noms de la musique, tels que Aretha Franklin, Michael Jackson, et surtout Miles Davis, qu'il a non seulement accompagné, mais avec qui il a composé le célèbre album "Tutu" dans les années 80. Le jeu singulier de Marcus Miller trouve ses racines dans son immersion dans le funk et le rhythm 'n' blues des années 60, qu'il a approfondi en explorant divers genres musicaux. Fils d'un pasteur et militant afro-américain, Marcus Miller a perpétué ses convictions panafricaines à travers la musique, en se plongeant dans les richesses des musiques africaines et afro-descendantes. Son avant-dernier album, "Afrodeezia," publié pour la première fois chez Blue Note, témoigne de cet engagement. Chaque album du jazz-funk preacher est une aventure musicale complexe et puissante, à l'image de "Laid Black," qui rend hommage à sa famille et explore les réalités des communautés noires contemporaines à travers des pulsations jazz, hip-hop et trap.C'était précisément avant son concert dans le théâtre antique de Vienne que Marcus Miller a partagé son récit de vie exceptionnel, de sa jeunesse et ses débuts dans le monde de la basse à ses projets à venir, dont son concert le 7 novembre 2023 au Radiant-Bellevue. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Une rencontre qui devait se faire ! Cet été lors du Sakifo, je reçois un message de l'artiste mahorais M'Toro Chamou qui me transmet le contact direct de Zily, cette grande chanteuse de Mayotte qui est programmé pour ce festival. Son concert sera l'un des plus appréciés de l'événement, sa performance exceptionnelle et sa voix puissante ont impressionné à la fois le public et les professionnels.Depuis vingt ans, Zily chante, danse, et représente la culture mahoraise avec brio. Elle transmet le matrimoine de son île, par les chants traditionnels Debaa (une poésie ancestrale soufie chantée par des femmes et soutenue par des percussions et des danses) qu’elle pratique depuis l’âge de sept ans avec sa famille dans sa ville natale de Tsingoni.La chanteuse va fusionner cet art avec d'autres traditions musicales de son île, telles que le mgodro, ainsi que des rythmes malgaches dont elle tire ses origines du côté de son père, et va ensuite propulser ces sonorités vers des univers sonores comme le sébène, l'afrobeats, la pop, ou la soul futuriste. Au sein de ses EP, Zily éduque, avertie, milite, et chante le peuple mahorais, l’amour, la spiritualité et la paix, et l’histoire de son ile.  Véritable modèle pour les femmes d’Afrique, cette artiste panafricaine a crée son propre label "Yeka Music" pour promouvoir ces artistes féminines, et les cultures de Mayotte, et protéger les droits des musicien·nes. Cette rencontre s'est faite lors d'un déjeuner le lendemain de son concert, moment privilégié pour que la nouvelle reine de la musique de l'Océan Indien me raconte son parcours, et ses projets à venir ! Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Boubacar Traoré est un géant de la musique, au parcours hors du commun, et d’une humilité sans faille. Surnommé Kar Kar en référence à son passé de grand dribbleur au football, il va vite rapidement se consacrer à la musique. Le chanteur, songwriter et guitariste est né à Kayes au nord-ouest du Mali en 1942. Autodidacte, il va créer son propre style en jouant de la guitare d'une manière singulière, comme si c'était une kora de vingt-et-une cordes. Cette double gamme donnera lieu à sa propre musique, un blues qui puise dans les sonorités mandingues et les influences américaines. Les premiers titres de Boubacar Traoré feront la fierté du Mali qui a pris son indépendance en 1960. Ses chansons passeront en boucle à la radio et deviendront des tubes comme "Kayes-Ba" ou "Mali Twist", on le surnommera l'Elvis Presley malien en raison de son succès et de son talent. Lorsque le premier président Modibo Keita est renversé par Moussa Traoré en 1968, Boubacar Traoré, considéré comme un artiste du régime précédent, disparait des ondes. Sa popularité décline, Boubacar va connaître des drames, des décès, et va émigrer en France et arrêter la musique pendant plusieurs années. Mais dans les années 1990, le boss du label anglais Stern's Records tombe sur une de ses K7, et est tellement admiratif de la voix de l'artiste qu'il part à sa recherche, le retrouve, et relance sa carrière. Boubacar Traoré est depuis de retour et reconnu mondialement avec son jeu, son blues emprunt d'une mélancolie encore plus exacerbée. Kar kar produit un son qui navigue entre les fleuves Niger et Mississipi. Dans son précédent album, il a approfondi cette idée en allant enregistrer et collaborer avec des icônes du blues à la Nouvelle Orléans tout en gardant ses racines mandingues dans ses compositions. Ce patrimoine, il le célèbre au sein de son nouveau disque Tiékoro Ba Diougou, qui signifie "vieux méchant" en langue bamana, un retour au source avec un album blues 100 % malien qui inclut les sonorités du kamelen ngoni, du djeli ngoni, et de la calebasse . Avec moi avant son concert au sein de l’Opera Underground, Boubacar Traoré, casquette vissé sur la tète, au regard affectueux, revient sur plus de soixante ans de carrière ! Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lors de la dernière édition des Nuits Sonores, j'ai pu rencontrer ce sound system mythique, probablement l'un des plus respectés dans le monde de la culture Dub. Channel One Sound System fut crée par deux frères d’origine jamaïcaine à Londres en 1973, Mikey Dread et Jah T, c’est dans les blues party, ces sortes de raves où l'on diffuse du rhythm and blues, du calypso, et du reggae, que les deux frangins vont faire leur armes sous l’œil aguerri de leur père (lui même proprio d’un sound system). Ils prennent le nom de Channel One Sound System en hommage au mythique studio de reggae jamaïcain. Au duo s'ajoute le MC  Ras Kayleb, et le collectif va rapidement devenir le sound system le plus emblématique de la capitale anglaise et du carnaval de Notting Hill. Depuis quarante ans, on les reconnait a la qualité de leur productions, de leur selecta 100 % vinyles, et de leur mur de son gigantesque. Moment privilégié après leur set génial lors du Day 4 de Nuits Sonores, Mikey Dread, revient sur leur histoire qui commence dès son enfance quand il passait du temps à vouloir comprendre le fonctionnement du matériel sonore familial. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Quel honneur de rencontrer une légende ! Lee Fields est l'un des derniers artisans de la Soul, cette musique spirituelle, organique, qui vient du cœur et des tripes.Né en Caroline du Nord en 1951, un État américain gangréné par le racisme. Il décide de tout quitter à l'âge de dix-sept ans pour New-York avec seulement vingt dollars en poche, dans le but de devenir un chanteur reconnu. Il enregistre ses premiers disques en 1969, sa voix d'or interpelle mais le chanteur restera dans l'ombre des grande voix de l'époque comme Otis Redding, ou encore James Brown dont on le compare souvent pour sa ressemblance physique, il fût surnommé à cette époque "Little JB".Sa choriste Sharon Jones connaîtra le succès tandis que Lee Fields continuera à se produire dans différents clubs ou en tant que choriste de formations emblématiques tels que Kool and the Gang. Il sera touché par la grâce au début des années 90 sous la houlette du producteur et multi-instrumentiste Gabe Roth qui le signera sur son label Desco Records, lequel deviendra quelques années plus tard le fameux Daptone Records.Avec moi juste au dessus du Théâtre Antique de Vienne avant son concert dans le cadre du festival Jazz à Vienne, le charismatique Lee Fields m'a ramené dans sa jeunesse, de ses premier enregistrements à son dernier album Sentimental Fool ! Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Depuis quelques années, l'amapiano est en plein essor au sein des scènes club du monde entier. Ce style de musique sud-africain, hybride de deep-house, de jazz, de basses percutantes et de rythmiques traditionnelles africaines, insuffle un vent de fraîcheur aux sonorités électroniques actuelles.Lors du Sakifo Festival à La Réunion, j'ai eu le privilège de rencontrer la rappeuse et poétesse Sho Madjozi, nouvelle étoile de la scène sud-africaine, qui crée une musique hybride puissante et engagée. Elle rappe dans sa langue natale, le tsonga, ainsi qu'en swahili, sur des productions complexes, mêlant subtilement le hip-hop aux styles underground de son pays, tels que le gqom. Panafricaine engagée, Sho Madjozi a été inspirée par la verve de ses parents, militants anti-apartheid, ainsi que par les soirées électro shangaan. Ses expériences de vie sont toutes aussi enrichissantes pour sa construction musicale, allant de son village natal isolé dans le Gazankulu, au nord du pays, à ses voyages avec ses parents au Sénégal et en Tanzanie, en passant par ses études aux États-Unis. Toutes ces influences ont façonné une plume singulière et riche. Sous le nom de Maya The Poet, elle est déjà une écrivaine précoce, mais c'est en adoptant le nom de Sho Madjozi qu'elle incarne véritablement la jeunesse créative et bouillonnante de l'Afrique du Sud.Avec déjà deux albums à son actif, des collaborations prestigieuses et des performances sur les plus grandes scènes internationales, Sho Madjozi s'impose comme une étoile montante qui promet de briller longtemps dans l'univers musical. Son mélange audacieux de cultures et de genres continue d'inspirer et d'émerveiller la jeunesse du continent Africain et de la scène club internationale. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Cet été, lors de mon séjour au festival Sakifo, j'ai été bluffé par la prestation du groupe Madiakanou. Ce groupe est crée par Jean Frédéric Madia, un des percussionnistes les plus talentueux de l’ile, qui a œuvré avec les plus grands, et connu pour avoir ravivé l'œuvre du mythique Granmoun Lélé au sein du collectif Génération Lélé, ou par sa présence dans le fameux groupe Lindigo. Avec ce dernier, il sillonnera la planète et les scènes internationales, et en profitera pour approfondir ses connaissances dans les musiques afro-descendantes dans les caraïbes (notamment Cuba) ou dans les musiques percussives d'Afrique de l'Ouest, plus particulièrement les sonorités traditionnelles mandingue. Il voyagera dans ces pays et se formera naturellement au djembé, dunumba, et au kamelen ngoni, qu'il va fusionner avec sa musique de cœur avec qui il a grandi dans les servis kabaré, le maloya. Opérant au chant et avec ce panel d'instruments, Madia va s'entourer de musiciens talentueux pour former Madiakanou, une fusion habile et singulière des rythmiques de l'Océan Indien avec ses racines ancestrales africaines. Leur premier album N’Yabou est sorti vendredi 15 septembre sur le label Nomad Roots Records. C'est d'ailleurs au bord de cet Océan, quelques heures avant son concert, que Madia me plonge dans l'histoire de son premier projet solo. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

De retour du Sakifo, festival emblématique sur l'île de La Réunion ! Au gré de ces trois jours, cinquante-deux concerts répartis sur cinq scènes, au bord de l'océan Indien, là-bas j'ai pris une fois de plus plusieurs claques musicales, notamment lors du concert de Bamba Wassoulou Groove !Le groupe malien est né en 2013 sous l'impulsion du percussionniste Bamba Dembélé, l'un des fondateurs du Super Djata Band, l'un des plus grands groupes maliens. Il avait pour ambition de faire revivre l'esprit de cet orchestre, en perpétuant la mémoire d'un de ses membres légendaires, le guitariste Zani Diabaté, disparu en 2011. Après un premier album et des tournées à l'étranger, Bamba Dembélé décède prématurément en 2018. Le groupe, ne lâche rien, est brave et est surtout bien décidé à perpétuer le travail entamé par leur fondateur. C'est désormais Maguett Diop, le batteur de la formation, qui reprend le flambeau, afin de perpétuer l'énergie de ses compagnons de route avec qui il a fait partie des plus grands groupes dans les années 70. Bamba Wassoulou Groove : Bamba pour le fondateur, Wassoulou pour la région d'origine de leur groupe, l'une des plus culturelles, et Groove pour leur funk-rock hybride mêlé de traditions mandingues. Au sein de ce combo surpuissant doté de trois guitares, le chanteur alterne micro et mégaphone, et met en valeur l'histoire et la poésie maliennes d'une manière inédite, qui n'est pas sans rappeler les nuits torrides des soirées à Bamako dans les années 70.C'est le lendemain de leur concert mémorable sur la scène Poudrière du festival que je retrouve Maguett Diop au petit-déjeuner, au sein du charmant hôtel Le Lindsey à Saint-Pierre. Cadre parfait pour écouter l'aîné raconter l'histoire hors du commun de cette formation et découvrir leur dernier album en date, "Dankelé", traduction : les braves ! Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lors du Radio Meuh Circus Festival, je suis parti à la rencontre de Santrofi, les nouveaux prophètes du Highlife ! Ce groupe ghanéen incarne le renouveau de ce genre musical mythique, bande son du panafricanisme, emprunt de sonorités traditionnelles, de palmwine music (la poésie et la musique des rues de Accra). Ce son des élites ghanéennes indépendantiste prônant une grande vie pour leur peuple (d’où le nom « highlife »), est inspirée par les fanfares antillaises présentes dans la capitale du pays depuis les années 1940. Cette musique sera portée par le premier président du Ghana, père du panafricanisme. Un style mélancolique, dansant, puissant, et habité; qui connaîtra un âge d’or dans les années 1960 et 1970, avec des artistes tels que Ebo Taylor et Pat Thomas.Un héritage réinventé : Aux côtés des légendes du passé et des nouvelles voix émergentes, une nouvelle génération de musiciens s'est hissée sur les scènes internationales. Parmi eux, le bassiste et producteur Emmanuel Ofori Kodjo et sa troupe ont décidé de fonder Santrofi, offrant ainsi un nouvel élan au Highlife. Le nom du groupe fait écho à l'oiseau rare du même nom, dont les chants ensorcelants et les ailes multicolores symbolisent leur démarche artistique unique. Ces huit musiciens talentueux propulsent le Highlife vers de nouveaux horizons, visant à reconnecter cette musique avec la jeunesse et à lui donner une envergure mondiale. En 2020, ils ont publié leur premier album, "Alewa", sous le label allemand Outhere Records, ravivant ainsi l'essence même du Highlife et démontrant la puissance et la détermination de cette formation. Emmanuel Ofori, leader de Santrofi, nous plonge dans les origines de ce projet ambitieux et affiche clairement sa volonté de restituer au Highlife la place qu'il mérite. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Je suis parti au Transbordeur à la rencontre de Max Romeo à l'occasion de sa tournée d'adieu. Véritable légende vivante, de The Upsetters à ses collaborations avec Lee Scratch Perry ou encore The Rolling Stones, le chanteur est connu par tous les amateurs de reggae de la planète. Depuis le début des années 1960, sa voix résonne dans les sound-systems, les radios, et dans les festivals. Monument incontesté du reggae roots, Max Romeo à plus de cinquante-cinq ans de carrière, plus de six-cent chansons et une trentaine d'albums.Maxwell Livingston Smith, de son vrai nom, nous plonge dans ses souvenirs les plus précieux. Ses débuts avec The Emotions, son alias Max Romeo qui lui vient de son son style lover, et de sa voix de velours.En solo, l'artiste s’impose rapidement comme un des représentant phare du reggae. Dès 1968 , son titre "Wet Dream" deviendra un hit et sera même censuré par la BBC en raison de paroles un peu trop légères.Il a collaboré avec les meilleurs producteurs de Jamaïque, période où il s’engage dans le mouvement rastafari au début des seventies.Il sortira de véritable hymnes, à la fois politiques et spirituels, tel que One Step Forward, War Ina Babylon, ou encore le fameux Chase The Devil. Après des dizaines d’albums renommés, Max Roméo accompagne sa tournée d’adieu d’un nouveau disque, The Romeo Legacy, le chanteur y partage son héritage en réinterprétant ses anciens titres dans des versions inédites. Il invite dessus des artistes jamaïcains de différentes générations de l'histoire du reggae, ses enfants, Xana Romeo et Azizzi Romeo, mais aussi Capleton, ou encore Marcia Griffiths et d'autres grandes voix de l'île. À mes côtés, barbe blanche et sapé élégamment, humble, spirituel et charismatique, Max Romeo a 78 ans, me raconte les coulisses de sa tournée ultime et de sa vie.Interview et réalisation : Mathieu GirodVoix française Max Romeo : Rémi Tchangodei Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Fulu Muziki, "le son des poubelles" en lingala, cette formation né dans le quartier de Ngwaka, véritable labyrinthe de rues dans Kinshasa, la capitale de la République Démocratique du Congo. Ils se définissent comme une assemblée Eco-Friendly-Afro-Futuristic-Punk du fait de créer une nouvelle musique, qu'ils nomment Twerkanda, une sorte d'afro disco-house post soukous explosive, composée uniquement a partir d'instrument fait de matériaux qu'ils ont eux-même recyclés et assemblés. Il en est de même pour leur costume, futuriste et DIY, crées à partir d'assemblage de fils de fer, de tuyaux ou de chambres à air. Fulu Miziki incarne le bouillonnement créatif de Kinshasa, ils se sont fait rapidement repérés leurs instruments surprenants faits de tube en pvc, ou de vieux matériel informatique et tout autre déchets recyclable. Cela leur a permis de se faire découvrir par le grand public grâce à leur passage remarqué au fameux festival ougandais, le Nyege Nyege en 2019. Depuis des tournées internationales, des singles, un EP et un nouveau spectacle qu’il présente depuis ce début de mois. Découverte du parcours hors du commun du groupe, des rues de Kinshasa aux scène du monde.  Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Dobet Gnahoré, véritable star en Afrique, elle est considérée comme une des plus grande voix du continent de ces vingt dernières années, la lauréate d'un Grammy Awards, est connue pour ses chorégraphies à couper le souffle, sa présence scénique et ses interprétations riches en émotions. Pour raconter sa vie, tellement riche par son art et ses rencontres, il faudrait écrire plusieurs livres. Mais pour la comprendre, il faut revenir dans l'enfance de la chanteuse. Elle a grandi au sein de Ki Yi M'Bock. Une communauté auto-gérée d'artistes panafricains dirigée par la poétesse Werewere Liking et dont son père Boni Gnahoré fait parti. C'est au sein de cette compagnie théâtrale et musicale que Dobet va grandir et se former au théâtre, à la danse et surtout au chant. Dès 12 ans elle consacre sa vie entièrement a son art au sein de cette société artistique. Sa carrière va ainsi débuter et donner lieu à de nombreuses collaborations musicales. En 1996, elle rencontre le guitariste français Colin Laroche de Féline avec qui elle forme le groupe Ano Neko. Elle va ensuite développer ses projets sous son propre nom et va rapidement acquérir une notoriété internationale qui lui permettra de sillonner les plus grandes scènes du monde et de travailler avec les plus grandes voix. Récompensée, intègre, engagée et féministe, elle va faire passer ses messages en chantant avec sa voix douce et puissante dans plusieurs langues et sur une musique mariant différents genres musicaux. Au gré de ses albums, Dobet fusionne les rythmiques traditionnelles ivoiriennes et d'Afrique de l'Ouest avec la pop, la soul et l'électro. Depuis son dernier album en date "Couleur" sorti sur le label Cumbancha, la chanteuse démontre les multiples facette de son talent à travers des singles rivalisant avec l'afrobeats ou l'afropop actuelle. En parallèle, elle est marraine de nombreuses artistes africaines qu'elle met en avant. La transmission est très importante pour Dobet Gnahoré. C'est dans sa demeure française qu'elle va me raconter comment on lui a transmis toutes ces valeurs dès son enfance, à Ki Yi M'Bock. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Le 11 février 2023 au Trianon, j’ai rencontré une légende vivante de la musique sénégalaise, Omar Pène.Voix d’or du pays de la Teranga, cela fait plus de 50 ans que le chanteur propose une musique incomparable qu’il nomme l’Afro Feeling.Tout commence pour lui au début des années 1970, hésitant entre une carrière de footballeur ou de musicien, il se fait repérer grâce à son timbre de voix par le musicien Baïla Diagne en recherche d'un chanteur pour son groupe. Omar Pène intégrera dès lors le Kadd Orchestra qui deviendra après quelques fusion le mythique Super Diamono de Dakar.Cette formation emblématique a marqué les esprits de plusieurs générations en Afrique grâce à leur musique hybride, qui fusionne mbalax et sabar avec les sonorités latines, jazz-funk.C'est dans ce groupe qu'on verra également se distinguer une autre grande voix du pays, Ismaël Lô. Omar Pène est fédérateur, il rassemble des musiciens talentueux autour de lui et se fera remarquer à l'international à travers ses tournées et albums ( plus de 600 chansons à son actif).Ses textes et sa musiques sont engagés, panafricains, et abordent de nombreux faits sociaux et politiques. C'est le cas de Climat, son dernier album en date (Diamono Production / Contre-Jour). Le chanteur alerte sur les changement climatiques et conseille et prépare les nouvelles générations. Il s’entoure dans ce disque de la crème de la nouvelle scène sénégalaise dont le guitariste Hervé Samb à la rélaisation de ce dernier, ou encore du bassiste Alune Wade. Juste avant son concert, humble, et souriant, le papa du groove sénégalais nous raconte son histoire. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Ce mardi est le jour du carnaval de la nouvelle Orléans, c’est durant cet événement et depuis plus de cent-cinquante ans, qu'une communauté noire de la Nouvelle-Orléans arbore des costumes flamboyants pour rendre hommage aux Indiens qui ont aidé a se réfugier leur ancêtre marrons qui ont fui l'esclavage, ce sont les Black Indians. Pour célébrer cet esprit amérindien, les chefs de cette communautés, les Big Chiefs sortent leurs vêtements colorés faits de plumes, et dansent et chantent des rituels afro-amérindiens. Leur musique puise dans les rythmes d’Afrique et dans la culture syncrétique de la Louisiane notamment dans les sonorités produites au sein de l'emblématique jardin public de Congo Square, lieu de commémoration et de fêtes, l'un des berceaux de la culture afro-américaine et du jazz.Lors des Trans Musicales de Rennes, j’ai pu rencontrer deux leaders, chanteurs et percussionnistes Black Indians, Big Chief Romeo, membre du gang 9th Ward Hunters, et un autre chef d’un gang rival, Big Chief Jermaine, membre du 7th Ware Creole Hunters, ensemble, ils ont réunifié les clans et crée le 79rs Gang. Autour de ce binôme, toute une équipe de musiciens aguerris qui incarne ce bouillonnement culturel de la Nouvelle Orleans. L’occasion de découvrir leur histoire singulière, faite de luttes, de spiritualités et de métissages musicaux. Au sein de leur deux albums, Fire On The Bayou et Expect the Unexpected, les chants des Big Chiefs fusionnent avec l'héritage musical africain et les sonorités du bayou, et au jazz, au hip-hop et aux sonorités électroniques.Juste avant leur concert, Big Chief Romeo, accompagné d'un des musicien du gang, me raconte leur histoire et celle des Black Indians. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Ezra Collective, tout comme leur complices de Kokoroko ou Yussef Dayes, font rayonner la scène jazz britannique en proposant une lecture nouvelle ouverte sur les musiques de l’atlantique noire, l’afrobeat, le highlife, le reggae, le dancehall ou bien le hip-hop, ces cultures musicales africaines et afro-descendantes qui ont été amenés en partie par les diasporas pour reconstruire Londres après la seconde guerre mondiale. Ce collectif incarne avec brio le bouillonnement culturelle la capitale anglaise. Véritable laboratoire, cette formation fondé par le batteur anglo-nigérian Femi Koleoso, rassemble de nombreux talents, dont son frère TJ à la basse, le  claviériste Joe Armon-Jones, le trompettiste Ife Ogunjobi et le saxophoniste ténor James Mollison. Cette bande de pote, va mêler toutes leur influences au sein de leur EP et albums et vont parcourir les scènes internationales et surprendre par leur maîtrise du groove et leur façon de combiner créativité et héritages musicaux.  Biberonnés à Fela, ayant collaboré avecTony Allen ou Damon Albarn, le collectif veut rendre son pouvoir dansant au jazz. C’est le cas de leur nouvel album Where I'm Meant To Be, sorti en novembre dernier sur le label Partisan Records. Ezra Colletive nous fait voyager dans le Londres afrobeat, jazz, dub des sound-systems ainsi que dans la scène hip-hop, grime, des musiques qui ont nourries leur leader Femi, qui se remémore les souvenirs du groupe et les détails de la création de leur nouveau disque. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

J'ai rencontré Lova Lova quelques mois avant la sortie de son nouvel EP dans un cadre particulier, au bord de l'Océan Indien, sur l'île de La Réunion dans le cadre de son concert au festival Sakifo.L'occasion de découvrir en avant-première ce disque, et d'en savoir plus sur l'univers incroyable de celui que l'on surnomme prophète post moderne, cyber-punk, hommes des rêves, ou maître tonnerre. Wilfried Luzele, de son vrai nom, a grandi à Kinshasa, dans le quartier de Bandalungwa, au cœur de la bouillonnante capitale de la République Démocratique du Congo. Malin et débrouillard, la rue va être son terrain de jeu, il va se faire connaître en tant que rappeur mais aussi en tant que sapeur, en intégrant le clan des "Japonais". Mais c'est surtout sa voix rauque et en même temps douce comme les chanteurs de rumba qui va le faire poursuivre sa carrière. Au fil de ses disques, Lova Lova dévoile une musique puissante qui fusionne les rythmes traditionnels de son pays avec le soukouss, le ndombolo, mais aussi avec le rock, le hip-hop et l'électro. Lova Lova cri la colère de la jeunesse, les espoirs et les luttes de son peuple face aux troubles politiques. En chantant en tshiluba, lingala, kicongo et en français, il partage sa poésie sur une musique nouvelle, d'une autre dimension, à l'image d'un Sun Ra ou d'un Franco et le TP OK Jazz à leurs époques. Bokonzi, son nouvel EP produit par Benjamin Lebeau entre la France et le Congo, signifie le pouvoir, l’artiste y aborde les complexités de l’histoire congolaise, et des rapports humains. Vêtu d'une cape rouge cousue sur une veste faites de matériaux recyclés, et portant des lunettes multi-visions, Lova Lova m'a raconté sa vie, des ghetto de Kinshasa, à son nouvel EP, sorti le 3 février dernier. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Si vous voulez vous procurer des disques de rare groove en tout genre et surtout des merveilles d'Afrique, des caraïbes ou des Amériques, foncez les yeux fermés au 7 rue d’Algérie dans le 1er arrondissement de Lyon, à Sofa Records ! C’est dans ce disquaire de passionnés que s’est produit en show-case le contrebassiste Kham Meslien. Après avoir œuvré pendant vingt ans aux côté du groupe Lo’Jo, le musicien a sorti en septembre dernier son premier album solo “Fantomes Futurs” sur le label Heavenly Sweetness. Une aventure sonore captivante, où les cordes du virtuose nous emmènent vers des réminiscences de musiques anciennes, de rythmes gnawas, afrodescendants, de charango, de jazz et même de sonorités électroniques. Ce disque introspectif et émouvant fut joué en live devant un public conquis niché parmi les milliers de vinyles présents. Juste après ce moment unique, c'était l’occasion d’aller rencontrer Kham Meslien et de découvrir son univers musical habité. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Cette formation crée en 2014 est formée autour de Derya Yıldırım, chanteuse et multi-instrumentiste turque vivant à Hambourg, c'est dans cette ville qu'elle rencontrera lors d'un festival plusieurs musiciens d'Europe, qui deviendront le Grup Şimşek. Ensemble, les musiciens se baladent dans les sonorités traditionnelles turques, mais aussi dans la pop anatolienne des sixties et des seventies, ou bien encore dans le jazz,les musiques psychédéliques. Le groupe propose un univers atypique et envoûtant, niché entre plusieurs époques, sur lequel Derya munie de son Bağlama, chante sa poésie. En novembre dernier le groupe à sorti son nouvel album Dost 2, deuxième volet d'un double album sorti sur le label suisse Bongo Joe Records. Si l'on doit traduire Dost, c'est pour exprimer la célébration de l'amitié, une histoire qui dure pour le groupe depuis presque 10 ans, que nous raconte Derya Yıldırım accompagné de son claviériste Graham Mushnik. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Un groupe était particulièrement attendu lors des Trans Musicales de Rennes. C'est juste avant leur concert dans le Hall 3 le 9 décembre 2022, que j'ai pu rencontrer les membres de Şatellites. La formation de Tel-Aviv propose un voyage musical psychédélique entre les eaux claires de Jaffa et Istanbul de la fin des sixties. Leur histoire débute par le voyage d'Itamar Klüger (joueur de saz du groupe) dans les montagnes du Kaçkar, au nord-est de la Turquie. C'est dans ce trip initiatique qu'il découvre le son du bağlama saz, ce luth à long manche à cordes pincées à l'histoire et au son unique. Il va alors perfectionner son jeu et rejoindre des musiciens à la recherche d'un joueur de cet instrument. Le formation se développe et devient un sextet, ensemble ils crée un répertoire sonore pointu qui puise dans la révolution musicale anatolienne des sixties. Une époque où les saz sont électrifiés et propulsés dans un univers folk, rock fait de notes de guitares et synthé psychédéliques. Şatellites redonne vie à des titres rares de cette période en y apportant leur propre influences. Une musique hybride jailli de leur premier album éponyme (label : Batov Records), qui ravive l'âge d’or de la pop psychédélique anatolienne ou du mouvement musical arabesque. D'Israël en 2022 à l'Anatolie des années 1960 et 1970 en passant par les scènes internationales, Şatellites raconte son aventure musical qui ne fait que commencer. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Le 8 décembre 2022, Jojo Abot effectuait son premier concert en France à l'occasion de la 44ème édition des Trans Musicales de Rennes. Juste avant de fouler la scène du Hall 8, la charismatique chanteuse, performeuse multimédia, actrice, et musicienne ghanéenne me retrouve pour me décrire son univers sonore envoûtant. Au look afropunk, dotée d'une tunique et d'une perruque rouge, de tatouages et de piercings et d'un regard perçant, Jojo Abot me livre ses souvenirs. Elle a baigné dans la culture Éwé de son pays, aux sons des musiques ancestrales et du highlife.L’artiste a développé au fur et à mesure son propre genre musical qu’elle nomme“’afro-hypno-sonic music", croisement habile de sonorités afro-futuristes, de hip-hop, de soul et d'électronique. Sur ces rythmiques ancestrales et digitales mariant bass music et percussions, la chanteuse alterne envolés méditatives et rap puissant. À travers ses chansons et albums, Jojo Abot délivre une ode à la femme, à la sexualité, à l’amour et sinsurge contre les abus et injustice. Avec son univers imtrospectif, mystiaue et révolutionnaire, l'artiste bouleverse les codes. Installée à Brooklyn depuis plusieurs années, Jojo alterne performances théâtrales, opéras, films, concerts et albums. De son premier EP Fifya Woto qui l’a fait remarquer en 2015, en passant par ses disques et innombrables projets, Jojo Abor est ume chanteuse énigmatique, incomparable et surtout talentueuse. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

C'est lors de leur concert à l'Opéra Underground dans le cadre de la soirée Black Atlantic Club que je rencontre le chanteur bassiste centrafricain Bibi Tanga accompagné de sa bande, les Selenites.Ce quintet afro-groove rétro-futuriste puise leurs sonorités dans l'âge d'or des musiques Afrique et du funk moderne. Croisement des influences musicales des membres du groupe, les musiciens ont présenté dans l'amphi de l'Opéra leur nouvel album "The Same Tree". De Bangui à Paris, Bibi Tanga raconte son parcours et son aventure avec The Selenites en compagnie du producteur et DJ, Professeur Inlassable, et du violoniste, claviériste et producteur, Arthur Simonini. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Le 9 novembre 2022 dans l'amphi de l'Opéra de Lyon, je rencontre Leyla McCalla. Cette chanteuse, violoncelliste, banjoïste et guitariste américaine incarne le nom de cette soirée dédiée aux musiques de l'Atlantique noir. Né au sein d'une famille militante d'immigrés haïtiens, la future jazzwoman va voyager entre New-York, le Ghana et la Nouvelle-Orléans où elle vit depuis plusieurs années. Leyla se fait connaître tout d'abord au sein du fameux groupe de cordistes Carolina Chocolate Drops, avant de s'aventurer en solo afin de développer une musique panafricaine singulière. En chantant en créole et en anglais, sa poésie est soutenue par un univers musicale métissée puisant dans l'héritage cajun, les sonorités afro-caribéennes, le blues et le jazz. Au gré de ses albums, elle s'intéresse à des penseurs afro-américains, aux faits sociaux, aux répercussions du capitalisme et à ses origines. Après des années de recherches pour mettre en exergue les témoignages, les luttes et les voix du peuple haïtien diffusés par Radio Haiti en pleine dictature, elle décide de leur rendre hommage au sein de son nouvel album "Breaking The Thermometer". Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

C’est après son concert remarqué le 13 novembre 2022 au sein de l’auditorium du Musée des Confluences de Lyon que j’ai pu rejoindre Danyel Waro. Humble, au regard bienveillant et aux cheveux en bataille, le chanteur-poète et musicien me parle de manière sincère, comme si j’étais de la famille. Ce sentiment de camaraderie pousse l’artiste à m’inviter dans sa vie, sa découverte du maloya, ce blues de l’Océan Indien aux racines africaines, malgaches et indiennes, officieusement interdit par les autorités et qui ne survivait que dans quelques familles. Le natif du Tampon découvrit cette musique lors d’un concert de Firmin Viry lors de la fête du Parti Communiste réunionnais. Ce moment sera marquant, ces sonorités ancestrales et ces chansons revendicatives vont l’imprégner et lui faire prendre conscience de son identité réunionnaise. Il reprend le flambeau, joue, chante et fabrique même des instruments. Son maloya puise dans les différentes cultures de l’Océan Indien et sa poésie est au service de la cause créole, qu’il met en avant au sein de ses albums. De sa jeunesse à Trois Mares, à la découverte de la musique par les disques de sa sœur, les journées de travaux dans les champs à couper la canne à sucre, ou encore son emprisonnement pour refus du service militaire jusqu’à sa dévotion pour le maloya et ses albums dont “Tinn Tout”, le dernier en date, Danyel Waro nous raconte. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Dernier opus de cette mini série dédiée à l'île Maurice aux côtés de Babani Records. Fondé en 2017 par le producteur, graphiste, dj, vj, connexionneur, Avneesh, ce label d’activistes et de passionnés défendent le patrimoine musical de leur île et des Mascareignes. Avneesh  s’entoure de diggers mauriciens tels que Armand Figaro, Vashish Sookul ou de l’ethnomusicologue Arno Bazin, plus grand collectionneur de disques de l’Océan Indien. Ensemble, ils vont partir à la quête d’archives sonores oubliés afin de les préserver et de les remettre en lumière par un travail de réédition et de rencontres avec les artistes phares du séga, du jazz, soul et funk des années 1960 à 1980 (Ti L’Afrique, Claudio Veeraragoo).Sauvegarder mais aussi faire rayonner le travail artistique des nouvelles générations en signant leurs albums et en les programmant dans de nombreux lieux. Les cultures de l’Océan Indien brillent grâce à Babani Records et c’est juste avant mon retour en France, à l’aéroport Sir Seewoosagur Ramgoolam que Avneesh (qui est aussi celui qui m’a permis ce voyage) me raconte l’importance de son label. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Quelques jours après mon passage au MOMIX, les membres du label Babani Records (véritable défenseur du patrimoine musical de Maurice par un travail de collectage et de préservation/réédition) m'emmènent à Port Louis capitale de l'île. Là bas, j’ai pu rencontrer le chanteur Roland Fatime, plus connu sous l’alias de Ti L’Afrique, le plus soulman des ségatiers. Redécouvert en Europe via la compile Soul Sok Séga (Strut records), éponyme à l’un de ses fameux titres, ce personnage inimitable de soixante-quinze ans doté d'une énergie d’un gosse de dix-sept ans, a une vie hors du commun. Il en a eu surtout plusieurs…Masseur, marin, médium, animateur, et surtout chanteur, Ti L’Afrique a plus de cinquante ans de carrière et est le créateur d’un séga soul qui puise dans les traditions de Maurice et dans les influences soul-funk afro-américaines. Posé au bar à mes côtés, il me raconte ses souvenirs (entrelacés de taquineries) de docker, de pêcheurs qui l’ont amené en Afrique du Sud, les bêtises, puis le début de la musique avec son célèbre titre Rosanna Chérie L'amour qui lui fera gagner un prix qui lui ouvrira les portes d’un univers qui perdure toujours aujourd’hui. En deuxième partie d’émission, le Babani crew continue à me balader dans l'île jusqu'au Nord-Ouest dans la région de Pamplemousse, pour interviewer un autre pilier du Séga des années 1970, Claudio Veeraragoo. Chanteur, auteur-compositeur, multi-instrumentiste, cet artiste est incomparable dans son œuvre, que ce soit en solo ou avec son Satanik Group, Claudio a marqué Maurice avec un sega psychédélique très dansant inspiré des rythmes africains et des mélodies bollywoodiennes. Redécouvert également en Europe par des rééditions de certains de ses titres dans des compilations sur des labels prestigieux (Strut records, Bongo Joe Records, Born Bad Records), le légendaire artiste s’apprête à célébrer ses 55 ans de carrière avec des remise en lumière de projets d’antan et de nouveaux disques. C’est dans sa maison, où il a son propre studio, qu’il va me montrer la création de son séga en jouant sur différents de ses synthés, et va me livrer cinq décennies d’aventure musicale. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Du 30 septembre au 2 octobre 2022, j'ai quitté Lyon pour me rendre au MOMIX, le plus important marché de la musique de l’île Maurice. Une quatrième édition visionnaire et métissée articulée autour de conférences, d’échanges, d’ateliers et de concerts. Une mise en valeur unique du patrimoine et du vivier culturel immense de ce territoire peuplé de différentes communautés : hindous, africains, créoles, chinois, arabes et européens ont peuplé Maurice au fil des époque. Une île nichée entre Madagascar, La Réunion et L'inde, rythmée par les sonorités africaines, mais aussi par des genre musicaux typiques tels que le Séga, le Seggae (mélange de séga et de reggae popularisé par l’artiste iconique Kaya) ou encore par les chants sacrés bhojpuri apportés par l'immigration ouvrière indienne au XIXème siècle.Tous les soirs au N'Joy, lieu culturel basé à grand Baie, au nord de l'île, j'en ai profité pour assister aux showcases et pour rencontrer quelques artistes qui ont fait vibrer la scène. La chanteuse sud-africaine de soul Ntunja m'a présenté son univers zulu futuriste et habité, la multi-instrumentiste et chanteuse Emlyn est revenue sur sa vie et m'a ouvert à la tradition du tambour la Ravanne qu'elle mêle à différentes influences. Mais aussi, le charismatique accordéoniste et chanteur Wendada, venu de l'île voisine Rodrigues qui m'a présenté sa culture et sa musique Séga Tambour. Et enfin, Stephan Rezannah, fondateur du Momix et du label Jorez Box est revenu sur l'importance de cet événement. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Cette rencontre, je l'ai gardé au chaud, comme un secret, presque un an avant la sortie de son premier album. C'était lors du MaMA Music & Convention au Trianon à Paris, que James BKS m'a raconté sa vie, faite de révélations, de hasards, de surprises et surtout, de musique. Son alias, BKS pour "Best Kept Secret", en référence à un titre du mythique rappeur Pete Rock, mais aussi un clin d’œil à son propre destin. Un secret bien (le mieux) gardé qu'il découvrira bien après son séjour aux Etats-Unis où il oscillait entre des matchs de Basketball et des productions pour les plus grands noms du Hip-Hop. C'est lors de son retour en France qu'il découvre l'existence de son père biologique, le célèbre Manu Dibango. Un bouleversement qui va déclencher chez l'artiste une résilience et un changement dans son approche artistique. Il compose pour son père, part en tournée à ses côtés et se lance dans une nouvelle quête, musicale et personnelle. Il en découle un projet hybride, à la fois ancré dans les traditions africaines, afro-descendantes et afropéennes. Wolves of Africa (Universal Music Division Polydor) est son premier album. Fruit d'un long cheminement personnel où James BKS rappe, et combine aisément le bikutsti, le makossa, les percussions bantoues et le beat Hip-Hop. Une parcours hors du commun que James BKS nous partage dans cet opus de #NovaDansLaGueuleDuMonde. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

De retour d’un été à arpenter les festivals et les concerts aux quatre coins de la planète, je commence cette saison de #NovaDansLaGueuleDuMonde en partageant ma rencontre avec Ibeyi le 8 juillet dernier dans le théâtre antique de Lyon. Les sœurs Lisa-Kaindé et Naomie Diaz ont toujours baigné dans la musique,  entourées par leur mère Maya Dagnino et Anga Diaz (célèbre percussionniste qui a œuvré dans Irakere et le Buena Vista Social Club). Dans leurs veines coule sans aucun doute la même énergie créative. Elles ont su mettre en exergue la culture Yoruba hérité du Nigeria et importée à Cuba par les esclaves au XVIème siècle, et l’ont associé au hip-hop, à la soul et à l'électronique. Depuis 3 albums ont vu le jour dont “Spell 31”, le dernier en date sorti chez XL Recordings. Un titre titre inspiré par le livre des morts égyptien, aux sonorités envoûtantes, nappés de détails minutieux, de samples de leur père, et de chants évoquant l’amour, la résilience ou l’engagement. Prêtes à partager cette énergie débordante sur les scènes après deux ans de confinement, elles m’ont raconté leur histoire fusionnelle. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

 Quelque mois avant son nouvel album "Braquage de pouvoir", j'ai pu rencontrer Tiken Jah Fakoly lors du mythique festival réunionnais, le Sakifo qui a fêté ses 18 ans du 3 au 5 juin 2022. Au bord de l'Océan, charismatique et à la fois bienveillant, le chantre de ce reggae mandingue me raconte sa vie et ses luttes. Né au nord-ouest de la côte d’ivoire dans une famille de Forgeron, fils de guerrier, Tiken va rapidement être imprégné du reggae et commencer à à vouloir diffuser ses messages sur cette musique jamaïcaine aux racines africaines.Son engagement lui vaudra des menaces de mort, il sera contraint à l’exil pendant plus de 5 ans. C’est durant cette période qu’il s'installera au Mali et  sortira les albums cultes, "Françafrique" et "Coup de gueule". Depuis, les années ont passé, mais sa musique a continué, et ses messages aussi. Onze albums où l'artiste mêle le reggae aux sonorités traditionnelles mandingue. Le Le fameux basse-batterie ou encore le skank fusionne avec la kora ou le balafon sur lesquels Tiken Jah Fakoly va chanter les espoirs et les peuples de plusieurs générations. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Koman i lé ? (comment allez-vous en créole réunionnais), je reviens d’une semaine à la Réunion dans le cadre du IOMMA - plus grand marché des musiques de l'océan indien - et du fameux festival le SAKIFO qui a fêté ses dix-huit ans ! C’est là bas au bord du lagon de Saint-Pierre au sud de l'île intense, que j’ai rencontré l’une des grandes voix du maloya, Zanmari Baré. Il représente dignement cette musique rebelle et emblématique de l’île car héritée des esclaves aux racines africaines, malgaches et indiennes. Il y amène sa poésie et différentes influences afin d’ouvrir de nouveaux chemins au maloya. Juste avant son concert, il me rejoint avec son regard perçant et son attitude humble. Il me raconte sa jeunesse, ses débuts dans la musique dès l’école lorsqu'il tapait ses premiers rythmes sur une boite de conserve vide. Mais surtout, le chanteur se confie sur sa rencontre avec Danyel Waro, sur la fierté de sa créolité. Il se remémore son groupe Lansiv et son premier album solo Mayok Flér. Il raconte son deuxième disque Voun ainsi que son nouvel opus Sizi. Un hommage à sa mère, ses parents, à sa vie et sa culture, qu’il chante d’une manière inimitable. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Surnommée la Aretha Franklin africaine, Oumou Sangaré est une des plus belles voix du continent Africain, adulée par Beyoncé, et de nombreuses stars internationales de plusieurs générations. Femme puissante et hyperactive, Véritable working girl, artiste, business-woman bienfaisante, Oumou crée des entreprises d'hôtellerie, d agriculture, des compagnie de voiture pour créer de l'emploi au Mali mais aussi des festivals pour promouvoir la culture wassoulou et les femmes. C’est l’esprit de son nouvel album "Timbuktu" (World Circuit Records), un de ses meilleurs disques. Sur une musique riche qui marie habilement blues, riff électriques et sonorités traditionnelles mandingues et rythmes du wassoulou, Oumou Sangaré va chanter sa culture d'une manière sincère et inimitable. C'est pendant sa tournée que je retrouve la chanteuse charismatique autour d'un café, elle m'emmène dans son enfance (elle qui chantait déjà dans des stades à 5 ans) jusqu'aux États-Unis, où elle a composé ce nouveau disque en plein confinement. Celui-ci pourrait être le roman de sa vie mais aussi de l'histoire de la musiques malienne qui sera une des sources de la culture afro-américaine. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

25 ans que le groupe touareg Etran de l'Aïr parcoure le Niger pour embellir les fêtes de mariage avec leur musique rock métissée de rythmiques du désert, de blues et même de soukouss. Une multitude d'influences à l'image de leur bouillonnante et multi-culturelle capitale Agadez. Ce band familial, composé de frères nomades s'est installé dans l’Aïr depuis les années 1970 pour fuir les sécheresses. Les groupes de guitares font partie intégrante du tissu social, ils jouent dans les mariages, les baptêmes et les rassemblements politique. C'est dans un de ces événements que le producteur américain Christopher Kirkley les découvre et décide de les signer sur son label Sahel Sounds. Ils enregistrent en quelques jours dans un studio mobile à la maison pour faire naître "Agadez", un album roots qui exalte les ambiances de fêtes, de bar haoussa, de blues et de rock saharien. Lors de leur première date en France, au mythique Grrrnd Zero, j'ai pu revenir avec cette formation sur leur histoire inhabituelle, des concerts nocturnes dans les mariages de leur quartier Abana aux scènes du monde. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Souriante, détendu et charismatique, la jeune chanteuse franco-américaine s'est livrée quelques minutes pour me partager ses multiples vies. Fille de la manageuse et productrice de concert, spécialisée sono mondiale, Valérie Malot, et du saxophoniste new-yorkais, David Murray, collaborateur de John Coltrane, Crystal Murray a été bercé par le jazz, la soul et le hip-hop. Elle se fait connaître à Paris dès l’adolescence dans le crew de modeuses Gucci Gang. Puis c'est le début de sa carrière musicale avec son premier EP "I Was Wrong" qui la fera rapidement connaitre auprès du grand public. Crystal est sincère, libre, elle brise les codes, ne voulant pas être enfermé derrière une image ou un style musical, elle peaufine son univers et vient de dévoiler le 11 février son nouvel EP "Twisted Bases". Sur ce disque engagé, mettant en valeur les femmes, l'amour, et alertant sur de nombreux préjugés, elle alterne rap et chant sur des sonorités rnb électronique, nu soul, pop grime et two-step. Crystal Murray représente le futur du groove sous toute ses formes et me raconte de manière humble son parcours. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lors de son premier concert à Paris dans le cadre du MaMA Festival & Convention, la rappeuse et chanteuse malienne Ami Yerewolo m’a raconté son destin musical unique. Aminata Dianoko de son vrai nom, fait partie de cette nouvelle génération africaine incarnant une nouvelle vision du hip-hop, qui puise dans les rythmes traditionnels et les sonorités électroniques. Depuis 10 ans, Ami sillonne les scènes maliennes avec son flow percutant en bambara ou en français. Engagée, féministe, résistante, elle incarne avec brio cette culture underground en effervescence sur le continent Africain. La rue, son terrain de jeu, ses inspirations, elle va d’ailleurs se produire dans les "balani show", ce sound-system bamakois DIY diffusant des productions électro-mandingues sur lesquelles la rappeuse va toaster. Lauréate du prix RFI découverte, elle crée dans la foulée en 2017, le festival, Le Mali a des rappeuses , pour mettre en lumière  les artistes hip-hop féminines. Un deuxième album l’a fait tourner à l’international et lui permettra de rencontrer le chanteur et producteur camerounais Blick Bassy qui la fait signer sur son label Othantiq AA. Il va l’aiguiller pour qu’elle exprime son propre univers au sein d’un nouvel album “AY” sorti en avril dernier. La rappeuse dévoile une nouvelle facette du hip hop et des musiques africaines et poursuit son engagement en faveur des femmes et de la culture mandingue. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lors des 40 ans du festival Jazz à Vienne, j’ai eu l’honneur de retrouver le pianiste et organiste malien Cheick Tidiane Seck. Ancien pilier du Super Rail Band de Bamako aux côtés de Salif Keita et Mory Kanté dans les années 1970 puis membre des fameux Ambassadeurs dans les années 1980. Puis il sera propulsé sur le devant de la scène grâce au chef-d'œuvre Sarala, coréalisé avec Hank Jones en 1995 et continuera à composer et sortir des disques dont le fameux Guerrier, mêlant habilement musique mandingue et jazz. Durant ces quarante dernières années, Cheick a joué avec les plus grands, Wayne Shorter, Carlos Santana, ou Randy Weston à qui il a rendu hommage avec un album sorti sur le label Komos : "Timbuktu - The Music of Randy Weston” qu’il a joué dans une création unique ce soir là dans le théâtre antique de Vienne en composant ce spectacle avec le maître du guembri Majid Bekkas. Cheick Tidiane Seck se remémore ses souvenirs de musicien et son histoire avec le regretté pianiste américain. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lors de ce festival incontournable, j'ai pu rencontrer le rappeur belge d’origine congolaise Badi. De son vrai nom, Badibanga Ndeka, l'artiste a grandi à Bruxelles influencé par le son de ses ainés, forcément la rumba congolaise avec son groove inimitables et ses idées panafricaines, qui vont le marquer. Mais dans la capitale belge dans les années 90, Badi va baigner dans la vague hip-hop qui déferle sur le monde et va rapidement devenir un acteur notoire de cette scène. Tout d'abord avec le collectif le Chant D. Loups puis en solo. Badi n’aime pas être enfermé dans un genre musical, pour cela il développe un univers afrofuturiste mêlant rap, afro house et rythmiques et mélodies congolaises vintages. Pour associer ces musiques et soutenir son discours engagé au sein de son nouvel album "Trouble Fête", il fait appel au fondateur de l’Ancestral Soul, pointure dans la house, le producteur et dj centrafricain Boddhi Satva. Ce dernier signera ce disque sur son fameux label Batakari. Un album où le rappeur rend hommage aux cultures africaines et afro-descendantes tout en leur ouvrant la voie vers le futur. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Oghene Kologbo est né à Warri, au Nigéria en 1957. Son père, Joe King Kologbo, était un célèbre musicien de Highlife. Dès l’adolescence, Kologbo a commencé à jouer avec le maître de l’Afrobeat et révolutionnaire Fela Kuti. Kologbo enregistrera plus de 50 disques avec son groupe Afrika 70. Il jouait les lignes hypnotiques de guitare ténor, mais bien souvent c’est aussi lui qui jouait la basse et la guitare rythmique sur les disques. Kologbo était l’assistant personnel de Fela, son magnétophone, il mémorisait les mélodies qu'il lui murmurait afin de garder une trace des inspirations des futurs titres phares afrobeat du Black President. En 1978, après un concert au festival de jazz de Berlin, Kologbo a quitté le groupe, accompagné de Tony Allen et quelques autres, et s’est installé à Berlin. Il collabore avec beaucoup d’artistes renommés tel que Brenda Fassie, King Sunny Ade, ou encore avec le groupe de reggae Roots Anabo. En 2005, Kologbo intègre l’Afrobeat Academy, le meilleur groupe d’Afrobeat de Berlin, qui par la suite a donné naissance au groupe du guitariste Ghanéen Ebo Taylor, puis à celui du chanteur Ghanéen Pat Thomas. En 2007, Kologbo se lance en solo avec un premier album en hommage à Fela puis un nouvel album Africa is The Future sorti sur le label français Paris DJs. Un album qui est le résultat d’une énergie collective. On retrouve ses compères Tony Allen, Pat Thomas ainsi que le deejay Joseph Cotton, la chanteuse Ayo, et des membres de Frères Smith, d’Antibalas et du Newen Afrobeat. Kologbo livre sa version de l’afrobeat du XXIème siècle dans sa forme la plus pure, mélangeant les inspirations d’origine et les styles plus modernes. Il en profite pour nous raconter en détail la naissance de ce disque et nous raconte comment est né l’Afrobeat dans les années 70 quand il côtoyait Fela Kuti ou encore Orlando Julius.« Tous mes souvenirs sont cool, je les apprécie mieux maintenant. J’essaie de tous les partager, car si je meurs, ils vont disparaître et on va plus s’en rappeler alors je les transmets gratuitement le plus possible. Les gens achètent mes places, viennent me voir, et me disent que de partout au Rwanda, au Niger, tout le monde écoute l’afrobeat. Je suis content, le rêve de Fela se réalise et l’afrobeat devient connu mondialement. » Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lors des Trans Musicales de Rennes, j'ai rencontré le duo d'extraterrestres IKOQWE. Composé du beatmaker & batteur Coqwe (Batida) et du rappeur Iko (Ikonoklasta), ces deux musiciens à l'attitude étrange ont leurs visages camouflés par des bandages suite à leur crash sur Terre. Depuis ce moment, le binôme va étudier l'être humain, nos comportements, ainsi que nos différentes cultures et traditions. De ces observations est né leur album "The Beginning, The Medium, The End And The Infinite" (Crammed Disc), un disque afro-futuriste mêlant les sonorités traditionnelles angolaises avec le hip-hop et différents genres musicaux électroniques (afro-house, kuduro digital). Sur cette musique puissante et pointue, les deux complices combattent la négativité de l'humain, le clivage nord-sud et le néo-colonialisme tout en proposant des solutions au sein de textes rappés percutants. Apparemment derrière ces combinaisons étranges et visages dissimulés, ce serait peut-être deux artistes activistes angolais : le beatmaker Batida, fin producteur, activiste, icone du kuduro digital, et le rappeur militant Ikonoklasta !(La réponse au sein de ce podcast). Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

C'est à Paris, fief des 10 musiciens, que Michaël Havard (aka Wako), saxophoniste et co-fondateur du brass-band, me reçoit accompagné de leur chanteur et percussionniste Julien Cordin. Cela fait maintenant plus d'une décennie que la formation diffuse sur les scènes internationales leur formule explosive mêlant l'énergie d'une fanfare avec les sonorités mandingue du balafon mais aussi les grands genres musicaux qui ont fait l'âge d'or des musiques du continent africain dans les 60's et 70's. Balaphonics est né en pleine tournée du groupe d'ethio-jazz français Arat Kilo. Une partie des musiciens décide de marier leurs influences respectives telles que la rumba, le soukouss, le bikutsi, avec la puissance d'une fanfare. Ce laboratoire donne naissance à AfroMassivSoundSystem, leur premier album, qui les fera voyager à travers le monde. Notamment le Mali, où ils enchaîneront les collaborations avec des musiciens et des grandes voix du continent, qu'ils inviteront sur quelques titres de leur EP Balamako. Pour synthétiser au mieux ces rencontres et ces expérimentations, le groupe est retourné en studio, au fameux Mastoïd, pour concocter une nouvelle mixture sous la houlette de l'ingénieur du son Maxime Lunel. Ils ressortent avec "Spicy Boom Boom", leur album le plus aboutit, où chaque titre navigue entre plusieurs pays d'Afrique et époques. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Quelques minutes avant son concert au festival Jazz à Vienne dans le théâtre antique, la chanteuse sénégalaise m’a raconté son parcours et son univers sonore métissé et spirituel. Révélée en tant que choriste aux côtés du légendaire batteur architecte de l’afrobeat, Tony Allen, la chanteuse va partager les scènes et poser sa voix aux côtés des grands noms de la musique du continent Africain tels que Youssou N’Dour, Lokua Kanza, Miriam Makeba, Oumou Sangaré, Femi Kuti et bien d’autres. Julia Sarr s’installe en France, il y a plus de vingt ans et enchaîne les collaborations artistiques, même de genres musicaux éloignés du sien. Cette polyvalence va lui permettre de fusionner les époques et les styles, comme pour son album Set Luna (Label No Format, 2005), réalisé avec le guitariste de jazz et de flamenco, Patrice Larose. Elle mêle sa voix mezzo-soprano aux différentes polyphonies africaines, sur une musique inspirée des sonorités mandingue, du jazz, et du flamenco. Julia Sarr se fait un nom et se produit sur les scènes internationales comme le prestigieux Carnegie Hall de New York. Les années passent, les collaborations et concerts s'enchaînent, et Julia présente un premier album solo en 2014, Daraludul Yow.  Elle y aborde la spiritualité, la culture sénégalaise, l’humain, et des sujets de sociétés sensibles. Au sein de ce disque rythmés par les tama, le sabar, le ngoni ou la kora, elle laisse une place majeur au piano pour accompagner sa voix en invitant au fil des morceaux, cinq pianistes de renom, Jean-Philippe Rykiel, Bojan Z, Mario Canonge, Fred Soul et Samuli Mikkonen. Elle profite de ce moment pour partager sa philosophie et présenter en avant-première son futur album qui tend vers la nu soul. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lors de la désormais célèbre Black Atlantic Club, cette soirée amorcée par le Dj James Stewart au Sucre, j’ai rencontré le trio sénégalais Guiss Guiss Bou Bess.En wolof, “nouvelle vision”, le groupe bouleverse les codes de la sono-mondiale en apportant une nouvelle dimension pour les sonorités ancestrales sénégalaises.Le groupe est né de la rencontre entre le sénéglais Mara Seck, son acolyte percussionniste Aba Diop et le beatmaker et sociologue français Stéphane Costantini. Ensemble, ils ont décidé d’apporter une nouvelle ère à un des styles et instruments les plus emblématiques du pays de la Teranga, le Sabar.Leur chanteur, percussionniste et danseur Mara Seck est l’héritier du sabar par ses parents. Cet enfant du quartier bouillonnant de la Médina à Dakar est issu d’une grande famille de musiciens. Son père Alla Seck, parolier de Youssou N'Dour dans l’incontournable Super Étoile de Dakar l’a naturellement initié aux différentes traditions et courants musicaux du Sénégal. Sa mère a également joué un rôle important, griotte dans le célèbre Sing Sing Family, l’a formé aux danses et aux différents arts culturels du pays. Ce bagage culturel puissant, Mara va le mêler à son quotidien de citadin dakarois, rythmé par le hip-hop et les sonorités club. Il forme alors le groupe Guiss Guiss Bou Bess avec Aba Diop et Stéphane Costantini avec comme ambition d’électroniser le Sabar en mariant les percussions rituelles aux basses Uk garage, au grime et dubstep et aux beats house. Véritable laboratoire, la formation propulse les traditions dans des ambiance futuristes et explosives, accompagnées de chants spirituels et rassembleurs.Les membres du groupe, Mara et Aba portent le message des Baye Fall, une branche mystique de l’Islam appartenant au mouridisme, fondée par Cheikh Amadou Bamba. Un mouvement qui a joué son rôle dans la résistance aux autorités coloniales et dans le partage de valeurs humanistes au Sénégal. Guiss Guiss Bou bess s’en imprègne avec une musique panafricaine qui brise les frontières, unifie et pousse les musiques ancestrales et les grands styles musicaux du continents vers le futur. Ils nous racontent leur histoire et présentent leur album Set Sela (Helico Music). Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lors des 40 ans du festival Jazz à Vienne en juillet dernier, j’ai rencontré le bassiste et chanteur camerounais Richard Bona à l’occasion de son concert aux côtés du pianiste cubain Alfredo Rodriguez. Plus de 20 ans que le musicien amène un jeu de basse singulier dans le jazz et les musiques afro-descendantes au sein de ses albums et dans ses nombreuses collaborations. De Minta au Cameroun à Paris, puis à New York, lorsque Harry Belafonte le repère, Richard Bona va entamer alors une nouvelle carrière aux Etats-Unis, où il réside toujours aujourd’hui. C’est dans ce pays, que dans les années 1990, Joe Zawinul voit en lui un héritier de Jaco Pastorius, et lui propose de devenir un élément clé de son Syndicate. Richard va se faire un nom notamment grâce à son groove unique. Il transpose les différentes rythmiques du continent Africain dans les lignes de sa basse et va de fait enrichir beaucoup de genres musicaux,  au point d’être considéré comme un des meilleurs bassistes de la planète. Avec plus d’une quinzaine d'albums à son compteur, Richard Bona croise les styles et les époques dans des sonorités mêlant les traditions d’Afrique à leurs héritages outre atlantique. Visionnaire, panafricain aux lignes de basse inimitables et à la voix envoûtante, le musicien raconte son parcours hors du commun. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Le 30 avril 2020, le batteur Tony Allen, monument de la musique africaine, nous a quittés. Architecte de l'afrobeat avec Fela Kuti, le musicien a multiplié ces dernières décennies les projets musicaux, brassant les genres et multipliant les rencontres. De ces moments de partage et de vie, deux musiciens français s’en sont inspirés pour poursuivre un travail malheureusement inachevé suite à la disparition du maestro. François-Xavier Bossard alias Fixi, l'accordéoniste de Java et Nicolas Giraud (trompettiste qui a accompagné Manu Dibango et Claude Nougaro) ont côtoyé très tôt Tony Allen, depuis 25 ans. Ils ont joué et créé ensemble et même produit quelques disques du batteur. Le batteur était une sorte de sage pour eux. “Tempo Tempo !” Leur disait-il lors de leurs séances de création. Cette citation devient le leitmotiv d’un album hommage, “Tempo Tempo! A Tony Allen Celebration”, Une conversation entre les compositions de Fixi et Nicolas Giraud, les enregistrements de batterie laissés par Tony Allen, et des chanteuses et chanteurs issu.es de près ou de loin de la sphère familiale ou musicale du batteur nigérian. Fixi raconte sa carrière, du groupe Java à cette célébration musicale vibrante à Tony Allen aux côtés de Romain Giraud. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Rencontre avec la flûtiste-chanteuse,et muti-instrumentiste guadeloupéenne pour découvrir son premier album "Wastral". Née à Paris, Célia Wa a grandi en Guadeloupe et va être très vite initiée aux musiques traditionnelles afro-caribéennes comme le gwo-ka et le kaladja en intégrant l’école Marcel Lollia du célèbre professeur et musicien Georges Troupé. Elle trouve rapidement son instrument de prédilection, la flûte traversière, qu’elle ne délaissera jamais depuis sa première scène à l’âge de 12 ans. Les tournées commencent avec le big-band Kimbòl avec qui elle sillonne les festivals internationaux. Décidée à brasser plusieurs influences musicales dans ses compositions, elle rentre en métropole pour intégrer l'American School of Modern Music de Paris. Elle multiplie dès lors les collaborations en amenant son univers dans ExpéKa Trio aux côtés du batteur Sonny Troupé et de la rappeuse Casey. On la retrouve aussi dans l’album et le live du chanteur David Walters. En parallèle, Célia Wa développe son propre univers musical en mariant sa voix et les notes de sa flûte, avec les sonorités ancestrales afro-descendantes combinées à des ambiances aériennes, mystiques et électroniques. Au sein de ses différents EP et de son album Wastral (Heavenly Sweetness), la chanteuse et musicienne emmène les différents genres musicaux afro-descendants dans un autre-espace temps, où les traditions du tambour Ka, la soul engagée, le jazz, et le beats digitaux ne font qu’un. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Le 16 juillet dernier, pendant mon séjour au Montreux Jazz Festival, j’ai pu rencontrer le chanteur sénégalais et lyonnais de cœur, Lass. A peine son premier single sorti, le voici propulsé sur la grande Scène du Lac où son concert fut apprécié par le public à l’unanimité. Il a sorti son premier EP le vendredi 22 octobre sur le label Chapter Two Records / Wagram. Au sein de ce disque, il chante d’une manière inimitable avec un timbre tantôt de miel, tantôt puissant, sur un univers mêlant l’héritage des grands orchestres d’Afrique avec l’afro-pop et l’électronique. Lass peut-être considéré comme l’une des nouvelles voix d’or du continent africain. Le chanteur s’est confié sur son destin incroyable. Il se dit sauvé par la musique, lui qui observait dans sa jeunesse à Dakar les prestations de Omar Pène et Ismaël Lô dans le club de Youssou N’Dour, a décidé de reprendre le flambeau. Tout d’abord en se produisant dans les nombreux soundsystem de la capitale sénégalaise, ce qui lui fera éviter un exil spontané en pirogue vers l’Europe avec des amis d’enfance.Quelques années plus tard, Lass s’installe en France, à Lyon, pour démarrer une nouvelle vie musicale. Il fait une rencontre déterminante avec le producteur Patchworks qui décèle en lui ce grain de voix magnétique, qui n’est pas sans rappeler les grands chanteurs de la musique afro-latine sénégalaise. Il intègre alors le collectif Voilaaa et chante avec eux des titres qui deviendront des classiques de leurs albums. Cette aventure de rencontre se poursuit lorsqu’il croise la route du duo Synapson. Même formule, il collabore avec eux et chante le fameux titre “Souba” qui devient un hit. Après avoir sillonné les scènes internationales avec ces différentes musiciens, Lass vient de sortir son premier EP qui rassemble ses multiples expériences musicales ainsi que les différents genres musicaux qui ont cartonné en Afrique, de l’afro-salsa au mbalax, en passant par la house et l’afrobeats, Lass incarne le futur de la musique sénégalaise. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lors de son passage à Lyon pour le festival du Péristyle de l’Opéra Underground, le chanteur, voyageur et multi-instrumentiste argentin Ignacio María Gómez m’a ouvert les portes de son paradis, Belesia. C’est le nom de son album mais aussi celui d’un paradis perdu où les hommes, les animaux, l’eau et les plantes communiquent ensemble. Chanté dans une langue intuitive, comparable aux chants chamaniques des icaros (chants de guérisons des amérindiens), les titres de ce disque sont habités, entre réminiscences du passé et visions futuristes. Ignacio Marcia Gomez propose un voyage sonore mystique au cœur de l’atlantique noir, où les musiques d’Afrique, des Caraïbes et d’Amérique latines communient. À l’image de son parcours, le jeune chanteur d'origine afro-argentine grandit dans une atmosphère musicale métissée à Cordoba, carrefour des folklores de son pays. Cette base et sa soif de curiosité vont pousser le musicien à s’initier aux sonorités mandingues et aux rythmes afro-latins en parcourant l'Amérique du sud, l’Afrique de l’ouest, le Japon et l’Europe. C’est dans ses périples, à Paris, que Ignacio croise le violoncelliste Vincent Segal qui lui présente Ballaké Sissoko et Loy Ehrlich, qui apparaissent sur son album. Belesia unifie les cultures et les époques, les genres musicaux et différentes générations de musiciens, guidées par les notes, l’aura et la voix de Ignacio María Gómez.  Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Pour inaugurer cette rentrée, il me paraît plus qu'évident de laisser Salif Keita, ouvrir le bal. Le 25 juin dernier à Jazz à Vienne à l'occasion des 40 ans de ce fameux événement. La voix d'or du Mali y a joué ses plus grands titres avec une orchestration plus traditionnelle, une mise en valeur de la culture mandingue qu'il représente depuis plus de cinq décennies. Salif Keita, est reconnaissable entre mille, tant par son charisme et son physique que par sa voix. Descendant de la famille fondatrice de l’empire de Mali, il est né à Djoliba en 1949, village au bord du fleuve Niger. Enfant albinos, il vit une jeunesse difficile dans ce pays qui voit sa maladie comme une sorcellerie. Il comprend l’importance de l’éducation pour briser certains tabous et décide de se réfugier dans les études pour devenir instituteur. Cependant, sa mauvaise vue l’empêche d’avoir accès à ce poste. Il va donc se tourner vers une autre passion, la musique. Une véritable infraction aux règles ancestrales de sa famille princière. Il va alors errer dans les rues de Bamako et chanter dans les bars et marchés, ce qui lui permettra de se faire rapidement remarquer grâce à son timbre de voix. Il intègre aussitôt le fameux Rail Band avec qui il remporte le succès en devenant un des chanteurs phares. Quelques années plus tard, il rejoint un autre groupe mythique, les Ambassadeurs du Motel de Bamako avec qui il chantera le tube Mandjou qui lui ouvrira les scènes internationales. Il poursuit ensuite l’aventure en solo avec plus d’une quinzaine d’albums sortis à ce jour. Le prince de la musique mandingue me raconte sa vie hors du commun dans ce nouvel épisode de Nova Dans La Gueule Du Monde. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod s'est rendu de nouveau à Paris pour rencontrer le multi-instrumentiste, globe-trotteur et producteur. Saxophoniste dans le groupe d'ethio-jazz Akalé Wubé. Initiateur du projet sonore coréen Baeshi Bang 배씨방. Il dévoile ses multiples facettes et présente ses deux excellents albums solo Maputo Queens et Kobugi sortis sur son label Muju Records ! Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod vous partage sa rencontre avec le célèbre virtuose de la kora, Ballaké Sissoko. A l'occasion de la sortie de son nouvel album Djourou, le grand griot malien raconte quatre décennies de carrière musicale, de collaborations et de musique mandingue dont il incarne la 51ème génération de sa lignée !Fils de Djelimady Sissoko, directeur adjoint de l'Ensemble Instrumental du Mali, Ballaké va écouter jouer son père durant de nombreuses heures. Un jour, ce dernier lui confie les clefs de sa chambre où reposait sa kora, afin qu'il reprenne le flambeau. Il intègre l'ensemble instrumental national et prend la place de son père après son décès. Il se forme en parallèle auprès de son oncle Sidiki Diabaté, père de Toumani. Héritier d'une tradition séculaire, Ballake Sissoko va entremêler les cordes de sa kora avec d'autres genres musicaux. Il en suivra des collaborations avec de nombreux artistes tels que le pianiste italien Ludovico Einaudi ou le contrebassiste Vincent Ségal, en passant par son projet 3MA au côté du joueur de valiha malgache Rajery et du joueur du oudiste marocain Driss El Maloumi.Son nouvel album sorti sur le label No Format synthétise les nombreuses expériences de Ballaké Sissoko. Djourou signifie la corde, celle qui le relie aux autres, celle également qui lui a permis de perpétuer la tradition tout en l'amenant dans de nouvelles directions. Il en découle un de ses albums les plus aboutis où le kora fola invite au gré des morceaux de ce disque ses différents compagnons de route.  Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Le bassiste vénézuélien raconte son histoire et son expérimentation des rythmes afro-vénézuéliens. De ses collaborations avec The Heliocentrics et Family Atlantica à ses groupes Insólito UniVerso et son fameux Raúl Monsalve y los Forajidos. Mathieu Girod continue ses pérégrinations dans l’hexagone pour donner la parole aux artistes de la sono mondiale. A Paris, il a rencontré le bassiste vénézuelien Raúl Monsalve.Ce musicien chercheur invétéré à la curiosité exacerbée s’est rapidement intéressé aux musiques et aux cultures afro-vénézuélienne, notamment celles de la région de Barlovento. Il va dès lors adapter ses recherches dans des compositions post-rock rythmées par des percussions caribéennes au sein de son premier groupe kRé, qu’il fonde à Caracas.En parallèle il va synthétiser toutes ses influences et les différentes sonorités du Venezuela dans un projet perso, Raúl Monsalve y los Forajidos. Quelques années plus tard, le génie est à Londres, diplômé d'ethnomusicologie en poche.Il croise une compatriote, Luzmira Zerpa, chanteuse au sein du groupe transatlantique Family Atlantica. Cette rencontre le mènera à jouer avec eux ainsi qu’avec l’excellent groupe londonien The Heliocentrics, qui tournait à cette époque avec le grand saxophoniste nigérian Orlando Julius. Avide de rencontre et véritable laboratoire du groove ambulant, Raúl Monsalve quitte l’Angleterre pour s’installer à Paris. Les rencontres fusent et aboutissent sur un nouveau groupe, Insólito UniVerso, une aventure psychédélique dans les musiques des plaines du Vénézuela.Ce voyage sonore lui à aussitôt donner l’envie de créer une suite à son projet initial, Raúl Monsalve y los Forajidos, avec qui il a sorti Bichos, l'un des ses albums les plus aboutis, mariage des traditions de son pays avec l'afrobeat, le funk, le jazz, les sonorités psyché et électroniques. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod a rencontré l'icône du maloya Christine Salem lors de son passage au festival Au Fil des Voix au 360 Music Factory à Paris. La chanteuse réunionnaise, percussionniste et joueuse de kayamba a sorti son nouvel album, Mersi, sorti chez Blue Fanal. Dans ce disque elle rend hommage aux ancêtres dans un maloya roots et revendicatif toujours ouvert sur d'autres sonorités comme le blues et le rock. Elle y prône la paix et sa culture dans une musique incantatoire connectée à ses aïeux. Pour sublimer ce voyage mystique, elle fait appel au violon du virtuose Frédéric Norel et à l'énergie de son fidèle guitariste Seb Martel. Sans oublier ses musiciens et percussionnistes spécialistes du Maloya : David Abrousse et Harry Périgone. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod s’est rendu au 360 Music Factory pour rencontrer le mythique chanteur de rumba congolaise Sam Mangwana à l’occasion de sa venue pour le festival Au Fil des Voix.Né en 1945 à Kinshasa de parents immigrés angolais, Sam Mangwana porte en lui cet exil et cette curiosité et soif de voyage. Bercé aux sons des indépendances et notamment de la rumba à la fin des années 50, le chanteur fait partie de l'époque où naît le panafricanisme. Au début des sixties, il intègre l'African Fiesta du Seigneur Tabu Ley Rochereau. 10 ans plus tard, il rejoint l'orchestre rival d'une autre légende, Franco et son mythique orchestre le TP OK Jazz. Cela en fera une affaire d'État. A cette période, Sam Mangwana voyage pour lutter pour l'indépendance de l'Angola. C'est en traversant des pays d’Afrique qu'il fonde plusieurs orchestres dont le Festival des Maquisards ainsi que le fameux African All Stars avec qui il a proposé les prémices d'un autre genre musical, le soukouss. Depuis une quinzaine d'années, il est retourné dans le pays de ses ancêtres, l’Angola. Il a sorti plusieurs albums dont Lubamba, sorti le 5 février qui signe son retour en Europe.Sam Mangwana porte lui une histoire musicale du Congo et du continent Africain qu’il raconte dans cet opus de Nova Dans LaGueule Du Monde. (Photo : F. Blanquin) Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod est parti à la rencontre du sextet suisse au sein de leur colocation à Genève. Au micro, l'un des membres fondateurs, le guitariste Stefan Lilov, revient sur l'histoire de cette formation née à la suite de jams à Londres lors d'un voyage scolaire. Les six musiciens vont alors créer une musique nouvelle et inclassable. Pour cela, ils puisent dans leurs différentes influences très inspirées de la sono-mondiale des 70's. Des allemands de Can en passant par le nigérian William Onyeabor ou Air, L'Eclair imagine une musique de danse non soumise aux impératifs de la musique club électronique. Exo ou proto-groove, house organique ou encore cold-post dub non conventionnel, la formation se joue des codes et brise les barrières pour tout réunir sous un seul mot : le groove. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

En attendant de découvrir ses futures rencontres, Mathieu Girod termine la troisième saison de #MidiDansLaGueuleDuMonde avec un épisode spécial consacré  aux sorties de l'été avec en prime quelques exclusivités à venir sur les labels Heavenly Sweetness, Out Here Records, Analog Africa, Jarring Effects, Bongo Joe Records, Blanc Manioc, No Format. Au programme un voyage musical entre l'Afrique, les caraïbes et les Amériques avec un tour d'horizon des scènes highlife, afro beats, cumbia psychédélique, afro-jazz et biguine. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

En mémoire de George Floyd, de Adama Traoré et tant d'autres, Mathieu Girod propose un tour d'horizon des musiques de résistance dans le monde. De l'afrobeat nigérian en passant par le reggae, le spoken-word créole ou les musiques mandingue, découverte de 20 morceaux d'artistes engagés dans la cause contre le racisme et les violences policières. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod profite de la présence d'une partie des musiciens du mythique groupe guinéen Les Espoirs de Coronthie pour revenir avec eux sur leur aventure unique qui dure depuis plus de 28 ans. Actuellement en préparation d'un sixième album inspiré par l'âge d'or des musiques guinéennes dans les années 60, ils racontent leur début à Coronthie, quartier populaire de la capitale Conakry, où tout à commencé. Dans ces rues, la plupart des jeunes tuent le temps dans la rue en jouant de la musique ou au foot, les deux rêves d'une jeunesse aux yeux rivés sur les continents du dollar et de l'euro. Une bande de gamin va sous la houlette de leurs aînés, Les Etoiles de Boulbinet, commencer à jouer la musique traditionnelle guinéenne pour lui offrir une nouvelle destinée, Les Espoirs de Coronthie vont naître et bouleverser la culture de leur pays.Le leader Boubacar Camara (Manguê) accompagné des chanteurs Machété Touré et Aly Sylla (Sanso) vont poser leurs voix singulières sur un groove mêlant plusieurs époques musicales de la Guinée. Un mélange de sonorités mandingues, de reggae, de mélodies latines, savamment orchestré par les notes du balafon de Mohamed Camara (Yeliké), par la basse du bolon de Amara Camara (Éric) ainsi que les rythmes percussifs du djembé de Kiza Camara et de la calebasse de Nouha Camara (Colga). Sur cette musique complexe et dansante s'ajoute les résonances métalliques du gongoma (sanza guinéenne) de Boy et la kora de Sory Kandia Kouyaté (aka Kandia Kora) et bien-sûr la danse de Kassa. Ils vont dès lors réveiller la musique ancestrale de Guinée et la propager sur le continent africain. Après un premier album remarqué, ils font la rencontre de Antoine Amigues, jeune étudiant français en ethnologie, qui abandonnera rapidement son carnet de notes pour se joindre au groupe en tant que guitariste. Les Espoirs de Coronthie sont désormais au complet. Ils enregistrent aussitôt un second album, Dunyua Iguiri, qui sera vendu à plus de 70 000 exemplaires.Pendant 15 ans le groupe va sillonner les scènes internationales et enchaîner les disques, dont le très acclamé Fougou Fougou (qui est également le nom de leur centre culturel qu'ils ont crée en Guinée). Actuellement, les membres des Espoirs de Coronthie sont situés entre Conakry et la France. Mengue continue ses discours engagés au sein de son projet solo, Sanso est actuellement le deuxième chanteur le plus côté du pays, Colga, Yeliké, Boy et Antoine ont leur propre projet en Europe. Cela n'empêche pas le groupe de se réunir à l'occasion de tournées et d'enregistrer des morceaux qui deviennent de véritables symboles de fierté auprès de la jeunesse guinéenne. La formation poursuit actuellement son travail de mise en valeur du patrimoine culturel guinéen en préparant minutieusement son retour avec un album en hommage aux orchestres nationaux du label Syliphone aux temps de Sékou Touré.  Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod est parti à la rencontre du plus funky des groupes soudanais lors de leur participation à la Black Atlantic Live Session à l'Opéra Underground. Inspiré par la vague psychédélique funk qui a inondé le Soudan dans les 60's et 70's, The Scorpios a décidé de redonner vie à cet âge d'or d'une manière authentique et sincère.  La plupart des membres du groupe se sont formés dans des mariages et des festivals religieux. Avec la montée du fondamentalisme religieux, le groupe a fui leur pays d'origine pour trouver refuge en Angleterre dans les années 80. C'est à Londres qu'il rencontre le producteur et multi-instrumentiste Adam Bulewski qui tombe amoureux de leur son. Ensemble, ils élaborent une musique qui puise dans le "swinging Khartoum" des années 60 et 70 dont le père de Regia Ishag, la chanteuse du groupe, fût un des principaux artisans avec le mythique The Scorpions.Adoubé en Europe avec la sortie de leur premier album sur le label Afro7, The Scorpios poursuit son expérimentation des sonorités traditionnelles des différentes parties du Soudan avec la funk seventies africaine. En exclusivité, les musiciens dévoilent des extraits inédits de leur futur disque. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Le Montreux Jazz Festival annule son édition 2020, comme beaucoup d'autres grands rendez-vous musicaux. A cette malheureuse occasion, Mathieu Girod sort une interview qu'il avait soigneusement gardée de côté, réalisée dans son festival de prédilection.  Rencontre avec la grande voix coréenne Youn Sun Nah, icône mondiale du jazz vocal, considérée comme la relève de Billie Holiday et Sarah Vaughan. C'est à 5 ans que l'artiste commence le piano. Après des études de lettres et un début de carrière dans la mode, elle se lance dans le chant avec le Korean Symphony Orchestra dans un répertoire gospel. Décidé à poursuivre le chant, elle quitte Séoul pour Paris en 1995 pour étudier le jazz dans la prestigieuse école, le CIM . Elle commencera alors à se produire dans les clubs et enregistrera son premier album. Aujourd'hui, cela fait plus de deux décennies que Youn Sun Nah impressionne par ses techniques de jazz vocal et de swing. Alternant les timbres de voix, capable de passer de l'onomatopée aux pianissimos tout en se munissant de son instrument fétiche, la kalimba, Youn Sun Nah raconte son destin musical dans son nouvel album "Immersion". Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Rokia Traoré est considérée comme une des plus grandes chanteuses du continent Africain de ces 20 dernières années. Toujours à diffuser ses messages sur les scènes du monde, l'artiste malienne, telle une nomade, transporte son art dans les différents pays qu'elle traverse. Le voyage elle le porte en elle depuis son enfance. Fille de diplomate, elle grandit entre l'Arabie Saoudite, l'Algérie, la Belgique et la France. Une jeunesse où l'artiste va s'ancrer dans la musique grâce à sa première guitare que lui offre son père. Elle enregistre ses premiers morceaux en 1995 sous la houlette du grand bluesman malien Ali Farka Touré. Deux ans plus tard, sa participation au Festival Musique Métisses d'Angoulême révèle sa voix au monde et sa carrière prend un tournant.Plus de deux décennies se sont écoulées depuis ce moment, la musique de Rokia Traoré a séduit la planète avec sa musique engagée et riche d'influences. Un mélange subtile de traditions mandingues et de blues-rock soutenu par sa voix inimitable, grave et légèrement voilée, la chanteuse est dotée d'un puissant vibrato avec lequel elle grimpe parfois dans les aigus. Six albums acclamés et récompensés, on ne compte plus les prix obtenus par la chanteuse (World Music Awards de la BBC Radio 3, Victoire de la musique dans la catégorie « musiques du monde » ainsi que le prix de la meilleure artiste aux Songlines Music Awards).  De son premier album "Mouneïssa" en passant par "Tchamantché", "Beautiful Africa" ou "Né So", son sixième et dernier album en date, Rokia Traoré s'engage en musique pour défendre l'humanité et les femmes. En français, en anglais ou en bambara, la chanteuse milite et raconte l'histoire de son peuple sur les scènes internationales.Après son dernier disque, enregistré comme le précédent avec le producteur John Parish, Rokia s'est intéressée en détails à l'histoire du Mali. Elle présentait Dream Mandé Djata, un hommage aux chants griotiques et à l'épopée l’épopée de Soundiata Keïta, fondateur de l'Empire Mandingue au XIIIe siècle. Ce véritable héros national et socle de l'histoire commune des maliens incarne les valeurs de dignité et de résistance dans l'imaginaire collectif. Des vertus que Rokia Traoré affiche si l'on devait faire un parallèle avec sa récente détention et grève de la faim en mars dernier. #Justice4Rokia Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

L'Angleterre continue de s'affirmer comme le nouveau vivier du jazz et de la soul. Mathieu Girod a rencontré au Ninkasi Kao à Lyon, une de ses nouvelles représentantes, Mahalia. Biberonnée par les musiques américaines et par le reggae qu'écoutait sa famille de musiciens et notamment sa mère, une chanteuse d'origine jamaïcaine, la jeune mélomane va très vite reprendre le flambeau.À 13 ans, elle est signée sur un label et dès lors, Mahalia commence a sortir régulièrement des singles et des EP. En 2017, elle se fera connaître au monde avec l'interprétation de son titre "Sober" lors de la session  A Colors Show sur Youtube, qui atteint aujourd'hui plus de 40 millions d'écoutes. Sa soul envoûtante et son r'n'b cosmique va se propager l'année suivante avec son EP "Seasons" qui permettra à Mahalia de faire les premières-parties de Lauryn Hill. Les collaborations vont alors se multiplier. La chanteuse sort en 2018 son nouvel album "Love and Compromise" et en profite pour inviter sur un morceau de sa musique mi old-school, mi futuriste,  la star montante de l'Afro Beats, Burna Boy. Un album riche d'influences et puissant, à l'image de la carrière de l'artiste.  Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod est parti rencontrer le musicien iconique du reggae, Clinton Fearon. Véritable gardien du temple de cette musique, le chanteur, guitariste et bassiste jamaïcain fait parti des pionniers du Reggae Roots.  C’est en 1969 qu’il rejoint le légendaire groupe The Gladiators, au chant, mais aussi à la basse et à la guitare.  Une formation qui deviendra emblématique dès les années 70 avec des titres comme  "Chatty Chatty Mouth" et "Rich Man Poor Man" devenus cultes aujourd'hui, et dont Clinton Fearon était l’interprète.Dans cette période, on le retrouvera en tant que musicien de session au Studio One de Coxsone et au Black Art Studio du légendaire Lee "Scratch" Perry. À la fin des années 80, lors d'une tournée aux Etats-Unis avec les Gladiators, Clinton  décide de rester là-bas et de s'aventurer en solo. Il formera tout d'abord The Defenders avec quelques membres du groupe puis son propre projet solo accompagné d'une nouvelle formation, The Boogie Brown Band. Depuis les années ont passé, une quinzaine d'albums à son actif, dont son nouveau, History Say (Baco Records), un disque où le chanteur raconte cinq décennies d'histoire du reggae et de la musique de son île. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Rencontré en amont de la soirée "Tribute to Roy Hargrove" lors du Jazz à Vienne, Chucho Valdés, celui que l'on surnomme le "Mozart cubain" se confiait sur sa rencontre avec le trompettiste américain pour le projet américano-cubain Crisol. L'occasion pour le géant du jazz cubain (récompensé de neuf Grammy Awards) de raconter ses débuts aux côtés de son père Bebo Valdés, alors directeur artistique du cabaret La Tropicana à la Havane. Un lieu qui le formera au jazz et aux musiques afro-descendantes, il accompagnera de nombreuses pointures telles que Nat King Cole ou Sarah Vaughan.Initié par son père aux sonorités afro-caribéennes qu'il incluent dans des rythmes appelés "Batanga", Chucho va s'intéresser de plus en plus au tambour batá, instrument sacré de la religion yoruba à Cuba. Une fois Bebo exilé en Europe pour fuir le régime castriste, Chucho va suivre le chemin paternel en sortant un album concept qui révolutionnera la musique afro-cubaine, Jazz Batá, en 1972. Il constitue ensuite différents groupes, notamment le Orquesta Cubana de Música Moderna, puis le fameux groupe Irakere, qui le fera connaitre au monde.46 ans plus tard, le célèbre pianiste revisite son mythique album de 1972 en sortant Jazz Batá 2. Un disque qui marque également le centenaire de Ramón »Bebo » Valdès (1918-1913). Chucho Valdés livre une expérimentation sonore complexe et riche d'influences en tissant un lien d’une manière inédite entre le panthéon yoruba, les musiques afro-cubaines et le jazz. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Grand ami de notre cher et regretté RKK (Rémy Kolpa Kopoul), Bonga  s'est livré au micro de Mathieu Girod lors de son passage l'été dernier au Festival Jazz à Vienne. L'occasion pour cette légende de la musique angolaise de replonger dans sa jeunesse en Angola, ses rencontres, son exil en Europe, sa carrière de sportif avortée pour la musique. Voix de la décolonisation, son timbre rauque et son univers vont populariser le Semba, qui deviendra le style musical de la résistance angolaise.La vie de cet homme est un roman. José Adelino Barceló de Carvalho, de son nom africain, Bonga Kuenda, quitte l'Angola alors colonie portugaise dans les années 60 pour mener une carrière d'Athlète à Lisbonne. Champion du Portugal du 400 mètres en 1968, Bonga s’engage dans la lutte pour l’indépendance après avoir rejoint le club sportif Benfica. Recherché par la police politique en raison de son engagement, le sportif va vite troquer ses médailles pour la musique et la résistance en s'exilant à nouveau. Il arrive à Rotterdam au sein d'une forte communauté cap-verdienne et commence à composer avec eux. Il adopte le nom de Bonga Kuenda et enregistre un des plus grands albums de la musique africaine,«  Angola 72 ». Il est alors avec Fela Kuti, le premier artiste africain a renouer avec les formes ancestrales de la musique du continent. Depuis, presque 50 ans se sont écoulés, le chanteur continue à véhiculer ses chansons, ses idées politiques et ses souvenirs quelques fois nostalgiques, emprunts de "saudade". C'est la thématique de son dernier album en date "Recados de Fora" (messages d'ailleurs), qu'il présente en détails dans cet épisode de #MidiDansLaGueuleDuMonde. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

A l'occasion de son émission spéciale ce mardi soir sur Nova pour sa venue aux Inrocks Festival, Mathieu Girod partage sa rencontre avec Chassol qui jouait en exclusivité Ludi au Montreux Jazz… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

À l'occasion de sa venue à Lyon pour les Nuits Zébrées de Nova, Mathieu Girod a rencontré David Walters au 360 Music Factory à Paris lors du Festival Au Fil des Voix.C'est dans cette ville que l… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Lors du Festival au Fil des Voix, Mathieu Girod s'est rendu au 360 Paris Music Factory pour rencontrer M'Toro Chamou. Juste après son concert dans ce fameux lieux niché au cœur du 18ème… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Avant leur concert au Montreux Jazz Festival dans le Liszto Club, Mathieu Girod avait rencontré le plus funky des groupes napolitains, Nu Guinea. L'occasion de parler de leur fameux album Nuova… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod démarre l'année 2020 en rencontrant une légende du highlife ghanéen, Gyedu-Blay Ambolley. Croisé au début de l'hiver lors du Tribu Festival à Dijon, le chanteur et multi-instrumentiste… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod revient sur sa rencontre avec le plus iconique des musiciens africains, Manu Dibango. Lors de son "Safari Symphonique" au Jazz à Vienne, un concept afro-jazz et classique qui célèbre… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Juste avant son concert dans le théâtre antique de Lyon lors du festival Les Nuits de Fourvière, le bluesman camerounais s'est livré au micro de Mathieu Girod sur son quatrième album "1958".… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Après son concert remarqué à Jazz à Vienne, Mathieu Girod est parti à la rencontre de la poétesse et chanteuse haïtienne  Moonlight Benjamin. L'artiste charismatique à toujours mêlé les genres… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Ils annoncent un nouvel album pour février 2020, Mathieu Girod a rencontré  le groupe pour découvrir en exclusivité ce futur opus, à l'occasion de leur passage au péristyle de l'Opéra de Lyon l'été… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

C'était le 20 juillet dernier lors du Festival les Nuits de Fourvière, notre reporter Mathieu Girod a rencontré le légendaire chanteur sénégalais Youssou N'Dour.Doté d'une voix faite de ténor et… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod est parti à la rencontre de celle qu'on considère comme l'héritière de Césaria Evora.  Mayra Andrade présente son nouvel album Manga, son histoire personnelle qu'elle chante dans une… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

C'est dans les quartiers cosmopolites du sud de Londres qu'une bande de jeunes musiciens décident de s'inspirer des sons de leurs aînés pour créer une musique nouvelle marquant ce lien… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Réaliser un marathon de festivals sous le plomb de la canicule ? On a tenu le pari harnachés de nos casques, de nos micros et de notre bravoure. Mathieu Girod est allé à l’assaut du Montreux Jazz… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

A l'occasion de leur tournée anniversaire célébrant 40 ans d'aventure avec une date prévue le 7 juillet à Jazz à Vienne, Mathieu est parti à la rencontre de leur guitariste chanteur, Jacob Desvarieux… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Mathieu Girod à profité de ses pérégrinations lors de Nuits Sonores pour rencontrer, au café, le leader du groupe amstellodamois. Connu pour avoir été le batteur de Jacco Gardner et de Altin Gun, ce… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Pour comprendre leur musique explosive mêlant spiritualités africaines, rythmes percussifs, soul et esprit punk, Mathieu Girod est parti à leur rencontre.BCUC (pour Bantu Continua Uhuru… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Des marchés de Mtandiré, leur bidonville de la capitale Lilongwe, aux scènes internationales, les deux musiciens ont sorti leur nouvel Wasalala sur le label suisse Bongo Joe Records. C'est dans… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

C'est à son hôtel, autour d'un café, le lendemain de sa prestation lors d'une soirée Mawimbi à Paris, que Déni Shain nous raconte ses 20 ans de voyages et de recherches musicales autour du monde.… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Au 62 Rue Mazarine dans le 6ème arrondissement de Paris, les clients dansent jusqu'à l'aube sur la mezzanine/forêt vierge de la fameuse brasserie l'Alcazar. Une fois par mois se tient les Cancan… Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.