Léman est un phénomène en pleine ascension. Avec près de 8 millions de streams sur les plateformes d'écoute, 400 000 abonnés sur les réseaux sociaux, et des millions de vues sur TikTok et YouTube, il s'impose comme une nouvelle voix incontournable de la scène musicale française. Connu pour sa reprise humoristique et mélancolique de « La danse des canards » qui a cumulé des dizaines de millions de vues sur les réseaux sociaux, Léman dévoile aujourd'hui un projet beaucoup plus personnel et profond, mêlant pop et rock. Avec son premier EP, "On est plein", Léman, le jeune artiste lyonnais, fait une entrée remarquable sur la scène musicale. "On est plein" se compose de titres qui touchent à des thèmes universels tout en restant profondément personnels. Les chansons de Léman sont imprégnées de bienveillance et de solidarité, abordant des sujets comme la résistance face à l'adversité et la quête de sens dans un monde complexe. Il ne s’interdit pas une critique exacerbée contre l'exécutif. Il propose aussi une réflexion sur ses privilèges d’homme blanc hétéro et se livre dans une chanson poignante sur l'alcoolisme de son père. Musicalement, Léman continue d'évoluer, mêlant ses racines rock à des sonorités pop modernes. “On est plein” est une belle réussite et prouve que le lyonnais est un artiste complet, capable de toucher et bien plus qu’un phénomène sur les réseaux sociaux. Pour les fans impatients de le voir en live, Léman se produira à La Maroquinerie à Paris le 28 novembre prochain. Léman, nouvelle recrue de la scène francophone est de toute évidence un artiste que l’on va garder dans nos radars. Il a toutes les qualités pour profiter d’une belle carrière.

Je vous propose de plonger dans l'univers musical envoûtant de Gracie Abrams. Autrice compositrice et interprète, elle est californienne et n’a que 24 ans. Son deuxième album, "The Secret of Us", est sorti pour la fête de la musique, pour le premier jour de l’été. On ne pouvait pas passer à côté. Gracie Abrams est une étoile montante de la pop, déjà acclamée par quelques popstars. La première : Taylor Swift pour qui elle a assuré plusieurs de ses premières parties. Billie Eilish compte aussi parmi ses fans. Avec ce second opus, Gracie Abrams propose une musique plutôt mélancolique, une pop intimiste qui se révèle aussi de temps à autre lumineuse. Son style est souvent qualifié de "bedroom pop". C’est dans l’écriture que la jeune américaine s’est démarquée. Gracie Abrams écrit, à seulement 24 ans, des chansons qu’elle puise directement dans ses expériences personnelles, offrant des paroles qui résonnent profondément avec sa génération. Elle explore ses sentiments avec une véritable sincérité. Elle dissèque ce que chacun de nous peut ressentir avec beaucoup de précisions et une sensibilité assez rare. "The Secret of Us" est un album où Gracie Abrams se livre sans détour comme elle si bien le faire. Elle avait déjà été remarquée pour cela dans son premier opus sorti l’année dernière. Dans “The Secret of Us”, l’américaine explore l’ensemble de nos relations, la perte, et la nostalgie. Le morceau "Us", un duo avec Taylor Swift, est une réflexion sur une rupture. Elles partagent leurs regrets. "The Secret of Us" est produit par Aaron Dessner de The National, qui apporte une dimension supplémentaire à la production de l'album, enrichissant les morceaux avec des arrangements subtils et poignants.

Camila Cabello est de retour. Née à Cuba, elle est arrivée aux États-Unis à l’âge de 6 ans et a grandi dans un univers musical riche, bercée par les rythmes latins et les figures emblématiques de la pop allant de Michael Jackson à Christina Aguilera. En 2012, elle démarre sa carrière au sein du groupe Fifth Harmony, qu’elle quitte quatre ans plus tard pour se consacrer à sa carrière solo. Son premier album "Camila", sorti en 2018, a été un véritable succès, notamment grâce à l’hymne "Havana". Aujourd’hui, Camila revient avec une quatrième production, "C,XOXO". Ce nouvel opus est une ode à la féminité et à la sensualité. La chanteuse présente ce disque comme un regard sur la vie et ses surprises, sur nos doutes, nos faiblesses et nos remises en question. Il est le reflet d’une artiste en pleine affirmation de soi et en pleine progression artistique depuis ses débuts dans l’émission X Factor en 2011. Camila Cabello a construit sa carrière en partageant son héritage cubain et en mélangeant ses influences à des sonorités pop. Elle ne déroge pas à ce principe dans cette nouvelle production. Camila Cabello offre un album varié allant de l'hyper pop à des morceaux plus urbains et dansants. On y trouve également des touches de hip-hop, montrant sa capacité à intégrer différentes influences musicales tout en créant un album cohérent et captivant. Avec "C,XOXO", Camila Cabello confirme sa capacité à évoluer en tant qu’artiste et à offrir des expériences musicales riches et variées à ses fans. Cet album est une étape importante dans son parcours, montrant qu’elle est prête à prendre des risques et à explorer de nouveaux horizons musicaux. Il illustre également sa maturité en tant qu’autrice compositrice et interprète. Elle est capable de naviguer entre différents genres tout en restant fidèle à elle-même. Ne passez pas à côté de ce disque lumineux de Camila Cabello.

En 2021, NTO avait invité Sofiane Pamart à renforcer l’un de ses morceaux, donnant naissance à "Invisible", qui a connu un joli succès. Depuis, les deux musiciens sont devenus amis et ont récemment collaboré à nouveau. Mi-juin 2024, ils ont sorti un album lumineux intitulé "Forever Friends". Cette œuvre audacieuse combine musique électro et classique, démontrant la symbiose entre le pianiste virtuose Sofiane Pamart et le DJ électro marseillais NTO. Tout au long de l’album, Pamart et NTO se soutiennent mutuellement, formant bien plus qu’un simple duo. Leur fusion entre piano et électro mélodique est parfaite. Avec "Forever Friends", NTO mêle ses grooves explosifs à des ambiances cotonneuses, s’appuyant sur la virtuosité de Pamart. Ensemble, ils ont enregistré onze titres à quatre mains, créant un univers sonore complexe et envoûtant. Malgré leurs univers diamétralement opposés, Pamart et NTO se complètent parfaitement sur ce disque. Pamart apporte une touche délicate et mélodieuse, tandis que NTO insuffle une énergie club. Ils s’inspirent mutuellement, créant des morceaux où les notes de piano de Pamart se fondent harmonieusement avec les rythmes électro de NTO, et vice-versa. L’alchimie qu’ils parviennent à créer fait de "Forever Friends" un album unique et profondément émouvant. Ce disque est une ode sincère à l’amitié, à la cohabitation des idées, au vivre-ensemble et au partage. L’amitié est le socle vital de cet album, qui se clôture avec "Manifesto", porté par une voix féminine à la fois douce et déterminée qui rappelle l’importance de se battre pour ceux que l’on aime. En mélangeant leurs talents, Sofiane Pamart et NTO ont créé une œuvre touchante qui dépasse les styles et les univers. Cet album nous rappelle aussi que la véritable magie réside dans le partage et la compréhension de l’autre.

Le duo emblématique Twenty One Pilots, formé par Tyler Joseph et Josh Dun, revient en force avec un septième album, "Clancy" qui vient clôturer l’histoire de ce personnage. Sorti le 24 mai 2024, une semaine après la date initialement annoncée pour pouvoir boucler les clips de tous les titres, cet album referme la trilogie commencée en 2015 avec "Blurryface" et poursuivie par "Trench" trois ans plus tard. Depuis février dernier, Twenty One Pilots tease ce retour. Un teasing qui a été méticuleusement orchestré. Les couvertures des anciens albums du duo ont été mises à jour sur les plateformes de streaming, entraînant pas mal de spéculations chez les fans. Fidèle à leur style, Twenty One Pilots propose avec "Clancy" un album-concept où se mêlent santé mentale, luttes personnelles et critiques sociales. Le récit suit Clancy, qui tente de libérer ses concitoyens de Dema, une métaphore de la dépression, régie par une autorité au pouvoir sombre. Les thèmes abordés incluent la quête de sens, l'impact des relations humaines, et la résistance face aux oppressions mentales et sociales. Chaque piste explore des genres variés. Twenty One Pilots mêle habilement hip-hop et rock électronique. Le duo s'aventure aussi dans la pop punk et incorpore des éléments de dream pop et de reggae, enrichissant encore leur palette sonore. "Clancy" se révèle être une œuvre magistrale, mêlant habilement différents genres musicaux et clôturant avec brio une saga narrative commencée il y a presque dix ans. Avec des thèmes profonds et une production soignée, Twenty One Pilots offre un album à la hauteur des attentes, confirmant leur statut de pionniers dans le paysage musical contemporain. Ce retour réussi prouve un peu plus la capacité du duo à se réinventer et à repousser leurs propres limites, consolidant ainsi leur place parmi les artistes les plus innovants de leur génération.

En participant à la Star Academy, Pierre Garnier a gagné le cœur du public qui lui a permis de remporter le télé-crochet en Janvier dernier. Depuis, il est partout et déjà là avec un premier album “Chaque seconde” sorti début juin 2024. En 4 mois seulement, le normand a réussi à enregistrer un album complet tout en assurant la promo de son single et la tournée Star Academy. Ce premier disque de Pierre Garnier était attendu. Quand on écoute “Chaque seconde” on découvre un album touchant, riche et varié. Les compositions des 12 titres de l’album sont poignantes et mettent en valeur sa voix à la fois authentique et vulnérable qui avait déjà séduit les fans et professeurs de la Star Academy. Ce disque se connecte en prise directe avec l’intime de chaque auditeur parce chaque morceau raconte une histoire unique, celle de Pierre Garnier, et pourtant si universelle. “Chaque seconde” alterne entre des ballades mélancoliques et des titres plus dynamiques. On y retrouve toutes les influences musicales de Pierre Garnier : pop, folk et variété française. Son style rappelle des artistes qu'il admire lui-même comme Ed Sheeran et Vianney. La guitare prend une part centrale dans son album. Et pourtant c’est un pianiste qui collabore avec Pierre sur ce disque. Oui, Sofiane Pamart partage le morceau “Pas une larme”. Un moment de douceur qui mélange simplicité et émotion brute. Le texte de cette ballade au piano est très personnel. Le piano de Pamart ajoute une dimension supplémentaire et souligne toute l’intensité émotionnelle des paroles. Pierre Garnier s’adresse à un large public, des jeunes adultes aux générations plus anciennes, chacun pouvant se retrouver dans ses paroles et ses mélodies. Pierre Garnier a déjà annoncé une tournée à partir de janvier 2025. L’engouement a été tel qu’en seulement deux minutes il a rempli sa date à l’Olympia.

Après le succès de son premier album "Dimanche", Emma Peters, l'une des artistes les plus prometteuses de la scène musicale française, revient avec un nouvel opus intitulé "Tout de suite". Emma Peters s’est d'abord fait connaître sur YouTube avec ses reprises touchantes de chansons connues. Ses interprétations de titres comme "Angela" des Saïan Supa Crew et "Doudou" d’Aya Nakamura lui ont ouvert la voie à une carrière plus médiatisée et à la sortie de son premier album. "Dimanche", paru en 2022, a été acclamé pour sa poésie et son romantisme, et a même valu à Emma une nomination aux Victoires de la Musique l’année suivante dans la catégorie révélation féminine. Ce premier album a été un véritable tremplin pour la jeune femme qui s’est tout de suite fait une place sur la scène musicale française. Début juin, Emma Peters a sorti son deuxième album, "Tout de suite". L’autrice compositrice et interprète continue d'explorer une variété de genres musicaux, allant du folk au rap en passant par la bossa nova. Les influences variées d’Emma Peters, des grands noms de la chanson française aux artistes internationaux, se retrouvent dans sa musique. Si on la catégorise avant tout dans la chanson française, elle n'hésite pas à emprunter des sonorités rap, reggaeton et même parfois très pop "Tout de suite" aborde des thèmes universels comme l'amour, la tolérance et les relations familiales. Emma y montre une maturité artistique grandissante, avec des textes qui reflètent des émotions brutes et des expériences de vie personnelles. En seulement deux albums, Emma Peters a su imposer sa voix unique et son style distinctif, s'affirmant comme une artiste désormais incontournable. Emma Peters a également prouvé son talent sur scène, en assurant plus d'une centaine de dates depuis la sortie de son premier album. Une nouvelle tournée est prévue à partir d’ octobre 2024. Emma Peters passera ensuite à l'Olympia en décembre 2024, une étape emblématique pour tout artiste français.

Moins d’un an après la sortie de son acclamé deuxième album "99 Nights", l’autrice compositrice et interprète québécoise Charlotte Cardin revient avec un nouveau mini-album, "A Week in Nashville". Sorti en mai 2024, cet EP est le résultat d'un séjour passé dans la célèbre ville musicale de Nashville dans le Tennessee. "A Week in Nashville" contient trois titres, seulement ! c’est court, c’est intense, c’est un EP. L’idée derrière cet EP est surtout d’aller séduire le public américain et de s’ouvrir un peu plus. La photo de la pochette de l'EP a été prise par le père de Charlotte lors de cette fameuse semaine passée ensemble à Nashville. Musicalement, les arrangements sont dépouillés, plus proches du folk que de la pop habituelle de Charlotte. La chanteuse se dévoile plus vulnérable et authentique. Le titre "Lonely with Our Love" ouvre l’EP. Il est suivi de "I Came Here to Leave You" qui, délaisse le piano pour la guitare. Charlotte Cardin y propose une interprétation différente de ce qu’elle fait d’habitude. On la découvre plus joueuse. La troisième piste, la dernière donc, "Did Life Work Out for You?", raconte la rencontre de la chanteuse avec un ancien amour, sur des discrètes lignes de guitare, mettant en avant la voix émotive de Charlotte Cardin. "A Week in Nashville" est un EP court mais intense, qui dévoile une Charlotte Cardin plus intime et mélancolique. Bien que cet EP ne dure même pas dix minutes, il permet d'apprécier une nouvelle direction musicale prise et qui s'avère plus dépouillée et authentique. On espère désormais que la québécoise jouera ses nouvelles chansons lors de ses prochains concerts. Elle sera sur la scène de la plupart des festivals de l’hexagone cet été avant de clôturer sa tournée européenne à l’Olympia à Paris en décembre prochain. Elle passera aussi et entre autres par Lyon, Nantes et Lille.

Avec son sixième album, Charli XCX dépasse toutes les attentes et livre une véritable collection de hits. Intitulé "Brat », il est à la fois impérieux et cool, nuancé et vulnérable. Il a tous les atouts pour se positionner comme l'un des meilleurs albums pop de l'année. À l'ère des pop stars accessibles et vulnérables, Charli XCX rêve d'un temps où les It Girls étaient des désastres glamour, déchaînées dans les clubs et flashées par les paparazzis. Inspirée par les nuits de clubbing des années 2000, où la musique dance émanait des producteurs de chambre et où les chanteuses pop étaient des divas inaccessibles, Charli a trouvé dans "Brat" une manière de revisiter cette période avec une touche moderne. "Brat" sortie en juin dernier, puise ses racines dans cette époque, marquant un retour à une culture alternative avant qu'elle ne soit absorbée par nos téléphones. Cet album est une réaction à la monotonie des playlists actuelles et à l'obsession de l'authenticité. Charli XCX livre une production audacieuse et sans concession. L'album débute avec des synthés qui rappellent l'électro des années 2000. Si "Brat" est rempli de tubes, il explore aussi des thèmes plus profonds et fascinants comme la jalousie, le narcissisme, et le "girl power". Elle évoque le manque de confiance en soi, l’insécurité. Charlie XCX explore aussi le deuil, la peur de perdre des amis chers dans “So I” qu’elle dédie à son ami Sophie, musicienne et Djette disparue. Elle dédie quelques morceaux à son fiancé Georges Daniel et à leur relation. Elle évoque ses relations avec des femmes, se questionne sur les rivalités féminines, l’identité de chacun. Les textes de la Britanniques sont à la fois puissants, sincères et authentiques. Ce qui fait de "Brat" un album festif mais aussi un manifeste personnel et audacieux de Charli XCX. Avec des thèmes profonds et une production soignée, elle offre un album à la hauteur des attentes, consolidant sa place de pionnière dans le paysage musical contemporain. Charli XCX prouve qu'elle peut toucher le grand public tout en restant fidèle à son style unique et audacieux.

C’est la fratrie la plus connue d'Australie, elle est de retour avec un nouvel album envoûtant, “Cape Forestier”. Sorti le 10 mai, il est le sixième album d'Angus et Julia Stone et marque leur retour aux sources, à une folk pure et douce. Dès les premières notes, le duo nous plonge dans son univers si singulier. La recette n'a pas changé : mélodies minimalistes, guitares acoustiques et voix enveloppantes. Le retour à cette folk plus dépouillée et authentique a été guidé par une énergie retrouvée dans leur nouveau studio d'enregistrement chez eux, en Australie. Situé dans les montagnes de Sugarcane, ce studio a permis à Angus et Julia de se reconnecter avec leurs racines musicales et ont laissé aller leur inspiration et leur créativité, comme quand ils écrivaient et composaient dans le salon de la maison familiale. Le titre de l'album, “Cape Forestie”*, est inspiré du nom d'un bateau appartenant à un de leurs amis et fait également référence au cap de Tasmanie : symbole de voyage et d'évasion. D'ailleurs, le titre éponyme de l'album rend hommage à leurs ancêtres marins. Il célèbre leur courage et leur esprit d'aventure. Le voyage est un thème récurrent dans les textes du duo. Ils rendent aussi hommage à Bob Dylan avec leur reprise du titre "I Want You", un artiste qui les a beaucoup inspirés. Leur admiration pour Dylan, ainsi que pour d'autres légendes des années 60 et 70 comme Joni Mitchell et Neil Young, se manifeste dans leurs choix musicaux et leur style distinctif. Ce nouvel album d'Angus et Julia Stone met les émotions humaines au centre de leurs propos. Le duo explore des thèmes universels tels que l'amour, l'espoir et la nostalgie, tout en conservant une touche personnelle et intime. “Cape Forestier” nous plonge dans un moment de calme, de sincérité, de simplicité et invite à une belle introspection. Les 45 minutes de ce disque sont presque méditatives, offrant une évasion bienvenue et nous emmène loin de l'agitation et du bouillonnement quotidien. Amoureux de la France, Angus et Julia Stone ont prévu de se produire dans plusieurs villes de l’Hexagone.

Donald Glover, artiste américain aux multiples talents, étend avec brio ses compétences du cinéma à la musique. Il est connu pour ses rôles marquants dans des séries ou des films comme Spiderman et aussi “Seul sur Mars” de Ridley Scott. Mais Donald Glover a également endossé le rôle de Childish Gambino, son nom d’artiste musicien. Le 13 mai dernier, il a sorti son nouvel album "Atavista", une version retravaillée et peaufinée de son précédent opus "3.15.20", initialement lancé en plein milieu de la pandémie en mars 2020. Cet album a été soigneusement revu pour offrir une mouture plus aboutie et mature. “Atavista” comprend 11 titres, dont une nouveauté "Little Foot Big Foot", en featuring avec le rappeur Young Nudy. D'autres artistes renommés ont été invités sur ce disque, dont Ariana Grande et 21 Savage. "Atavista" s’imprègne de toutes les influences musicales de Childish Gambino. L'éventail est large, allant du rap à la soul en passant par la pop et le funk. Cette fusion est le reflet de l'une de ses plus grandes qualités : sa capacité à se renouveler constamment et à explorer de nouveaux horizons musicaux. Un des morceaux frappant de cet album est "Human Sacrifice", où Gambino allie gospel et funk en se présentant presque comme le prêcheur d'une messe planétaire. Il illustre parfaitement la profondeur et l'intensité émotionnelle que Gambino est capable de transmettre à travers sa musique. Malgré des airs de déjà-vu - ou déjà entendu - "Atavista" offre une nouvelle profondeur à ces morceaux. Pour les fans français, Childish Gambino est attendu avec impatience pour deux concerts exceptionnels : le 31 octobre à Lyon et le 19 novembre à Paris. Ce sera une occasion unique de découvrir en live ses nouveaux morceaux et de profiter de sa performance scénique, toujours impressionnante.

Les Américains de Nashville, dans le Tennessee, Kings of Leon, sont de retour avec une neuvième production intitulée “Can We Please Have Fun”. Clairement, le groupe renoue avec leurs fondamentaux : un rock brut sans concession et énergique. Le quatuor ne se prive tout de même pas d’aller explorer quelques sonorités plus modernes, offrant ainsi une palette musicale riche et variée. Entre morceaux percutants aux riffs hurlants et au tempo effréné, Kings of Leon installe aussi quelques ballades plus introspectives voire même un brin mélancoliques. Parfois, celles-ci ont une légère tendance à casser le rythme de ces 12 nouvelles pistes. Cela peut surprendre à la première écoute, mais on s’y attache vite. D’ailleurs, Nathan Followill défend ce parti pris, jugeant qu’un groupe de rock peut aussi casser les codes, et donc la rythmique. Les thèmes abordés dans l’album sont variés, riches en émotions et en réflexions. Dans un premier temps, le groupe évoque sa liberté retrouvée en ayant quitté leur maison de disques. Cette indépendance leur a permis de créer sans les contraintes commerciales habituelles, explorant des sons plus authentiques et personnels. Le titre de l’album, “Can We Please Have Fun”, est né de cette envie de retrouver du plaisir à faire de la musique. Kings of Leon décrit aussi la dualité qu’il existe entre nos envies de légèreté et la réalité de la vie. Rebelles, bien sûr, les Kings of Leon n'hésitent pas à partager leurs envies de rupture avec les normes de nos sociétés. Et puis, il est question de famille. Les trois frères Followill et leur cousin aiment décortiquer les tensions, les joies et toute la complexité qu’il y a dans nos relations intrafamiliales.

En 2017, Anne et Jacynthe, connues sous le nom des Frangines, ont marqué la scène musicale française avec leur titre "Donnez-moi", coécrit avec Vianney. Ce succès a lancé leur carrière. Elles ont très vite partagé leur passion pour les mots et pour la littérature. L’amitié de Jacynthe et Anne remonte à leur enfance, quand elles avaient 11 ans. Elles se sont rencontrées à l'école. Rapidement, elles sont devenues inséparables, partageant cet amour commun pour les écrits et la musique. À 17 ans, elles ont commencé à jouer de la guitare, ouvrant ainsi la voie à leur aventure musicale. Après leur premier succès en 2017, elles ont sorti l'album "Notes" en 2022. Aujourd'hui, elles reviennent avec "Poèmes", un album célébrant les grands poètes. "Poèmes" est un projet né de leur désir de mettre en musique des textes de la littérature française qui leur sont chers. Elles ont choisi des textes qui explorent des thèmes tous assez différents comme la liberté, la nature et le temps qui passe, chacun résonnant profondément en elles. Les Frangines ont sélectionné des poèmes bien connus et aimés, comme "Le Dormeur du Val" de Rimbaud et "Liberté" de Paul Éluard, pour atteindre un large public. Remarquées par les prof de français et de littérature, elles interviennent désormais dans les écoles pour parler poésie. Les textes, elles les ont également choisis en fonction de leur musicalité. Adapter ces poèmes en chansons a été naturel pour Anne et Jacynthe, grâce à leur propos universels et intemporels. Ils expriment des émotions qui traversent le temps. Le retour des Frangines avec "Poèmes" est plus qu'une simple célébration de la poésie; il scelle aussi une amitié solide aux passions communes. Anne et Jacynthe continuent de toucher les cœurs et d'inspirer à travers leur musique. En mettant en musique ces poèmes, elles les rendent d’autant plus vivante et vibrante. Elles partagent cet amour des beaux textes dans une tournée qui se prolonge.

Santa, la voix charismatique de Hyphen Hyphen, fait ses premiers pas en solo avec son album très attendu, “Recommence-moi”. Révélée en solo par le tube « Popcorn Salé », Santa offre un opus bourré de qualité et qui promet de marquer la scène musicale française. L’album “Recommence-moi” est un mélange de chansons addictives dès la première écoute. Santa a écrit ces titres dans l’urgence. Les textes sont venus à elle à toute vitesse, comme si elle avait été traversée par ce disque. Chacune de ces chansons représente un recommencement, une remise en jeu personnelle. Les compositions, créées dans l’intimité de sa chambre, capturent la nature de ses émotions à la fois brutes et sincères. Santa se dévoile tour à tour vulnérable et déterminée. Dans cet album, Santa n'est pas totalement seule. Prendre cette liberté n’a pas été une évidence. Sa meilleure amie et bassiste de Hyphen Hyphen, Line, a contribué à la production de plusieurs titres. Son ami et également membre du groupe, Adam a aussi été un grand soutien pour la chanteuse qui n’imaginait pas que ces chansons puissent quitter sa chambre. Ce soutien indéfectible a permis à Santa de naviguer avec confiance dans cette nouvelle aventure solo et d’être validée par son entourage le plus proche. Dans “Recommence-moi” on découvre un duo avec Christophe Willem intitulé « Les larmes ne coulent pas ». Entre eux une alchimie instantanée est née, leurs points communs a poussé Santa à inviter le chanteur sur son album. “Recommence-moi” explore des thèmes variés, de l’amour à la révolte. Santa aborde également son identité queer avec une sincérité désarmante, offrant une représentation précieuse pour la communauté LGBT+. Sa musique devient un moyen d’expression puissant pour des valeurs et des combats qui lui tiennent à cœur. Santa sera de tous les festivals cet été. Son show promet d’être un moment fort et plein de surprises. La jeune femme, dotée de nombreuses idées et d'une grande ambition, envisage de créer des spectacles inoubliables, à la hauteur de son talent et de sa vision artistique. On l’a déjà vue suspendue à une grue avec son piano…

Quasiment une décennie après leur dernier opus et plus de 20 ans après la sortie de leur premier album, les Libertines marquent leur grand retour sur la scène rock britannique avec un quatrième album qui oscille habilement entre indie rock énergique et ballades acoustiques plus raffinées. Ce nouvel album s’intitule “All Quiet on the Eastern Esplanade” et montre l’envie du groupe de se retrouver et la volonté de se réinventer. Les deux leaders Carl Barât et, le désormais normand, Peter Doherty se sont retrouvés en Jamaïque et ont débuté ensemble la création de ce disque qu’ils ont ensuite poursuivie au Royaume-Unis avec leurs deux autres compères. Le quatuor nous ramène avec ce disque au rock indie pur et dur de leur début. C’est rythmé et effervescent. On retrouve l’essence des Libertines et on sent le plaisir que les 4 vieux potes ont eu à travailler à nouveau ensemble. Quelques ballades bien senties se glissent dans cette nouvelle production. Elles apportent douceur et mélancolie à l’album. Preuve de leur nouvelle sagesse ! “All Quiet on the Eastern Esplanade” a été enregistré à l'instinct, en toute sincérité, en seulement 4 semaines ce qui lui confère une atmosphère authentique. Quand on écoute cet album, on a l’impression d’être avec le groupe, au plus proche, et d’assister à l’enregistrement. C’est hyper spontané. Ces 11 nouveaux titres révèlent le gain en maturité des Libertines. Ils sont à mi parcours de leur quarantaine : un âge où l’on s’assagit peut-être ! Ils questionnent l’amitié, le passé, la vie. Les Libertines connus pour être un groupe rebelle s'assagit et investi très naturellement des thèmes comme la nostalgie et les regrets. La pointe d’ironie du groupe ne manque pas de brosser le portrait de notre société.

Dans le paysage musical français, un nouvel artiste émerge avec une voix singulière et authentique, un artiste qui possède une personnalité unique et qui trace son propre chemin. Il s’appelle Johnny Jane. Son premier album “Attitude(s)” vient de sortir, une étape cruciale dans la carrière de ce jeune chanteur originaire d'Orléans. Son pseudonyme Johnny Jane est un clin d'œil à la chanson "Ballade de Johnny Jane" de Serge Gainsbourg. Johnny Jane nous ouvre les portes d’un univers musical complexe, abouti et recherché dans ce premier album. “Attitudes” mêle l’ensemble des influences du chanteur, auteur, compositeur. Elles sont éclectiques, entre pop sophistiquée, rock anglo-saxon et quelques chansons françaises. Musicalement l’album est riche, les instruments variés, autant classiques que très modernes. Il joue de l’orgue, de la batterie et différentes machines… pour un résultat qui nous rappelle la french touch. Johnny Jane, passionné de Gainsbourg, a enregistré son album dans le mythique studio Motorbass à Paris. Dans ses textes, Johnny Jane explore autant son monde intérieur que celui qui l’entoure avec une pointe de mélancolie douce heureuse. Ses textes sont des expériences ou des réflexions personnelles tirées de déambulations nocturnes dans les rues de Paris. Il raconte ses amours, ses déboires, ses flâneries. La photo de la pochette de l’album révèle parfaitement ce que cache les paroles profondes de ce disque. Johnny Jane y porte un masque. La pochette symbolise les apparences que l’on revêt pour cacher sa propre intimité. Je vous invite à aller voir Johnny Jane sur scène cet été dans quelques festivals de l’hexagone et à Paris. Il investira la scène de l’Olympia le 10 octobre. La scène révèlera toute l’énergie de cet artiste entre bête de scène et nonchalance. Johnny Jane a tout le potentiel pour devenir une figure marquante de la scène musicale française.

Je vous présente une artiste norvégienne Marie Ulven qui se présente sur scène sous le nom de Girl in Red. A 25 ans, elle a sorti ce printemps son second album “I’m Doing It Again Baby”. Un album qui va marquer sa carrière d’une part par son évolution musicale, d’autre part parce qu’il a reçu l’approbation de l’américaine la plus influente dans le monde : Taylor Swift. Girl in Red a assuré plusieurs des premières parties de la tournée mondiale de la super pop star. Et ça… ça fait forcément grimper la jauge de confiance en soi ! Et c’est assez frappant dans ce nouvel album de la norvégienne qui se réinvente personnellement et artistiquement. La preuve : Musicalement, Girl In Red migre en douceur de la scène rock indie à une pop éclatante, plus audacieuse et aux arrangements éclectiques, et il faut bien le dire, grandioses. Elle utilise des synthés puissants et incisifs et des cordes vibrantes. Girl in Red ne fait clairement pas dans la demie-mesure. Dans cet album, la chanteuse partage des thèmes qui lui sont familiers comme ce regain de confiance en soi et aussi des sujets plus douloureux qu’elle a éprouvés comme l’amour en aller simple, le combat pour une meilleure santé mentale. Elle aborde aussi ses doutes, ses réflexions et introspections personnelles. “I’m doing it again baby” retranscrit parfaitement le parcours de cette jeune autrice et interprète. Girl in Red navigue entre confiance et vulnérabilité tout au long de ce disque assurément maîtrisé. La production vient souligner les émotions brutes et sans filtres qu’elle nous propose. On pourra l'applaudir le 11 septembre prochain au Zénith de Paris.

Je vous présente un jeune américain. Il s’appelle Conan Gray. Il est aujourd’hui l’une des nouvelles idoles de la génération Z. Il est né à San Diego en 98 et a grandi dans une petite ville du Texas où il a passé son enfance à s’ennuyer. Pour dissiper cet ennui, il s’est mis à la musique. Le voilà aujourd’hui à 25 ans en train de séduire la jeune génération avec sa personnalité et ses textes introspectifs. C’est à 17 ans que Conan Gray a publié son premier single sur YouTube « idle town », un véritable succès. Aujourd’hui, 7 ans plus tard, il publie (déjà) son troisième album, "Found Heaven", sorti début avril. L’américain écrit dans ce disque comme dans un journal intime. Il explore ses sentiments les plus intimes. Conan Gray trouve aussi l'inspiration dans ce qui l’entoure, dans la rue, en regardant les gens. Il aime observer ces scènes du quotidien : les amoureux transis, les gens pressés, énervés, souriants et il s’en nourrit pour ses textes. Dans ce nouvel album, Conan Gray explore la rupture, la maladie, la douleur, mais aussi la réconciliation avec soi-même. Il trouve la force dans ses propres faiblesses. Son écriture, très personnelle, est touchante. Et puis, parfois, il fait une belle satire de la société et des hautes sphères qu’il a pu côtoyer. Ce disque “Found Heaven” représente une nouvelle ère musicale dans la carrière du chanteur. Conan Gray bascule vers une pop qui sonne profondément années 80 et qui peut nous rappeler Queen ou encore Michael Jackson. Il fait la part belle aux synthés et développe une rythmique efficace. Et puis de temps en temps, il nous attrape avec une belle ballade plus mélancolique aux arrangements grandioses. Vous pourrez voir Conan Gray sur scène en France. Il est attendu au Zénith de Paris en novembre prochain.

L’américaine Maggie Rogers a sorti ce printemps son troisième album “Don’t Forget me”. Maggie Rogers a marqué internet en 2016 avec le titre “Alaska” qui a connu une viralité incroyable et qui a un peu dépassé son autrice et interprète ! A l’époque, son mentor était Pharrell Williams qui l’a beaucoup soutenue… Après ce succès, on attendait d’elle qu’elle continue de creuser son sillon dans la pop… mais l'anticonformiste Maggie Rogers à fait ses propres choix. Elle a quand même sorti 2 albums et c’est donc le troisième qui vient de paraître. Il a été écrit par la chanteuse et compositrice dans une période charnière de sa vie alors forcément il est le témoin de son évolution aussi bien personnelle qu’artistique. Cette évolution, ce changement, cette transformation c’est ce qu’elle partage dans ses textes. Elle évoque la croissance personnelle, l’amour, le désir et la résilience nécessaire pour affronter les épreuves de la vie. Musicalement, Maggie Rogers cède à toute les tentations passant de la country, au rock, il y a aussi quelques teintes disco et des notes plus pop dans cette nouvelle production. On sent que ses inspirations ont infusé dans la musique de Sheryl Crow ou encore de Fleetwood Mac. Cette fusion des genres crée 10 pistes riches et variées qui viennent en soutien de la voix de Maggie Rogers pleine d’émotion. La mélancolie qu’il peut y avoir dans certains morceaux de ce disque “Don’t Forget Me”, dans certains textes est aussi contrebalancée par des titres plus forts, plus rythmés et plus enjoués. Maggie Rogers nous bouscule avec des titres qui sonnent commes des hymnes, à la fois addictifs et vibrants. “Don’t Forget Me” marque un vrai tournant dans la carrière de la jeune trentenaire qui saura séduire autant ses fans que les nouvelles oreilles curieuses de découvrir une artiste à part entière.

L’américain Benson Boone est l’une des révélations mondiales de ces derniers mois. Vous n’avez pas pu passer à côté. Il a été révélé au public américain en 2021, lors de sa participation à l’émission “American Idol” qu’il a quittée en cours de compétition. Le grand public américain n’a pas été le seul à tomber sous le charme de cet artiste. Le groupe Imagine Dragons l’a aussi très vite repéré et signé sur son label. Avec son titre “Beautiful Things” il a vite explosé sur TikTok et rejoint les sommets du billboard américain. Benson Boone n’a que 21 ans et vient de sortir “Fireworks & Rollerblades”, son premier album qui pose les fondations solides d’un artiste qui s'avère complet et pas seulement éphémère. L’album nous transporte d’émotion en émotion. Il évoque l’amour, la perte, la joie, le chagrin. Ce sont des thèmes forts qu’il parvient à maîtriser malgré sa petite vingtaine. Il est aussi question de santé mentale, de dépression, de tous ces hauts et ces bas qui bousculent nos vies et celle de cette jeunesse souvent chahutée. Benson Boone écrit des textes profonds et tendres à la fois francs et directs. Musicalement, les quelques morceaux mélancoliques font aussi place à des titres plus pop et à une rythmique accrocheuse et des refrains addictifs. Il sait varier les plaisirs et aussi gagner en intensité. La guitare est au centre de sa musique. Elle peut être acoustique, et parfois plus intense, électrique voir même saturée. Avec ce premier disque, Benson Boone nous prouve qu’il a plus à nous offrir que quelques succès viraux. L’américain apporte une collection de chansons profondes et un album cohérent.

Je vous présente Zélie, une jeune artiste parisienne de 22 ans. Après avoir déjà sorti trois EP, elle se lance avec un premier long format. Cet album sorti début Mars s’intitule « Un million de petits chocs ». Ce disque nous porte par sa pop joyeuse, lumineuse, aérienne, légère et dansante. Zélie n’hésite pas à emprunter des codes au rock ou au rap, à piocher dans différents styles pour se singulariser un peu plus. A l’origine, Zélie a suivi un cursus de danse. Elle a fait le conservatoire de danse de Paris. Finalement, la musique a pris place dans sa vie. C’est même devenu une passion à la suite d'un concert d’Angèle. Elle aime écrire, raconter des histoires, ses propres histoires aussi. Elle joue ses premières compos au clavier qu’elle partage ensuite sur les réseaux sociaux. C’est là que le label Low Wood la repère. Ce premier album “Un million de petits chocs” aborde un million de petites choses qui touchent la gen Z : l’amour, l’anxiété, la santé mentale, l'identité, le genre, la pression de la société. Zelie se fait l’écho de sa génération. Elle fait cheminer ses textes de la découverte à l’acceptation de soi et des autres. Les paroles de l’album sont autant personnelles que universelles. Le plus souvent, elle les écrit seule, le soir, la nuit souvent et se laisse porter par ses émotions les plus authentiques. Zelie est actuellement en tournée avec comme point de mire la Cigale à Paris en Février 2025 ! Allez d’abord la voir dans les toutes petites salles qu’elle va parcourir pour profiter à la fois de l’intimité qu’elle crée avec son public et de la puissance de sa musique. “Un million de petits chocs” raconte un million de petites choses qui peuvent tous nous toucher. Les 11 titres de ce premier opus de Zélie ont de bons arguments pour vous toucher.

Je vous avais parlé au début de l’hiver du nouveau projet de la chanteuse lyonnaise Pomme. Elle sortait un album “Saisons”. Il s’agissait du premier volet qui regroupait les saisons automne et hiver. On y trouvait 6 titres, 3 par saison. Claire Pommet de son vrai nom a sorti courant Mars le second volet de ce projet qui met à l’honneur le printemps et l’été avec la même construction : trois titres par saison. Pour la suite de ce projet, Pomme explore de nouvelles orchestrations. L’automne et l’hiver ont flirté avec des sonorités et des arrangements électro grâce à la collaboration de Aaron Dessner de The National ou encore de Flavien Berger. Pour le printemps et l’été, Pomme poursuit une exploration musicale assez audacieuse. C’est une orchestration symphonique qui nous fait traverser ces 2 saisons tout en beauté et légèreté. Le voyage que nous propose Pomme nous emmène du renouveau printanier qu’elle décline dans les titres “Le temps de fleurs” à l’exubérance estivale dans “Perséides”. Le tout est mené à la baguette par la cheffe d’orchestre Malvina Meinier. Ces 6 nouveaux titres sont aussi légers et aériens que les premiers. Ils offrent des moments d’une intense beauté émotionnelle. L’album dans sa globalité, dans ses quatre saisons, ne laisse pas indifférent. La voix de Pomme est toujours aussi pure, émotive et captivante. Elle a un chant lyrique qui nous fait hérisser le poil. Cet OVNI dans la discographie de la chanteuse ne questionne pas l’être humain et sa vie mais plutôt la place qu’il occupe dans ce monde et la relation qu’il entretient avec l’environnement. “Saisons” est un disque qui mêle poésie et musique. Il s’agit d’une œuvre à part entière riche en innovation musicale et qui vous invitera à une véritable méditation. Celle qui a reçu la victoire de l’album de l’artiste féminine en 2021 est actuellement en tournée jusqu’à la fin août, à l’affiche de plusieurs festivals.

Celle qui a participé à la toute première saison de la star ac jusqu’à la demie-finale : la femme chocolat, Olivia Ruiz est de retour avec un sixième opus : La Réplique. Il s’agit du premier album de la chanteuse depuis huit ans. Un disque qui est venu instinctivement, spontanément, sans calcul, il est né tout seul dit-elle. En dix jours d’écriture, la douzaine de titres de l’album est née, sans effort majeur. Cet album magnifique met en valeur les femmes pour leur engagement, leur combat, leur vaillance aussi. Elle évoque les hommes, son fils, son grand-père, l’environnement, les féminicides et l’immigration, les réfugiés, un écho à sa propre histoire. C’est pour ça qu’elle chante aussi en espagnol dans cet album. Musicalement, Olivia Ruiz a toujours été là où on ne l’attendait pas. Rayon chanson française ? Pas vraiment avec “La réplique”. Imprégné de reggaeton, de trap ou encore de techno, ce disque est inclassable. Olivia Ruiz y a mis tout ce qu’il fallait pour vous donner envie de danser tout l’été et d’aller l’applaudir lors des prochains festivals. Pourquoi un album si rythmé ? parce qu’après le spectacle “Bouches cousues” avec lequel elle a tourné dans toute la France, elle avait envie d’autre chose. “Bouche cousues” revenait sur son histoire familiale, son déracinement, la fuite du franquisme et tous les silences et non dits qui ont suivi. Un spectacle qui a été émotionnellement dense et intense pour Olivia Ruiz qui voulait alors se laisser porter par une autre énergie, bien plus festive. Elle a coché toutes les cases pour y parvenir. L’album est rythmé et dansant. La voix d’Olivia Ruiz est toujours la même. Son phrasé et son débit nous attrapent tout de suite et on se laisse porter par sa narration et ses histoires. Olivia Ruiz est déjà en tournée avec cet album. Elle participe à plusieurs festivals d'été et sera à l’Olympia en novembre prochain.

Un pilier du rap français fait son retour sur le devant de la scène, celui qui a marqué les années 90 avec son double A mais surtout avec son flow, MC Solaar is back avec un album. Ça a été annoncé par surprise début Mars. Quel plaisir de retrouver Claude MC Solaar. Ce nouveau projet du rappeur se déclinera en trois volets, trois albums de sept titres. Le premier s’intitule “Lueurs célestes”. Avec cette nouvelle production, le rappeur vient confirmer son talent de maître de mots. On y retrouve la musicalité de sa poésie. Il joue avec les mots avec toujours autant de virtuosité et d’habileté. C’est clairement la marque de fabrique de Solaar. D’ailleurs il donne le ton dès le premier morceau avec “Pierre Feuille” et des rimes uniquement en O et un flow à toute vitesse ! Dans ce premier volet sur trois, Claude MC Solaar propose une réflexion profonde et acérée de notre société et de notre époque comme il sait le faire. Il voit juste. Il vise juste. Il est question d’écologie dans cet album. Ce sont des thèmes qu’il devrait continuer de décliner sur les 2 prochains albums. Le flow de Claude MC Solaar est toujours aussi reconnaissable. Une maîtrise unique et singulière. Musicalement, ces prods sont rythmées et modernisées. Il y a un petit côté funk et même un semblant de sonorités brésiliennes parfois. Après 7 ans sans album, c’est un pur bonheur de retrouver le rappeur. Il faudra attendre Juin et Septembre prochain pour écouter les deux prochains volets de ce triptyque. Pourquoi un album au long cours comme ça ? L’idée est de faire une œuvre évolutive, d’apporter des modifications aux prods en fonction de ce qu’il se passe lors de la tournée, de la perception du public. MC Solaar est déjà en tournée. Il est dans tous les festivals de l'été et il a déjà des dates de prévues jusqu’à la fin de l’automne prochain. Ultime rendez-vous à Paris à la salle Pleyel le 24 novembre.

Le groupe américain Gossip mené par la charismatique chanteuse Beth Ditto est de retour après 12 ans d’absence. La chanteuse et leadeuse du groupe, icône queer et féministe, a pris le temps pendant cette pause de se consacrer à des projets personnels en s'intéressant à la mode notamment. Gossip a sorti courant Mars une sixième production “Real Power” enregistrée dans le studio du producteur Rick Rubin à Hawaï. Le groupe revient avec une énergie toujours aussi explosive. Musicalement, Gossip glisse vers un rock plus pop tout en gardant sa marque de fabrique, sans renier ses origines punk. Sa musique prend des sonorités disco et s’agrémente de quelques touches électro. Clairement, après cette longue pause le groupe revient avec un album aux sons dans l’air du temps et résolument modernes. On apprécie aussi les quelques pointes de funk qui traversent quelques-uns des 11 nouveaux titres de “Real Power”. De temps en temps, on reprend son souffle avec quelques ballades bien senties qui peuvent aussi s'avérer franchement puissantes et touchantes. “Real Power” aborde des thèmes assez variés allant de questionnements personnels à des constatations sociétales plus profondes. Le groupe aborde l’entourage proche que l’on se construit, la solidarité qu’il en émane dans les épreuves que l’on traverse. Chacun des membres de Gossip ayant vécu pendant ces dernières années un deuil, ou un divorce. Beth Ditto revient sur le mouvement Black Live Matters à Portland où elle a longtemps habité. Gossip est attendu cet été dans plusieurs festivals de l’hexagone, notamment Rock en Seine. Gossip revient avec tout brio qu’on attendait d’eux.

L’américaine Ariana Grande a sorti un petit peu avant le printemps un nouvel et septième album lumineux “Eternal Sunshine”. Une surprise quand on se rappelle que la chanteuse avait annoncé vouloir désormais privilégier sa carrière d’actrice. Rattrapée par l’envie de faire de la musique, Ariana Grande s’y est donc remise ! “Eternal Sunshine” c’est le titre de ce nouvel album qui devrait être important dans la carrière musicale de la chanteuse car il marque une véritable évolution artistique. Le titre de l’album fait référence au film de Michel Gondry “Eternal Sunshine of the spotless mind” que son ex petit ami défunt, le rappeur Mac Miller adorait. Ariana Grande nous avait laissés en 2020 avec l’album “Positions” un album qui retraçait les joies, les peines et les transformations personnelles de la chanteuse. Elle revient ici avec beaucoup plus de résilience. On navigue dans l’intime de la chanteuse et en même temps on s’y reconnait tous un peu. De son introspection naît des textes sincères, où elle se montre tour à tour vulnérable et joyeuse. Il est aussi question de notre force intérieure, celle que l’on ne soupçonne pas mais qui nous permet de déplacer des montagnes et de réussir à rester fidèle à soi-même. C’est un album optimiste qui nous promet la lumière au bout du tunnel. Après chaque épreuve, la résilience nous conduira à la guérison. C’est ici toute l’intensité du message que nous transmet ce nouvel album de Ariana Grande. Pour cette nouvelle production, l’américaine a perfusé sa pop de sonorités house. L’album s’ouvre sur une ballade, pourtant très vite vous vous laisserez porter par des titres à la vitalité assumée et aux rythmes dansants. Cette pop festive est aussi contrebalancée par des rythmes R&B plus intimes. Cet album “Eternal Sunshine” se conclut avec le morceau “Ordinary things” qui crédite Nonna en featuring. Qui est Nonna ? Il s’agit de la grand-mère de 98 ans de Ariana Grande qui chante sur ce morceau profondément poignant. Concernant l’acte ciné de la chanteuse, elle sera à l’affiche du film “Wicked” à la fin de l’année pour lequel elle tient le rôle principal.

À 26 ans, la suédoise Zara Larsson vient de sortir “Venus” son nouvel album. Sorti début février, le mois de la saint valentin… un hasard ? je crois oui ! En tout cas, il aborde l’amour sous toutes ses formes, les ruptures, les relations que l’on entretient avec nos amis, notre famille. Il est aussi question à la fois de force et de vulnérabilité. Elle met aussi en avant la puissance féminine. Musicalement, Larsson continue de marquer son sillon pop et dance-pop avec “Venus”. Le tempo est soutenu tout au long de la douzaine de titres qui composent ce disque. On n’a peu de temps pour reprendre sa respiration. La suédoise a clairement le don d’enflammer les pistes de danses. Sa musique est taillée pour ça. Et puis, de temps en temps, elle nous surprend avec une ballade bien sentie, à la fois touchante et émouvante. Elle nous glisse dans des pianos voix qui mettent les poils. On doit reconnaître à Zara Larsson une vraie capacité à s’adapter à différents genres musicaux. Le défaut de ce disque est probablement le nombre de producteurs conviés pour travailler avec la chanteuse. Quasiment un différent par titre. Cette grande diversité confère un côté un peu fouilli à l’album. Éclectique certes mais qui manque parfois d’être recentré. Il est évident que malgré ça vous serez gagné par l'énergie contagieuse que dégage ce quatrième album de Zara Larsson. Sans nul doute, la suédoise confirme son statut d’artiste pop majeur sur la scène internationale. Elle est à la fois capable d’écrire des textes très intimes et personnels et en même temps des hits qui deviendront incontournables dans les meilleures soirées ! Zara Larsson est une artiste authentique. Elle était sur la scène du Trianon à Paris en Février dernier. Elle est revenue en France cet été, au Main Square Festival à Arras où elle a soulevé les foules !

On a découvert l’auteur compositeur et interprète belge Noé Preszow en 2020 à la veille du confinement avec le titre “A nous”, morceau qui deviendra le titre de son premier album l’année suivante et qui le conduira aux victoires de la musique dans la catégorie révélation de l’année. Trois ans plus tard, le belge est de retour avec une nouvelle production qui mettra tout le monde au clair sur la prononciation de son nom de famille puisque ce disque s’intitule “Préchof”, son nom de famille écrit phonétiquement. “Préchof” est le second album de Noé qu’il a écrit et composé de façon très solitaire en Ardèche. Il imaginait que cette retraite lui permettrait d’écrire un album plus doux, plus folk où la guitare acoustique prendrait toute sa place. Finalement, la force de la nature ardéchoise a imprégné les textes et les compositions de Noé Preszow. Elle lui a donné une telle énergie que l’album est bien plus électrique que prévu. “Préchof” propose 13 morceaux aux thématiques autant universelles que personnelles. Noé Preszow dépeint notre société et se livre, partage aussi son histoire familiale. Il nous emmène entre l’intime et le monde, et c’est le titre du morceau qui ouvre le disque et qui donne le ton par l’intensité de son écriture et sa rythmique soutenue. L’écriture de Noé est profonde et poétique et aussi directe et passionnée. Artiste engagé, il évoque sans détour la montée de l’extrême droite en Europe. Les textes engagés de Preszow sont portés par une oscillation entre folk et rock à la cadence bien marquée. Définitivement, le belge conforte sa place sur la scène francophone. Il assurera plusieurs dates de festivals cet été.

Le duo New-Yorkais MGMT allonge enfin sa discographie avec un cinquième album après une pause longue de 6 années. “Loss of life”, c’est le titre de cette nouvelle et première production sortie sous le label Mom + Pop, le duo ayant choisi de quitter il y a quelque temps Columbia, leur label de longue date. What else de ce disque ? Il aurait tendance à diviser les critiques. Si certains le trouvent mal abouti, un peu expédié, d’autres qualifient ce disque d’essentiel dans la carrière de MGMT, révélant toute l’audace et la créativité musicale dont peuvent faire preuve Andrew VanWyngarden et Ben Goldwasser, les deux membres du duo américain. Alors oui, MGMT nous bouscule. On s’éloigne de la synth-wave et des synthés que l’on a beaucoup entendu dans leur musique. Les 10 titres de ce disque se font plus doux et aériens. Ils nous plongent dans une pop rock psychédélique lumineuse et cotonneuse. Ils alternent entre moment d’euphorie et de mélancolie. C’est à la fois doux et rythmé. Ce disque est musicalement très créatif et recherché. Andrew et Ben apportent quelques arrangements électro, et modernisent ce style qui a marqué les années 80. Ils introduisent sans complexe une large palette d'instruments comme le clavecin, des cuivres et autres carillons. C’est audacieux, c’est ambitieux, c’est surprenant, mais l’harmonie finale est fabuleuse. Il n’y a qu’à écouter “Mother Nature” le premier single de ce disque, et déjà un succès, pour s’en rendre compte. Magique aussi dans ce disque, l’unique collaboration de l’album. MGMT a invité Chris de Christine and The Queens sur le morceau “Dancing in Babylon” qui raconte une histoire d’amour tragique entre deux soldats. C’est ce titre qui a annoncé le retour du duo new-yorkais. Un choix pertinent et un morceau bouleversant. Les 10 chansons de ce nouvel album de MGMT explorent des thèmes comme l’amour et les changements sociaux. Ne passez pas à côté de “Loss Of Life”, nouvel album de MGMT.

Mathieu Lescop originaire de Châteauroux est de retour. Lescop a débarqué sur la scène new-wave française en 2012 avec un premier album éponyme et un titre qui a su s’imposer “La Forêt”. Aujourd’hui, l’auteur, compositeur et chanteur vient de sortir son troisième album “Rêve parti”. Cela faisait 8 ans qu’il n'avait pas ajouté un album à sa discographie. C’est chose faîte depuis le mois de février. Que s’est-il passé pendant toutes ces années ? une sorte de remise à zéro. Après la sortie de son second opus, Lescop n’avait plus de maison de disque, il s’est séparé de l’ensemble de ses équipes ainsi que de son manager. Il a fallu tout reconstruire. Huit ans après, à 45 ans, il est donc de retour avec “Rêve parti”. C’est sa rencontre avec le musicien Thibault Frisoni, qui travaille avec Bertrand Belin qui l’a motivé à remettre le pied à l’étrier et à rallumer les synthés. Le producteur britannique Ash Workman qui a travaillé avec Christine and The Queens et Metronomy est aussi venu mettre son grain de sel pour ce nouveau projet de Lescop. “Rêve parti” jeu de mots / jeu de son entre la rave party et le rêve parti questionne essentiellement la dépendance. Lescop fait le parallèle entre la dépendance affective, amoureuse et la dépendance aux drogues, aux substances. Il a subi la dépendance affective et défend dans ce disque l’idée que l’on peut en sortir. Ça passe aussi par la liberté et la résilience. Mathieu Lescop s’est entouré de 3 femmes pour faire résonner ses mots et ses textes autrement. Il y a Halo Maud, Laura Cahen et aussi la chanteuse Izia. L’écriture minutieuse et Lescop est portée par une new-wave et une cold-wave qui n’appartiennent qu’à lui. Forcément, l'album fait la part belle aux synthés. Ça sonne parfois un peu pop rock. “Rêve parti” 'est aussi l’album qui met fin aux démons de son auteur, la fin de quelque chose, le début d’autre chose, comme une renaissance. Lescop est en tournée à l'automne dans toute la France.

Declan McKenna, petit génie de la scène Londonienne, validé par Sir Elton John, revient avec "What Happened to the Beach?". Celui qu’on avait découvert alors qu’il n’avait que 15 ans avec le titre très engagé “Brazil” nous propose une nouvelle production qui sent bon les vacances, le soleil et les crépuscules de fin de journée sur le Pacifique. Il a quitté la capitale britannique pour rejoindre Los Angeles. Ce voyage a apporté une belle dose d’énergie et de lumière à la musique de l’anglais. Il prend un virage moins vindicateur, plus poétique. Il s’ouvre sur de nouveaux horizons musicaux et tente de nouvelles choses. Ses 25 ans et déjà 9 ans de carrière lui confèrent une belle expérience et surtout l’audace de prendre des risques. Si les fans de la première heure seront peut-être un peu surpris au départ, il devrait très vite adhérer à ce petit coup de volant ! Alors dans cette troisième production, on découvre des mélodies apaisantes et accrocheuses. Il adopte une pop plus éclectique et décontractée. Il va chercher l’inspiration un peu partout dans le hip-hop, le R’n’B et le rock des années 60. Son orchestration est riche. Declan McKenna poursuit son évolution sans rougir et c’est réussi. Dans cet album écrit, composé et enregistré entre Los Angeles et la station balnéaire anglaise de Brighton, l’anglais se fait l’auteur de textes toujours aussi profonds mais certainement moins engagés et aussi parfois plus légers. Cette migration en Californie lui a apporté une belle dose de joie de vivre. “What happened to the beach” incite autant à la réflexion qu’à l’évasion. Il est question de nos rapports dans ce disque, de rapport au temps, de rapport aux nouvelles technologie, de rapport à l’environnement et enfin de nos rapport avec les autres.

Amandine Prost est une jeune artiste française originaire de Rennes. Elle a marqué les esprits en participant à l’émission "The Voice Kids" en 2017. Elle n’a que 15 ans à l’époque et pourtant, sa prestation a ému le jury, Jenifer notamment qui lui prédit une carrière musicale prometteuse. Six ans après cette expérience qui l’a conduite jusqu’à la finale de l’émission, Amandine a parcouru son bonhomme de chemin. Elle a entamé des études d’architecture pour finalement choisir de se concentrer entièrement à sa passion première : la musique. Aujourd'hui, à 22 ans, Amandine Prost dévoile "Internative", son premier album, fruit d'un travail acharné et d'une lente et sincère maturation artistique personnelle. "Internative" est un mot inventé par la jeune autrice. Il évoque les relations féminines et l'expérience de l'internat, un lieu en même temps clos et où les barrières sociales et émotionnelles peuvent s'effacer. Dans ses textes, Amandine partage sa quête d'émancipation, d'identité, d’amour avec sincérité et une facilité déconcertante. Elle parvient à s’adresser à tout le monde, à toutes les générations. D’expériences très personnelles qu’elle partage, elle en fait des messages plus universels et concernants. Son écriture est pointue et recherchée. Elle joue avec les double-sens, et propose de multiples interprétations et lectures à ses textes. “Internative” est musicalement riche d’influences pop modernes et d’un certain traditionalisme avec son attachement profond à la chanson française. Amandine Prost ne copie personne avec ce premier opus. Elle trace un chemin qui lui est propre et comme lui a soufflé Jenifer très certainement plein d’avenir. Authentique et sensible, vous serez touché par ce premier coup d’essai d’Amandine Prost. Allez écouter “Internative”. Amandine Prost n’est plus la jeune ado qui participait à The Voice Kids mais une véritable artiste en pleine éclosion.

La rappeuse belge Shay signe son retour pour ce début d’année avec un nouvel album « pourvu qu’il pleuve ». Longtemps annoncé, plusieurs fois reporté, le troisième disque de Shay sort 4 ans après « Antidote » sa précédente production. L’attente a été longue et je vous explique pourquoi. La rappeuse connue pour son exigence et sa volonté d’offrir une musique qui se renouvelle sans cesse a pris le temps de travailler sa nouvelle production. Pendant ces 4 années, elle s’est aussi offert d’autres expériences notamment dans la mode ou en participant en tant que juré à l’émission « nouvelle école » sur netflix, un télé crochet qui met en compétition des rappeurs. Savoir se faire attendre, c’est aussi susciter plus d’envie et d’excitation de la part du public. Il ne devrait pas être déçu avec cette nouvelle production. « Pourvu qu’il pleuve » sorti mi janvier confirme à Shay son statut d’icône du Rap francophone. Ce 3eme album se révèle musicalement riche. Les arrangements sont pointus. Shay s’inspire autant du R’n’B des années 2000 que de styles plus originaux et singuliers comme le grime des quartiers londoniens. Le son de Shay est novateur et ambitieux. Quant à la plume de la rappeuse, elle est tranchante, incisive et pourtant très poétique. Shay raconte son parcours, ses combats, l’ego qu’il faut avoir dans son milieu pour encaisser les critiques. “Pourvu qu’il pleuve” réunit l’audace, le charisme et l’assurance qui font la singularité et l’authenticité de Shay. Cette nouvelle production qui a connu un très beau démarrage à sa sortie conforte la place de choix et la réputation que se fait la chanteuse dans le milieu du rap largement dominé par les hommes.

Je vous propose de découvrir celui qui a assuré plusieurs premières parties de la tournée de Grand Corps Malade et qui continue encore en ce moment. Il s’appelle Nikola. Il vient de sortir son premier album “MNE”, les trois lettres du code pays du Monténégro. Nikola est chanteur, auteur, compositeur et producteur. Il est originaire de Besançon. Il rend hommage à ses racines monténégrines dans ce premier album. Il n’a que 23 ans et pourtant les textes de ce disque sont denses, émotionnellement riches et captivants. Il déclame une poésie intimiste et percutante où se mêle questionnements existentiels et quête d’identité pour lui, né en France mais en mal d’un pays qu’il connait peu, le Monténégro, dont il partage la culture de par l’éducation qu’il a reçue par sa mère et son grand-père. Ce même grand-père que l’on peut entendre sur l’album dans un chant traditionnel monténégrin. “MNE” lie les deux cultures de Nikola. C’est une cartographie de sa vie, de ses cultures. On le suit tout au long de l’album dans cette introspection familiale, personnelle liée à l’émigration. Musicalement, “MNE” est un OVNI. Un album singulier qui ne ressemble à rien d’autre. Nikola nous offre un mélange des genres et des styles qui l'imprègnent lui-même entre chansons françaises, influences urbaines et autres sonorités électro et balkaniques. C’est doux et parfois plus énervé. Nikola chante autant qu’il rappe, slam ou crie. Son interprétation prend aux tripes. Pour préparer ce disque, Nikola est parti à l’été 2023 dans les Balkans, une façon de s’imprégner de ses origines. Ce voyage en van lui a permis de faire corps et coeur avec ses racines. Il a largement nourri cet album. Nikola a assuré les premières parties de Grand Corps Malade en ce moment, il est encore en tournée cet automne.

Louis Péchinot se destinait à une carrière d’ingénieur à laquelle il a finalement mis un terme pour se consacrer à sa passion : la musique. Louis Péchinot est batteur. Longtemps, il a été le batteur du groupe punk Pogo Car Crash Control. Aujourd’hui, il s’ouvre les voies d’une carrière solo avec un premier EP sorti mi-janvier sous le pseudo Louis La Flemme. Ce premier mini format s’intitule “Lésinight”, un petit clin d'œil à sa ville d’origine Lésigny en Seine et Marne. Le batteur délaisse l’énergie punk de son groupe pour diffuser une pop mélodieuse, fascinante, accrocheuse et addictive. Elle flirte tantôt avec des influences rap et tantôt du côté de la chanson française. On est bien loin de ses racines punk ! Il délaisse aussi sa batterie pour prendre la guitare. Il a composé et écrit chacun des cinq morceaux de ce disque. Son écriture est assez énervée, franche et sans filtre. Il interprète à contrepied ses textes portés par sa voix mielleuse et délicate ! Il évoque l’avenir incertain d’une jeunesse tiraillée à la fois par les réseaux sociaux, les jeux vidéo et le devoir de se mettre au travail et de s’accomplir. Cette même jeunesse qui vit dans le doute, l’incertitude, les problèmes d’argent et les histoires sans lendemain mais qui reste toujours vibrante, vivante, impulsive et pleine d’espoir. Louis La Flemme est l'une des belles nouveautés de cette nouvelle année, un artiste qu’on garde dans nos radars et que je vous invite à suivre pour l’énergie singulière qu’il dégage. On attend désormais d’en écouter un peu plus et de le voir sur scène en solo défendre ce premier coup d’essai séduisant.

Elle est rennaise, elle a 23 ans, elle s’appelle Jeanne Bonjour*, un nom de scène authentique et original, et pourtant c’est son vrai nom de famille dans la vie qu’elle a choisi de garder. Jeanne Bonjour a grandi en Bretagne dans une famille de musiciens. Elle a toujours fait de la musique. Elle a appris le violon et le piano très tôt et s’est aussi formée au théâtre intégrant même le conservatoire de Rennes. Alors qu’elle avait intégré une école d’architecture, Jeanne Bonjour a pris un autre tournant. Depuis 3 ans, elle a professionnalisé sa passion. Elle est auteure compositrice et interprète. En Janvier 2024, elle a sorti son nouvel EP “Nouvelle ère”. La chanteuse s’inspire de la chanson française des années 80-90, d’Etienne Daho au Rita Mitsouko, elle qui est souvent comparé à Catherine Ringer, ça lui va bien. Sa pop aux allures disco nous fait aussi penser à Clara Luciani. Jeanne Bonjour offre une pop colorée, joyeuse et lumineuse. Les 8 titres de “Nouvelle ère” sont d’une efficacité redoutable. Dans ce premier mini album, la chanteuse évoque des sujets personnels, mélancoliques aussi. Ses textes la retranscrivent. Elle est sincère sans être impudique. Elle décrypte aussi son rapport aux autres, elle questionne l'impact que les autres ont sur nos vies, nos choix, nos décisions par le biais de l’amour, de la naïveté, et la quête de tout un chacun de trouver un équilibre. Elle s’interroge aussi sur la nostalgie des relations, les souvenirs que l’on en garde. On remarque dans ce premier opus un goût prononcé de la rennaise pour la comédie musicale. Elle y glisse cette empreinte, espérant un jour en créer une. Jeanne Bonjour s’installe doucement mais sûrement sur la scène pop française et on lui dit Bonjour, bienvenue. *: Jeanne Bonjour a été révéLAtion RIFFX Fête de la Musique 2021 et Hyper Weekend Festival 2024

Attention, on est dans la sublimité avec l’artiste et l’album que je vous présente. Il s’appelle Elliott Armen et vient de sortir sa seconde production “Turbulence”. Elliott a 24 ans, il est le fils de Yann Tiersen et a grandi entre Paris et Saint Malo. Elliott est un passionné de voyage, de paysage, de nature, d’aventure et d’isolement. Son premier album, il était allé l'enregistrer sur l’île d’Ouessant, tout à l’Ouest de la Bretagne. Pour “Turbulence”, l’auteur compositeur et interprète a fait le choix d’éprouver encore un petit peu plus l’isolement en se rendant sur l’île de Lewis en Ecosse. Il s’est rendu au Black Bay Studio de Peter Fletcher. Le trajet pour se rendre au studio a été une véritable aventure en soi. Parti de Saint Malo, Elliott a pris le ferry, un bus, et a terminé le trajet à pied, une marche de 200 kilomètres à travers des paysages écossais uniques. Il a mis une douzaine de jours à faire le trajet. Un moment hors du temps qui lui a permis de se déconnecter des préoccupations quotidiennes. Ce périple solitaire a été une véritable source d’inspiration pour le breton. “Turbulence” évoque le tumulte, les doutes, les remises en questions, et les introspections qu’a traversés Elliott Armen pendant toute la création de ce disque qui a commencé dès le début de son voyage. Quand vous écouterez Elliott Armen, vous penserez à Sufjan Stevens. On retrouve la délicatesse de sa folk et sa modernité. Avec “Turbulence” Elliott Armen offre un disque doux et soyeux. Pendant près d’une heure, on se laisse embarquer entre terre et mer. Parfois on ressent le fracas des vagues ou la brutalité de la pierre. Armen qui signifie pierre ou rocher en breton, nous confronte à la pureté des moments et paysages qu’il a traversés. Il imbrique une folk jouée à la guitare ou au piano dans une orchestration moderne. Le résultat est réconfortant et enveloppant.

Cinq ans que 21 Savage ne nous avait pas proposé une nouvelle production en son nom. Pour ce début d’année 2024, c’est désormais chose faite et c’est un événement. Le rappeur britannique qui vit maintenant à Atlanta fait un retour attendu et remarqué avec "American Dream". Ce troisième album du rappeur de 31 ans marque un tournant crucial dans sa carrière. En près de 50 minutes, le londonien d’origine nous interpelle par son évolution musicale, et la diversité de ses choix artistiques. Nul doute que son style continue à largement influencer le hip-hop. 21 Savage compte sur la scène internationale. Composé de 15 morceaux, "American Dream" mêle des paroles introspectives, des flows innovants et des productions frappantes. 21 Savage qui a beaucoup travaillé pour les autres ces derniers temps ou qui a participé à quelques featuring s’offre de belles collaborations pour son nouveau long format. On y trouve des artistes d’envergure comme Doja Cat, Young Thug et aussi Travis Scott. A la production, le rappeur a fait appel notamment au talentueux Metro Boomin. Ces invitations apportent une belle diversité et richesse musicale à l’album, le rendant singulier et percutant. On ne s’ennuie pas. 21 Savage nous bouscule d’une piste à l’autre jouant avec les rythmes et son flow imparable. 21 Savage déploie des textes poignants où il évoque sa migration aux Etats-Unis, sa quête du succès, de la réussite. L’american dream qu’il est venu chercher dans ce pays pour se réaliser personnellement et professionnellement. "American Dream" est aussi la bande son du biopic qui est sorti le 4 juillet, jour de la fête nationale américaine. Ce film dont on ne sait pas encore s’il sortira sur plateforme ou au cinéma retracera l’ensemble du parcours de 21 Savage depuis son enfance et sa vie en banlieue londonienne jusqu’à sa vie de jeune trentenaire immigré aux Etats-Unis.

Tate McRae a été l’artiste la plus écoutée sur TikTok en 2023. Avant de démarrer dans la musique, elle a commencé en tant que danseuse, notamment aux côtés de Justin Bieber. En 2020, elle poste ses chansons, ses compositions sur Youtube et c’est comme ça qu’elle se fait repérer et lance sa carrière. Aujourd’hui, à seulement 20 ans, la canadienne est l’artiste montante de la scène pop internationale. Et pourtant c’était pas gagné ! en tout cas pas dès son premier disque. Ses débuts ont été un peu timides, le succès mitigé avec la sortie de son premier album l’année dernière, Tate McRae ne lâche pas. Elle sort “Greedy” il y a quelques mois, un titre produit en collaboration avec Ryan Tedder du groupe One Republic. Fine utilisatrice des réseaux sociaux, elle dévoile un petit extrait qui est repris plusieurs fois jusqu’à devenir un trend. La canadienne ne voulait pas forcément sortir le morceau, mais vu le succès sur TikTok, il est paru sur son second album sorti en décembre dernier. Ce deuxième disque de Tate McRae s’intitule “Think Later”. Cet album marque une étape importante dans la carrière de la chanteuse, elle reprend confiance et nous embarque dans son style musical unique. Elle ajoute quelques pointes de pop et de R&B pour un rendu singulier et se laisse aussi traverser sur certains morceaux par un style new-wave inattendu mais qui s’intègre parfaitement dans l’ensemble. Tate McRae propose 14 nouveaux morceaux qui décrivent chacun une émotion différente. Bien sûr qu’il est question d’amour dans cet album. Elle évoque aussi des relations compliquées et l’acceptation de soi. Ces thèmes font références à des moments personnels et vécus par la canadienne. Tate McRae est partie en tournée mondiale cette année. Si on ajoute à ce nouvel album réussi, ses qualités de danseuse, ça promet un show fabuleux.

La Queen du rap Nicki Minaj est de retour ! Elle avait annoncé stopper sa carrière fin 2019 avant de se rétracter assez vite. Nicki Minaj avait un peu disparu des radars depuis son dernier album sorti en 2018. Après une longue pause de 5 ans, la Queen regagne son trône et vient de sortir “Pink Friday 2”, la suite du premier volet sorti en 2010, et le cinquième disque dans la carrière de la rappeuse. Nicki Minaj qui est réapparue cette année. Elle a partagé la BO du film Barbie avec Ice Spice. Qu’en est-il de sa nouvelle production, souvent repoussée enfin disponible ? Samples, rythmes afro, quelques ambiances pop, gospel et dancehall font l’énergie de ce deuxième volet de Pink Friday. Clairement, Nicki Minaj ne choisit pas. En 22 titres, elle fait le tour de tout ce qu’elle voulait nous faire vivre. Alors c’est vrai qu’on tique parfois mais le plus souvent on adhère à son univers pluridimensionnel et à sa polyvalence ! Elle est créative et casse les codes. Ce qui ne plaît pas toujours à tout le monde. Nicki s’offre de belles collaborations sur ce disque. Évidemment, on compte parmi les featuring Drake, un proche de la rappeuse, J. Cole et Lil Wayne figurent aussi parmi les invités. Les samples sont nombreux sur ce disque, pas du tout utilisés avec parcimonie. Elle en fait un atout. Elle utilise des titres forts en reprenant des morceaux de Billie Eilish, Blondie ou encore Cyndi Lauper et Rick James. Malgré quelques samples parfois teintés de nostalgie, Nicki Minaj apporte une dose de modernité. Le flow de la rappeuse est toujours aussi incroyable et varié. Elle est à la fois vulnérable et puissante. Dans ses textes, elle parle d'événements intimes et personnels. Elle évoque la perte de son père et révèle une facette peu connue de la rappeuse. Les textes très introspectifs de Nicki Minaj rendent l’album captivant. Clairement “Pink Friday 2” conforte le statut de reine du rap à Nicki Minaj.

Mika a sorti un nouvel album intitulé “Que ta tête fleurisse toujours”. Le sixième album du chanteur est entièrement en français, et c’est une première dans la carrière du chanteur qui a franchi le cap de la quarantaine cet été. On peut en effet parler de cap, pour la quarantaine et pour le fait de chanter en français car ça n’a pas été si instinctif que ça pour Mika. Il est sorti de sa zone de confort pour nous offrir ce disque. Ça lui a coûté 2 ans et demi de travail. En chantant en français, Mika rend aussi hommage à des figures de la langue française célèbre comme Jane Birkin. Même s’il chante dans la langue de Molière et que l’exercice est différent, Mika n’a pas perdu son sens du rythme. Il dégage une énergie toujours aussi positive. Sa musique reste dansante et idéale pour ne pas succomber à la déprime du temps qui passe ! Il nous invite avec ce disque à garder espoir malgré les épreuves que l’on a tous à traverser dans nos vies. Lui-même l’a vécu dans sa chaire il y a tout juste 2 ans puisqu’il a perdu sa maman. Il se livre aussi avec pudeur dans l’album avec un morceau sur sa relation avec Andy, tout en pudeur. Le titre de l’album “Que ta tête fleurisse toujours” est une invitation au lâcher prise, à la liberté, à l’idée de laisser germer en chacun de nous une petite graine de folie malgré les années qui passent, malgré les épreuves. Restons créatif, inventif, et joyeux, voilà le message qu’il veut nous faire passer. “Que ta tête fleurisse toujours” est aussi une phrase extraite des paroles du titre “C’est la vie” que l’on retrouve dans cette nouvelle production de Mika. Elle lui a été inspirée par sa mère qui avant une grosse opération lui rappelait un de ses dessins d’enfant où Mika avait dessiné des fleurs qui sortaient de sa propre tête. Ce nouveau disque répond à la charte Mika : coloré, pop et entraînant. Mika sur scène, ça démarre dès la fin Février et jusqu’à cet été.

Lujipeka est un artiste rennais qui officie depuis quelques années sur la scène rap française. Il a sorti son premier album solo en 2021 “montagnes russes”. Le rappeur est de retour pour cette fin 2023 avec une mixtape initulée “Week-end à Marseille”. Le rennais déclare son amour à la cité phocéenne qu’il admire depuis son adolescence. La scène rap marseillaise a profondément inspiré et influencé l’artiste qu’il est, et il ne faut pas le cacher, elle a inspirté l’ensemble du monde du rap français. C’est lors d'un passage de Lujipeka à Marseille cet été, entre 2 concerts, que le projet est né. Il a rencontré des artistes locaux et avec qui il a collaboré sur certains morceaux. Chacun a apporté son style et sa touche. En invitant ces artistes moins exposés, Lujipeka avait à cœur de mettre en lumière la nouvelle génération marseillaise. Parmi les invités, il y aussi le plus connu : Soprano. Lujipeka s’est aussi entouré de plusieurs producteurs, dont Nicolas Romano, ingénieur du son marseillais qui a travaillé avec Jul, Soprano et Alonzo. Ces rencontres pnt permis de donner une palette musicale assez large à cette production. Lujipeka a pris le parti de la liberté dans la production de cette mixtape. L’idée étant de rencontrer avant tout de nouveaux artistes, de nouveaux producteurs aussi et de prendre du plaisir à créer sans objectif de promo et de tournée par la suite. “Week-end à Marseille” c’est 16 titres, des feat et des morceaux en solo. Si le rennais met Marseille en avant dans ce disque, il montre aussi qu’il est un rappeur en pleine évolution. Il trouve un équilibre entre son identité et les influences marseillaises. “Week-end à Marseille” est musicalement riche en style et en ambiance. La mixtape s’ouvre sur le morceau “Ligue des Champions”, un choix qui n’est pas anodin puisque l’OM est jusqu'alors le seul club français à avoir remporté la Champions league

Gaëtan Roussel a fêté il y a quelques mois le quart de siècle de Louise Attaque, groupe qui a marqué toute une génération avec des titres comme “Léa” ou “Viens je t’emmène. Alors pour l’occasion, en 2023, Louise Attaque a sorti un album et a retrouvé son public. Le groupe s’est offert une gigantesque tournée, 10 Zéniths, 2 Bercy et plus d’une vingtaine de festival. La fête n’est pas terminée, quelques rendez-vous sont déjà pris pour l’été prochain. Et puis fin 2023, Gaëtan Roussel est revenu en solo cette fois pour une nouvelle production. Mais pas vraiment en solo finalement. Dans ce nouveau disque à part entière, Gaëtan Roussel partage chaque titre avec un autre artiste. L’album s’intitule Éclectique et comme le dit bien le titre, les artistes invités de ce disque sont aussi divers que variés, parfois même inattendus. L’auteur compositeur interprète à la voix emblématique nous emmène aussi dans des styles et des genres musicaux tous très différents, nous baladant entre pop, rock et variété. Parmi les invités, il y a une riche diversité. On trouve des duos qu’on connaissait déjà avec Vanessa Paradis, Camélia Jordana, Souchon, Calo ou encore Hoshi. Et puis il y a 6 nouveaux titres, 6 nouvelles rencontres avec M, Louane, et des artistes plus jeunes comme Adeline Lovo ou plus inattendus comme Soprano ou Bertrand Belin. “Eclectique” est un album qui porte bien son nom et qui correspond aussi très bien à l’audace musicale que peut avoir Gaëtan Roussel. Le dernier invité de l’album est Daniel Auteuil, pour qui Gaëtan Roussel a produit les 2 albums. C’est une amitié sincère qui lie les deux hommes et voisins dans les alpilles. Si Gaëtan Roussel a dirigé les 2 albums de Daniel Auteuil, c’est l’inverse qui s’est produit il y a quelques semaines. Daniel Auteuil a dirigé Gaëtan Roussel dans son premier rôle au cinéma pour le film “Fil” qu'Auteuil a réalisé. Je vous laisse deviner qui composera la bande originale du film… Une histoire d’amitié je vous dis !

L’autrice, compositrice et interprète Alice et Moi vient de sortir son deuxième album “Photographie”. Artiste complète, la jeune trentenaire gère tous les aspects de son projet de la direction artistique à la direction musicale. Sa voix à la fois nonchalante et enivrante, et ses talents d’écriture la place comme l’un des jeunes talents incontournables de la scène pop française. En 11 titres, la parisienne nous plonge dans son univers avec authenticité. Après un premier album “Drama” sorti à l'issue du confinement, Alice et moi revient avec un nouvel opus bien plus introspectif et qui questionne des thèmes qui lui sont personnels. D’ailleurs il avait été écrit pendant la période Covid. Elle a donc pris le temps d’aller chercher au fond d’elle ce qu’elle voulait partager. Elle a écrit et composé chaque chanson. Elle évoque les petits tracas du quotidien, ses aléas, l’anxiété sociale, l’acceptation de soi et de son image. “Alice et moi” a imaginé cet album comme une succession de petites scénettes du quotidien, des petits films qui nous embarquent dans son imagination et ses expériences personnelles. Elle pousse à l’espoir, nous incite à nous accepter et à transformer nos peurs, nos doutes, nos angoisses en force. Alice et moi nous plonge dans son monde rempli de merveilles, un espace où l’on peut rêver et affronter sans crainte nos propres réalités. Ce disque est à l’image du nom de scène de la chanteuse. Il y a Alice et moi, d’un côté une femme peu sure d’elle et rêveuse et de l’autre une artiste intrépide, enthousiaste et qui n’a peur de rien. Alice et moi promet une série de concerts où le lâcher-prise sera de mise. Après avoir assuré plusieurs premières parties de la tournée de Michel Polnareff, Alice et moi prendra désormais la tête d’affiche.

Et c’est un nouvel album de Vianney qui vient de sortir… et pas seulement de Vianney, il s’est entouré de copains, d’amis du métier pour sortir ce nouveau disque “A 2 A 3”. Il n’y a donc que des duos ou des trios dans cette production. Ils sont exactement 21 artistes à avoir répondu à l’invitation du chanteur et guitariste palois. Ces rencontres offrent une belle diversité de styles de musique. Vianney se frotte à des rythmes plus hip-hop, gipsy et parfois des titres plus rock. C’est une chouette expérience éclectique en tant qu’auditeur. Vianney sait encore nous surprendre avec ce quatrième album. En écoutant l’album, on imagine bien que le chanteur a pris du plaisir à rencontrer tous ces artistes, à échanger, à faire de la musique, à chanter. Il y a un vrai esprit positif dans ce disque. Parmi les 21 artistes, il y a cette rencontre formidable et inattendue avec Eric Devillers, un ancien sans domicile fixe que Vianney a rencontré via l’association “Hiver solidaire”. Quand ils se rencontrent, Eric confie à Vianney que lui aussi il aime écrire. Alors, il lui fait lire ses textes. Vianney prend sa guitare, met un titre en chanson sans savoir qu’il ira jusqu’à l’enregistrer. Le duo est aujourd’hui disponible sur cet album de Vianney. Il y a aussi son duo avec Ed Sheeran, et le titre “Call on me” la collaboration inattendue de l’automne 2022 mais qui depuis ne nous a jamais quittés, morceau super efficace. Zazie compte également parmi les invités, MC Solaar, Florent Pagny, Mika, Ben Mazué, les frangins Big Flo et Oli, et Gims qui partage un titre rythmé et très très fédérateur. “A 2 A 3” est un album feel good, il fait du bien. Simple, efficace, bon esprit. Hélas, Vianney n’ira pas le défendre en live. Il a clôturé une énorme tournée il y a quelques mois. Donc il s’est mis en pause de ce côté pour se consacrer à sa famille avant tout.

Nuit Incolore aka Théo Marclay a marqué les ondes et les plateformes de stream ces derniers mois avec son premier single “Dépassé”. Tout s’est emballé très vite pour le jeune suisse d’origine vietnamienne avec cette chanson simplement écrite dans sa chambre. Il est l’auteur de chacun de ses textes aux émotions bouleversantes. A 22 ans, il s’est imposé comme l’une des révélations francophones de l’année. Les salles de concerts se sont remplies à mesure que le succès de son titre grandissait. Il a pris la température dans le courant de l’année avec la sortie de “Insomnia” son premier EP très bien reçu. En fin d'année, il se lance avec un premier long format. Courant novembre, est sorti son premier album solo “La Loi du papillon”. En 16 titres, il enchaîne les refrains entêtants et envolées grandioses. Et pour un premier album, Nuit Incolore s’offre aussi de belles collaborations. On y trouve Mentissa et le groupe Kyo. “La Loi du papillon” symbolise l’éclosion de l’artiste sur la scène pop française. En seulement quelques mois, de sa chambre d’adolescent en Suisse à la scène des NRJ Music Awards dernièrement, c’est une véritable tempête de succès que ses premiers petits battements d’ailes ont déchaînée. Théo Marclay est un passionné de littérature et de philosophie, ça se ressent dans son écriture. Il a le sens du détail et une écriture juste et précise. Grâce à ce succès, Nuit Incolore est parti en tournée, la scène n’a pas tout de suite été évidente à appréhender pour le jeune homme plutôt introverti.

Le dj et producteur parisien Martin Solveig, l'une des figures phare de la french touch est de retour avec un nouvel album, le premier depuis 12 ans, le cinquième seulement depuis le début de sa carrière il y a 20 ans. Pris dans l’engrenage de son milieu, il s’est laissé aspirer par les dates partout dans le monde, les voyages, les productions pour les autres dont Madonna, et quelques singles sortis au coup par coup. Dans ce quotidien effréné, auquel s’ajoute son statut de père qui l’a poussé à créer Alma Studio, studio de podcast pour enfant, il trouve de moins en moins de temps pour aller en studio et faire un album. Et que s’est-il passé pour que celui-ci arrive ? La Covid… bien sûr. Un temps qui a permis au Dj de prendre du recul mais surtout de remettre les pieds en studio sur un temps plus long, de mener une réflexion sur sa musique. Et finalement aujourd’hui, c’est un album qui est disponible et logiquement intitulé “Back to life”, un album clairement imaginé pour célébrer la vie. Dans cette nouvelle production, Martin Solveig a voulu réunir l’ensemble des sons qui lui ressemble. Ce temps long, ces 10 titres nous permettent à nous auditeurs de mieux infiltrer le style Solveig. Sa formation classique fait de lui un musicien précis, pointilleux. Il a une vision très claire de ses productions et de la couleur musicale qu’il souhaite leur donner. Dans “Back to life, les mélodies sont percutantes, entraînantes, rythmées, acidulées. Il s’entoure de plusieurs voix pour porter ses productions comme la chanteuse marocaine Faouzia. Martin Solveig pose aussi la sienne sur le très emballé et emballant “Lost”. A côté de ses morceaux funky, on trouve aussi quelques ballades pop bien senties. “Back to life” est feel good, rempli du vibes à la Martin Solveig, très solaire donc parfait au quotidien.

Jungkook est l’un des membres des BTS qui fête cette année ses 10 ans.. Les BTS, groupe phare de la scène KPop a annoncé devoir faire une pause de quelques années, ses membres étant obligés de faire leur service militaire coréen. Même en étant star mondiale, on n’obtient pas de dérogation pour y échapper, ils ont seulement pu le retarder ! Jungkook est le plus jeune de la bande donc il n’a pas encore été appelé sous les drapeaux. Ce qui lui laisse le temps de faire de la musique. Il a dévoilé début Novembre son premier album solo intitulé “Golden”. L’album de 11 titres réunit quelques grandes stars internationales dont notre frenchy Dj Snake, on y trouve aussi Major Lazer et Jack Harlow. Autres collaborations présentes sur l’album alors qu’il n’y a pas eu de rencontre entre ces artistes, au grand désarroi du coréen, Ed Sheeran et Shawn Mendes. Ils ont tous les 2 écrit pour Jungkook. Le coréen a fait le choix de ne chanter qu’en anglais, mettant de côté pour le moment sa langue maternelle. Une stratégie choisie pour permettre à l’artiste de rayonner encore plus facilement sur la scène internationale. Dans “Golden” le chanteur retrace son parcours d’artiste passé par un groupe mondialement exposé avant de démarrer sa carrière solo, un moment en or - Golden - et pour lequel il éprouve une grande gratitude. Il y a une progression à l’écoute de ce disque. Ça commence avec les débuts rythmés et euphoriques d’une relation jusqu’à la mélancolie de la séparation. Il fait le parallèle de sa carrière avec BTS avec une relation amoureuse. Jungkook a choisi chacun des titres qui composent cet album en sélectionnant soigneusement les chansons et tous les styles qu’il aime. Il veut ouvrir son univers musical. On sent bien cette envie de ne pas se cantonner à la Kpop. “Golden” marque un mélange de styles musicaux alliant funk, electro, pop, r’n’b. Il y en a vraiment pour tous les goûts.

A 55 ans, Gérald De Palmas est de retour après une pause de 7 ans ! Une longue pause qui a été nécessaire pour celui qui a passé sa vie en studio ou sur scène. Il a profité de cette période pour renouer avec la Réunion, son île natale qu’il a quittée alors qu’il était enfant, il n’avait que 9 ans. Là-bas, il a mis de côté la musique et a exploré d'autres passions comme le parachutisme, à la recherche d’adrénaline. En septembre, Gérald De Palmas est revenu, heureux de renouer avec sa première passion, la musique et son public. Il présente le single “Personne” à la rentrée et annonce la sortie d’un album dans les mois qui suivent. Il démarre la promo de ce futur disque, évoque même une tournée… Et finalement grosse surprise… patatra… ce prochain disque sera le dernier du chanteur, et la tournée n’aura pas lieu. On est tous un peu surpris. Gérald De Palmas annonce mettre fin à sa carrière à cause d’un problème récurrent de voix via un message enregistré depuis la Réunion sur ses réseaux sociaux. Cet ultime album, le huitième de la discographie de Gérald De Palmas, vient de sortir. Disponible depuis mi-novembre, il s’intitule “Sous un soleil de plomb”. Gerald De Palmas a expliqué avoir pris des cours de chant pour trouver sa voix et l’accepter, pour être au mieux sur ce disque. Il a consciencieusement travaillé. D’ailleurs à l’écoute des 12 titres de l’album, on n’entend pas de différence. On retrouve ce grain si particulier à Gérald De Palmas. “Sous un soleil de plomb” est un disque rythmé à la fois blues et folk où le chanteur chante l’amour, l’amitié, le désir et les désirs vides de sens aussi. Il évoque le temps qui passe et s’adresse aux femmes, au temps qui patine nos peaux, nos corps. C’est un bien chouette album de Gérald De Palmas que je vous invite à aller écouter. Il démarre sur un prélude à la guitare joué par son fils, une belle improvisation.

Alexandre et Cassandra forment le duo Charlotte Fever. Les deux comparses se sont rencontrés sur les bancs d’une école de musique. Voilà 5 ans qu’ils travaillent ensemble. Ils ont sorti plusieurs EP, rapidement ils ont été repérés par l’équipe de production de la série “Emily in Paris”. Deux de leurs titres ont été utilisés dans la saison 2. Grâce à Shazam, ça les a très vite fait décoller, à l’étranger notamment. Alexandre et Cassandra offrent une électro pop à la fois rétro et moderne. Ils ont déjà conquis plusieurs pays d’Amérique Latine ou encore la Corée du Sud, le Japon aussi. Chez nous, chez eux, Charlotte Fever peine un peu plus à émerger. Ce qui est assez frustrant pour le binôme. Ils viennent enfin de sortir leur premier album “Paris Cyclone”. Cette première production est sans nul doute taillée pour nous faire danser. Leur electro pop joyeuse va nous rappeler la chaleur de l’été et nous donner envie de quitter cette grisaille pour se brûler la peau au soleil ! Cocktail, transat, piscine, on y est quand on écoute Charlotte Fever. Les textes sont eux aussi assez hot. Ils sont portés par un désir érotique poétique. Leur style s'imprègne du maître dans le genre : Gainsbourg. C’est à la fois chanté, susurré, murmuré mais c’est toujours très délicat. Il faut aussi savoir qu’Alexandre et Cassandra ont totalement autofinancé la sortie de ce premier opus. Bien qu’il ne s’agit pas pour eux d’une fin en soit de produire un long format. Ils préfèrent plutôt les EP pour leur efficacité, aussi parce que les petits formats permettent de naviguer plus facilement de style en style, de travailler leur image plus rapidement. Ce premier album de Charlotte Fever c’est un éclat de paillettes. Les 11 titres de ce disque sont terriblement efficaces, festifs et chaleureux. C’est un album qu’il faut avoir écouté et que je vous recommande d’aller voir en live.

Jérôme Amandi aka Talisco est de retour avec un quatrième album “Cinematic”. Dès l’ouverture de l’album, on comprend bien que Talisco nous emmène dans une grande aventure musicale, riche en émotions et sensations fortes. “Cinematic” se découpe en 12 titres, 12 court-métrages, 12 petites aventures. On vit “Cinematic” comme une épopée. L’album ne vous laissera pas indifférent. Le Bordelais voit les choses en grand et propose des orchestrations et des arrangements à la hauteur de ses ambitions. Ce sont ses aspirations qui font la réputation de sa musique sur la scène internationale. Cet ancien pubard, puisqu’il a commencé dans les métiers de la communication avant de faire de la musique a ce ton accrocheur et une musique fédératrice. Pour preuve, son titre “The Keys” sorti sur son premier album avait été choisi pour la pub d’un opérateur telecom, et un peu plus tard “Sun” est devenu le générique de la série “Un si grand soleil”. C’est deux fois, il a été choisi pour la musique qu’il fait, pour son univers. Revenons à son nouvel album, “Cinematic” mêle la douceur de la folk-rock et la grandiosité de l’électro. On sent bien que le but recherché est de nous transporter. L’interprétation de Talisco, qui navigue entre le français, première fois qu’il chante dans la langue de Molière, et l’anglais, nous offre un véritable frisson. On ne peut pas rester indifférent. Et si ces sentiments d’espace et de voyage nous traversent en écoutant “Cinematic” c’est aussi parce que Talisco y questionne la liberté, prône le lâcher-prise, et rêve de grands espaces. La pochette de l’album évoque aussi les Etats-Unis, les cow-boys, ces fameux grands espaces, et les road trip. “Cinematic” pourrait totalement s’inviter dans la playlist d’un road-trip sur les longues lignes droites américaines. Talisco parcourt les routes bien plus sinueuses de la France pour une tournée qui l’emmènera en Mars prochain au Trabendo à Paris.

Fabien Marsaud aka Grand Corps Malade est de retour avec un nouvel et huitième album: “Reflets”. Reflet est orthographié avec S parce que ce disque est le reflet d’une époque, de notre société, le propre reflet de l’auteur et interprète lui-même et finalement le reflet de chacun de nous. Grand Corps Malade explique que plus il se raconte personnellement, plus ses paroles touchent universellement. Dans cette nouvelle production, Grand Corps Malade évoque sa vie, ses émotions, ses sentiments les plus personnels, passant par la colère, l’inquiétude, la légèreté et l’humour. Il raconte la parentalité, le quotidien, l’amour et aussi l’urgence climatique. Il dénonce une urgence à secouer nos sociétés d’aujourd’hui pour ne pas donner à nos petits enfants de 2083 un monde invivable. En évoquant ce sujet sociétal très actuel, Grand Corps Malade veut prendre sa part, c’est sa façon de contribuer, même si sa chanson ne fera pas changer les choses. Des grandes causes aux petites choses du quotidien, Grand Corps Malade évoque dans “Retiens les rêves” ses petits rien de la vie courante, ces actes anodins et qui pourtant nous manqueraient tellement s’ils n’étaient plus là. Avec ce nouveau disque, Grand Malade entame une nouvelle direction. En effet, le chant prend de plus en plus de place dans ses chansons. Ce mix slam et chant apporte éclat et caractère à ses titres. Pour la partie création musicale, Grand Corps Malade a été rejoint par le DJ Mosimann. Les arrangements sont très orchestrés. Certes la musique électronique prend une large place mais il y a aussi beaucoup d'instruments, des cordes, des cuivres, de la batterie. Les titres sont rythmés et entraînants. Ils se ralentissent parfois, mais la mélancolie prend moins le pas parmi les 12 titres de Reflets”. Grand Corps Malade partira en 2024 partout en France pour une longue tournée d’une quarantaine de dates.

Chien Noir est Bordelais. Il s’appelle Jean Grillet dans la vie, il était destiné à travailler dans le domaine viticole, mais sa passion pour la musique a pris le pas. Il sort enfin son premier album. Nommé aux Victoires de la musique en 2022 dans la catégorie révélation masculine, on attendait cette première production avec impatience. Chien Noir nous a fait patienter à coup de singles et d’EP. Et voilà, “Apollo” est enfin disponible et tient toutes ses promesses. L’écriture de ce disque a démarré dans un moment difficile pour l’auteur compositeur et interprète. C’est à cette période que sa maman est tombée malade. C’est d’ailleurs de là que vient le titre de ce disque “Apollo”. C’est très poétique et en même temps très terre à terre. Apollo est un dispositif médical dont sa maman aurait pu bénéficier. Ca fait aussi penser à une mission spatiale, aux étoiles, et enfant Jean passait ses étés à regarder les étoiles avec un livre sur les constellations avec sa maman. Il rêvait aussi de travailler à la Nasa. Sa maman est très présente dans ce premier album. C’est toujours très subtile, poétique, emboîté, imbriqué. Le message est clair et direct. Il ne laisse pas la place à une autre interprétation de la part de l’auditeur. Il explore des sujets profonds. Le contexte de l’écriture de ce disque n’y est pas pour rien bien sûr ! Il questionne les départs, les retrouvailles, l’amour, l’amitié, les liens, la mélancolie. Musicalement, ça sonne très pop, très actuel, assaisonné de son plus électro, pourtant, le bordelais s’est largement inspiré des sons des années 80-90 qu’il s’est attaché à déconstruire. Le plaisir de ce disque c’est de faire encore mieux connaissance avec la voix si singulière de Chien Noir. Vous pouvez le voir sur scène. Il est attendu à La Cigale à Paris le 6 février prochain.

Bandit Bandit est un duo que l’on a repéré dans l'émission de Nagui “The Artist” en Septembre 2021 et qui aujourd’hui est considéré comme l’un des groupes français les plus prometteurs. Alors on ne pouvait pas passer à côté de la sortie de leur premier opus. Mais avant les strass, la télé et cet album, il y a la rencontre entre Hugo et Maëva… sur une appli, ils matchent sur Tinder. Ils sont alors à Montpellier. Trois ans plus tard, ils émergent sur la scène Lyonnaise qui les conduit au télé crochet. Nous voilà aujourd’hui en 2023… Après quelques singles sortis au coup par coup, ça y est le duo se jette dans l’arène et sort enfin son premier album 11:11. Et ça déboite ! Vous allez découvrir un disque glam-féministe de 11 titres fidèles au style rock du duo formé par Maëva Nicolas et Hugo Herleman. Les riffs de guitares sont généreux, percutants et puissants. Hugo est à la guitare, Maëva au chant, elle déploie aussi une présence explosive et un chant ardent. A eux deux, on peut dire que ça déborde d'énergie et d’idées revendicatrices. Les textes 100% en français de 11:11 sont féministes, engagés et ne manquent pas de nous rappeler l’importance d’un féminisme puissant entendu et reconnu dans l’art. Ils évoquent aussi avec détermination la toxicité de certaines relations, l’emprise, la rupture, et puis le renouveau, ce moment où enfin on parvient à se retrouver soi-même. Bandit Bandit ravive les couleurs du rock français et ça augure de bien belles choses pour cette scène parfois un peu morose ! Bandit Bandit, le duo explosif est actuellement en tournée avec 11:11 jusqu’à la fin de l’année en France. Et ça devrait durer encore un peu puisque des dates sont déjà prévues pour le Printemps prochain.

Dans la famille Schneider, je demande l’autre, le frère, Aliocha. Après deux albums en anglais, le frère de Niels, franco-canadien vient de sortir son premier album quasi entièrement en français, tout simplement et logiquement intitulé “Aliocha Schneider”. Ces 10 titres ont été en grande partie écrits et composés en Grèce où il a passé 6 mois pour le tournage de la série “Salade grecque” de Cédric Klapisch. Éloigné de son entourage, de sa compagne Charlotte Cardin, il a vécu dans sa chair le manque et ça a inspiré ses textes. Cette nouvelle production est profondément romantique et sensible, c’est une déclaration d’amour à l’être aimé resté loin, à sa compagne, à sa mère aussi. Le manque a inspiré ce disque, mais c’est aussi une photographie de ces mois passés en Grèce, de cette douceur de vivre et de la chaleur du soleil de la Méditerranée. Aliocha Schneider profite de ce changement de langue pour bouger un peu ses propres lignes musicales. Il se dégage une folk solaire, teintée de quelques notes de bossa nova. Il y a aussi d es titres joliment pop et des ritournelles romantiquement romantiques. C’est très lumineux et charmant, c’est peut-être l’effet méditerrannée qui se reflète dans ce disque. Charmante aussi, la voix d’Aliocha Schneider, on aimerait qu’il nous chante au creux de l’oreille une de ses chansons, on aimerait en être la ou le destinataire. Et comme pour boucler la boucle de ce disque entamé à Athènes pour “Salade grecque” de Cédric Klapisch, le réalisateur a été aux commandes du clip du titre “Avant elle”. Cet album “Aliocha Schneider” est probablement l’un des plus beaux et doux disques que l’on peut entendre pour cette fin d’année. Sur qu’il va tourner longtemps chez moi, en attendant de pouvoir le voir au cinéma puisque le chanteur mène aussi en parallèle une carrière d’acteur bien chargée.

Sufjan Stevens, le roi de la folk contemporaine, le maître en la matière, l’inégalable est de retour avec un dixième album et c’est une pure merveille ! L’auteur et compositeur américain a sorti il y a quelques jours “Javelin”. Il nous offre pendant près de 45 minutes un bain de douceur, une détox de ce monde et de l’actu avec une délicate électro acoustique qui interroge l’amour et la perte. “Javelin” pourrait se résumer en un seul mot bouleversant ! mais ça fait court ! “Javelin” est sublime alors parlons-en ! “Javelin” est probablement le meilleur album de Sufjan Stevens. Si l’artiste, originaire de Detroit, donne le meilleur de lui-même dans cette production c’est probablement parce qu’il la dédie à Evans Richardson IV, son compagnon, disparu en Avril dernier. Au travers de cet hommage, Sufjan Stevens dévoile aussi son homosexualité. Dans “Javelin” l’artiste met son cœur sur la table, se livre avec une pudeur délicate sur cette épreuve et l’année qu’il a traversées. Malgré le drame qu’évoque cet album, les 10 titres sont remplis de poésie, c’est planant, atmosphérique, il nous fait côtoyer les anges. Sufjan Stevens a bien sûr composé, joué et enregistré tout l’album dans son home studio ce qui rend probablement encore plus compte du ton très intime de ses nouvelles chansons. Bryce Dessner du groupe américain The National est venu poser quelques accords avec sa guitare sur ce nouvel album. Allez écoutez très très vite “Javelin” pour vous laisser porter ! Malheureusement, ce nouvel album ne sera pas joué en live… en tout cas pas tout de suite. L'américain a récemment déclaré être atteint du syndrome de Guillain-Barré ce qui l’empêche de partir en tournée défendre ce disque cher à son cœur.

Les New-Yorkais de The National complètent leur discographie avec un dixième album “Laugh Track” et c’était un peu la surprise de cet automne ! Surtout qu’au Printemps dernier le groupe nous grattifiait déjà d’un bel album poétique qui nous avait comblé “First Two Pages of Frankenstein”. Heureux, on déballe ce nouveau cadeau “Laugh Track” et on découvre 12 titres et de jolies collaborations, parmi lesquelles figurent Phoebe Bridgers qui était déjà là sur le précédent, Bon Iver et aussi Rosanne Cash, la fille de Johnny Cash. Cette douzaine de morceaux est issue des sessions d’enregistrement de “First Two Pages of Frankenstein”. Ce n’est pas du recyclé, mais du travail que le groupe voulait garder et partager. The National propose dans cette nouvelle production une indie rock à la fois pure, céleste et sauvage. L’album est précis et authentique. C’est lumineux, doux comme du velours et à la fois groovy. On se laisse happer par cette pop addictive et réconfortante et qui ne manque pas de relever le tempo sur la deuxième partie de l’album. “Laugh Track” c’est un peu ce plaid moelleux qu’on retrouve après l’été et dans lequel on se roule et se laisse aller. L’écriture du leader du groupe Matt Berninger est toujours aussi précise, riche de poésie pour raconter sa nostalgie, ses envies, l’amour qui le ronge et ce avec quoi il lutte intérieurement. Impatient de découvrir l’album, de l’avoir entre vos mains, il faudra attendre le 17 novembre 2023 pour la version physique actuellement.

Skip The Use revient avec un nouvel album “Sound from the Shadows part 2” avant même la fin de leur tournée au Zénith de Paris le 21 Octobre. Et si ce titre vous dit quelque chose c’est normal puisqu’une part 1 est sortie en 2011. Douze ans plus tard, cette seconde partie n’a rien en commun avec la première mais vient montrer combien le groupe a changé musicalement, évolué dans ses sonorités, parcouru son bonhomme de chemin, même après une séparation en 2016. Réformés en 2018, ils ont repris le chemin du studio et de la scène avec deux albums déjà parus. Fait assez rare pour le noter et qui montre une libération du groupe, les lillois s'offrent quelques belles collaborations dans cet opus de 10 titres. On y trouve Lou Sirkis, la nièce de Nicola Sirkis, chanteur d’Indochine. Ensemble ils chantent “Tout contre nature” un titre en français frais, pop et percutant. D’autres artistes comme Youv Dee ou Anthéa accompagnent aussi Mat Bastard sur l’album. Matt Bastard, à l’écriture des textes toujours, garde un avis très aiguisé sur notre société et ses travers. Il dénonce notre monde lissé, polissé qui gomment nos personnalités au profit des trends, des modes, de tendances et des algorithmes. Il nous invite à rester nous-même, à accepter nos échecs et nos erreurs. Cette nouvelle production de Skip The Use ne perd pas en intensité. On retrouve la pop rock décalée des débuts auquelle le groupe ajouté du relief et des aspérités avec des sons techno et punk. Dans cette nouvelle production, il y a des remises au goût du jour, il y a des inédits entendus en concert qui ont pris le chemin du studio pour s’intégrer à ce disque, et deux morceaux live s’invitent également. C’est “Sound from the Shadows part 2” c’est du pure Skip The Use.

L’anglaise Romy Madley Croft prend ses distances avec The XX le temps d’un album solo. Fan du trio, pas de panique ce n’est pas la fin du groupe ! Juste une escapade solitaire ! C’est une première pour Romy qui vient de sortir son premier album et qui s’intitule “Mid Air”. Et quand je vous dis qu’elle prend ses distances avec The XX, c’est aussi parce que musicalement, Romy s’essaie à un nouveau style. Elle prend un virage plus pop, plus mainstream et se détourne des boucles synthétiques, mélancoliques et sophistiquées auxquelles les anglais de The XX nous avaient habitués. Alors précision temporelle importante : l’album a été écrit et composé en grande partie pendant le confinement de 2020, d’où le lâcher-prise, d’où son invitation à la fête et à réaliser que tout n’est pas éternel. Donc oui, “Mid Air” est une véritable invitation au dancefloor et à la fête. Romy propose une pop electro irrésistiblement dansante aux accents house. C’est rythmé et effervescent. D’ailleurs Romy opère une véritable mue personnelle ! D’adolescente à la moue boudeuse, on découvre une femme libre, véritable reine de la piste de danse. Si tous les fans de The XX ne suivront pas forcément le virage amorcé par la chanteuse et guitariste du groupe parce que c’est audacieux, ils auront quand même le plaisir de retrouver sa voix si singulière, profonde et suave. Romy a souvent prêté sa plume pour les autres, notamment Dua Lipa. Avec “Mid Air” elle écrit pour elle, pour son public et livre 11 textes bien plus personnels et authentiques.“Mid Air” comme le dit le titre de cet opus est un moment suspendu, dans les airs, ce moment d’apesanteur avant de retomber. Elle évoque dans l’album des sujets intimes. Il est question d’amour, de relations amoureuses, de deuils et de club queer qui lui ont permis de se sentir au bon endroit et avec les bonnes personnes.

Elle a seulement 20 ans et vient de dévoiler son second album “Guts”, il s’agit d’Olivia Rodrigo, américaine d'origine philippine, elle est compositrice, autrice et interprète. Et après un album qui rencontre un énorme succès, l’étape du second opus est un vrai challenge ! Challenge accepted by Olivia Rodrigo, on va voir ça ! Elle n’a que 16 ans quand on la repère dans la série “High School Musical” qui lui permet de sortir en 2021 son premier album. Intitulé “Sour” il rencontre un vrai succès et remporte même le Grammy Award du meilleur album pop l’année de sa sortie. Olivia Rodrigo devient à cette période la première artiste de l’histoire à avoir 3 singles dans le top 100 du Billboard américain. Elle habite désormais à New-York, une ville qui l’inspire et où elle a écrit et composé “Guts”. Cette nouvelle production nous montre qu’à 20 ans, on n’est forcément plus la même qu’à 16 ans. Plus expérimentée, plus assurée aussi, elle a choisi d’explorer un nouveau style musical et dévie plus rock voir même un brin punk. Blondie ou Avril Lavigne semblent avoir inspiré la chanteuse de 20 ans. Alors musicalement, ça donne des guitares qui s'électrisent, des riffs plus puissants. Il y a une réelle envie de s’affirmer avec cette douzaine de nouveaux titres et de n’afficher aucun complexe quant à ses choix. Reine de la génération Z, elle a écrit l’entièreté de ses textes. Ils évoquent toujours les préoccupations aussi bien écologiques que sentimentales de cette jeunesse. Elle dénonce aussi les attentes auxquelles sont toujours confrontées les jeunes femmes pour être la femme idéale. Deux revenges songs prennent place aussi dans ce disque. Deux morceaux pour remettre en place des ex toxiques ! Olivia Rodrigo ne rate pas la difficile étape du second album avec “Guts”. Olivia Rodrigo a donné un concert unique à Paris le 14 juin 2023 à l’Accor Arena.

Calogero est de retour avec un neuvième album A.M.O.U.R. En 11 titres, Calo dissèque l’amour sous toutes ses coutures, de l'effervescence des débuts, à la fin d’une histoire, du chagrin au regain d’amour. Et puis il évoque aussi les amours amicales, les amours fraternelles, familiales, le grand amour de notre vie entière pour nos enfants ou simplement pour notre animal - on n’a pas tous des enfants -, l’amour c’est aussi les amoureux de la vie, de la liberté. Ça déborde d’amour dans cet album, l’amour avec un grand A, un grand M, un grand O, un grand U, un grand R. Calogero signe avec ce disque son album le plus personnel. Écrit à un moment charnière de sa vie, il a été cathartique pour le solitaire qu’il est. Solitaire et pourtant pas seul à l’écriture. Une jeune femme de 25 ans encore inconnue a co-écrit avec Calogero 3 textes de ce disque. Elle s’appelle Marie Poulain, une amie d’ami de Calogero. C’est comme ça qu’ils se rencontrent et que Calo séduit par la voix suave de la chanteuse et par ses qualités d’écriture commence à travailler avec Marie Poulain. Chanteuse, autrice et aussi musicienne elle a co-composé trois morceaux de ce nouveau disque de Calogero. A.M.O.U.R est un album rempli de contraste. Calogero sait se faire doux, nous séduire avec des pianos-voix et des guitares-voix subtiles et frissonnant. A côté de ça, il nous surprend avec des titres plus rock. Il change aussi sa manière de chanter. Il est plus frontal. Il tente même une incartade disco sur le titre “Donne” et ça marche. Le quinqua n’en finit pas de nous surprendre. Et si vous avez en main le disque, vous verrez dans les crédits, Pio, Rita et Nina, ses 3 enfants qui prêtent notamment dans AMOUR leur voix. Impatient de remonter sur scène, il s’échauffe déjà pour une longue tournée qui démarrera en Janvier prochain. Et qui pour la première partie ? Marie Poulain bien sûr, sa nouvelle protégée !

L’autrice, compositrice et interprète Birdy est de retour avec un nouvel et cinquième album intitulé “Portraits”. Cette nouvelle production marque un véritable tournant dans la carrière de la chanteuse parce que quand on pense à Birdy on s’imagine des ballades, de douces ritournelles. Et bien, “Portraits” en est bien loin ! Il est bien plus rythmé et dansant que ses prédécesseurs. Birdy n’avait que 15 ans quand elle a émergé sur la scène internationale avec sa reprise du titre “Skinny love” de Bon Iver qu’on entend encore toujours aujourd’hui. Désormais âgée de 27 ans, elle a inévitablement gagné en maturité et en expérience. Sa voix a bougé aussi, fluette, un peu haute et sage il y a quelques années, elle se montre ici plus puissante, plus grave et plus profonde. Birdy est dans l’affirmation, elle a gagné en assurance comme si elle s’était musclé la voix. Ce nouveau disque, Birdy l’a produit elle-même et l'a réalisé avec une toute petite équipe pour en ressortir un travail plus authentique et personnel. Alors oui je vous le disais, cette nouvelle production de la Britannique est bien plus rythmée. Elle voulait s’amuser, sortir un album plein d'énergie. On trouve une ballade dans ce disque quand même ! mais elle est surtout allée revisiter le son pop des années 80 et s’est laissé inspirer par des artistes à l’univers fort comme Kate Bush, Caroline Polachek ou encore Christine and The Queens. En 11 titres, Birdy raconte sa vision de la vie à hauteur d’une femme presque trentenaire. Alors les textes sont très intimes. Elle se confie beaucoup. “Portraits” a beau être un album très personnel, il n’a pas été simple à écrire pour l’artiste. Ca s’est même parfois fait dans la douleur. Cet album s’intitule “Portraits” parce qu’il s’agit de capture d’instant de sa propre vie. Elle dissèque dans ses textes ses sentiments et leurs évolutions. “Portraits” c’est un sacré coup de volant dans la discographie de la chanteuse mais il est parfaitement contrôlé !

Le duo de guitariste mexicain Rodrigo y Gabriela est de retour avec un sixième album “In between thoughts a new world”. C’est pendant les longs mois de confinement qu’ils ont imaginé cette nouvelle production à la dimension spirituelle et mystique très forte. La découverte, par le couple, de la philosophie non dualiste de l’Advaita Vedanta, une doctrine hindoue, a emballé leur créativité et leur a insufflé les 9 titres de ce nouvel opus. Comme le suggère le titre de l’album, c'est tout un nouveau monde qui s’est révélé à eux. Alors ils ont laissé les préceptes de cette doctrine agir sur eux, sur leur âme, sur leur inspiration. Ils ont laissé infuser cette doctrine et elle a inondé leur musique. Chaque morceau a été composé spontanément, instinctivement. La guitare est bien sûr le cœur de leur composition et de l’orchestration. Elle est souvent acoustique, elle est aussi électrique parfois. On reconnaît toute la dextérité du jeu de Rodrigo y Gabriela : rythmé, vif et fugace. Et puis, Rodrigo y Gabriela ont enrichi leur musique. Des synthés, des machines et les cordes de l’orchestre symphonique bulgare viennent agrémenter leurs nouvelles sonorités. L’univers du duo vient s'intégrer dans des arrangements électros et d’autre fois plus classiques. Quand on écoute “In between thoughts a new world” il faut accepter de lâcher prise pour que l’album nous imprègne entièrement. De l’acceptation, il en a fallu aussi pour le duo qui a réinventé sa musique pour cette nouvelle création. Malgré ces inspirations divines, les fondements musicaux qui font le socle de l’univers de Rodrigo y Gabriela n’ont pas été abandonnés. Cet album mystique prendra tout son sens et son essence lors des concerts. Vous verrez le duo mexicain gratter leurs guitares en France dès l’automne prochain.

Emilie Simon, autrice, compositrice et interprète est de retour avec un nouvel album. “ES” est le 7ème de sa discographie et marque ses 20 ans de carrière. ES, pour Emilie Simon, ES est une réinterprétation de son premier album “Emilie Simon” sorti il y a 20 ans. Ce premier album a été le point de départ de la carrière de la chanteuse. Il a été salué par la critique et a reçu en 2004 la Victoire de la Musique de l’album électronique de l’année. Ce projet de rework de ce premier opus est né un peu par surprise. La Montpelliéraine voulait fêter ses 20 ans de carrière. Elle a commencé à réenregistrer le titre “Le désert” avec sa façon de faire de la musique aujourd’hui. Puis elle s’est laissée embarquer à réenregistrer l’ensemble des morceaux de l’album ! Dans son premier album, Emilie Simon partageait les mélodies qu’elle avait en tête depuis son enfance. Avec l’expérience glanée ces dernières années, la jeune quadra a entièrement repensé son premier opus avec une seule question en tête “Si j’avais écrit ces titres aujourd’hui, comment sonneraient-ils ?” C’est avec cette intention qu’elle a travaillé. Emilie Simon a rendu les 12 titres de son premier album à la fois plus minimalistes et plus rythmés. Dans ces nouvelles versions, Emilie Simon montre une volonté d’aller à l’essentiel, d’enlever tout ce qui peut sembler futil. Si vous connaissez les premières versions par cœur, vous allez littéralement redécouvrir l’album et les textes dans cette édition 2023. Les arrangements ont été revus, voire modifiés. Elle n’a pas hésité à changer quelques tonalités et parfois même à modifier les mélodies. Vingt ans plus tard, cette nouvelle version de l’album se met à l’image du monde d’aujourd’hui et offre une electro pop résolument moderne et sensible. Emilie Simon confie avoir bouclé la boucle en réinventant son premier album. Il est désormais le nouveau point de départ de projets futurs. Vous aurez tout le loisir de faire le voyage entre ces 2 versions de l’album, entre hier et aujourd’hui lors des prochains concerts de la chanteuse.

C’est un nouveau nom de la scène musicale française qui commence à émerger. Il a 24 ans et s’appelle Claude. Il a sorti fin Mars son premier EP “Bientôt la nuit”. Artiste singulier, Claude nous propose un style hybride qui mêle chanson française, pop et electro. C’est le label parisien Microqlima qui héberge ce nouveau talent, label qui a l’oreille puisqu’il abrite déjà des talents comme Isaac Delusion ou encore L’Impératrice. Claude écrit ses textes comme une confession. C’est un travail presque cathartique qui lui permet de dire des choses grâce à la musique qu’il ne pourrait pas dire dans la vraie vie. Avec un style à la fois très direct et poétique dans cet EP, Claude nous fait goûter aux longues nuits de danse en solitaire, à ces moments de lâcher prise, il nous immerge dans une vie nocturne intense tout en partageant ses désillusions avec lucidité et festivités. Il est aussi question d’amour, de solitude, de mélancolie dans ses textes. La puissance de sa plume et sa poésie sont sublimées par sa voix elle-même très puissante et authentique. Vous noterez son phrasé très personnel et cette tendance mignonne à rouler les R ! Claude compose aussi sa musique. Ses compos sont très enlevées, joyeuses et festives, en contraste complet avec ses textes. On y trouve des synthés cinglants, des boîtes à rythmes cinétiques. On ne peut pas parler de cet EP sans parler de sa pochette. Pour sortir dans la sempiternelle photo cadrée à l’épaule et le joli sourire, Claude a choisi de rendre son image désagréable, dérangeante même ! Ses yeux y sont disproportionnés, le regard est flou, les lunettes démesurées. On ne sait pas comment le regarder. Il a collaboré avec une IA pour faire cette photo parfaitement imparfaite et que l’on remarque ! Claude c’est une nouvelle figure de la scène française que l’on va suivre de toute évidence. Il est actuellement en train de travailler sur un nouvel EP. Pour mieux découvrir Claude, allez le voir sur scène. Il a été en juillet 2023 aux Francofolies de La Rochelle.

On a découvert Aimé Simone en 2020 avec le titre “Shining Light”. Aimé Simone a collé les deux prénoms de ses grands-parents paternels pour en faire son nom de scène. C’est un hommage à ces deux personnes qui ont été les premières à le suivre et le soutenir dans ses projets musicaux. Ces deux-là ont eu raison d’y croire. Le Français d’origine norvégienne est de retour avec une magnifique nouvelle production. Cet opus, il le présente comme son véritable premier album et s’intitule “Oh Glory”. Il a mis beaucoup d'exigences en travaillant sur cette nouvelle production pendant 3 ans. Ce travail acharné était nécessaire pour l’artiste qui voulait trouver la pop qui lui corresponde le mieux, sa pop. C’est chose faite ! En 11 titres, Aime Simone confirme son talent et la maîtrise de sa musique. Il dévoile son univers singulier : une post-pop ciselée, riche, intense et créative. Il mêle des genres musicaux tous très différents comme la techno, la trap et le reggaeton. Ses nouvelles chansons en anglais abordent des thèmes qui lui sont très personnels. Ses textes touchent à la fois à la paternité, à la famille et à ses propres expériences de vie. Des épreuves, parfois sombres, qu’il a endurées, il en sort quelque chose d’universelle où tout le monde peut se retrouver. Si l’album est sublime, j’attire aussi votre attention sur sa pochette. Elle a été créée par une IA, une intelligence artificielle. Aimé Simone et sa compagne, l’artiste américaine Sonja Fix, ont nourri cette IA de tout ce qui fait l’univers du chanteur. Un long processus qui a généré 2000 images. Ils en ont choisi une qu’ils ont retravaillée ensuite. Il s’agit d’un travail de collaboration avec une IA selon Aimé Simone. Ce n’est pas le résultat brut d’une image sortie d’une machine. C’est plus subtil. Ce travail collaboratif avec l’intelligence artificielle ouvre le champ des possibles et crée une nouvelle infinité. Aimé Simone est actuellement sur scène pour partager ce nouvel album jusqu’à la fin de l’année. Il promet de créer des moments uniques et privilégiés avec son public.

Dix ans que le trio aux multiples nationalités Camp Claude s’est formé autour de la franco-américaine Diane Sagnier. Elle est accompagnée du suédois Leo Hellden et de l’anglais Michael Giffts. Le nom du groupe a été imaginé par Diane. Ses premières compos sentaient bon la pop des camps d’été, camp pour colonie de vacances donc, et Claude parce que c’est son deuxième prénom. Un nom de groupe inspiré par les joyeuseries et qui pourtant porte des textes plutôt ténébreux. Camp Claud a 10 ans et le trio sort un troisième album intitulé “Moody Moon”. Composé de 10 nouveaux titres, “Moody Moon” séduit avec son style sky wave dont ils sont les inventeurs. C’est une pop céleste et aérienne, proche de la dream-pop, qui flirte aussi avec la coldwave. Camp Claude prend de plus en plus ses aises en affirmant son style sans complexe. Le trio accélère les pulsations de sa pop avec des rythmes électro cinétique. “Moody Moon” est magnétique et captivant. La voix envoûtante de Diane rend chaque refrain addictif et celle veloutée de Michael apporte encore un peu plus de profondeur avec son slam au débit accrocheur. C’est cette ossature solide et puissante que l’on retrouve dans le morceau “Everynight” que l’on a découvert à l’automne dernier et qui annonçait la sortie de “Moody Moon”. Les 10 textes de l’album ont été écrits par Diane Sagnier. Elle y explore les frontières minces entre le rêve et la réalité et toutes les émotions qui peuvent nous traverser dans une journée. La chanteuse et autrice de Camp Claude est toujours en quête d’extase dans une réalité pourtant souvent désenchantée. Elle nous pousse à notre propre introspection. “Moody Moon” confirme le talent de Camp Claude et les installe un peu plus sur la scène indie. On les verra à la rentrée, en Septembre, dans un tout petit festival de la région rennaise et ça vaut le détour. Ami, breton déplacez-vous au festival le son d’gaston le 16 Septembre prochain.

Ça a été l'événement de ce printemps, les géants du métal Metallica ont sorti un nouvel album. Le onzième album du groupe californien arrive 7 ans après le précédent, et il s’appelle “72 seasons”. Avec 12 chansons à dérouler, vous passerez 1h17 à l’écouter. Le titre “72 seasons” fait référence aux 72 saisons que nous vivons jusqu’à nos 18 ans. Il est question des expériences de l’enfance, de l’empreinte que nous laissent nos parents, des croyances qu’ils nous laissent en héritage, et de l’impact que tout cela à sur nos vies d’adulte et notre perception du monde. Plus largement, il s’agit de l’impact du passé sur notre présent. Les californiens se mettent face à leurs propres démons. Le chanteur et guitariste du groupe James Hetfield nous pense soit prisonniers de notre enfance, soit libérés du poids de cette transmission. Il n’a jamais caché ses propres démons. C’est aussi ce qu’il vient exhorter dans ce disque. En 2020, il a démarré une thérapie, et la pandémie a été une aubaine pour le leader charismatique du groupe qui a vu dans ces mois de confinement une pause positive dans sa vie, une forme de recentrage. Désormais ragaillardi, Hetfield affronte plus facilement ses démons et ses faiblesses. Le message de cet album est primordial alors pour en faire profiter le plus de monde possible, Metallica va publier ses chansons en langues des signes. Metallica est d’ailleurs le premier groupe de rock à signer un album entier. Musicalement, Metallica fait du Metallica. Il n’y pas de grandes surprises. Vous retrouverez leurs riffs de guitares frénétiques et toujours aussi vigoureux. Leurs orchestrations ne dérogent pas à leurs habitudes. Elles sont magistrales et imposantes. Sans surprise, Metallica ressort son thrash metal à la recette déjà bien éprouvée mais que les fans de la première heure seront ravis de retrouver. Et puis après 7 ans d’absence, on ne refuse pas la nouvelle mouture de Metallica

Elle est l’une des artistes les plus streamées au monde, l’anglaise Ellie Goulding vient de sortir son cinquième album “Higher than heaven”. Il a été écrit et composé pendant la pandémie. Une période où elle préférait s’extraire du quotidien morose pour simplement danser, chanter et sourire. L’autrice compositrice et interprète décrit ce nouveau disque comme son album le moins personnel. Une communication qui va à contre-courant de ce qui se fait en ce moment où les artistes défendent des albums ultra personnels et qui laissent penser aux fans qu’ils plongent dans leur intimité. Pour cette nouvelle production, Ellie Goulding s’est libérée en n’incarnant pas ses textes de ses propres expériences. Un exercice challengeant qui a permis à la chanteuse de se concentrer essentiellement sur la musique plutôt que sur des souvenirs ou vécus personnels. Lors d’une interview à la BBC, l’anglaise s’est amusée à dire que les paroles avaient été écrites par une intelligence artificielle. Vrai ou faux, le mystère reste entier. Si ce disque est le moins personnel de la chanteuse, il est probablement le meilleur selon elle. L’envie d’Ellie Goulding avec ce nouvel album est simple : embarquer avec légèreté son public sur les pistes de danse cet été avec des titres pop dance très efficaces. L’anglaise pose 15 titres à la pop éclatante, alignant une basse frénétique, des synthés qui décollent et des mélodies explosives. Elle a trouvé un équilibre assez juste entre hits taillés pour les radios et des morceaux plus complexes à découvrir en écoutant l’album. Avec ce son percutant elle nous offre une bulle d’oxygène rafraîchissante et vivifiante qui contraste avec l’actualité maussade du moment. Les 45 minutes de cet album sont à la fois réconfortantes et tonifiantes, nous invitant au lâcher prise. Ellie Goulding a annoncé une tournée européenne. Bonne nouvelle, vous irez lâcher-prise à l’automne à Paris. Malheureusement une seule date est prévue en France ça sera au Bataclan le 27 Octobre prochain.

On n’allait pas attendre 100 ans pour vous inviter à écouter le nouvel album du parisien Flavien Berger. Il vient clore sa trilogie démarrée en 2015 avec “Léviathan” suivi en 2018 de “Contre-temps”. Cinq années bien chargées ont passé. Pendant cette période, Flavien Berger a réalisé l’album “la consolation” de Pomme, et a entre autres signé le générique du film “Tout le monde aime Jeanne” de Cécile Davaux. “100 ans” ça aurait été long. “100 ans” c’est le titre de son nouveau disque sorti il y a quelques semaines. Il y mêle une nouvelle fois chanson française, pop minimaliste et électro atmosphérique. Flavien Berger est un amoureux des mots, de la musique et des machines. Ses textes sont justes et précis. Ici, il nous embarque dans le futur, dans 100 ans. C’est une projection vers l’avenir, vers l’inconnu et aussi en nous-même, cette part intérieure en nous que nous ne connaissons pas. “100 ans” est un album qui navigue entre fantaisie et science-fiction en évoquant des sujets élémentaires et qui nous touchent tous : les sentiments, l’amour ou encore la mort. Pour interpréter ses textes, la voix de Flavien Berger se niche dans nos oreilles avec une justesse qui n’appartient qu’à lui. Elle est chaleureuse, suave et grave. Elle nous fait régulièrement penser à celle d’Etienne Daho. Flavien Berger a composé les 12 nouveaux titres de cet album dans une maison en plein travaux à Bruxelles où il est retourné vivre. Alchimiste musical, le trentenaire entremêle des sons qu’il a inventés avec des instruments plus académiques comme des instruments à vent ou à cordes. Il trouve un accord juste entre ses machines et les instruments, et développe un style à la fois organique, synthétique et acoustique. Vous pouvez vous offrir un moment de délicatesse lors d’un concert de Flavien Berger. Il est actuellement en tournée dans les festivals ce printemps et cet été et dans les salles de concerts jusqu’à la fin de l’année.

Vous tombez bien ! 47ter, c’est le numéro de la salle des fêtes qu’ont fréquenté Pierre, Blaise et Lopes, le trio qui forme 47ter. Ils ont sorti il y a quelques semaines leur troisième album. Il s’intitule “Au bon endroit”. Un album challengeant pour le trio qui s’est offert un featuring de choix. On en parle dans cette chronique. Avec ce nouvel opus, 47ter originaire de la région parisienne pose les bases d’un premier bilan. L’écriture des 14 titres de ce disque n’a pas été simple. Elle a remué les trois membres du groupe. Elle est le fruit de longues réflexions qui ont occasionnées pas mal de prises de tête entre Lopes, Pierre et Blaise. Ces discussions ont permis aux trois amis d’écrire des textes plus profonds et plus intenses. “Au bon endroit”, le titre de l'album, c'est l’une des questions essentielles qu’ils se sont posées : sont-ils au bon endroit ? Ils sont dans une période de leur vie, ils ont 25 ans, où ils ne sont plus des enfants, mais ils ne sentent pas encore de grands adultes. Ils ont des doutes, des certitudes. Ils parlent plus généralement d’amour et de la place du travail dans nos vies aussi. Autant de questions que l’on peut tous se poser en tant que jeune adulte quand on franchit gentiment le quart de siècle. Suis-je à ma place, au bon endroit ? Côté featuring, 47ter a invité le chanteur Tayc sur le morceau “Où tu voudras” et réalise un rêve en partageant “Si j’avais” avec la Fouine. Une collaboration pas si étonnante puisque le rappeur a pas mal influencé les membres du groupe et aussi parce que comme eux il est originaire des Yvelines. Quentin Mosimann est également l’un des producteurs de l’album. 47ter occupera les scènes de plusieurs festivals cet été avant de démarrer à la rentrée une tournée dans tout l’hexagone. Il faudra être au bon endroit pour les voir…

Mi Mars, U2 a sorti un nouvel album “Songs of Surrender”. Un album comprenant 4 disques, chacun portant le nom d’un des membres du groupe. En lançant l’album, la plage une du disque 1, vous vous direz “tiens, mais je le connais ce titre !” Il s’ouvre avec “One” morceau mythique, légendaire même du groupe. “Songs of Surrender” n’est pas un album best-of, c’est un album de chansons ré-enregistrées et ré-interprétées par les irlandais. Il s’agit de 40 chansons de leur propre répertoire qui sont donc revisitées. Plutôt que de sortir un énième best-of, le groupe s’est concentré à réimaginer sa propre musique. On y retrouve des titres emblématiques comme “One”, “Sunday Bloody Sunday” sur lequel The Edge, qui a produit l’album, joue au ukulélé. Il y a des reprises de titres récents et certains plus confidentiels. Ce projet est né pendant le confinement. Le quatuor s’est replongé dans sa discographie, ils ont pris le temps de réimaginer une collection de 40 titres, de revivre leur musique, de réécrire leur histoire. En parallèle de cette expérience, Bono écrivait ses mémoires. Pendant le confinement, on a été nombreux à trier nos photos, à revivre un peu dans notre passé, c’est aussi ce que U2 a fait finalement en retravaillant cette quarantaine de morceaux. L’évolution du groupe leur a donné envie de revoir certains de leurs titres, de les adapter aux adultes qu’ils sont aujourd’hui et aux hommes qu’ils sont devenus. Pour ça, ils ont revus certains arrangements musicaux, et aussi certaines paroles qui ont été réécrites. Ils ne sont pas repassés en studio pour enregistrer. Ils ont travaillé de manière plus informelle, chez The Edge, dans son salon, autour du piano ou dans son studio et aussi à distance entre Londres, Los Angeles et Dublin où était resté Bono qui travaillait sur sa biographie “Surrender : 40 songs, one story”. Globalement, la voix de Bono est plus mise en avant. Les arrangements sont plus dépouillés. On sent que ces 40 ans de carrière, ces 40 années d'engagement pour différentes causes ont assagi les 4 hommes.

Le couple Emilie Satt et Jean- Karl Lucas, Madame Monsieur est de retour avec un nouvel album, le troisième de sa discographie “Emmêler nos solitudes”. Ce disque très personnel réunit 11 titres inédits. Si vous avez l’occasion de vous offrir la version collector, vous y trouverez en plus un livre de 80 pages dans lequel les deux artistes ont signé des textes pleins de confidences et partagent des photos personnelles. Ils évoquent d’ailleurs leur propre rencontre il y a 15 ans, et ce bar du 18e arrondissement témoin de leurs premiers émois. Ces textes intimes éclairent les paroles de l’album. Les 11 chansons pop de cette nouvelle production de Madame Monsieur sont chacunes authentiques, douces, lumineuses et rythmées avec finesse. Elles nous racontent la nature humaine, ses émotions et ses contradictions comme des confidences. Elles nous ramènent à l’enfant que l’on a tous été et que l'on a perdu en cours de route. Elles nous ramènent à nos vies que l’on mène à tout allure, aux relations toxiques dont on sort grâce à un sursaut de vie. Le duo nous glisse dans une partie de son intimité avec ce disque. Après les différents confinements, après s’être mis au vert dans la campagne de l'Oise, le couple a pris le temps d’entreprendre une introspection profonde. Les textes sont d’ailleurs écrits à la première personne du singulier pour la première fois. Emilie parle d’elle-même. Pourtant, ses paroles ont un côté très universel où chacun peut se reconnaître. C’est l’une des grandes forces de Madame Monsieur : réussir à retranscrire des émotions, des sentiments personnels et pourtant communs à chacun, tout en restant positif, simple et sans artifice. Pour écrire, ils se sont inspirés de leurs expériences, et aussi de l’actualité comme il l’avait déjà fait avec le titre “Mercy”, ou encore du film “Pupille” sorti au cinéma.

A 37 ans, la New-Yorkaise Caroline Polachek qui a écrit et produit pour des chanteuses comme Beyoncé, Christine And The Queens, et tellement d’autres, a sorti son second album “Desire, I want to turn into you”. C’était mi Février, le 14 février pour la version digitale d’ailleurs. Ce nouvel opus tombait à point nommé puisqu’il est centré sur l’amour et ses désirs, sur ceux qui s'essoufflent et ceux qui nous enflamment. Elle questionne nos envies les plus intimes qui sont en mouvement permanent et la quête d’une histoire puissante à vivre. Elle offre 12 titres à l’originalité musicale ultime. Caroline Polachek envoie une pop au groove efficace et qui donne avant l’heure quelques airs d’été à cette fin d’hiver. Le soleil brille aussi sur cet album grâce à quelques sonorités latines qui viennent agrémenter ici et là les arrangements de ce nouvel album de Caroline Polachek. La pop de la chanteuse est un véritable patchwork de sons, de style, d’ambiances, où encore d’instruments allant de la guitare flamenco à la…. attention accrochez-vous bien… à la cornemuse. Oui Caroline Polachek a mis de la cornemuse dans sa nouvelle production. Et pourquoi pas ! Elle ne se met aucune limite, un état d’esprit qui la rend si singulière. “Desire,I want to turn into you” mêle pop, drum and bass, flamenco, ballade et electro. En 45 minutes on se laisse happer par cette nouvelle proposition de l’américaine. Dans ce disque vous aurez aussi le plaisir de découvrir “Fly to you” une collaboration ambitieuse. Caroline Polachek réunit autour d’elle la chanteuse canadienne Grimes et la chanteuse anglaise des années 2000, Dido. “Desire, i want to turn into you” est unique, dense et aventureux, à l’image de la chanteuse qui ne se limite pas à un style précis. Caroline Polachek sera ce printemps sur la scène du festival We Love Green, un live à ne pas manquer.

Le francilien Tim Dup vient de sortir en seulement cinq ans un quatrième album d’une douceur imparable. Intitulé “Les immortelles” ce nouveau projet de l’auteur-compositeur et interprète va vous mettre les poils. L’intitulé de cet album fait référence aux immortelles, ces fleurs corses qu’il a croisées sur l'Île de Beauté pendant son enfance. On découvre 13 titres, 13 textes mélancoliques et poétiques qui dévoilent des émotions et mettent à nu l'intime et les états d’âmes de Timothée Duperray, de son vrai nom. Les textes sont justes et précis, le minimalisme des mots résonne avec le minimalisme musical de cet album où le piano valorise chaque pensée, chaque sentiment. Entre l’amour et la mort, il confesse à l'approche de la trentaine ses envies d’ailleurs, de légèreté et puis soulage sa peine en évoquant la douleur de la perte d’un être cher. “Les immortelles” est un album qu’il faut prendre le temps d’écouter, et pas seulement une seule fois, tellement il est bouleversant et riche en secrets à chaque coin de mots ! Dans cet album, il y a aussi ce texte universel qui montre son engagement écologique, “Les Larmes du monde”. Tim Dup a écrit ce texte lors de sa tournée alors que la bassin d’Arcachon était en proie aux flammes. Il partage sa sidération sur l’état de notre planète et fait participer l'activiste écologiste pour la justice sociale et climatique Camille Etienne à son clip. Tim Dup devrait repartir en tournée à l’automne prochain, un premier rendez-vous est déjà pris à Paris au Trianon pour le 2 novembre. Après ces lives, le chanteur envisage de se mettre au vert, ou plutôt au bleu, au bord de la mer pour profiter du silence et de la joie des mots qu’il a en tête pour écrire son premier roman.

Voici un joli coup de cœur, une nouvelle révélation venue de Belgique à la personnalité décalée et charismatique. Il s’appelle Pierre de Maere et il n’a que 21 ans. Vous l’avez forcément déjà entendu ces derniers mois avec son titre “Un jour je marierai un ange”. Après un premier EP “Un jour je” sorti en Janvier 2022, Pierre De Maere sort tout juste un an plus tard son premier album “Regarde-Moi” teinté d’une pop magnétique et d’une voix hypnotisante. Depuis qu’il fait de la musique, Pierre travaille avec son frère Xavier qui est chargé de la production et du mixage. Ensemble ils ont travaillé les sons pour leur donner une profondeur et un style inimitable et unique. Dans ce premier album, le belge évoque ses parents, son enfance. Il se raconte en tant qu’artiste qui a besoin de reconnaissance. Il parle aussi d’amour, des détails du quotidien, de la vie qui change. Il écrit des textes cinématographiques qui nous font plonger avec lui dans son univers et dans l’histoire que l’auditeur a envie de s’imaginer. “Regarde-Moi” réunit 12 chansons à fleur de peau. Les textes sont très travaillés et le vocabulaire employé est plutôt sombre et dramatique. De Maere lui le définit plutôt comme romantique et théâtral. Après son passage aux Victoires de la Musique, la vie de Pierre De Maere a changé, lui qui était assez peu reconnu dans la rue. Désormais son allure, elle aussi très étudiée et pas du tout laissée au hasard, ne passera plus inaperçue. Le belge maîtrise les codes artistiques pour être un artiste singulier, authentique et reconnaissable.

Je vous présente l’un des albums les plus attendus de cette nouvelle année. Alors qu’il avait au départ été annoncé pour Octobre 2022, on a dû patienter quelques mois de plus. Ava Max est revenue à la fin du mois de Janvier avec un second album qui va vous faire danser. Ce nouvel opus s’intitule “Diamonds and Dancefloors” et tient ses promesses. Ses productions dance sont effervescentes, addictives et remplies d’énergie. L’artiste américaine originaire d’Albanie nous offre un album à la pop débridée, aux sonorités electro, des morceaux “sad-pop bangers” autrement dit des chansons tristes sur des beats up tempo et festifs. Ce nouvel album d’Ava Max est souvent décrit comme encore plus ardent et audacieux que son premier même s’il n’y a pas une grande diversité de son dans sa musique. Sur certains titres, elle associe à sa pop vigoureuse quelques brides plus disco façon année 80. Ava Max a coécrit les textes avec des paroliers qui ont travaillé auparavant avec Adele ou encore Miley Cyrus. Dans ses paroles, la chanteuse s’ouvre et confie les hauts et les bas sentimentaux qu’elle a connus pendant la conception de cet album. Au début de sa création, elle était en couple et heureuse, et puis au moment de l’enregistrement elle était célibataire. Le cœur brisé, la chanteuse a écrit des textes plus sombres, mais elle est toujours restée portée par une envie de faire de la musique et de danser. Elle a su trouver dans sa souffrance la force et l’énergie pour avancer. Après une rupture, qui n’a pas eu envie d’un changement capillaire ?! Adage que la jeune femme de 28 ans a tenu pour se sentir forte et grandie de ce passage à vide. Elle s’est teint les cheveux en rouge. Le rouge étant la couleur la confiance en soi. “Diamonds and Dancefloors” vous aidera à vous relever de votre chagrin d’amour et vous enverra le corps tout feu tout flamme sur la piste de danse ou lors d’un show live… on attend une tournée européenne de la chanteuse désormais.

Une ambiance rock’n’roll des 60’s et une voix qui fait penser à celle d’Etienne Daho, voilà en quelques mots comment je peux vous présenter l’univers de Sébastien Delage. En 2021, Sébastien Delage sort “Fou”, un premier EP de 5 titres. En Janvier dernier, Delage a sorti “Rien compris” un premier album qui s’avère être aussi la suite de l’EP. L’auteur et interprète de “Rien compris” dévoile dans ses textes une affirmation de soi aussi réjouissante que vitale. Quand sa précédente maison de disque lui conseille de taire son homosexualité, lui préfère l’assumer. De cette oppression il en tire une force et crée son propre label visant à aider de jeunes artistes queer émergents. Bien qu’il semble facile pour Delage de s’assumer tel qu’il est, il ne manque pas d’être régulièrement pris au doute face à ses choix. Il se montre comme un homme foncièrement libre et affranchi mais aussi très fragile. Dans “Rien compris”, Sebastien Delage questionne le talent, l’inspiration, l’échec, les excès en tout genre. Il raconte ses propres expériences intimes, aussi bien les plus joyeuses que les plus traumatisantes. Il n’élude pas sa bipolarité. “Rien compris” est un album de 10 titres qui procure des sentiments variés. Il est à la fois triste et drôle, mais surtout très attachant parce que très personnel. Delage met en musique ses maux avec ses mots sincères, décomplexés et authentiques. Sebastien Delage déploie une musique qui prend ses aises entre une pop légère et délicate et de la chanson contemporaine qui n’hésite pas à se teinter d’accents rock forts et prononcés pour apporter une note de trash à l’album. “Rien compris” est le premier album de Sébastien Delage qu’il faut vraiment écouter pour découvrir un artiste authentique, libre et parfois explosif !

Sept ans après son dernier album “Sebolavy”, le groupe Mickey 3D est de retour avec une nouvelle production, un nouvel album de douze titres inédits intitulé “Nous étions des humains”. Le groupe ligérien avait annoncé en Septembre dernier son come-back avec la sortie d’un premier single “Emilie dansait” et qui donnait un premier aperçu de leur nouvelle mouture riche en nostalgie et souvenirs d’ado. Mickael Furnon, le leader du groupe, confie d’ailleurs avoir du mal à faire le deuil de sa propre enfance et de son adolescence. Ce titre “Emilie dansait” qui ouvre l’album donne véritablement le ton à ce disque emprunt de nostalgie et de mélancolie. Une sorte de “c’était mieux avant” mais tout en poésie et avec une pointe de vague à l’âme plaisante. On y trouve aussi des textes plus directs, qui dénoncent la société dans laquelle on s’enlise. Mickey 3D s’indigne notamment des harceleurs anonymes sur les réseaux sociaux. Non, Mickey 3D ne ruine pas tout espoir dans notre futur. Chaque époque à ses défauts et ses qualités. Alors on trouve quand même quelques touches de légèreté qui nous invitent à croire que le monde a aussi de belles ressources comme les convictions écolo que l’on fait naître le plus tôt possible chez nos jeunes enfants. Les mélodies sont accrocheuses et efficaces comme le groupe a su nous le montrer auparavant. “Nous étions des humains” est un album attendu par le public de Mickey 3D qui devrait s’y retrouver. Bien qu’aucune date de concert ne soit annoncée pour le moment, Mickey 3D a très envie de retourner sur scène. Probablement pas pour une énorme tournée mais pour quelques rendez-vous plus intimes, et proches du public. A 50 ans passé, le chanteur s’imagine plutôt seul sur scène guitare à la maison et avec quelques boucles électro au pied. A suivre donc, en attendant aller écouter “Nous étions des humains”, nouvel album de Mickey 3D.

2023 a très bien démarré avec un album attendu et le retour d’un artiste qui sait nous surprendre. Il s’agit du cinquième long format de la discographie du Canadien Mac DeMarco. L’interprète, compositeur, interprète, multi-instrumentiste et producteur a sorti le 20 janvier “Five Easy Hot Dog”, un album 100% instrumental. La version vinyle de ce disque sera disponible en Mai prochain. “Five easy hot dog” a été composé au début de l’année 2022 pendant un long roadtrip entre Los Angeles et l’Utah. Chacun des 14 titres nous dépose dans une ville dans laquelle il est passé comme Portland, Victoria, Vancouver et Chicago. Ces lieux sont tous très différents. Chacun de ces lieux de villégiature possède ses éléments et son environnement propres et singuliers. Si les ambiances des lieux visités sont particulières à chaque site, Mac DeMarco réussit à faire régner une unité assez formidable dans cet album, une ambiance roadtrip, en voiture, où domine la liberté, où l’on a la liberté de sa prochaine destination voire peut-être même de sa destinée. Avec ce voyage, Mac DeMarco n’a rien planifié, il n’y a rien d’intentionnel dans ce disque si ce n’est un point de départ Los Angeles et un point d’arrivée dans une cabane de l’Utah, qu’il quittera dès le lendemain tellement la solitude y était pesante et les animaux taxidermisés autour de lui angoissants. C’est porté par des rencontres et ces atmosphères propres à chaque lieu qu’il a laissé venir l’inspiration et dérouler le fil d’un album unique et si plaisant et planant. “Five Easy Hot Dog” est un album lounge et délicat. Ces 14 morceaux vous offrent un voyage qui ne va pas vous coller au dossier du fauteuil de la voiture parce que le conducteur a le pied trop lourd. Ça n'a rien à voir avec un roadtrip à tout de vitesse sur une longue route toute droite américaine. C’est plutôt un voyage lent, tranquille, une immersion, une invitation à ralentir.

Vous souvenez-vous du trio féminin LEJ ? Ce sont ces trois filles Lucie, Elisa et Juliette. Elles forment un groupe musical à base de chant, percus et violoncelle. Elles sont originaires de la région parisienne. On les a découvertes en 2015 avec leur mashup des tubes de cet été là dans une vidéo tournée sur le front de mer de Lacanau. Elles y regroupaient 11 titres, 11 tubes planétaires de l’été 2015 dans Summer 2015 passant de Major Lazer à Rihanna par exemple. Rihanna avait félicité à l’époque les 3 françaises pour leur travail. Deux mois après la publication de ce mashup sur youtube, elles atteignaient la première place du classement des singles, c’était le début du phénomène. Depuis, elles ont sorti 3 albums, le quatrième est paru mi-décembre 2022 et s’intitule “Volume II”. Il s’agit d’un disque de reprises des plus grands standards de la chanson française qu’elles affectionnent tout particulièrement toutes les 3 et qui les ont bercé depuis leur enfance. Elles reprennent les grands principes de la recette qui a fait leur succès, de grands arrangements riches et travaillés sur des titres incontournables qui viennent sublimer les harmonies et leurs voix. Le talent du trio est aussi de réussir à mêler des morceaux ensemble. Le premier titre de “Volume II” mixe “foule sentimentale” d’Alain Souchon et “La vie en Rose” d’Edith Piaf. LEJ réussit à trouver un point d’équilibre entre ces deux titres leur donnant modernité tout en conservant leur élégance. Elles ont tourné le clip de ce titre dans une casse automobile donnant encore plus de relief aux paroles anti consuméristes de la chanson de Souchon. On retrouve dans cette nouvelle production les influences de LEJ qui vont de l’afrobeat au reggaeton en passant par la Bossa Nova et l’electro. C’est subtil mais leurs choix sont toujours parfaits. Elles reprennent Gainsbourg, Serge Lama, Barbara et tant d’autres dans les 10 reprises de ce nouvel opus qu’on vous recommande particulièrement pour sa beauté et sa délicatesse.

Le duo français Evergreen est de retour avec un nouveau mini album. Après “Sign In” sorti à l’automne 2021, Evergreen a démarré l’année 2023 avec une suite à cet opus. “Sign Out” est sorti le 18 Janvier dernier. Ce diptyque a été conçu et enregistré dans un même temps entre 2020 et 2021, entre les confinements successifs vécus ici en France et aussi outre-Manche, à Londres, où le duo travaille également beaucoup avec le producteur John Reich. Michael Liot et Fabienne Débarre offrent une nouvelle fois une pop mélancoliquement lumineuse et chaleureuse grâce à des arrangements riches et étincelants. Les influences sont nombreuses dans ces seulement 7 titres. Ça sonne à la fois électro-pop et funk mais toujours avec beaucoup de fraîcheur et un groove imparable. L’ensemble vous colle à la peau, aux oreilles, au cœur dès la première écoute. C’est beau et efficace parce que le duo sait s'affranchir de certaines limites pour s’offrir un son qui leur est propre. Dans ce mini album, Michael et Fabienne parlent d’amour, de retrouvaille, de notre société de consommation débridée et alimentée par les écrans dont on est archi addicte. Evergreen décrit méticuleusement cette ère digitale qui modifie l’ensemble de nos relations. “Sign Out” prône la déconnexion digitale et une reconnexion sociale, humaine. Evergreen nous place au centre de notre époque, qui n’est pas évidente pour tout le monde, avec une touche d’émotion proportionnelle à l’intensité de la démesure de notre monde et de nos addictions. Avec ce mini-album qui prône la reconnexion humaine, on aurait tout de suite aimé se reconnecter avec le duo lors de concerts où l’on a toute la joie de se frotter aux aisselles de notre voisin, dans une fosse portée par une même ambiance, mais pour le moment, aucune date n’a été annoncée. Après ces deux EP, on attend le duo de pied ferme, et d’oreilles fermes avec un album long format.

C’est en 2015 que l’on a découvert cet artiste français à fleur de peau, Adam Naas. Il est auteur, compositeur et interprète. A l’adolescence, il apprend la guitare puis s'intéresse au piano et aux claviers de manière autodidacte. Quelques années plus tard, c’est en postant sa chanson “Fading away” sur les Internet qu’il émerge. On est en 2015. On est nombreux à être tombé sous le charme de la voix de Adam Naas à la fois fragile et chaude dont il maîtrise autant les aigus que les notes plus graves. Ce premier titre néo-soul teinté d’électro lui attire les plus belles critiques. L’aventure commence pour ce parisien de naissance. Et aujourd’hui ? elle continue ! Le 20 Janvier dernier, Adam Naas a sorti un second opus “Goldie and the kiss of Andromeda”. Goldie c’est lui, Adam Naas désormais blond, un petit surnom qui lui a été donné par ses amis. Ce personnage représente l’alter-ego de Adam Naas. Andromeda c’est la troupe qui le suit dans ses shows sur les scènes queer londonniennes. Le nouveau long format de Adam Naas raconte l’amour, la mort, l’espoir et l’affirmation de nos envies les plus intimes. Dans ces 11 nouveaux titres, Adam Naas cherche à se reconnecter à lui-même. Il évoque son enfance qui n'a pas été toujours évidente avec un père absent qui ne lui a pas donné d’amour, et une mère qui a tenté de combler ses manques. Pourtant de ça, Adam Naas en tire du positif et se souvient de l’enfant heureux qu’il était. Le chanteur pense que même quand tout est noir et compliqué, il y a de la joie à en tirer quelque part. Il considère que les êtres humains sont ambivalents, qu’ils sont à la fois constitués de bien et de mal, de masculinité et féminité, de dureté et de faiblesse. L’ensemble se dévoile dans une enveloppe musicale glamour qui allie indie rock et blues. C’est à la fois doux et complexe. L’album prendra tout son sens dans des show à la sceno complexe, réfléchie et aboutie. Adam Naas se prépare à remonter sur scène dans l’Hexagone, restez à l'affût des rendez-vous qui devraient tomber prochainement.

Yarol Poupaud - "Fils de personne"

RM - Indigo

Louane - "Sentiments"

Gims - "Les dernières volontés de Mozart"

Bianca Costa - "Le Baile"

Après un premier album sorti en 2020 et qui a connu un succès retentissant, l’ex-serveuse devenue officiellement chanteuse, Suzane est de retour avec “Caméo”. Elle propose une nouvelle production ultra généreuse avec pas moins de 16 morceaux bien plus personnels que dans son premier opus, les textes sont quasi autobiographiques. Elle n’hésite pas à se dévoiler, à quitter sa combinaison façon Kill Bill qu’elle enfilait en 2020 telle une carapace, pour en dire plus sur qui elle est. D’ailleurs le premier titre de “Caméo” s’intitule “Océane” et c’est aussi le vrai prénom de la chanteuse. Elle s’adresse directement à la petite fille qu’elle a été, qui est devenue femme aujourd’hui, sensible et aussi inquiète du monde qui l’entoure. Pour rappel, Suzane, son nom de scène, est le prénom qu’elle a emprunté à sa grand-mère pour se présenter sur scène il y a deux ans. Bien que ce nouvel album aborde la personnalité et l’intimité de Suzane, il est aussi question des droits des femmes, de l’urgence climatique, des sujets cruciaux pour lesquels la chanteuse est sensible. Elle a plusieurs fois montré son engagement, notamment en Juin 2021 en se produisant en livestream sur la mer de glace au pied du Mont-Blanc. Dans cet album, elle rend aussi hommage à son premier patron d’un resto parisien qui avait dû fuir son pays en guerre, le Sri Lanka. Le morceau “Génération désenchantée” est un clin d'œil à Mylène Farmer et évoque le monde dans lequel est plongée la nouvelle génération. Quant à son engagement féministe, elle n’hésite pas à consacrer un morceau au clitoris, organe féminin dont on ne parle pas assez. Musicalement, Suzane garde le rythme avec ce nouvel opus et dégage une énergie toujours aussi tenace. Les 16 titres de “Caméo” sont taillés pour vous faire danser sur les dancefloor. Vous voulez applaudir Suzanne ? Elle est en tournée en ce moment et jusqu’au printemps où elle se produira sur la scène de l’Olympia.

Ça fait un petit peu plus de 10 ans que Princess Erika a disparu des radars… de la musique parce qu’on l’a vue sur le petit écran et le grand écran ces dernières années. La star des années 90 a publié son dernier album “Juste Erika” en 2011. Après des années de travail, de projets divers, de collaboration, la chanteuse a mené ce projet en indépendante, réunissant les fonds nécessaires à la sortie d'un opus, et toute l’équipe qui va avec. Elle a eu l’occasion de reprendre le micro, il y a quelques années mais le projet avait à l’époque échoué. Un évènement qui n’a pas été évident à digérer pour la chanteuse. Attachée malgré tout à sa passion de la musique, le travail de fond a été intense mais il aboutit enfin. Le temps des confinements a été bénéfique, il a donné à la chanteuse le temps d’écrire. Alors ça y est, à 58 ans, Princess Erika est de retour avec un nouvel album studio, le sixième de sa carrière. Il s’intitule “J’suis pas une sainte”. Elle offre 11 titres forts et riches. Elle partage son histoire, son expérience de femme noire, l’une des premières à avoir séduit les français avec sa musique. En toute vérité, elle se met à nu, raconte la vie, sa vie, son histoire, sa vraie histoire. C’est assez bouleversant mais surtout très authentique. Musicalement, Princess Erika nous glisse des chansons aux univers très différents et uniques d’un titre à l’autre. La chanteuse revient avec un son hybride qui mêlent blues, jazz, reggae, funk et rock aussi. Le dosage des genres est subtil mais efficace. Elle a donné quelques concerts ces dernières semaines, pour l’instant elle n’a pas prévu de prochains rendez-vous live. Mais, sachez qu’en parallèle, elle écrit un livre qui devrait sortir dans les prochains mois. Princess Erika est de retour dans nos oreilles avec “J’suis pas une sainte”.

La Femme sortait “Paradigmes” en 2021. Voilà le groupe déjà de retour avec une nouvelle production de 13 titres. Comme ils sont toujours là où on les attend pas, il ne déroge pas à cet adage. La surprise de ce nouveau disque c’est qu’il est entièrement en espagnol et il s’intitule “Teatro Lúcido”. En 12 ans d’existence, il s’agit du quatrième album de la Femme. Le “Teatro Lucido” est un théâtre de Mexico que les co-leaders de La Femme, Marlon et Sacha, affectionnent tout particulièrement pour son côté surréaliste et exubérant. Ils y sont aussi très attachés car ils ont participé à son ouverture en 2014, donnant des concerts, dormant sur la scène. Un lien fort les unit à ce théâtre. Ce nouvel opus sonne comme un carnet de voyage inspiré des différents périples du groupe que ce soit en Espagne ou au Mexique. Il en ressort des souvenirs, beaucoup, des anecdotes, et surtout de l’inspiration. De toutes ces aventures latines, hyspaniques naît donc ce cocktail musical vitaminé et détonnant. La Femme nous prouve depuis ses débuts ne pas être attaché à un style particulier et continue de réunir sans complexe toutes les inspirations qui les entourent. Ils sont en perpétuel évolution et digestion. En jouant sur ce terrain musical mouvant, ils deviennent insaisissables, inimitables. Alors dès la lecture de ce disque vous allez voyager. Déconnexion du monde oblige. Ça sent bon le pasodoble, le reggaetone, les rythmes brésiliens et andalous, les castagnettes et les trompettes… Bref, à quoi bon mettre un col roulé cet hiver quand on a cette petite merveille pour nous réchauffer ! Si vous aimez cette odyssée, sachez que sur l’album, “Teatro Lucido” est précédé de la mention “Vol 1” ce qui laisse entendre que de nouvelles odyssées sonores sont en préparation et que l’on devrait encore voyager avec La Femme bien loin d’être en panne d’inspiration. Vous remarquerez les tranches des albums, des vinyles de ces odyssées formeront un dessin. Aventure à suivre donc !

Celle qui a remporté la Star Ac il y a maintenant un peu plus de 20 ans, qui vient de fêter ses 40 ans, qui a vendu plus de 5 millions d’album depuis le début de sa carrière est de retour avec un nouvel album “N°9”, c’est Jenifer. La chanteuse revient avec un disque vintage. L’ambiance est résolument 70’s parce qu’elle avait envie de légèreté, de fête et aussi d’authenticité. Et c’est ce qu’elle a trouvé dans la richesse instrumentale propre à cette décennie. Jenifer rêvait d’enregistrer cet album dans les conditions qu’elle a vécues. C’était il y a quelques mois, à Londres et en live, entourée de musiciens et de vieux micros. Dans le studio Eastcote, un studio légendaire où sont passés les Sex Pistols, Amy Winehouse, Adele ou encore Depeche Mode. Jenifer a pu y enregistrer ce disque tant idéalisé. L’idée étant de mettre un peu de chaleur dans son album et de retrouver l’humain dans son travail. La richesse musicale de sa nouvelle production, et la densité de cet album, 12 morceaux, nous propulsent d’un style à l’autre, du rock à la disco, en passant par la funk, la soul ou encore le R’n’B. La consistance de cet opus a permis à la chanteuse d’y déployer un large spectre d’instruments de musique. Vous entendrez des cordes, des cuivres, des claviers de quoi varier les plaisirs tout au long de l’écoute de ce disque. C’est loin d’être brouillon, c’est audacieux et toujours très soigné. Jenifer partage dans ce neuvième album son envie de faire la fête et quelques confessions plus intimes autour de l’amour, de la séduction, de la vie à deux. Elle ne manque pas non plus de dédier un titre pour ses fils. Jenifer a conçu “N°9” pour la scène. Elle ira le défendre en live dès l’année prochaine. Elle promet des concerts riches avec du spectacle et du monde sur scène. Jenifer passera au printemps à l’Accor Arena de Paris.

L’irlandais Dermot Kennedy a connu un succès fulgurant dès la sortie de son premier album. Les ventes ont été extraordinaires puisqu’il s’est écoulé à plus 1,5 million d’exemplaires. Il cumule aussi 4 milliards de streams. Pour couronner cette réussite, il a reçu le Brit Award du meilleur artiste international en 2020. Joli palmarès. Alors forcément, après un tel succès, la pression était grande sur les épaules de Dermot Kennedy de revenir avec une nouvelle production. Trois ans après, il relève le défi. Le chanteur, auteur et compositeur a sorti son second album “Sonder” où il élargit sa palette musicale. Prise de risque garantie. Dans les 11 titres de ce nouvel opus, le tout jeune trentenaire reprend des thématiques qui nous touchent tous, l’amour, la perte, le manque, le chagrin. Il glisse aussi quelques titres plus lumineux, plus positifs et sème délicatesse et espoir. Il met la connexion entre les êtres humains au cœur de ses paroles. C’est en sondant ceux qui l’entourent qu’il a écrit ce disque. “Sonder” résume cette prise de conscience qu’a eu Dermot Kennedy en réalisant que chaque personne que l’on croise mène une vie aussi riche et complexe que la sienne. Dans une société où l'individualisme prédomine, dans le milieu très autocentré dans lequel lui-même évolue ce constat a été une révélation et le point de départ de l’Irlandais pour écrire cette nouvelle production. Musicalement, le dublinois revient avec une pop toujours aussi efficace et des refrains entêtants. Il ne lésine pas sur les arrangements riches et grandioses qui marquent un nouveau virage dans sa musique. “Sonder” c’est le second album de Dermot Kennedy, il a toutes les chances de vous convaincre et de vous donner envie d’aller l’applaudir sur scène. Dermot Kennedy investira la scène du Bataclan à Paris en Mars prochain.

Après un premier album vendu à plus d’un million d'exemplaires, publier un second opus a mis une légère pression sur les épaules de la chanteuse Angèle. En décembre 2021, elle sort “Nonante-cinq”. Après avoir fêté ses 25 ans pendant le confinement, elle s’est rendue compte qu’à 25 ans, elle navigue entre deux eaux, entre l'adolescence et l’âge adulte. Elle raconte cette vie comme un manège à sensation forte qui nous chahute entre les hauts, les bas, les moments fous, et ceux plus calmes. En parallèle de la parution de l’album, elle a dévoilé les mois de préparation, et tout le travail effectué avant sa sortie dans un documentaire intimiste. Pendant presque une heure et demie, elle nous fait vivre son confinement, ses heures d’écriture, de doute, de passage en studio, tous ces préparatifs intenses quelques mois avant de sortir son deuxième album. Nous voilà un peu plus d’un an après la sortie de “Nonante-Cinq”, Angèle nous offre maintenant une version augmentée de celui-ci. Annoncée depuis quelques semaines via les réseaux sociaux “Nonante-cinq la suite” fait enfin irruption. Cette suite comporte 6 nouveaux morceaux inédits dont un feat avec Orelsan. La rencontre belgo-normande de ces deux artistes figure aussi sur le dernier album d’Orelsan, ils signent un hit intergénérationnel qui fonctionne et s’intitule Évidemment. Dans cette nouvelle version de l’album, Angèle évoque des sujets très actuels toujours avec autant de légèreté, et cette pointe d’humour qui la caractérise tant. Elle se confesse sur sa dépendance numérique, aux réseaux sociaux, à son smartphone. Une sur-connexion que la chanteuse vit comme une pression omniprésente dans son quotidien, dans nos quotidiens tant le sujet est universel. Elle s'apprête à partir à la conquête de l’Ouest, à la conquête de l’Amérique du Nord, des États-Unis et du Canada avec une tournée prévue en 2023.

Celui qui a participé à la Nouvelle Star en 2008, Ycare, est de retour avec un nouvel album “Des millions d’années”, l’album dont il est le plus fier, l’album de ses rêves. Sorti début Octobre, il se compose de 11 duos, dont le premier single “Animaux fragiles” que l’on entend partout et qu’il partage avec la chanteuse Zaz. Pour cet album qu’il a tant idéalisé, Ycare a allié deux passions, l’écriture et le chant. Ecrire c’est ce qu’il fait essentiellement pour les autres depuis des années. Chanter ses propres textes est un exercice qu’il a déjà réalisé plusieurs fois, puisqu’il s’agit de son cinquième album. Mais Ycare y trouve une nouvelle saveur probablement parce qu’il les partage avec d’autres. Dans cet album de duo, il a réuni à ses côtés, Patrick Fiori, Amel Bent, Madame Monsieur, Joyce Jonathan, Ibrahim Maalouf ou encore Tiken Jah Fakoly, l’artiste ivoirien dont c’est l’idole et le premier qu’il a vu en concert. Ycare a changé sa façon d’appréhender la vie, et ça se ressent dans ses textes. Ce qu’il écrit dans ce disque est plus lumineux. Ce qui a changé ? Il a décidé d’être heureux. Quinze ans après s’être fait connaître du grand public a pris cette décision qui semble anodine mais pourtant pas évidente pour tout le monde. La pandémie et le monde en péril ont peut-être convaincu Ycare de voir les choses autrement. Il a réalisé la chance qu’il a d’être en vie, d’être en bonne santé, d’avoir une famille et des amis. Cette prise de conscience permet au chanteur d’en sortir des textes plus positifs. “Des millions d’années” est un album à la richesse musicale incroyable, forts en émotions et aux qualités musicales indéniables. Si vous adorez ce disque, ne manquez pas la version live avec tous les artistes en duo avec Ycare lors d’un concert unique à l’Olympia en Avril prochain. Ce sera aussi le dernier d’une tournée qui est actuellement en cours !

Yannick Noah a sorti son douzième album “La Marfée”. Cet album signe pour le chanteur un retour aux sources de son enfance. Il y raconte son retour au Cameroun et précisément à Etoudi, le village natal où vivaient ses parents. Il a hérité de la fonction de chef du village qu’occupait son père avant sa disparition en 2017. Un rôle majeur et qui confronte l’ex-tennisman à des défis importants qui lient le village entre tradition et modernité. Il s’y investit pleinement. C’est ce nouvel ancrage qui a inspiré “La Marfée”. Dans cet album aux sonorités africaines, Yannick Noah renoue aussi musicalement avec la musique de ses débuts. Il évoque la transmission, la fraternité, l’amour, et la redécouverte de ses origines, l’Afrique. Il parle de sa vie, et signe pourtant des textes très universels. “La Marfée”, le titre de ce nouvel album de Yannick Noah est aussi le nom de l’école que sa mère a créée quand elle est arrivée au Cameroun et d’un quartier de Sedan, la ville natale de Yannick Noah. Cette école avait pour vocation d’épargner à des enfants des kilomètres de marche chaque jour pour aller s’instruire. Rempli de soleil et de sonorités africaines, ce nouvel album de Yannick Noah distribue bonne humeur et optimisme. C’est un disque qui fait du bien au moral.

Taylor Swift signe un retour brillant sur la scène pop avec un dixième album inédit sorti le 21 octobre dernier. Il s’agit de “Midnights”. Ce sont bien de nouveaux titres, des inédits de l’américaine que vous allez découvrir. (La chanteuse ré-enregistre ses 6 premiers albums après des brouilles avec sa maison de disques et afin d’en obtenir pleinement les droits.) Après une parenthèse folk sur deux albums, l’autrice, compositrice et interprète revient avec un nouveau projet résolument pop, aux refrains entêtants et convaincants mais qui ne quitte pas le registre de la mélancolie. Cet album concept relate 13 nuits d’insomnie éparpillées dans la vie de Taylor Swift. Dans une vidéo teaser parue avant la sortie de l’album, elle expliquait les 5 thèmes d’inspiration qu’elle a tirés de ces nuits blanches : la haine de soi, les envies de vengeance, la remise en question, l’amour et l’effondrement mental. Elle évoque dans ses textes des problèmes liés à la santé mentale, les troubles alimentaires qui ont touchés sa jeunesse ou encore la fausse couche. “Midnights” est probablement l’album de lequel la chanteuse se met le plus à nu, et se montre la plus vulnérable. Elle fait part de ses réflexions les plus intimes, celles de la nuit, celles qui ne se formulent pas et celles qui deviennent plus intenses à minuit, au milieu de la nuit. Minuit sonne comme une heure fatidique, une heure mystique. Ce nouvel album de Taylor Swift est génial. Ça s'est vu dans les ventes. En seulement 3 jours il est devenu l’album le plus vendu de ces 5 dernières années sur une si courte période. A sa sortie sur les plateformes d’écoute, il a même provoqué des pannes chez Spotify et Deezer. “Midnights” c’est le nouvel album de Taylor Swift qu’il faut écouter.

Je vous présente un jeune artiste qui commence à s’installer dans le paysage de la musique française. Il s’appelle Malo’, un surnom qu’on lui donne depuis qu’il est tout petit. Il est franco-australien, est né en Normandie, y a grandi puis part à l’adolescence à Sydney pour rencontrer sa mère qu’il n’a jamais connue. A 17 ans, il sort un premier album et donne ses premiers concerts en Australie. Repéré par un label français, il revient dans l’hexagone pour sortir Be / Être sorti en 2017 qui collectionne de belles collab, notamment avec Jean Louis Aubert et Charlie Winston. Depuis, en 4 ans, il a assuré les premières parties de plusieurs artistes comme Vianney et Charlie Winston, il y a eu 2 ans de covid évidemment, et un passage à Montréal. Il décide de s’installer là-bas et tombe en amour pour le gospel qu’il découvre dans une église du coin de sa rue. Il est emporté par l'énergie qui se dégage de cette musique et des voix qu’il entend. Il s’en inspire pour écrire et composer l’EP qu’il vient de sortir “Pause”. Malo distille dans ce mini-album chanté à la fois en anglais et en français une musique résolument pop, mais avec ses particularités. Vous y ressentirez le gospel qui a animé Malo, ça respire aussi le rock et la motown. Il a collaboré avec Sage, ex-membre de Revolver pour encadrer ses idées et ses envies. Depuis l’été, il nous a inondé avec le premier single intitulé “Laisse-moi tranquille". Il partage aussi un duo avec son amie Julia Stone. Il a rencontré la jeune femme quand il vivait en Australie, son père était d’ailleurs le prof de musique de Malo.  Cet EP éclectique annonce un album qui devrait sortir l’année prochaine et qu’il nous tarde de découvrir. On aura l’occasion d’en reparler.

Comme Robbie Williams qui a sorti une réédition de ses meilleurs titres en version orchestrale pour ses 25 ans de carrière, le français Alexis HK a sorti un nouvel album pour fêter lui aussi son quart de siècle de carrière. Mais comme c’est du neuf, on a plus de choses à vous raconter. Ce nouvel album de HK s’intitule “Bobo Playground”, et contient 12 titres aux mélodies joyeuses et aux textes fins. C’est quand sa tournée “ Comme des ours” s’est arrêtée que le coup d’arrêt à la vie « normale » est donnée à cause de la pandémie mondiale. Le confinement n’a pas beaucoup changé le mode de vie de celui qui se plait chez lui à la campagne. Il passe le temps avec ses jouets, sa guitare et son ordinateur. Et d’une façon assez ludique, il se retrouve à composer et écrire ce nouvel album « Bobo Playground ». Le moment était idéal pour faire état de tous ses citadins bourgeois épris tout à coup de ruralité, de vie à la campagne qui vivent avec le confort matériel, financier et qui ont la chance de pouvoir choisir. Alexis HK ne s’en exclut pas. L’autodérision ne manque pas dans cette nouvelle production du chanteur. Les punchlines pas piquées des hannetons de l’auteur sont une nouvelle fois mises justement à profit de ses propos. Il n’hésite pas à pointer du doigt Donald Trump, le roi du tweet, à cibler quelques rappeurs qui sont plus amoureux de l’argent que des mots. Il dépeint une société en perte de repère, sans cesse en quête de plaisirs mais toujours dans l’angoisse de perdre ses petits bonheurs. On aime toujours autant la plus de HK à la fois joyeuse et acérée. La production de ces nouveaux morceaux frôlent le hip-hop, s’approche du slam mais garde des mélodies efficaces et entêtantes. Alexis HK est déjà en tournée et des dates sont prévues jusqu’à la fin Mai 2023.

Matthew Bellamy et ses deux acolytes ont sorti un petit peu avant la rentrée un nouvel album flamboyant et intense Will Of The People".  Pour cette neuvième production composée entre Londres et Los Angeles, et après une pandémie mondiale, Muse s’est penché sur ce qui lie et sépare les hommes. Il est question d’autoritarisme, des violences domestiques pendant les confinements, du deuil, des catastrophes naturelles et aussi de la paranoïa. Le groupe déploie des textes quasi révolutionnaires. Après ces deux dernières années passées, entre la pandémie et le contexte géopolitique mondial que l’on connaît, les anglais ne pouvaient pas rester silencieux. Alors ils y vont ! Ils émeuvent, étonnent, peuvent choquer aussi mais ils gardent, 23 ans après leur début, l’audace de se laisser porter par leur passion. Pour accompagner ces textes tout feu, tout flamme, le trio ne s’est pas laissé à la facilité avec une pop rock qui aurait cartonnée en radio. Muse envoie un son puissant et impressionnant avec un éventail musical très large, rempli de contraste. On passe de guitares énervées à un piano déchirant, puis à des synthés qui sonnent 80’s, sans jamais rater l’occasion d’emmener le public lors des concerts avec des hymnes vigoureusement entraînants. “Will Of The People” mélange sans rougir et avec finesse pop, rock, métal et musique electro.  Il s’agit très probablement de l’album le plus éclectique de Muse. Muse sur scène : c’est immanquable. Ce sont de véritables bêtes de scène. Ils ont d’ailleurs été plusieurs fois récompensés pour leur prestation complètement déjantée; il faut dire qu’ils ont cassé plus d’une centaine de guitares ! Muse sera à la fin du mois à Pleyel pour un live plus intimiste. Leur musique prendra toute sa place lors d’une grande tournée européenne qui les emmènera notamment au Stade de France l’été prochain. Ils rempliront aussi les stade de Lyon, Bordeaux et Marseille.

Lomepal - "Mauvais Ordre"

Jacob Banks - "Lies About The War"

Christophe Willem - "Panorama"

Grand Corps Malade x Ben Mazué x Gaël Faye - "Éphémère"

Symon - "Comme tout le monde"

Après 8 ans d'absence, Paolo Nutini est revenu en 2022 avec "Last Night In The Bittersweet"

Marie Flore - "Je sais pas si ça va"

Jack Johnson - "Meet The Moonlight"

Foals - "Life Is Yours"

Florent Marchet - "Garden Party"

Pi Ja Ma - "Seule sous ma frange"

Miel de Montagne - "Tout autour de nous"

Les Frangines, Anne et Jacinthe, sont revenues en 2022 avec "Notes".

On parle du cinquième album solo de Jack White, ex White Stripes, "Fear of the Dawn".

Le britannique George Ezra est revenu avec un nouvel album, "Gold Rush Kid".

Céphaz a sorti son tout premier album, "L'homme aux milles couleurs". En 2021, il était en lice pour défendre la France à l'Eurovision.

Il est américain, il s’appelle Chaz Bundick et se cache derrière le pseudo Toro Y Moi. Depuis une bonne dizaine d'années, le chanteur, musicien et producteur a sorti 6 albums. Il nous a offert au printemps 2022 une septième production solaire et joyeuse “Mahal”. Elle est immanquable. “Mahal” est une référence à ses origines maternelles philippines. C’est un mot philippin qui signifie Amour. Musicalement, Toro Y Moi nous embarque avec cette nouvelle production dans une aventure sonore enchanteresse et idéale pour chiller tout l’été. “Mahal” est un disque éclectique et sans complexe. Chaz y fait la musique qu’il a envie, celle qui l’inspire. Alors forcément, on voyage, on fait des détours, on y revient. C’est une véritable balade pour les oreilles. Avec “Mahal” on passe sans complexe d’une pop psyché à une disco funk flamboyante ou une soul langoureuse le tout infusé dans un rock des années 70 et imprégné de guitares rutilantes. Alors oui, c’est tous azimuts mais cet ensemble hétéroclite est fluide et les mélodies sont accrocheuses. Dans les textes de Toro Y Moi, il est question d’écologie, de délocalisation. Il évoque aussi avec humour notre addiction aux réseaux sociaux. L’isolement lié à la pandémie n’est pas éludé non plus. D’ailleurs, à ce sujet, le chanteur et auteur n’hésite pas à se montrer plus introspectif en évoquant la thérapie qu’il a menée à l'issue des confinements pour apprendre à s’aimer. Avec “Mahal” Chaz signe sans doute la bande son la plus cool et la plus indispensable de votre prochain été. Seul bémol, ce que l’on peut reprocher à ce disque c’est que malgré 13 titres, l’ensemble se joue en 36 minutes et nous on aurait bien pris plus de “Mahal”.

“Human Disorder” c’est le nouvel album des Nordistes de Skip The Use. Le groupe a été stoppé lors de sa dernière tournée à cause de la pandémie, alors qu’ils venaient de se reformer. Impactés moralement, les membres se sont assez vite mis à composer cette nouvelle production. Le groupe analyse dans les textes de ce cinquième opus tout le désordre qu’on a vécu ces deux dernières années. Il y a eu la pire pandémie de ce siècle mais en parallèle on a aussi connu des mouvements libérateur de parole : Black Lives Matters, les mouvements féministes et LGBT. Matt Bastar, le leader et chanteur du groupe, se fait témoin de cette époque. Le premier texte de “Human Disorder” aborde la déception puis au fil des tracks, les paroles décryptent l’acceptation, le recentrage, l’équilibre familial, l’amour, le désir de s’en sortir et on termine avec la transformation, la personne que l’on devient après avoir vécu toutes ces expériences. Le but de l’album est de se tirer vers le haut et de retrouver l’espoir. Les textes sont majoritairement en anglais, mais le groupe écrit de plus en plus en français. Musicalement, malgré la pandémie, le groupe n’a pas perdu de son énergie. Elle reste l’essence même de Skip The Use. Rempli de vitalité, leur punk rock anglais continue d’être perfusé d'influences variées, à la fois disco, électro et rap. C’est rutilant, énergique, un véritable shot de vitalité. C’est à l’image de Skip The Use. Vous ne serez pas surpris !

Les Californiens de Red Hot Chili Peppers, plus de 100 millions d'albums vendus depuis 1983 année de sortie de leur premier disque, sont de retour avec une douzième production “Unlimited love”. Ce nouvel album des sexagénaires marque leur retour aux sources et renoue avec la musique qui a fait leur succès dans les années 90. Nostalgie au rendez-vous. Cette intention on l’a senti dès la parution cet hiver du premier single “Black Summer” qui sonne résolument funk rock. Anthony Kiedis et ses copains livrent un album de 17 morceaux. Une cinquantaine aurait été écrite avant de restreindre la sélection. Pour retrouver ce rock funk qui caractérise si bien les Red Hot, le groupe a réintégré le guitariste John Frusciante qui a été de tous les meilleurs albums du groupe. Sa dernière participation date de 2009. Ça s'entend tout de suite sur les solos de guitare, les montées en puissance. Il a ce petit truc si unique d’avoir l’air de ne pas y gratter que l’on reconnaît de toute évidence! Le groupe a aussi renoué avec le producteur Rick Rubin qui a travaillé sur leur plus grands albums lui aussi. Bref, tout et tous étaient réunis pour retrouver ce son Red Hot. “Unlimited Love” est rock, pop, funk. L’album réunit tout ce qu’on a aimé du groupe. Alors certes il n’y a pas de surprise, mais on aime l’album parce qu’on aime avant tout ce son très 90’s des Red Hot. Les textes ont toujours eu une place importante pour le groupe. Ici, il est question de vieillissement, de regrets, de chagrin et du changement climatique. On sent que le groupe prend de la bouteille.

On a découvert le tout premier album doux et délicat de la franco-hispanique November Ultra. Son nom de scène est une référence à son mois de naissance et à son album préféré de Frank Ocean. Vous avez peut-être déjà entendu la voix cristalline de la chanteuse avec ses reprises sur tik-tok ou lors des premières parties qu’elle a assurées pour Clara Luciani et Pomme. Ce premier album créé, composé et écrit dans sa chambre s’intitule “Bedroom Walls”. C’est depuis cette petite forteresse sécurisante, sa bulle, que la jeune femme de 33 ans s’est sentie totalement libre de se livrer. Dans ce premier disque, November Ultra nous amène donc dans sa chambre, dans son intérieur pour se dévoiler et nous ouvrir les pages de son journal intime. Elle chante les multiples facettes de sa vie, des souvenirs du passé dans ce qu’ils ont de plus lumineux et de plus sombres. Née d’un père portugais et d’une mère espagnole, la chanteuse a grandi à Boulogne Billancourt, en région parisienne, en apprenant trois langues. Quelques passages sont en espagnol mais pour l’essentiel, Nova chante en anglais, pour ne pas se faire comprendre de sa mère !! La chanteuse déploie une pop fine, rafinée, délicieusement apaisante sans artifice grandiloquent. C’est doucement mielleux. Il y a un piano ou une guitare pour l’accompagner, mais jamais plus. C’est très organique. Dessus, elle pose sa voix riche en émotion et en mélancolie, si sincère et profonde. Une voix qui n’est pas sans nous faire penser à Adele. November Ultra est en tournée en ce moment, dans les festivals. November Ultra, une délicate rencontre musicale qui devrait faire parler d’elle encore dans les prochaines années, une artiste que l’on va suivre.

Toujours reine de la scène pop latino, Camilla Cabello a sorti un troisième album “Familia” composé et écrit pendant la pandémie. Les différentes périodes de confinement traversées par la chanteuse lui ont permis de retrouver sa famille, et de passer de longs moments avec elle. La chanteuse a ressenti une joie débordante en se reconnectant avec cette base et ses racines latino américaines. A la fois Cubaine, Mexicaine et Américaine, Camilla Cabello partage ce pluralisme et cet héritage dans cette nouvelle production. “Familia” nous fait voyager entre Cuba et le Mexique. C’est solaire, joyeux et festif. On est loin de la pop mainstream que la jeune femme nous avait servie jusqu’ici. Une nouvelle direction artistique se dessine dans cet album, un risque certes, mais un parti pris assumé et réussi. Elle chante en alternant anglais et espagnol. Camilla Cabello mêle rythmes entraînants et festifs avec des textes profonds au sujet parfois lourds qui évoquent l’anxiété, la paranoïa, les doutes qui nous empêchent, le sexisme et aussi la pauvreté alors que seulement 90 miles séparent Cuba des îles américaines des Keys, en Floride. Dans ce disque à la fois intime et introspectif, elle évoque aussi ses relations amoureuses. En renouant avec ses origines latines, la chanteuse s’éloigne de ce qu’elle nous a proposé dans ses deux premiers albums. Elle déploie dans “Familia” des rythmes reggaeton. Des trompettes, des claquements de mains façon flamenco illuminent la musique de la chanteuse. Elle nous immerge dans son héritage musical. C’est véritablement nouveau dans la musique de Camilla Cabello, et ça marche. “Familia” est une petite bombe d’énergie et vient mettre un peu d'effervescence dans notre quotidien. Ce disque sera sûrement l’un des indispensables de votre été. Dans “Familia”, la chanteuse partage un duo avec Ed Sheeran. Bam Bam, est à lui tout seul un véritable carton. Il cumule plus de 100 millions d'écoutes dans le monde. Les sonorités latines de ce disque se mêlent à la guitare d’Ed Sheeran avec justesse. On attend maintenant une tournée européenne pour se déhancher sur les rythmes latinos qui déferlent tout au long de cette nouvelle production solaire.

Belin nous fait craquer avec son nouvel album. Après un rôle dans le dernier film des frères Larrieux, le dandy rock Bertrand Belin revient à la musique et sort une nouvelle production “Tambour vision”. Il s’agit de son septième album en 15 ans d’une carrière démarrée tardivement, à 35 ans. Le jeune quinqua délaisse rock’n’roll et guitare pour un son qui mêle électro et new wave aux synthétiseurs magnétiques et hypnotisants, une mue qu’il avait déjà entamée sur son précédent album “Persona” sorti en 2019. Les arrangements acoustiques de Bertrand Belin laissent place à des sonorités plus synthétiques mais gardent cette touche d’élégance qui caractérise si bien le musicien et chanteur. “Tambour vision” est moins rock, il est plus atmosphérique mais reste fidèle à l’identité Belin par sa finesse et son raffinement. “Tambour vision” est certainement l’album le plus dansant du chanteur grâce à sa rythmique à la fois lascive et bouillonnante. D'ailleurs, Belin chante plus qu’il ne parle, lui-même se laisse embarquer. Dans ce septième album, Bertrand Belin nous confie des textes toujours aussi poétiques. La finesse et la subtilité des mots de Bertrand Belin se retrouvent aussi dans cette nouvelle production. Sa voix profonde, posée et mystérieuse, façon Bashung, questionne notre esprit de révolte, notre capacité à la soumission, le déséquilibre qu’il y a dans nos sociétés, le sexisme, ce que l’on reçoit en héritage social, culturel, ce que l’on donne, et nos amours. “Tambour vision” enregistré dans le studio de Belin en région parisienne est séduisant et précis. Sans aucun doute, c’est un album important de la discographie du breton. Bertrand Belin sera en tournée dans toute la France à l’automne prochain. Début décembre il sera salle Pleyel à Paris, mais c’est déjà complet. En revanche, il reste encore quelques places pour aller le voir à l’Olympia en Mars 2023.

Charline Mignot est Vendredi Sur Mer. La jeune femme qui a grandi sur les rives du lac Léman à Genève a choisi ce nom de scène pour allier poésie et voyage. Elle a sorti son premier disque “Premiers émois” il y a 3 ans et avait reçu de très belles critiques la plaçant parmi les nouveaux espoirs de la chanson française. C’était un disque tout en sensualité, moelleux, très élégant, un peu fragile et en même temps acidulé. On découvrait une synth pop pétillante et ça nous a plu ! Avec “Métamorphose”, son deuxième disque maintenant disponible, la Suissesse prend une nouvelle direction et se réinvente comme le laisse sous-entendre le titre de cette nouvelle production. Les textes de la chanteuse vont explorer une nouvelle partie de l’univers de Vendredi sur Mer, celle de Charline Mignot elle-même finalement. On découvre véritablement qui se cache derrière ce personnage au nom poétique. On découvre la femme à part entière. Les 12 nouveaux morceaux de “Métamorphoses” sont riches en émotions fortes, complexes, mais décomplexées. La chanteuse évoque ses relations amicales, amoureuses, ses désirs, ses faiblesses avec des mots crus et des textes bruts. C’est frontal, très direct. Elle se livre entièrement dans ce qu’elle a de plus intime avec sincérité et sans détour. Elle s’oppose aux injonctions machistes. Elle n’hésite pas à évoquer le mouvement musictoo qui a libéré la parole des femmes dans l’industrie de la musique. Dans cette métamorphose, Vendredi sur Mer quitte la douce pop disco qui a fait le succès de son premier disque pour une électro qui se la joue plus club, à la fois enivrante et rythmée. Elle ose aussi donner de la voix. Elle chante plus dans cette seconde production que dans la première qui était plus chanté-parlé !  

Après 7 ans d’absence, l’autrice compositrice et interprète belge Selah Sue est de retour avec un nouvel album “Persona”. Son premier album éponyme sorti en 2011 a connu une belle réussite et l’a propulsée sur le devant de la scène internationale et lui a même permis de travailler avec Prince. “Persona” écrit il y a plusieurs années, bien avant la pandémie, est un album intime, une rencontre en profondeur avec toutes les personnalités parfois complexes qui composent la chanteuse. Cet album est comme une thérapie, en parallèle de celle qu’elle menait à l’époque de son écriture avec son psychiatre. Dans cette introspection, elle va chercher tout ce qui la composent de la mélancolie à la dépression et à la force et la sensibilité liées à son rôle de maman. 14 titres, 14 Selah Sue qui se montrent tour à tour épicurienne, amoureuse, angoissée,... Cet album est aussi le trophée d’une victoire pour son combat contre sa maladie psychique, et l’arrêt des antidépresseurs. Vous comprendrez mieux l’album et ce qu’il renferme avec la traduction latine de persona qui signifie “les masques des comédiens de théatre”. Musicalement, “Persona” est hyper riche et éclectique. Il puise dans toutes les inspirations qui font la chanteuse. Ça peut être déroutant, et en même temps on aime ce patchwork si personnel à Selah Sue. On découvre de la pop, de l’électro, du rap, de la soul, du jazz, une musique en fusion pour un résultat solaire et qui nous tire assez loin de la mélancolie. Vous noterez la présence du rappeur belge Damso sur l’album. Le timbre de voix de Selah Sue se mélange parfaitement au débit du rappeur. Ensemble, ils refusent de perdre le contrôle d'eux-mêmes face à l’industrie du disque. Le morceau c’est “Wanted you to know”. La chanteuse se montre ici indépendante et conquérante.

Valentin Brunel est Kungs, l’un des DJ français les plus en vogue dans le monde entier en ce moment et c’est un gentleman aussi ! en tout cas c’est ainsi que ce traduit son pseudo en letton. Le toulonnais s’est imposé sur la scène mondiale en 2016 avec “This girl” et son premier album “Layers” qui lui a offert la Victoire de l’album electro de l’année en 2017. Il a parcouru les festivals et les dancefloors du monde entier, de l’Europe aux Etats-Unis, en passant par le Brésil, et même la Russie, et l’Ukraine. La pandémie est venue stopper ce tour du monde vertigineux de soirées festives et dansantes ! Pendant le premier confinement, le DJ avait lancé des soirées club virtuel pour continuer à partager un peu de cette énergie débordante et positive avec ses fans. Il a aussi pris le temps de composer et produire son deuxième album. Ça a été une période de création hyperintense pour le jeune homme de 25 ans. “Club Azur” est arrivé au début du Printemps, comme un bourgeon qui pousse, c’est le début d’un nouveau cycle, le retour des jours heureux, des soirées et bamboche qu’on avait hâte de retrouver. “Club Azur” est un album joyeux, hyperpositif et toujours plus dansant, un album qui nous invite à renouer avec nos discothèques qui ont beaucoup souffert ces deux dernières années. Vous ne passerez pas votre été sans vous déhancher sur un de titres de “Club Azur”, en club justement ou en festival. Le DJ s’est donné la mission de redonner le sourire aux gens avec ce disque. On a assez peu de doute sur sa réussite. “Club Azur” est à la fois funk et disco. C’est une ode à la joie de vivre, au soleil de la Méditerranée, et à la musique enivrante. Par l’intermédiaire de Martin Solveig qui pose sa voix sur 2 titres de cette nouvelle production, Kungs a rencontré son mentor, son idole, le DJ et producteur allemand Boys Noise avec qui il partage une belle collaboration. Kungs sera de tous les festivals, des plus petits aux plus prestigieux, de la côte bretonne aux plages cannoises. A ne pas manquer cet été, si vous voulez faire la fête !

Je vous propose de découvrir un nouveau talent de la chanson française. Elle est picarde. Elle a 25 ans. Elle s’appelle Emma Peters et elle a déjà assuré les premières parties de plusieurs artistes : Vianney, Clara Luciani, Camélia Jordana et en ce moment elle est sur la tournée des Zeniths de Ben Mazué. A l’été 2019, l’une de ses reprises postées sur Youtube est remixée par deux DJ lui offrant une belle exposition, des millions de vues sur le web et donc rapidement l’enthousiasme des maisons de disques. L’année suivante, elle quitte son job de l’émission “Affaire conclue”. Amère de ne pas être retenue, elle se lance dans l’écriture de son premier album. Le premier morceau qui sort est “Focus”, le premier des 14 textes qui suivront. L’album “Dimanche” a vu le jour en Mars dernier, “Dimanche” comme tous ces dimanches où elle postait ses chansons sur le web, “Dimanche” parce que c’est un mot qu’elle aime entendre sonner, “Dimanche” parce que c’est son jour préféré de la semaine, un jour qui lui porte bonheur. La chanteuse tricote des textes percutants qui racontent les états-d’âme de sa génération. Cash et crue, elle parle dans ses chansons comme dans la vie. Elle chante comme elle rappe et utilise un langage qui est le sien, celui de la vie de tous les jours, sans fard. Ce premier album est à la fois universel et très intime, comme une autobiographie. Elle raconte ses angoisses liées au confinement et aussi son histoire amoureuse, ses histoires de cul, ses joies, ses espoirs et les galères. Piano et guitare font corps avec les ritournelles de la jeune femme à la voix grave et légèrement éraillée. Emma Peters a donc assuré pas mal de première partie jusqu’ici.

Révolution dans le flamenco avec la Catalane Rosalia, nouvelle star internationale de la pop latine depuis son album “El Mal Querer” qui l’a propulsé sur le devant de la scène. Rosalia a sorti un premier album en 2017, le second “El Mal Querer” est paru l’année suivante. La voilà de retour, 4 ans après, avec “Motomami”, disque sorti courant Mars. Après avoir rafraîchi le flamenco, Rosalia continue d'impressionner avec son style si singulier et décomplexé. Elle s'attaque dans ce nouvel opus à la musique afro-caribéenne. On découvre un reggaeton réajusté, des sons salsa et bachata remis au goût du jour, une rythmique acérée, le tout mixé avec un r’n’b sensuel, des élans hip-hop et trap. La tornade espagnole n’hésite pas à jouer sur tous les tableaux, à se jouer des codes. Elle réinvente une musique hyper traditionnelle et la rend pop, moderne, enflammée et peut-être même un brin subversive. La voix de l’espagnole colle à tous les styles, de cantatrice, dont l’exigence vocale est considérable jusqu’au flow rap qu’elle débite à toute vitesse. Rosalia est un caméléon qui se fond dans tous les styles et les adapte à sa propre personnalité artistique. “Motomami” paraît presque simple et évident à l’écoute. Pourtant, la chanteuse a passé deux ans à l’enregistrer à Los Angeles, des mois à le mixer et, il y a eu des périodes de doute, de remise en question. Elle a trouvé ses réponses en allant chercher l’inspiration auprès de Frank Ocean et auprès des producteurs de The Neptunes, dont Pharrell Williams. Sous des airs de chanteuse superficielle aux fesses généreusement rebondies, ne vous laissez pas embarquer par des préjugés. La chanteuse aborde des sujets intimes. “Motomami” est un autoportrait de la Catalane et explore les deux facettes de sa personnalité à la fois forte et fragile. “Motomami” évoque la sexualité, le féminisme, le chagrin, l’isolement. The Weeknd et la star dominicaine Toshika partagent chacun un morceau avec Rosalia. Avec “Motomami”, Rosalia confirme son statut de star internationale et devrait programmer une tournée mondiale dans les prochains mois.

Pete Doherty, ex-chanteur des Babyshambles et de The Libertines, est Peter Doherty depuis qu’il chante en solo et qu’il s’est installé en Normandie face aux falaises d’Etretat. Un nouveau lieu de villégiature où il a trouvé l’amour et la paix avec lui-même. Après des années de défonce, à lutter contre ses démons, l’anglais est passé par une longue cure de désintox en 2019. Il semble aujourd’hui avoir retrouvé équilibre, sérénité et douceur de vie à la normande. L’anglais vient de sortir un nouvel album avec Frédéric Lo, compositeur renommé qui a travaillé pour Pony Pony Run Run, Alex Beaupain et Stephan Eicher entre autres. Pendant une année, ils ont travaillé ensemble pour sortir mi-Mars “The Fantasy Life of Poetry & Crime”. Dix ans après son premier projet solo, voilà Peter Doherty de retour avec une pop douce et enivrante. Son alliance avec le compositeur français révèle une belle synergie entre ces deux talents, l’un et l’autre se mettant en valeur. Frédéric est au service de la poésie de Peter avec des mélodies soignées et ravissantes, le chant de Peter Doherty est si juste et précis, comme il n’a jamais été, qu’il sublime les compositions de Frédéric. Ensemble, ils se sont tirés vers le haut. Peter Doherty, anxieux d’écrire pour la première fois en étant sobre, relève le défi. Ses textes sont touchants et d’une grande sensibilité. Maurice Leblanc romancier et auteur des aventures d’Arsène Lupin, les poésies de Rimbaud et Apollinaire, les polars de Dashiell Hammet et James Ellroy, la série anglaise Peaky Blinders, tant de hors la loi ont été source d’inspiration pour les textes de Peter Doherty. Ce nouvel album de l’anglais aux côtés du compositeur français Frédéric Lo est d’une beauté saisissante. Je vous conseille de ne pas passer à côté de “The Fantasy Life of Poetry & Crime”. Peter Doherty sera sur scène au Trianon de Paris le mois prochain et au festival Art Rock à St Brieuc le mois suivant.

On a quitté Metronomy en 2019. Cette année-là, le groupe sort “Metronomy Forever”, une tournée devait suivre mais elle est stoppée par la pandémie. Le groupe se retrouve à l’arrêt, chez soi, face à soi-même. Trois ans après, Metronomy est de retour avec un nouvel album “Small World”. Le groupe de Joe Mount nous ouvre les portes de son petit monde, celui dans lequel il s’est confiné lors de cette pandémie avec sa famille, et celui qu’il a retrouvé après, la musique et ses amis. Si le lockdown a été anxiogène au départ, le leader du groupe a su y trouver une routine rassurante et créer un cocon où toute la famille pouvait se sentir bien. Dans le chaos, de belles choses peuvent aussi exister. Les semaines de confinement passant, Joe Mount a réussi à se détendre. Il pu laisser venir les idées et l’inspiration. Le groupe aborde notre rapport à la solitude, l’optimisme qui naît dans une période sombre, nos désirs et nos passions qui se réinventent. Dans “Small World” on retrouve ces sentiments, ces sensations, ces émotions que nous avons tous traversés pendant ces semaines. Le groupe se confie sans filtre sur cette période d’inquiétude, de remise en question, d’introspection et de quête de l’essentiel. Ce nouvel album de Metronomy “Small World” célèbre le retour aux choses simples. Les compositions sont épurées et les textes positifs. “Small World” est un album court, seulement 35 minutes et neuf titres. Mais on aime sa pop efficace, réconfortante et très joyeuse. Production légère et chaleureuse, c’est un doux plaisir de retrouver les mélodies entêtantes et entraînantes du groupe. “Small World” est un témoignage en prise directe avec ce que nous avons tous traversé lors de ces deux dernières années. Actuellement en pleine tournée, on retrouvera les anglais et leur “Small Wordl” sur les scènes de plusieurs festivals français cet été, Musilac et les Vieilles Charrues par exemple.

La Maison Tellier est un groupe de pop folk français créé en 2014, une fausse fratrie de Tellier à la manière des Ramones. Le nom de ce groupe est un hommage à la nouvelle de Guy de Maupassant “La Maison Tellier” et qui se déroule en Normandie, région d’origine des cinq membres. La Maison Tellier a sorti début Mars son septième album “Atlas”. Il a été écrit et enregistré en 2020 pendant les mois de confinement. Après “Primitifs Modernes” un album plein de colère sorti en 2019, le groupe revient avec un disque tout en français plus doux et une écriture plus poétique mais toujours engagée. Le quintet met une nouvelle fois ses préoccupations au cœur de ses textes et évoque la nature, la solitude, les amours déçues, l’inquiétude de notre monde et puis, la lumière et l’espoir toujours là. “Atlas”, comme le dit si bien le titre, est un album ouvert sur le monde. La Maison Tellier nous offre un voyage immobile. On voyage grâce à la musique. Dès le premier titre éponyme, on découvre un album aux arrangements riches, denses et flamboyants. La présence des cuivres donne une envergure forte aux ambitions musicales du groupe. La Maison Tellier renoue avec les mélodies de ses débuts, une folk inspirée et enracinée en Amérique. Les Normands parviennent à relier une folk authentique de l’Amérique et la chanson française. Le cadeau de La Maison, un morceau caché, le treizième, il est écrit en Toki Pona, la langue du bien, une langue minimaliste et positive inventée au début des années 2000. C’est sur cette belle note d’optimisme que se referme l’album. La Maison Tellier est actuellement en tournée dans tout l’hexagone. Le groupe clôturera ce tour de France en Septembre prochain avec deux dates à La Maroquinerie à Paris.

Fishbach est auteure, compositrice, interprète et aussi actrice. Elle a joué dans la série Vernon Subutex de Canal + aux côtés de Romain Duris. En 2017, elle a sorti un premier album très bien reçu, "À ta merci” qui lui a valu d’être nommée aux Victoires de la Musique l’année suivante. Début Mars, est paru sa seconde production “Avec les yeux”, appelée ainsi parce qu’avec les yeux on ne triche pas. “Avec les yeux” un album de vérité qu’elle a écrit loin du tumulte Parisien qu’elle a quitté pour retrouver sa région natale, les Ardennes. La chanteuse voulait quitter la vacarme de la ville qui annihilait son inspiration. La jeune femme aspirait à retrouver la nature et la forêt qui l’ont vue grandir et le silence. Elle s’est installée avec un chien dans un petit village de 200 habitants, le calme plat et inspirant pour la chanteuse. La vérité de cet album, on la trouve aussi dans l’honnêteté de la musique de Fishbach qui ne cède pas aux sirènes de l’autotune très à la mode. Fishbach renoue avec une variété française des années passées. Elle met des guitares électriques parce qu’elle aime ça, quelques synthés pour un son très années 80. Elle a composé les 11 pistes assez instinctivement, par envie ou par besoin, ce qui fait toute la sincérité de ce disque. La plupart des compos et des textes sont des restes de rêves, encore frais dans sa tête au réveil.Elle les a retranscrits tels quels. Dans son premier album, la chanteuse avait écrit sur l’amour, l’attente de la rencontre, l’adolescence. Pour cette nouvelle production, la jeune femme a gagné en confiance et en maturité. Elle chante, avec sa voix grave et charismatique, sa vie de femme épanouie, qui cherche équilibre et nuance entre fragilité et douceur, colère et force. La chanteuse a démarré une longue tournée fin Mars qui l'amènera sur la scène de la mythique salle parisienne de L’Olympia à l’automne, une première pour Fishbach.

Alt-J le groupe de rock britannique originaire de Leeds est de retour avec une quatrième production “The Dream”. Ce disque arrive dix ans après leur premier album. Dans ce nouveau long format, le groupe nous embarque dans un labyrinthe musical sans grande surprise. Le trio sort assez peu de sa zone de confort, quelques incartades nous offrent quand même quelques éblouissements satisfaisants comme la ballade folk “Get better”, un petit bijou blues qui vous mettra les larmes aux yeux. Quelques sons électro viennent aussi saupoudrer le rock enveloppant d’Alt-J. La voix du chanteur Joe Newman se révèle ici beaucoup plus sombre et triste. Non, ce nouvel album de Alt-J ne sonne pas comme un rêve, “The Dream” est plutôt obscur et morose. Le groupe continue de faire passer ses messages et à raconter le monde à travers leurs personnages fictifs. Il y a aussi quelques histoires plus personnelles qui viennent se mêler à la fiction. Les anglais abordent la crypto-monnaie, la covid et l’histoire de cet homme qui a perdu sa femme à cause de la pandémie, et la vie d’un jeune comédien en quête de reconnaissance. Il est aussi question de la masculinité. Les sujets sont vastes et variés ! Même si le groupe ne nous embarque pas dans une cavalcade musicale plus enlevée, ce nouvel album fait le job même s’il reste sur ses acquis. Vous retrouverez ce que vous avez aimé jusqu’ici de Alt-J et prendrez même un peu de douceur au passage, ce qui dans le contexte actuel ne fait pas de mal. Les anglais s’offriront quelques dates cet été en France. Vous les verrez dans quelques salles de concerts jusqu’à l’automne, et aussi en extérieur dans la fièvre de quelques beaux festivals estivaux comme Musilac à Aix les Bains début Juillet.

Amber Mark est une jeune chanteuse, compositrice et productrice au parcours assez atypique. Elle est née dans le Tennessee, a grandi à la campagne, en ville, notamment à Berlin en Allemagne puis dans un monastère à Darjeeling, en Inde. Alors qu’elle n’a qu’une petite vingtaine d’année, la jeune femme perd sa mère. Amber se console avec une guitare que sa mère lui avait offerte. Elle apprend à en jouer rapidement. En 2016, elle poste son premier morceau “S P A C E” sur Soundcloud qui lui permet d’être rapidement remarquée. Elle sort son premier EP en 2017 et d'autres singles par ci par là qui lui ont attiré les plus belles critiques du monde de la musique. Elle évolue dans un style assez unique aux multiples facettes. Amber Mark distille un son qui allie hip-hop, R&B, soul et bossa nova. En Janvier dernier, elle a enfin sorti un premier long format très attendu par la critique et le public. Intitulé “Three Dimensions Deep” c’est un album qu’elle a voulu en trois dimensions. Ce disque conceptuel et introspectif est composé en trois actes. D’abord, il y a Without, sans, où il est question de son insécurité, puis il y a la partie Withheld, la retenue, où elle laisse place à la confiance en soi et enfin Within, avec, pour comprendre la place que nous occupons dans ce monde. Sur une musique au groove imparable, aux guitares électriques flamboyantes, Amber Mark chante l’amour et ses souffrances avec une énergie assez unique. Elle nourrit son R'n'B alternatif d’influences en tout genre, à la fois soul, afro, presque psychées parfois. La voix de l’américaine est elle aussi singulière. Elle possède un timbre grave plein de grâce et de sensualité. “Three Dimensions Deep” est le premier album très réussi d’Amber Mark.

Ça fait un peu plus de vingt ans que le dj et producteur Simon Green aka Bonobo a séduit la planète entière avec son electro downtempo. Le dernier opus du Britannique “Migration” est sorti il y a cinq ans maintenant. Après ça, Bonobo est parti sur les routes du monde entier pour assurer une tournée gigantesque. Harassé par ces mois de voyage et de concert, il revient chez lui en Californie où il est désormais installé. À son retour, c’est le monde et ses humeurs qui sont maussades. Il faut dire que le contexte n’est pas très enthousiasmant. La Californie est en proie à de graves incendies dévastateurs, la pandémie s’installe partout, les confinements se mettent en place, et les élections présidentielles américaines fragmentent le pays… Sans réellement perdre l’inspiration, Bonobo ne parvient pas à composer. Alors, il prend son van et part s’isoler pour se reconnecter à la nature et composer cette septième production sortie début Janvier. Il s’agit de “Fragments”. On découvre un album hypnotique aux émotions intimes et pourtant très festif. C’est une nouvelle dimension de la musique de Bonobo. Il relève le tempo de temps à autre mais il n’a pas changé sa recette initiale. L’anglais continue d’allier subtilement, et comme il sait si bien le faire, les instruments acoustiques, essentiellement des cordes, et les sons électros des machines et notamment de synthé. L’album est aussi parsemé de voix oniriques qui nous protègent du chaos extérieur. Le dj a modifié son processus créatif, ne pouvant plus tester ses morceaux dans les discothèques au contact du public. Il a dû se faire confiance. Ses randonnées inspirantes, qui l’ont souvent conduit avec ses chaussures encore boueuses en studio, ont réussi à infuser sa musique et à l’enrichir encore. On continue de reconnaître entre mille la patte Bonobo, pourtant le producteur parvient toujours à faire évoluer sa musique. L’anglais donnera deux concerts au 104, salle parisienne, en Avril prochain. Deux rendez-vous qui sonnent comme une évidence pour renouer de la plus belle des manières avec un le dancefloor cotonneux et solaire.

Les 12 nouveaux titres que je vous recommande chaleureusement vont vous envelopper dans un écrin de velours. C’est d’une douceur imparable. C’est d'un authentisme rare. L’américaine Cat Power que l’on a découverte en 1995 vient de sortir un nouvel album. Il s’agit d’un album de reprises. Les fidèles se diront sûrement “encore” ! Il s’agit en effet de son troisième album de reprise. Non pas que la chanteuse ne sache pas écrire ou composer, bien au contraire. Elle excelle même dans l’art de l’écriture. Mais elle aime aussi s’approprier les morceaux des autres et leur donner une autre dimension. L’exercice n’est pas simple, mais Cat Power a ce don de les réincarner et de se les réapproprier justement. Elle ne cherche pas à faire mieux, juste à faire avec coeur et passion. Elle remplit pleinement l’objectif dans cette nouvelle production; et ce nouveau disque c’est “Covers”. Il est renversant de beauté, de simplicité et de minimalisme. Elle y reprend Frank Ocean, Nick Cave, Lana Del Rey ou encore Billie Holliday et Iggy Pop. Souvent, on ne retrouve pas dès la première écoute le morceau original. L’américaine apporte des arrangements bien plus minimalistes. C’est d’ailleurs ce qui définit bien souvent sa propre musique. Il y a ce qu’elle fait de la musique, mais il y a aussi son interprétation et sa voix. Une voix charismatique, qui est bluesy et poétique, à la fois velouté et soyeuse et aussi puissante. Cat Power referme cet album avec le titre “I’ll be seeing you” de Billie Holiday qu’elle reprend pour son ami Philippe Zdar disparu il y a deux ans et qui avait mixé son album “Sun” sorti en 2012. Si vous aimez Cat Power, vous aimerez ce nouvel album, si vous découvrez la chanteuse, vous serez certainement séduit par sa qualité d’interprétation de réinterprétation et ses arrangements. Cat Power assurera quelques dates en France pour faire vivre cet album en live. Vous pourrez la voir entre Mai et Juin dans la douceur de l’été qui commence à s’installer.

FKA Twigs est une auteure compositrice et interprète britannique. Elle a sorti son premier album “LP1” en 2014. Avant ça, elle a été danseuse. On l’a régulièrement vue en second plan de clips, notamment pour Kylie Minogue, Ed Sheeran, Jessie J ou The Shoes. En parallèle de cette passion pour la danse, la jeune femme développe sa carrière de chanteuse. En 2014, sort donc son premier album, suivi d’un second en 2019 “Magdalena” qui fait l’unanimité lors de sa publication. Depuis, Tahliah Debrett Barnett, de son vrai nom, s’est mise un peu en retrait de la scène médiatique après avoir dénoncé des faits d’abus physiques et psychologiques de la part de son compagnon de l’époque. Pendant ces presque trois années, incluant plusieurs mois de confinement, FKA Twigs n’a pourtant pas cessé d'écrire, de composer et de produire. C’est le fruit de ces mois de travail qu’elle a compilé dans une mixtape plutôt qu’un véritable album conceptuel. Intitulée “Caprisongs” évoquant le signe astrologique de la chanteuse, cette mixtape réunit sans véritable fil conducteur 17 morceaux. C’est ainsi qu’elle redonne tout son sens au terme mixtape qui est un peu galvaudé aujourd’hui. FKA Twigs y a mis toute la musique qu’elle a faite avec plaisir, sans exigence extérieure, sans volonté de remplir un cahier des charges. On y trouve des interludes, des morceaux et quelques belles collab dont la participation du Canadien The Weeknd. Musicalement, les directions prises sont variées. On passe d’une pop formatée à des influences jamaïcaines plus solaires. Pour ce qui est du fond, la Britannique nous fait part de ses démons intérieurs et des souffrances dont elle tente de se libérer. Elle a extrait des bribes de conversations qu’elle a eues à distance avec ses amis en visio lors des confinements. Souvent banales, elles étaient aussi intimes mais lui apportaient tout l’amour et le soutien dont elle avait besoin à ce moment de sa vie. “Caprisongs” c’est la nouvelle mixtape de FKA Twigs et c’est à écouter.

Miles Kane est anglais et à la mi-temps de la trentaine. Il est originaire de Liverpool. Il est chanteur, compositeur et musicien. Il a fait partie de plusieurs groupes dont “The Last Shadow Puppet” fondé avec son ami Alex Turner des Arctic Monkeys et dont le dernier album date de 2016. En parallèle de ces expériences en groupe, il a aussi lancé sa carrière en solo avec un premier album sorti en 2011. Les derniers albums et concerts de l’Anglais ont suscité beaucoup de déception pour ses fans. Musique au rock lourdingue, défoncé lors des concerts… l’artiste s’est perdu dans une vie débridée. Alors, quand on apprend la sortie d’un nouvel album du crooneur rockeur anglais qui s’intitule “Change the Show” on met un peu d’espoir dans ce qu’il a à nous proposer. Et on n’est pas déçu ! “Change the show” confirme une nouvelle direction pour l’artiste. L’anglais a quitté cette vie faite d’excès en alcool et en drogue qu’il menait à Los Angeles pour revenir en Angleterre et renouer avec ses racines. Grand bien lui en a pris. On retrouve le Miles Kane des débuts, bien plus élégant et inspiré. Ce nouvel album “Change the show” a pris une nouvelle trajectoire et transpire le rock anglais des 60’s et des 70’s. Ce rock singulier qui a bercé toute son enfance. Quelques influences vintage, soul et rythm’n’blues apportent une dose de singularité et d’originalité à ces 11 nouveaux titres. Miles Kane y met une touche juste et précise de cuivres et de pianos rendant cet album solaire et feel-good. C’est un petit shoot de vitamines idéal en plein hiver ! Écrit lors des différents confinements de l’année 2020, au cœur des mauvaises nouvelles, et d’une ambiance légèrement anxiogène, l’anglais confie son intimité, sa propre introspection menée pendant ces longs mois. Il est question du vieillissement et d’expérience. Miles Kane donnera quelques concerts en France le mois prochain. Vous le verrez et pourrez découvrir la version live de “Change the show” à Strasbourg, Lille, Reims et même à l’Olympia de Paris.

Le premier album des américains de The Lumineers a 10 ans cette année. Il contenait leur single le plus populaire “Ho Hey”. Depuis, ils ont vendu plus de 7 millions d’albums dans le monde entier. Le duo originaire du New Jersey a sorti en ce début d’année une quatrième production “Brightside”. La bande son idéale pour adoucir ce début d’année et une météo un peu trop grise. Cet album lumineux, comme le dit si bien le titre “Brightside”, évoque ces petits riens des plus grandes romances, l’engagement - dans ces bons et moins bons moments, nos certitudes et nos doutes, le temps qui passe et les souvenirs. “Brightside” est un album joyeux et spontané. Musicalement, le duo se réinvente sans céder aux sirènes du mainstream. Le duo garde sa singularité mais n’hésite pas à prendre un léger virage. En effet, The Lumineers quitte sa rock folk acoustique pour un style plus électrisé et plus produit. Le duo a interprété la quasi-totalité de toute l’instrumentation des 9 nouvelles chansons de cet album. On y trouve beaucoup de claviers, mais bien moins de batterie, qui se fait plus discrète. Des chœurs omniprésents soutiennent la voix du chanteur Wesley Schultz. Ces voix oniriques sont interprétées par les membres que l’on retrouvera sur la tournée, dont la célèbre choriste Cindy Mizelle (que l’on a entendue et vue aux côtés de Bruce Springsteen notamment). Les américains devaient assurer une date au Zénith de Paris ce mois de Février. La date a été reportée au mois prochain. Vous les aurez donc vu le 11 Mars. The Lumineers se doit d’être vu en concert. Sans aucune hésitation, laissez-vous tenter par Brightside le côté lumineux de la force de The Lumineers.

“La Cavale” c’est le titre du nouvel album de Nolwenn Leroy, le huitième sorti il y a quelques semaines. Ces mois de confinements et de repli sur soi ont donné envie de liberté à la chanteuse, de savourer et d'exulter chaque moment de la vie, du quotidien aussi banal soit-il. Elle y crie donc son besoin de lâcher-prise et ses désirs de cavale, de légèreté sans oublier tout son engagement. Nolwenn Leroy est marraine de la fondation L’abbé Pierre. Tous ses espoirs et ses désirs ont été mis en parole par son ami Benjamin Biolay. Quelle belle alliance, la finesse de l’écriture de Biolay et l’élégance de l’interprétation de Nolwenn Leroy. Après quelques rencontres et de longues conversations, il a capté les messages que voulait faire passer la bretonne, aussi bien intimes que sociétaux. Biolay a donc écrit un texte magnifique et émouvant pour Marin, le fils de Nolwenn Leroy : “mon beau corsaire” et aussi “Occident”, avec des paroles engagées pour l’accès au logement. La chanteuse a écrit le dernier texte de l’album : “La Cavale” pour son ami le chanteur Christophe disparu il y a bientôt deux ans. Il s’agit d’un piano voix délicat et sensible qui contrebalance avec le reste de l’album assez éclectique. La cavale de la chanteuse nous emmène aussi dans une échappée belle entre “Brésil, Finistère” qui était le single annonciateur de ce nouvel album. Dans cette nouvelle production, la bretonne n’a pas fait de choix musicaux, il n’y a pas une trajectoire unique. Elle nous embarque dans une cavale musicale et nous fait vivre autant d’émotions que les 11 titres de l’album. On passe d’une ballade romantique à des rythmes disco plus flamboyants et même une electro subtile. L’album déroutera sûrement les fans de la première heure, mais “La Cavale” de Nolwenn Leroy, c’est ça, la liberté jusqu’au bout et avant tout.

C’est en 2016 que l’on a découvert la voix grave et si singulière de l’américaine originaire d’Italie LP, Laura Pergolizzi dans la vie. C’était avec le single “Lost on you”. L’album du même nom a rencontré un très beau succès en Europe mais la chanteuse en n’était pas à premier coup d’essai. LP avait déjà bien lancé sa carrière aux US puisqu’il s’agissait déjà de sa quatrième production. Depuis 2016, LP a sorti un EP “N’oublie pas” avec Mylène Farmer. La française a écrit les paroles, l’américaine a composé le morceau. Elle a aussi sorti un autre album en 2018. Fin 2021, c’est une sixième production qui est arrivée jusqu’à nos oreilles “Churches”. On découvre une pop à la fois douce et explosive qui évolue entre sensualité et séduction. LP est reconnue pour ses qualités d’écriture. D’ailleurs, plusieurs artistes lui ont fait appel, Cher par exemple, Christina Aguilera, Rihanna et aussi les Backstreet Boys. Dans ce nouvel album, LP dévoile à la fois pleinement et subtilement ses émotions les plus profondes. Sa maîtrise géniale de l’écriture lui permet de nous offrir plusieurs niveaux de lecture. Elle a mis dans ses textes tout son amour et toute sa rage. Il est question de son corps, de l’acceptation de soi et de son identité non binaire, du coming-out, des moments sombres dans une vie et de la quête de la paix avec soi-même. Les dernières paroles de l’album sont pour son corps et donnent les clés pour comprendre le titre de l’opus : “You’re my church”, lieu de réconfort et dans lequel elle peut désormais se sentir en sécurité. Musicalement, on passe de morceaux pop modernes à un style plus country. On y trouve des synthés, des guitares acoustiques. La chanteuse devait être sur scène à Pleyel ce mois de Mars en raison de la situation sanitaire, les dates ont été repoussées à Juin prochain.

C’est une toute jeune artiste que je vous propose de découvrir aujourd’hui, bien que l’on ne connaisse pas son âge, coquetterie de la chanteuse qui garde le secret. En tous cas, elle démarre dans le métier et vient de sortir son premier album. Elle s’appelle Fatima-Zahra Hafdi et vient de Longueuil près de Montréal. Elle est donc Québécoise. Sur scène, elle est La Zarra. Début Décembre 2021 est paru son premier album “Traitrise”. Depuis l’été dernier déjà, nos oreilles se sont familiarisées à sa voix singulière. C’est avec le titre “Tu t’en iras” qu’elle a commencé à nous séduire. Revenons à ce premier album qui nous ouvre les portes d’un style unique. “Traitrise” nous offre un condensé des influences musicales de la chanteuse, allant du hip-hop à la variété. La Zarra fait le grand écart entre la musique d’hier et celle d’aujourd'hui. Elle fusionne la chanson française classique à une touche pop urbaine, un brun electro, parfois plus hip-hop. C’est osé, mais c’est réussi. Son chant aussi est très classique. Sa voix dense, chaude et mélancolique et sa façon de rouler le R nous font penser à Edith Piaf. La Zarra est l’autrice de quasiment tous les textes de ce premier opus. On décèle une femme de caractère aux punchlines acerbes. Elle raconte ses histoires d’amour déçues, ses blessures et trahisons. Ce sont à la fois ses histoires et nos histoires. Elle nous emmène aussi dans notre moi intérieur pour nous mettre face à notre créativité exacerbée parfois, et face à l’inspiration disparue d’autres fois. Les 14 textes de Traîtrise sont un condensé d’émotions les plus fortes. La Zarra travaille sur ce disque depuis l’été 2019. Elle a beaucoup fait, refait et défait pour arriver au résultat final. La Zarra qui n’a pas encore donné de concert devrait monter pour la première fois sur une scène parisienne à la Mi Mars, à l’Etoile. Elle s’impatiente de partir en tournée en Europe, au Canada et aux US.

Après 20 ans d'existence, Kyo sort un nouvel album “La part du lion” qui renoue avec toute l’ADN de leurs débuts. Benoit Poher et ses copains s’étaient essayés à de nouvelles expériences musicales dans leur précédent album “Dans la peau” qui s’étaient révélées un peu hasardeuses et n’avaient pas permis au groupe de renouer fort avec ses fans. “La part du lion” fait la part belle aux influences les plus authentiques du groupe. On retrouve des inspirations venant de Muse, le rock grunge des années 90 qui sent bon Kurt Cobain et Nirvana. Cette nouvelle production dévoile un son rock plus organique. “La part du lion” est probablement l’album le plus rock du groupe. Kyo a revu ses méthodes d’écriture et de composition. Ils ont délaissé les ordinateurs et ont repris la guitare acoustique pour la composition de ces 12 nouveaux titres. “La part du lion” est conçu comme une mini-série. On découvre trois personnages : Margaux, Omar et Marlow. Ils sont les messagers et témoins de la société actuelle. Kyo avait beaucoup écrit sur l’amour, la séparation. Dans ce disque, le groupe s’attaque à d'autres sujets, plus sociétaux. Il est question de liberté mais aussi d’emprise, de violences policières, de violences faites aux femmes, des attentats du Bataclan, du petit quotidien sous nos fenêtres et dans nos appartements. Kyo a traversé deux décennies et parvient à faire évoluer ses textes. Le public, fan pendant ses années lycée, pourra se retrouver dans cette évolution, comme s’il avait grandi avec le groupe. Kyo va assurer une longue tournée jusqu’à la fin de l’année. Elle démarre dès ce mois de février et traversera toute la France si les jauges ne sont pas à nouveau réévaluées. On souhaite à Kyo de partager cet album en live. C’est sur scène que “La part du lion” prendra tout son sens.

Le dernier album du groupe de new-wave et de rock alternatif britannique Depeche Mode est sorti en 2017. Depuis le groupe s’est mis un peu en retrait. Alors, le leader de Depeche Mode, Dave Gahan, est allé rejoindre le groupe de remix Soulsavers, avec qui il avait déjà collaboré. Mi-Novembre 2021 est parue leur nouvelle collaboration avec l’album “Imposter”. Il s’agit d’un album de reprises emmené par la voix de Dave Gahan avec des textes de Neil Young, Bob Dylan, Nina Simone ou des artistes un peu moins connus comme Mark Lanegan. S’attaquer à des chansons immortalisées par des légendes, c’était audacieux. Dave Gahan relève ce défi avec un profond respect pour ces artistes. “Imposter” parle d’un homme pas toujours satisfait de ce qu’il a été, de ce qu’il a pu devenir mais qui s’attache à vivre le moment présent le plus sereinement possible. Ces textes, qui ne sont pas ceux de Dave Gahan, ont été minutieusement choisis pour dérouler sa propre vie. Par exemple, “Shut me down” évoque les proches qu’il a offensés dans son ancienne vie jalonnée par l’alcool et la drogue. “Imposter” retrace le parcours parfois chaotique de Dave Gahan. “Imposter” est un album délicat, bouleversant et authentique. Il a été enregistré il y a un peu plus de deux ans, avant la pandémie. Dave Gahan a énormément travaillé chaque chanson avant d’entrer en studio pour s’approprier les textes et trouver sa propre interprétation. Une fois acquises, elles ont été enregistrées comme une performance en seulement quelques prises. La jolie surprise de l’album, selon mes oreilles, c’est le titre “Smile” de Charlie Chaplin. Chaplin a écrit la musique pour le film “Les Temps Modernes” sorti en 1936, des paroles ont été ajoutées en 1954. Les artistes ont été nombreux à reprendre le morceau Diana Ross, Michael Jackson, Gregory Porter, jusqu’à Dave Gahan aujourd’hui. Le morceau est incroyable, donc fortement recommandé comme tout le reste de l’album !

En 2015, si vous regardiez The Voice, vous avez forcément vu Camille Lellouche puisqu’elle est allée jusqu’en demi-finale. Après cette expérience télé, elle s’est dirigée vers la comédie et a créé un one-woman-show qui l’a conduite sur toutes les scènes du pays. Elle a continué sa carrière au cinéma. Puis, elle est revenue à la télévision pour une pastille dans l’émission Quotidien. En 2020, on a redecouvert la voix de Camille Lellouche dans un duo poignant avec Grand Corps Malade “Mais je t’aime” présent sur l’album “Mesdames” du chanteur. Un texte qu’elle a écrit en seulement 40 minutes alors que ça ne se passait pas bien avec son ex.. des millions de vues sur Youtube, une victoire de la musique, la carrière de chanteuse de Camille Lellouche est lancée. Forte de ce succès, la chanteuse fait tomber la carapace et écrit son premier album “A” sorti fin 2021. Dans cette première production, l’artiste, qui s’est beaucoup cachée derrière son humour et une répartie implacable, lève le voile sur ses maux et sa vulnérabilité. Elle chante sa vie, ses échecs et ses épreuves. Elle raconte aussi les violences conjugales dont elle a été victime pendant deux ans. “A” n’est certes pas un disque joyeux mais il a été conçu tout en sincérité et authenticité. C’est par la musique que la chanteuse soigne son mal-être. “A” est enveloppé de sonorités R’n’B, soul et pop. Elle y chante et rappe avec une charge émotionnelle puissante. Pourquoi l’album s’intitule simplement “A” ? parce qu’il est question d’Amour. C’est aussi le A de l’Amitié, le A de Authentique, comme le titre du documentaire Canal + qui lui est consacré. Camille renouera avec la scène à la fin de l’année. On devrait assister à une nouvelle version de Camille Lellouche, Camille chanteuse sur scène, Camille au carré parfait, mais qui n’hésitera pas à envoyer quelques vannes de temps à autre. Elle sera à l’Olympia le 9 Novembre prochain.

Bruno Mars et Anderson .Paak forment le duo Silk Sonic. Les deux artistes travaillent ensemble depuis 2017. Anderson .Paak avait accompagné Bruno Mars sur sa tournée européenne. Leur rencontre a été comme un coup de foudre artistique. C’est en plaisantant qu’ils émettent l’idée de former un duo. Finalement, ils prennent ce projet au sérieux et se lancent. Et quelle formidable initiative ! Courant Novembre, ils ont sorti leur premier album “An Evening with Silk Sonic”. Pendant un petit peu plus de 30 minutes le duo nous offre une immersion dans la soul et la funk des années 70 au groove imparable. Silk Sonic nous avait dévoilé le titre “Leave the Door Open” il y a quelques mois. En un seul titre, ils affirmaient déjà leurs ambitions musicales et ce coup d'œil dans le rétro qui nous offre un voyage dans le temps. A peine sorti, le titre est devenu un hit. Leur travail artistique est archi-travaillé et soigné, rien n’est laissé au hasard. Dans cette première production, le duo s’offre de belles collaborations comme Bootsy Collins, a 70 ans il est un bassiste chanteur et compositeur avant-gardiste qui a eu une carrière brillante. Un autre bassiste de génie et plus contemporain compte parmi les collaborations remarquables de cet album, il s’agit de l’américain Thundercat. “An Evening with Silk Sonic” est un album chaleureux, immersif et enveloppant. Il est réussi. Le duo nous montre à quel point ils sont experts de cette décennie musicale. Ils parviennent à faire sonner les années 70 à la perfection, tout y est. On ressent leurs inspirations, leurs influences et les idoles qui les ont imprégnés. Alors si on doit mettre un bémol à ce disque de Silk Sonic c’est le manque de personnalité. On espère et attend maintenant une seconde production plus à leur image et qui marquera leur identité parce que la fusion de Bruno Mars et d’Anderson .Paak ça ne peut être que explosif. A l'évidence, en l’attendant, on ne boudera pas ce premier album “An Evening with Silk Sonic”.

Découverte d’un nouveau talent de la scène française, P R2B. Derrière ce nom de code se cache Pauline Rambeau de Baralon. Elle est auteure, compositrice, interprète et multi-instrumentiste. Elle est la nouvelle pépite de la scène française sur qui on va garder une oreille. P R2B vient de sortir son premier album “Rayons Gamma”. Je vous disais multi-instrumentiste dans sa description, mais l’artiste est aussi multi-talent, par ses multiples formations. Elle a appris la clarinette, elle est passée par les cours Florent, elle a ensuite été diplômée de la FEMIS, une prestigieuse école d'audiovisuel. Passionnée de musique, elle se concentre essentiellement sur cet art, mais parvient à y mêler tous ses talents. Pauline a sorti un premier EP “Des rêves” l’année dernière qui a été salué par la critique. Elle a aussi assuré quelques premières parties de la tournée de Clara Luciani. Dans “Rayons Gamma”, sa première production, il est question d’amour, de mouvement, des petits riens du quotidien, de révolte, d’espoir. Pauline nous emmène dans une visite de notre intérieur, de notre intime. Elle nous guide vers le lâcher-prise sur le dance-floor. Elle a commencé à l’écrire il y a deux ans. Il y a deux ans, c’était une autre vie. On ne connaissait pas encore le Covid. Et puis la crise sanitaire est venue percuter P R2B pendant sa phase de création. Elle a transformé cette période en richesse et a su en faire son allié. Musicalement, Pauline dégage une pop dense, chargée de synthé et d’instruments classiques comme la clarinette, le saxo et la trompette. C’est rythmé et dansant et puis parfois plus dépouillé et organique. Pauline a travaillé avec le producteur Tristan Salvati, collaborateur d’Angèle, Julien Doré, Louane et Clara Luciani. P R2B sera sur scène ce premier trimestre 2022 un peu partout en France, une belle occasion de découvrir ce jeune talent en live. Pauline donnera très certainement plusieurs dates dans les festivals de l’été prochain.

Béatrice Martin aka Cœur de Pirate s’est imposée sur la scène musicale française il y a maintenant 13 ans avec le titre “ Comme des enfants” devenus un énorme succès. Elle est de retour avec un sixième album “Impossible à aimer”. La sortie de ce disque a été repoussée de deux ans à cause de la pandémie d’une part, et aussi à cause d’un problème aux cordes vocales qui a tenu la chanteuse loin des micros pour se remettre d’une opération et se reposer. Après un album instrumental “Perséides” sorti au printemps dernier, pour assurer qu’elle était toujours là, et qu’elle faisait toujours de la musique, Cœur de Pirate est enfin de retour en chanson. On retrouve sa voix dans “Impossible à aimer”. Le titre de l’album fait référence à l’étiquette médiatique dont elle a souvent été affublée. Elle était régulièrement traiter de femme difficile à aimer. Ces commentaires l’ont souvent blessée et fait douter d'elle-même. Dans cette dizaine de nouveaux titres, elle se confie sur sa vie sentimentale et ses ruptures. Ce sont aussi toutes ces expériences qui l’ont amenée à rencontrer l’homme de sa vie aujourd’hui et avec qui elle s'apprête à avoir un second enfant. Bien que certaines expériences aient été déroutantes et l’ont amenées à se remettre en question, quand elle a rencontré la bonne personne il n’a pas été tout de suite évident de donner sa confiance. Pourtant l’amour s’est imposé. Elle a su trouver dans cette relation des rapports sains et de l’insouciance. Elle le raconte dans le titre “On s’aimera toujours”. Auteure des textes, Cœur de Pirate s’approprie un style plus direct. Elle laisse tomber la carapace et se dévoile intimement. Musicalement, l’album navigue entre plusieurs styles, quelques titres pianos voix sont entrecoupés de morceaux plus dansants, presque disco.

La chanson française s’offre une nouvelle recrue, sous l'œil bienveillant et l’oreille protectrice de Vianney. Elle a 26 ans et vient de sortir son premier album “Toujours des fleurs”. Elle s’appelle Janie. La Sarthoise est arrivée à Paris alors qu’elle n’avait que 19 ans. Elle chantait dans un duo féminin puis a rejoint la comédie musicale “Le rouge et le noir” mise en musique par Zazie. Janie est la contraction du prénom de son père disparu, Jany, et de son prénom, Julie. Janie s’était dévoilée en solo dès l’année dernière en nous séduisant avec son premier EP “Petite Blonde”. Dans cette première longue production, la chanteuse nous ouvre les portes de son univers rempli de douceur et de poésie. “Toujours des fleurs” est un journal intime où la jeune artiste se livre avec une sincérité pure. Les textes ont pourtant une réelle portée universelle. Elle touche à l’âme et au cœur parce que chacun peut s’y reconnaître. Il y a une sincérité et une singularité propres aux textes de Janie. Vous ne manquerez pas d’être saisi par le très beau titre “Mon idole” dont elle a écrit les paroles en hommage à son père. J’avoue avoir versé une petite larme. Le texte est simple et pourtant si puissant. La jeune chanteuse ne cache pas puiser son inspiration chez Véronique Sanson, France Gall ou encore Michel Berger. Musicalement, l’ensemble est assez dépouillé et organique. Quelques cordes et un piano soulignent avec délicatesse des mots et la voix cristalline et doucement éraillée de la chanteuse. Vianney, qui a pris Janie sous son aile, signe l’arrangement des cordes sur ce disque. Janie sera sur la scène du café de la danse à Paris en Mars prochain.

Imany a sorti son premier album il y a dix ans. Elle vient de sortir une troisième production “Voodoo Cello”. Celle qui avait pourtant annoncé vouloir arrêter la musique revient avec un chouette album de reprises de tubes incontournables de l’histoire de la pop. Plus que des reprises d’ailleurs, elle réinvente chaque morceau. Imany a choisi de ne s’entourer que de violoncelle. On ne retrouve donc que sa voix et un violoncelle, enfin… pas un violoncelle, un ensemble de huit violoncelles ! Il n’y a rien d’autre, pas le moindre artifice supplémentaire. Un joli challenge fixé par la chanteuse. Et le résultat ne manque pas de groove. Elle reprend un titre de Black, un autre de Madonna en passant par Cat Stevens et Radiohead, Donna Summer, Hozier. Ce sont 12 titres qui ont été réarrangés. Blasée par l’industrie de la musique, le business qui l’entoure, Imany a choisi de prendre en charge tout le processus de création de ce disque. Elle s’est occupée de l’enregistrement, des arrangements, et de diriger pour la première fois une formation de violoncellistes. Un projet ambitieux qu’elle relève haut la main. Elle nous offre un nouveau point d’écoute de morceaux légendaires et collectors que l’on connaît par cœur. Elle n’hésite pas à offrir de nouvelles tonalités ou à changer les tempos pour s’approprier chaque titre. D’origine Comorienne, Imany a repris le titre “Wild Word” de Cats Stevens en comorien. Aidée par sa mère, elle en change un peu le sens du propos. Dans le texte original, il est question d’une femme qui quitte son mari et qui le prend mal mais plutôt que de le reconnaitre, il lui dit “bonne chance dans ce monde de merde sans moi”. Un peu trop paternaliste à son goût, elle a, sans changer véritablement les mots, offert un nouveau sens au texte. Imany donne le rôle d’une mère au protagoniste. Elle s’adresse à sa fille et la prévient que le monde n’est pas facile, qu’elle lui souhaite bonne chance et que ses parents l’aiment. Imany offre une orchestration symphonique de grands standards qui prendront vraiment corps en live.

L’évènement rap de la rentrée 2021 après la sortie de “Donda” de Kanye West, c’est le sixième album de Drake “Certified Lover Boy”. La nouvelle production du rappeur canadien est comme celle de son comparse américain très dense et compte 21 nouveaux titres, ce qui représentent près d'une heure et demie d’écoute ! L’album a battu tous les records d’écoute le premier jour de sa sortie. Ce succès a conduit l’album à la première place des ventes tout style de musique confondu d’après le magazine Billboard. Il est resté deux semaines en tête. Drake est l’un des artistes les plus influents du rap game. Pourtant, on assiste depuis quelques albums à une certaine uniformisation de sa musique. “Certified Lover Boy” ne déroge pas à ce triste constat. L'album n'est pas très surprenant. On retrouve Drake là où on l’attend, entre rap et pop. Si ces 21 inédits sont efficaces, ils n’ont rien de très surprenants. C’est le gros reproche qui est fait à ce disque. Cette sensation de tourner en rond est aussi amenée par les textes et ces sujets qu’il abordait déjà dans son précédent album. Il évoque son fils, sa jeune paternité, son côté dragueur, sa solitude pesante et en même temps son indépendance sentimentale. Drake dépeint une certaine masculinité toxique. On a l’impression que le rappeur n’a plus rien à nous dire. Il nous sert toujours les mêmes atermoiements et manque cruellement de singularité. Le gros point fort de l’album est le carnet d’adresse de qualité de Drizzy ! Il s'est entouré de grands noms. Les artistes invités sont plus prestigieux les uns que les autres. Vous trouverez Jay-Z, Travis Scott, Young Thug, Kid Cudi, Lil Wayne, Rick Ross, et j’en passe. La pochette de l’album signée de l’artiste britannique Damien Hirst a aussi été beaucoup commentée. On y voit trois rangées de quatre femmes enceintes aux couleurs de peaux et de cheveux différents. Certains y voient une façon une allusion à la vie amoureuse débridée du rappeur. D’autres y voient une illustration du processus de création de ce disque, 9 mois pour en accoucher. Voilà ce qui peut être dit de “Certified Lover Boy” pas mauvais mais pas fantastique !

Sept ans après la parution de leur premier album, les Anglais du collectif Jungle, toujours emmené par Josh et Tom, sont de retour avec une troisième production “Loving in Stereo”. Conçu pendant ces mois de confinement, l’album regorge de ce qui nous a manqué ces derniers temps : de lâcher-prise et de liberté. La sortie du premier single “Keep Moving” au printemps dernier donnait déjà le ton festif de l’album. Faites de la place dans le salon, vous allez enclencher la bande-son parfaite pour danser et faire la fête. Jungle y concentre tous les meilleurs ingrédients pour une belle explosion d'énergie : des cordes, des cuivres, des basses envoûtantes et des chœurs haut perchés ensorcelants. “Loving in stereo” est plus spontané, mais surtout solaire et groovy. Le temps qui s’est étiré par les multiples confinements a donné à Jungle toute la liberté de faire la musique qu’ils avaient envie de faire, sans contrainte, sans pression. Leurs quatorze nouveaux titres se laissent influencer par des airs de soul 70’s, de disco et de funk. C’est à la fois lascif, langoureux, sensuel. Les adjectifs ne manquent pas pour décrire cet album - osons le dire - le meilleur des trois. “Loving in stereo” enchaîne des titres raffinés qui ne se ressemblent pas. Des mélodies accrocheuses jalonnent tout l’album et nous invitent constamment à rejoindre le dancefloor. On ne peut pas ne pas se balancer, taper du pied. “Loving in stereo” s'écoute par les oreilles et se vit dans le corps. Jungle balance des airs de fête pour nous parler d’amour, d’espoir et de positivisme. Après les mois que l’on vient d’éprouver, cette ode à la vie et à la fête ne peut que nous faire du bien. Les Anglais de Jungle seront au Zénith de Paris le 27 Janvier prochain. On a hâte qu’ils réchauffent notre hiver avec leur bande-son solaire et intemporelle.

En 2012, on découvrait Jake Bugg, le Britannique avait tout juste 18 ans. Acclamé par les critiques, on lui promettait un avenir brillant et on lui endossait déjà le rôle de jeune prodige de la scène folk rock anglaise. Le chanteur et guitariste fête les 10 ans de sa carrière musicale avec un cinquième album “Saturday Night, Sunday Morning”. Depuis sa troisième production, le public s’est un peu désengagé de la relation qu’il partageait avec Jake Bugg. Les ventes ont inexorablement chuté et ont conduit Jake Bugg à quitter sa maison de disques Virgin EMI. Désormais signé chez Sony, l’anglais prend un nouvelle direction musicale avec “Saturday Night, Sunday Morning” en s’orientant vers une pop rock accrocheuse et bien plus mainstream. Forcément, ce choix ne met pas toutes les critiques d’accord. Ça tombe bien parce que, finalement, il en faut pour tous les goûts ! Et lui, Jake Bugg, a pris un plaisir fou à faire ce disque. Il dégage de cette dizaine de titres une énergie incontestable. Loin de la folk de ses débuts, Jake Bugg s’offre quelques envolées funk et disco sur ce nouvel album. Et puis parfois, Jake Bugg nous fait la surprise de s’adoucir pour des pianos/voix minimalistes mais efficaces. “Saturday Night, Sunday Morning” nous fait revivre les hauts et les bas de nos week-ends, de l’euphorie à la dégringolade. Dans un monde où tout va bien, Jake Bugg sera sur la scène de la Cigale à Paris le Vendredi 15 avril 2022. De quoi concentrer en quelques heures les affres et les joies d’un week-end le temps d’un concert.

Au début des années 2010, l’actrice Cécile Cassel s’est fait connaître en tant que chanteuse sous le pseudo Hollysiz. Elle dévoilait un premier single “Come back to me” festif et ultra addictif. Son premier album sortait en 2013 et un second cinq ans plus tard. Début Mai, Hollysiz annonce son retour sur la scène musicale avec un troisième projet en dévoilant le single “Thank you all I’m fine”. La reine du dance floor a rallumé la piste de danse avec une pop toujours aussi rythmée et entêtante. Le clip qui l’accompagne est fabuleux. Hollysiz danse sur les toits de Paris avec à la fois légèreté et confiance. Ce morceau prône l’optimisme. On peut se relever de tout, les lendemains seront toujours meilleurs. Fin Août, la chanteuse blonde platine a enfin sorti son mini album “Thank you all I’m fine” de cinq titres dont un en français, une première pour Hollysiz. Elle dévoile une pop toujours aussi acidulée, fraîche, dansante et légère, idéale pour une rentrée vitaminée. L’essentiel de ces 5 titres est le propos et l’engagement féministe de la chanteuse. Hollysiz déconstruit les stéréotypes féminins et toutes les injonctions auxquelles nous devons faire face quotidiennement. C’est une ode à l'insoumission et à la rébellion. Elle ne manque pas d’évoquer les violences faites aux femmes. Un EP plutôt qu’un LP ? C’est concis, intense et ramassé, mais un choix assumé par Hollysiz qui a voulu concentrer son travail. C’est court peut-être mais elle assure vouloir revenir plus souvent. Et ça, ce n’est pas pour nous déplaire.

Juillet dernier est sorti un album dont je ne vous ai pas encore parlé ! C’est un album idéal pour repartir en vacances, pour retrouver le soleil qui vous dore doucement la peau, l’été indien c’est avec Twin Shadow, il s’agit du cinquième opus de l’américain Twin Shadow. Le chanteur musicien qui officie depuis le début des années 2010, nous déroule une dizaine de titres groovy et résolument rétro où se mêle reggae, funk et rock. Il nous baigne dans une pop soft marquée par les années 80. Cet album éponyme révèle rapidement son ambiance feel-good. Les arrangements sont lumineux. La basse est enveloppante. C’est à la fois solaire et doucement festif. L’ex de Zoe Kravitz (fille de Lenny) a enregistré cet opus sur ses terres natales en République Dominicaine. Ce retour aux racines a eu le pouvoir d’apaiser George Lewis, le vrai nom de Twin Shadow. Pour écrire et composer, il a eu besoin de prendre de la distance avec les US, ce grand pays qui vit dans l’agitation, souvent tourmenté par les médias, les élections, l’ancien président Trump. George Lewis avait simplement besoin de calme. En retournant à la maison, à ses origines, le chanteur est parvenu à se délester de ses angoisses personnelles dans ses textes. Cet album éponyme de Twin Shadow se révèle être un doux antidépresseur à la morosité ambiante.

Être "fils de" n’est pas une mince affaire, tant on doit sentir un poids, une pression sur les épaules. Alors quand en plus on décide de faire le même métier que son père et que celui s’appelle Paul Hewson, autrement dit Bono, on a le monde entier de la musique qui nous attend et veut nous entendre. Elijah Hewson est à la tête du groupe Inhaler qui vient de sortir son premier album. Forcément, notre curiosité nous presse d’aller écouter ce disque intitulé “It Won’t always be like this”. Le quatuor s’est formé en 2012 pendant les années lycées. Ils ont mis presque dix ans pour se forger une identité, un style propre. Ces dernières années plusieurs singles sont parus. La filiation de Elijah a permis au groupe de tourner dans le monde entier avant même d’avoir sorti un album. Inhaler s’est offert une première partie d’un concert de Noel Gallagher. L’album aurait dû sortir l’année dernière. La crise sanitaire a tout repoussé. Depuis quelques semaines on peut enfin entendre “It won’t always be like this”. Cette première production concentre tout le travail et l’énergie déployés ces dernières années par le groupe pour se démarquer. Les Irlandais de Inhaler dévoilent une pop rock efficace, un brin mélancolique. Elijah Hewson est au chant, sa voix ressemble souvent à celle de son père, c’est parfois même déroutant. Le groupe possède un son authentique mais quand même bien imprégné des influences familiales. Malgré tout, on se laisse embarquer par des mélodies accrocheuses. Dans le propos, on est moins convaincu par les textes mièvres qui relatent des amours d’ado. Ce premier coup d’essai de Inhaler offre quand même de belles surprises. Inhaler a tout pour réussir et s’imposer sur la scène musicale. On souhaite à Elijah au moins la même réussite que son père !

Courant Juin, la nouvelle étoile montante de la chanson française, référence aussi à son pseudo ("hoshi" signifie étoile en japonais) Hoshi a sorti une réédition de son second album “Sommeil Levant”. Cette réédition a donné un nouveau nom à l’album désormais intitulé “Étoile Flippante”. Et il faut dire que c’est presque une nouveauté ce disque puisque près de la moitié des titres sont inédits, 13 morceaux sont tout neuf. En quelques semaines seulement, l’album a été certifié disque d’or. La chanteuse de 24 ans dévoile des textes puissants et libérateurs. Elle les a tous signés. Après un album sorti en période de confinement et sans tournée pour le défendre, Hoshi partage ses émotions ressentis ces derniers mois. Ça va du repli sur soi aux propos misogynes à son égard. Elle développe malgré tout beaucoup d’optimisme dans ses textes. Il est question d’amour, d’amour universel, de tolérance, de pardon et de résilience. Hoshi s’offre de belles collaborations avec Corine, la reine du disco, Five, jeune talent rap et le confirmé et adoré Benjamin Biolay. “Pleurs de fumoir” le duo qu’ils partagent se révèle être un beau succès. Et au milieu de ces collaborations, il y également ce duo marquant avec Babouchka, de qui s’agit-il ? Et bien de sa grand-mère. “Mieux avant” est un duo merveilleux où elles abordent les différences et les écarts entre générations. “Étoile Flippante” est un album marqué, engagé, et très poétique où la guitare prend un peu plus de place encore.

Voici l’un des jeunes espoirs féminins de la musique, elle s’appelle Carla de Coignac et a 22 ans. Signée il y a seulement quelques mois chez Polydor, elle a sorti son premier EP éponyme fin Juin, un album devrait voir le jour d’ici la fin de l’année. Carla de Coignac est une artiste complète auteure, compositrice et interprète. Retour en 2017, Carla participe à La Nouvelle Star saison 13 mais échoue le soir de la demi-finale. Ce soir-là, alors que Benjamin Biolay lui dit qu’elle est une véritable artiste, sa carrière démarre. Repérée par Louane, elle assure quelques premières parties de sa tournée. C’est sur l’une des dates, qu’elle propose à la chanteuse des textes qu’elle a écrits. Louane en choisit 2. Finalement, sur l’album “Joie de vivre” ce sont 5 textes de Carla de Coignac que l’on retrouve. L’écriture est une véritable psychanalyse pour la jeune artiste qui aime cet exercice depuis l’enfance. Elle a partagé l’amour des mots avec son père. Lycéenne, elle glissait des poèmes dans les casiers pour les faire circuler. Après cette belle expérience avec Louane, la jeune femme lance sa carrière solo. Dans son premier EP sorti il y a quelques semaines, on découvre 5 titres à la plume délicate, faussement simples, mais tellement évidents. Avec sa voix pure, parfois cassée, elle raconte sa vie, ses ressenties, son vécu. Cet EP est une plongée dans l’intimité de la chanteuse. C’est un voile qui se lève sur une jeune femme qui a toutes les qualités pour aller loin. Musicalement, c’est pop, frais et coloré. Sa pop résonne sur des airs de soul et de reggae. En attendant, le premier album de Carla de Coignac, on vous recommande ce premier EP sincère et plein d’espoir.

Taylor Swift vient de sortir un nouvel album. En moins d’un an il s’agit de son troisième opus. Cet album c’est “Fearless”. Si vous connaissez bien l’artiste, vous devez être surpris qu’elle lui donne le même titre que sa deuxième production sortie en 2008 alors qu’elle n’avait que 19 ans. C’est le disque qui a fait basculer sa carrière et l’a propulsée sur la scène internationale. Il y a une subtilité, la mention derrière ce titre (Taylor’s version). Kézako ? Ce nouvel album est bien note pour note, tempo pour tempo identique à celui de 2008, une version ré-enregistrée en tout point équivalent. Seule la voix de la chanteuse qui a mûri apporte un subtil changement. Pourquoi l’américaine propose ce réenregistrement alors ? Au départ, il s’agit d’un problème financier et de propriété. En 2019, l’acquisition du label, avec qui elle travaillait, par un entrepreneur américain la dépossède de tous ses droits sur ses six premiers albums. Elle n’est plus la propriétaire de ses masters ni des enregistrements originaux. En gros, les titres ne lui appartiennent plus. Pire encore, c’est le label qui touchait les droits, donc les rentrées financières, de chaque diffusion ou de chaque stream de ces six premiers albums. Taylor Swift ne s’est pas laissée faire. Elle a entamé un long bras de fer avec le label, un bras de fer qu’elle a médiatisé. Elle s’est bagarrée de toutes ses forces pour retrouver ses droits sur sa propre musique. En vain. Elle a donc décidé de réenregistrer ses six premiers albums. “Fearless” (Taylor’s version) n’est que le premier de tous les réenregistrements. En réenregistrant ses albums, elle espère que ses fans écouteront ces nouvelles versions. Ainsi les “Taylor’s Version” remontront plus facilement et les anciennes versions se verront perdues dans les tréfonds d’internet. Le coup semble bien joué puisqu’en quelques jours l’album a battu des records et a pris la tête des charts américains et britanniques.

Marion Brunetto est à la tête du projet musical Requin Chagrin depuis 2014. Elle a déjà sorti deux albums : “Requin Chagrin” en 2016 puis “Sémaphore” en 2019. Elle est de retour depuis quelques semaines avec une troisième production “Bye bye baby”. Marion Brunetto est une multi-instrumentiste, elle joue chaque instrument de ses albums, synthé, guitare, basse… Avant de se faire connaître, elle a d’abord publié ses premiers morceaux et des reprises sur la toile. C’est là qu’elle est repérée par le label La Souterraine qui lui offre ensuite la possibilité de sortir son premier album. En Décembre 2016, le groupe de Marion Brunetto monte sur la scène des Transmusicales de Rennes où un certain Nicola Sirkis vient les voir. Sous le charme, Requin Chagrin sera le premier groupe qu’il signera sous son label KMS qui voit le jour en 2017. Marion ne cache d’ailleurs pas son admiration pour le pilier d’Indochine et toute l’influence qu’il a sur sa propre musique. C’est donc le deuxième album de Requin Chagrin qui sort sous le label de Nicola Sirkis. “Bye bye baby” c’est un album du premier confinement. Les dix textes qui le composent ont été écrits sur le rebord de la fenêtre de l’appartement parisien de Marion. Un contexte peu ordinaire, qui l’a poussée à regarder dehors, à surveiller les étoiles, à s’évader vers de nouveaux cosmos. Elle a aussi pris le temps de l’introspection et d’observer les autres. La pochette de l’album, une illustration sublime de Guy Billout, est une invitation à s'arrêter pour regarder, admirer, contempler jusqu'à la lune et aux étoiles. C’est une pause dans un nouveau départ, une nouvelle aventure. À ses textes mélancoliques et nostalgiques, Requin Chagrin déploie une musique plus affinée. Les synthés et les guitares gagnent en maturité. Requin Chagrin nous embarque avec une dream pop ajustée de quelques réverb rock, de sonorités 60’s et 80’s. On quitte la surf music qui a jalonné les deux premiers albums de Requin Chagrin pour un style plus vaporeux et lumineux, mais aussi paradoxalement assez mélancolique. Pour accompagner la sortie de cette nouvelle production, Requin Chagrin sera sur la scène de La Maroquinerie à Paris en Octobre prochain si tout va bien.

Les youtubeurs s'offrent aussi un peu de l’ancien monde ! Squeezie a été le premier youtubeur français à sortir un album il y a quelques mois. C’est autour de Lola Dubini aujourd’hui, la youtubeuse que l’on a découverte dans l’émission “un incroyable talent” de sortir son premier album. “Je te le dis” est dispo depuis quelques semaines. Depuis sa participation à l’émission en 2015, la chanteuse a développé sa chaîne youtube, a participé à la comédie musicale “Ado”, a monté son spectacle “C’est pas que d’la musique”. A 27 ans, Lola Dubini collectionne plus de 500 000 abonnés sur YouTube et réalise enfin son plus grand rêve avec la sortie de ce premier disque. On y découvre 14 titres d’une pop folk joyeuse et lumineuse. C’est de la chanson française qui n’a pas à rougir. C’est léger et rempli de fraîcheur. C’est à l’image de la pétillante Lola. Elle a écrit les textes. On en découvre un peu plus sur la jeune femme. Elle se dévoile comme elle le l’avait encore jamais fait jusqu’ici. Elle évoque sans détours ses histoires sans lendemain. Elle raconte avec beaucoup de tendresse sa relation pas toujours facile avec son père. Elle dévoile aussi son histoire la plus intime, la plus blessante ; le harcèlement scolaire dont elle a été victime. Lola Dubini pose des mots sur les complexes nés dans les mots et les regards des autres, ce qu’elle a dû entendre et supporter. Elle écrit ce qu’elle a vécu jusqu’ici, 27 ans de sa vie. Des hauts, des bas, mais en 2021, on peut le dire, beaucoup de réussite et d'accomplissement. Lola Dubini s’offre de belles collaborations pour ce premier album. A ses côtés, on retrouve Joyce Jonathan avec qui elle partage un titre engagé et féministe. Il y a aussi Boulevard des airs et Patrick Fiori ainsi que l’américain Matt Simons. “Je te le dis”, c’est le premier album de Lola Dubini.

Il y a 10 ans, Lana Del Rey faisait sensation avec son titre “Video Games” extrait de son premier album. Sa carrière explose, et le succès est au rendez-vous immédiatement. En 2019, Lana Del Rey sort “Norman Fuckin Rockwell”, son sixième opus considéré comme l’un des chefs-d'œuvre de sa carrière. Le jour de la parution de cet album, elle annonce aussi être déjà en train de travailler sur un prochain projet. Ce disque qui aurait dû paraître l’année dernière, vient enfin de voir le jour. Il s’agit de “Chemtrails over the country club”. Dans cette nouvelle production l’américaine évoque la célébrité et les dégâts que cela peut engendrer dans des textes subtiles et poétiques. Elle déclare aussi tout son amour à l’Amérique, son pays et tout ce qu’elle déteste de cette grande nation. Lana Del Rey est une autrice et compositrice hors-pair. Elle réalise une nouvelle fois un travail musical minutieux qui valorise tout son talent. Le glamour enveloppe les onze nouveaux titres très organiques de ce disque aux harmonies d’une rare élégance. La musique dépouillée de Lana Del Rey laisse une immense place à la voix, sa voix torride, chaleureuse et enveloppante. Musicalement, l’américaine explore des sonorités folk qu’on avait peu entendues jusqu’ici dans son répertoire. Des percussions douces et légères soulignent l’esthétique minimaliste de sa musique. Si la chanteuse explore une folk langoureuse, il n’empêche que l’on se laisse quand même surprendre par de jolies ballades aux accents country et quelques cuivres jazzy. L’album se conclut par une sublime reprise du titre “For free” de Joni Mitchell, un bijou de délicatesse. Si vous aimez collectionner, les albums, les disques, les vinyles plutôt que les playlists de stream, Lana Del Rey propose une version vinyle collector de “Chemtrails over the country club”. Le vinyle est rouge, il est sublime. Lana Del Rey promet un autre album pour la fin de l’année. Il s’agirait d’un recueil de poèmes personnels.

Le groupe de rock psyché fondé à Biarritz en 2010 par l’inconditionnel binôme Sacha Got et Marlon Magnée, La Femme, est de retour avec un troisième album “Paradigmes”. Souvenez vous, ce sont les Transmusicales de Rennes qui ont révélé le groupe il y a 10 ans. Ce soir de Décembre 2011, le public se pressait pour s’agglutiner dans un petit bar du quartier Sainte Anne pour découvrir le groupe dont tout le monde parlait. Ils ont tout de suite conquis et séduit leur auditoire, s'ensuit un premier album, puis un second, chacun sacré disque d'or. La Femme reçoit une Victoire de la musique en 2014, celle de la révélation de l’année. En 2016, ils assurent quelques premières parties de la tournée européenne des Red Hot. En seulement deux albums, le groupe s’impose comme le nouveau pilier de la scène rock psyché française. C’est aussi grâce à La Femme que l’on a découvert Clara Luciani. Elle a chanté sur leur premier album avant de lancer sa carrière solo. Clara Luciani retrouve ses copains pour ce nouveau projet. Elle pose sa voix sur le titre “Paradigme” aux côtés d’Alma Jodorowsky et Ariane Gaudeaux. La Femme s’est mis en pause cinq ans. Les deux leaders ont mené chacun leur projet, l’un en Espagne, l’autre aux États-Unis, et puis il a été temps de se retrouver, de se remettre au travail. Cinq ans après “Mystère”, le groupe dévoile enfin sa nouvelle production “Paradigmes”. On découvre 15 titres d’un rock planant ou se mêlent cuivres, notes électros et quelques élans lyriques. Le rock de la Femme est toujours imprégné de quelques effervescences rocks des années 60/70. Le groupe nous embarque dans un monde fantastique et féérique. On est emmené par la voix d’une créature à la fois vampirique et enchanteresse. Les textes nous racontent le monde incertain dans lequel on vit. Ils sont carrément ancrés dans notre époque, alors que les textes ont été écrits bien avant la pandémie mondiale. A l’image du titre “ Foutre le bordel”, La Femme est prêt à faire bouillonner les salles de concert dès la réouverture.

Trois ans après son premier album “Cure”, Eddy De Pretto est devenu l’un des chanteurs les plus emblématiques de sa génération. Ce premier coup d’essai a reçu un joli succès, 300 000 ventes et quatre nominations aux Victoires de la Musique. L’aventure a démarré tout de suite très fort pour De Pretto. Le cristolien (originaire de Créteil) vient de sortir un nouveau disque “À tous les bâtards”. Il contient 16 titres dans lesquels De Pretto se livre toujours autant. Il aborde l’homosexualité, la masculinité, la drogue, les différences et sa relation avec sa mère. Des sujets qui étaient déjà centraux dans l’album “Cure” mais qu’il revisite sous un nouvel angle. En 3 ans, le chemin de l’acceptation de soi parcouru par l’artiste est immense. On peut le dire, De Pretto s’assume totalement depuis la parution de son premier album, alors forcément évoquer ces sujets aujourd’hui prend un nouveau sens, et ouvre de nouvelles perspectives. “À tous les bâtards” est un disque aux textes inclusifs et fédérateurs. Ils invitent chacun et sa différence à se rassembler et à créer une nouvelle unité. Ses textes coups de poings et son franc-parler sont contrebalancés par des mélodies entraînantes, douces et légères. Mais derrière ces mélodies exaltantes, Eddy De Pretto ne cache pas son envie de bousculer, de questionner, de sensibiliser, de lever des a priori et de faire accepter les différences de chacun. Vous découvrirez dans cet album des morceaux soul, des rythmes hip-hop, une pop lumineuse et surtout un son plus organique et authentique. Ce disque on l’aime et on l’a aimé dès la sortie du premier single “Bateaux-Mouches” Eddy De Pretto y raconte sa propre histoire. Le texte décrit toutes ces années qu’il a passées sur les scènes des Bateaux Mouches à chanter des reprises devant des touristes. Une expérience qui lui a donné le goût de la scène et qui l’a mis au contact du public. Le public que De Pretto espère retrouver à la fin de l’année.

Depuis plus de 20 ans on suit les aventures musicales de la famille Followill. Trois frères et un cousin sont à la tête du groupe Kings of Leon. Le nom du groupe provient du père et du grand-père appelés tous les deux Leon. Le groupe originaire de Nashville dans le Tennessee a explosé en 2008 avec la sortie de leur quatrième album “Only be the night” qui contenait le titre désormais incontournable “Sex on fire”. Le groupe vient de sortir un nouvel album “When you see yourself”. Il s’agit de leur huitième opus, certainement pas le plus débordant d’énergie. “When you see yourself” est un disque bien plus charmant et captivant, Kings of Leon s’y montre plus joyeux aussi. La famille Followill décoche quand même quelques bons riffs de guitares, il y a une basse généreuse et des instruments surprises comme un orgue qui s’invitent tout au long de cette nouvelle production. Dans le texte il est question de changement climatiques, du vieillissement, d’introspection, il y a aussi quelques lettres d’amour qui parsèment les 11 titres de “When you see yourself”. La nouveauté qui accompagne la sortie de ce disque c’est sa disponibilité sous le format NFT. C’est un moyen cryptographique de vendre de la musique ou même de l’art en ligne. Trois types de jetons cryphto sont disponibles : un album spécial, des accès VIP aux concerts avec taxi, place au premier rang inclus et de l’art audiovisuel exclusif. Ce contenu est disponible via la plateforme YellowHeart. Le but est de mieux rémunérer les artistes, ça s’assimile clairement à un acte militant pour plus d’équité. Le groupe prévoit des concerts en livestream puis une grande tournée internationale à partir de 2022.

L’été 2020 a été marqué par la sortie de l’album “Women in Music Pt III” le troisième album de Haim. On avait aimé la légèreté dans laquelle baignait la musique des trois sœurs californiennes et les influences nombreuses qui s'étalaient dans l’opus. C’est vrai, on passait de ballades rock 70’s, à des hits electro-pop et puis quelques douceurs plus folk. On a aimé l’audace musicale des trois frangines qui venait contrecarrer des propos intimes bien plus lourds. On a aimé la simplicité avec laquelle elles racontent le pire, leur intimité, leurs souffrances, leurs doutes, leurs frustrations. Chacune à partager une expérience personnelle pouvant être traumatisante. Il était question de disparition, des difficultés à vivre avec une maladie, de dépression, de sexisme. Pour tout ça l’album des frangines de Haim était l’un des albums qu’on a le plus aimé l’année dernière. Et si je vous en reparle aujourd’hui c’est parce qu’une édition Deluxe de “Women in music Pt. III” est disponible et à l’intérieur on trouve une collaboration avec Taylor Swift. Danielle, Este et Alana avaient collaboré avec la reine de la folk sur son dernier album. L’invitation a été renvoyée, on retrouve donc Taylor Swift sur le titre “Gasoline” et cette nouvelle version est un petit bijou. Haim revisite aussi le titre “3 am” avec le chanteur Thundercat. Cette version upgradée de l’album nous offre également trois nouvelles chansons qui au départ n’étaient pas sur l’album mais que le public connaissait déjà, parce que interprétées régulièrement sur scène. Pour une bonne nouvelle, on en a aussi une mauvaise… Hélas ! Les dates que les frangines avaient calées dans les festivals français cet été sont reportées sans plus d’info aujourd’hui. Mais à l’évidence, il faut s’attendre à voir les frangines dans l’hexagone à l’été 2022. Et ça sera immanquable !

Le groupe franco-britannique François and the Atlas Mountains vient de sortir son septième album “Banane Bleue”. Depuis 10 ans, François Marry, le leader et chanteur du groupe est maqué avec le label Domino Records. D'ailleurs, il est le seul français signé sur ce label anglais. Fránçois and the Atlas Mountains nous embarque avec sa pop baladeuse au tempo ralenti. C’est un retour aux sources, à l’indie pop des débuts. “Banane Bleue” a été enregistré un peu partout en Europe, de Berlin à Athène en passant par Paris, Helsinki et Londres et aussi à Nogent sur Marne dans un lieu qui accueille à la fois un Ephad et une résidence d’artiste. Toute cette odyssée a été possible parce que c’était en 2019, une période où le connaissait pas encore LA COVID !! L’enregistrement s’est achevé en Décembre 2019. Pendant le confinement du printemps 2020, l’album a été mixé. Ce titre “Banane Bleue” assez énigmatique fait référence à la banane bleue qui symbolise en géographie l’hyper densité urbaine européenne de Londres à Milan. Selon François Marry, cette vue de l’Europe témoigne d’un écrin de douceur, de romantisme, d’inspiration pour les artistes, c’est un zone propice à la création et aux artistes. Le chanteur s’est délesté de ses musiciens Atlas Mountains pour nous offrir une musique plus aérée, moins chargée. Il a beaucoup travaillé avec le finlandais Jaako Eino Kalevi. C’est cette collaboration qui rend la musique de Fránçois and the Atlas Mountains si minimaliste et contemplative. Dans les dix textes, il est question d’errances, de voyages, de fugues. C’est une belle fuite en avant, prometteuse pour ces nouvelles semaines printanières.

“Palais d’Argile” c’est le troisième album de Feu! Chatterton. Le quintet parisien fait sensation sur la scène rock depuis le début des années 2010. Feu! Chatterton glisse dans cette nouvelle production une pointe d’electro dans son rock, un twist qui galvanise un peu plus leur style si singulier. Pour ajuster ce cap electro, le groupe a demandé à Arnaud Rebotini d’assurer la réalisation et la production. Arnaud est un musicien et compositeur de musique electro. Il est l’un des fondateurs du groupe Blake Strobe. Il y a 3 ans, il a reçu le César de la Meilleure Musique Originale pour le film “120 battements par minute”. Cette rencontre entre le rock et l’electro sonne comme une rencontre entre du vintage et du moderne. Chaque style trouve sa place et l’ensemble forme une belle harmonie. Arnaud Rebotini apporte ses synthés et ses machines en réponse aux guitares de Feu! Chatterton. “Palais d’Argile” gagne en vigueur, c’est rythmé, parfois même dansant. Cette énergie permet de ne pas plomber l’ambiance, parce que les textes sublimes sont plus sombres. Si la musique prend une nouvelle orientation, Feu! Chatterton reste fidèle à ses textes toujours si poétiques. Arthur Teboul et sa bande nous embarquent dans un nouveau monde, pas idéal, les textes sont empreints de nostalgie et de l’angoisse ambiante. Ils rapportent les conséquences des réseaux sociaux sur nos vies. L’album est aussi politique et dénonce l’homme providentiel chahuté par les révoltes populaires. “Palais d’Argile” a été enregistré dans les studios ICP de Bruxelles, l’un des studios les plus prisés au monde et qui a vu passer Johnny Hallyday, Indochine, Bashung, Christophe et bien d’autres. Une expérience qui a préparé et galvanisé le groupe à faire tourner ces 13 nouveaux morceaux sur scène. Un objectif en ligne de mire pour Feu! qui ne veut pas tomber dans l’apathie. Le groupe sera là quand les salles rouvriront et nous on sera dans la salle !

Django Django est un groupe de pop rock électro britannique qui officie depuis bientôt une dizaine d'années. Ils ont sorti il y a quelques semaines “Glowing in the Dark”. Un disque qui a l’humble ambition de ramener un peu de joie et de positif dans nos vies. En ces temps maussades, ça ne se refuse pas ! Cette nouvelle production s’est pourtant terminée avant l’arrivée de la pandémie mondiale. Ce n’est donc pas la Covid 19 qui a été à l’origine de l’inspiration des textes de cet album. C’est l’ambiance délétère causée par les différentes oppositions face aux Brexit, auquel le groupe s’est farouchement opposé, qui les a inspirés. Avec “Glowing in the dark” Django Django veut dire que des jours meilleurs sont possibles et qu’ils vont arriver. En attendant ces jours meilleurs, on a le droit de s’échapper, de rêver notamment grâce à l’art et la musique. C’est de tout cet optimisme et ce positivisme qu’est imprégné le nouvel album de Django Django. Le quatuor continue de proposer de nouvelles expérimentations musicales. Django Django revient avec un album audacieux et excentrique associant à merveille son pop et synthétique. L’album est aussi teinté de quelques sonorités plus orientales. Le groupe a invité Charlotte Gainsbourg, avec qui ils partagent le même label. On retrouve la frenchie sur “Waking up”. Avec un titre comme “Glowing in the dark” qui signifie brillant dans le noir, comme une lumière au bout du tunnel, on peut s’autoriser de rêver et de voir bientôt, peut-être, sûrement le groupe sur scène. Il y a dans ces 13 nouveaux morceaux suffisamment d’énergie pour emballer une salle de concert pleine à craquer !

“Hi” c’est le titre du nouvel album de Texas, le dixième du groupe qui fête aussi ses 30 ans. La chanteuse, auteure compositrice et musicienne Sharleen Spiteri est toujours à la tête du groupe écossais. Elle a écrit son premier succès “i don’t want a lover” à l’âge de 17 ans. En 30 ans de carrière, Texas a sorti beaucoup de titres et en a aussi mis pas mal de côté. C’est dans ces “mis de côté”, ces archives qu’est né “Hi”. À l’origine, “Hi” devait être un best of et puis en fouillant dans ce qu’ils avaient écrit et composé il y a quelques années en arrière, Sharleen Spiteri et Johnny McElhone, le bassiste et auteur compositeur de Texas, sont retombés sur des morceaux écartés, des titres qui auraient dû apparaître sur l’album “White on blonde” sorti en 1997. Ils ont eu l’envie de les reprendre, de les réenregistrer, de les réinvestir. Ce qui donne par exemple “Mr Haze” sur lequel ils ont ajouté un sample de Donna Summer. Toutes ces réécoutes les ont nourris et inspirés pour écrire un nouvel album et “Hi” est arrivé. Dans “Hi” il y aussi “Hi”, le titre que Texas partage avec leur rappeur du Wu-Tang Clan. Quand l’album a été prêt en Février 2019, pile pour les 30 ans du groupe, et qu’il devait sortir, Sharleen Spiteri perd sa mère, une semaine après c’est le confinement. Le groupe décide de prendre le temps, c’est pour tout ça qu’il n’a vu le jour que fin Mai de cette année, au moment où la vie a pu reprendre. “Hi” est un album à la pop rock toujours aussi lumineuse. Ambiance groovy et élégante sont au programme de cette nouvelle production. Ce n’est pas surprenant, mais c’est Texas comme on aime. Et surtout on prend toujours autant de plaisir à retrouver la voix chaleureuse et emblématique de Texas, celle de Sharleen Spiteri. Texas devait être en tournée à l’automne, finalement les dates ont été repoussées à 2022.

Olivia Merilahti, chanteuse et musicienne franco-finlandaise est la moitié de The Dø, le duo qu’elle forme avec Dan Levy. Elle prend quelques libertés en solo, une simple parenthèse et quelle bonne idée ! Elle vient de sortir son premier album sous le pseudo Prudence. Il s’agit de "Beginnings". Elle a pris ce pseudo pour se plonger dans un autre monde, proche de la science-fiction. Un stratagème pour sortir de son quotidien. Prudence est le nom qu’elle donne à l'héroïne futuriste qu’elle endosse. L’artiste travaille sur ce projet depuis plusieurs mois. Il y a un an, elle annonçait ses intentions avec deux premiers titres, l’un en anglais et l’autre en français “Offenses”. Ecrire en français n’a pas été une démarche si évidente pour l’autrice de ses textes, même si elle en a envie depuis longtemps. Elle y travaille de plus en plus. D’ailleurs la part des textes dans la langue de Molière est vouée à être plus large. Mais, pour Prudence, le français est plus difficile à faire sonner que l’anglais. La langue de Shakespeare lui permet de mettre plus de distance avec les mots. C’est aussi la pudeur qui la retient d’écrire dans sa langue maternelle. Pour écrire, Prudence s’inspire des histoires des autres, de ce qui fait notre monde d’aujourd’hui. Il est question d’amour, de liberté, de féminisme, d’émancipation. Elle s'octroie un aparté dans le titre “City on fire” qui évoque les attentats de Novembre 2015. Ce soir-là, elle était sur scène à l’Olympia avec The Dø. Musicalement, Prudence s’éloigne de ce qu’elle fait avec The Dø. Elle navigue entre synth pop magnétique et musique electro. Ses inspirations américaines de R’n’b se font aussi sentir. Parmi les artistes qui ont assuré avec elle la production de cet album, on retrouve Xavier de Justice. Prudence devrait assurer quelques festivals cet été et donner une dizaine de dates dans toute la France à partir de la rentrée. “Beginnings”, le premier projet solo de Olivia Merilahti aka Prudence prendra alors tout son sens.

C’est le nouvel EP d’une ancienne révélation RIFFX qui a accroché mes oreilles. Il s’agit du duo Lillois haut en couleur Dimanche. Noémie Alazard et Ulysse Thevenon ont gagné nos cœurs et nos oreilles en 2019. Depuis ils ont fait un bout de chemin avec leur pop estivale, malicieuse et lumineuse et s’intègre parfaitement à la nouvelle scène musicale française. D’abord, ils ont dû traverser 2020, ce qui n'était pas une mince affaire alors qu’ils venaient de se lancer. Durant cette année de confinement, ils ont su ne pas se faire oublier. Ils se sont même rendu quasi indispensable. Ils ont abreuvé leur public de reprises de titres connus, de tubes, de chansons de Disney en leur apportant une touche pop ASMR étonnante. Ils ont aussi alimenté généreusement leur chaîne Youtube pendant toute cette période. Ils se sont connectés avec leur public en devenant des jukeboxes vivants et reprenant les titres demandés par leurs spectateurs. Une manière de créer un lien fort avec leurs auditeurs. Dimanche vient de sortir un nouvel EP rafraîchissant “Grenadine”. Le duo solaire et coloré distille une chill pop urbaine sentimentale. Noémie est au chant et n’hésite pas à user et abuser de l’auto-tune. Dimanche c’est une pop dans l’air du temps, qui va gagner nos cœurs par sa simplicité et son efficacité. “Grenadine” c’est 4 titres que l’on connaissait déjà et avec lesquels le duo nous avait déjà convaincus, c’est aussi 4 inédits, tour à tour planants, dansants et mélancoliques. Dans les textes, il est question d’amour et de solitude Dimanche navigue entre espoir d’enfant et craintes de l’adulte. Dimanche écrit avec le cœur et une immense sincérité. On aime leur approche festive et colorée qui ambiancera tout en douceur nos débuts de soirée autour d’une piscine, ou sur les plages ces prochains soir d’été. Dimanche, le duo sur qui on va garder une oreille. Sans hésitation, on vous recommande ce second EP “Grenadine” ! Des glaçons et tchin, c’est l’été !

Trois chanteuses de la scène française, trois amies se sont retrouvées pour sortir ensemble un album. Amel Bent, Camélia Jordana et Vitaa propose “Sorore”, sœur en latin. C’est parce qu’elles ont un lien fort, parce qu’elles défendent une certaine idée du féminisme aussi qu’elles ont choisi de nommer ainsi ce disque. Dans ce projet musicale, les trois femmes reprennent leurs propres succès. Le projet est né par hasard, alors qu’elles partagent la même maison de disques, elles se croisent régulièrement. Un jour, elles ont repris par hasard “Où je vais” d’Amel Bent, et l’idée est née d’en faire un album. La chanson qui ouvre ce disque est le seul morceau qui n’appartient à aucune des trois chanteuses. Il s’agit d’une reprise du titre “Marine” de Diam’s. Cette chanson date de 2006, c’est une lettre à Marine Le Pen. A quelques mois de la présidentielle, les 3 femmes voulaient en proposer une nouvelle version, la remettre au goût du jour pour donner envie à la nouvelle génération d’aller voter comme ça a été le cas pour Amel Bent quand elle l’a entendue l’année de sa sortie en 2006. On est 4 ans après le scrutin qui a mené Jean Marie Le Pen au second tour des élections présidentielles. Diam's veut avec ce titre mobilisé les citoyens pour aller voter à la prochaine élection et éviter une nouvelle débâcle. Le reste de l’album n’est pas aussi engagé. Ce sont des reprises des plus grands succès des trois chanteuses. A l’unisson, elles remettent un coup de frais sur leurs morceaux. De “Soeur” de Vitaa à “Moi, c’est” de Camélia Jordana ou encore “Ne retiens pas tes larmes” d’Amel Bent, vous avez ici un bel aperçu des reprises de ce disque. Elles apportent beaucoup de douceur et de rondeur à leur morceaux. C’est doux et délicat, très suave. On n’est pas sans penser au duo des Brigitte quand on entend cet album. Parmis les 10 titres de “Sorore” on découvre trois interludes acapella où chacune des voix trouve sa place sans l’emporter sur une autre. C’est d’un équilibre juste. “Sorore” c’est un joli coup de coeur qui nous ramène en arrière sur des titres qui ont marqué quelques une de nos jeunes années !

C’est parce que ça commençait mal que Jerôme Fragnet se lançait véritablement dans la musique. Un accident le cloue au lit avec une vertèbre cassée. Assigné à son lit, il s’investit pleinement dans sa passion, la musique. C’est comme ça que naît Broken Back. Depuis deux albums sont sortis, et un troisième vient de voir le jour. Le Malouin Broken Back nous offre “Oh My”. Il s’agit d’un album de dix titres conçu pendant le tout premier confinement. Cette dizaine de morceaux nous fait la promesse de la vie, de la joie, de la positivité et de jours meilleurs. “Oh my” est un disque qui nous incite à changer notre façon de regarder le quotidien. Ce quotidien, on l’a tous expérimenté et éprouvé chacun à sa façon, comme on a pu pendant ces longues semaines de confinement au printemps 2020. Avec “Oh my” Broken Back va chercher l’extra dans l’ordinaire. Le musicien capture nos émotions les plus invisibles dans notre quotidien. Il s’agit de ces petits plaisirs qui nous collent un sourire sans même que nous nous en rendions compte. Il est question de voyage, du bonheur de retrouver sa maison, de la rencontre de l’amour, de la découverte d’un lieu. Broken Back a mis la liberté, le bonheur et le positivisme au cœur de ce disque. Des jours meilleurs viendront, en attendant il nous enjoint à considérer les plaisirs de la vie, des plus minuscules aux plus petits là où ils sont chaque jour que nous vivons. Musicalement, Broken continue de faire évoluer sa musique et partage dans cet album ses envies d’évasion et de soleil. On découvre un mélange élégant d'électro et d’airs traditionnels. Quelques airs caribéens apportent une touche solaire délicieuse et enivrante à cet album. Les percussions sont enveloppantes et dansantes. Cette nouvelle production de Broken Back va faire du bien à notre été, c’est déjà un bout de l’extra dans l’ordinaire. Et pour ça on a plein de gratitude pour Broken Back.

On a découvert le Belge Antoine Delie dans la saison 9 de The Voice en France. Il a terminé finaliste de cette saison. Il avait également participé à la version belge du télé-crochet dans la team de Chimène Badi. Il vient de sortir son premier album “Peter Pan”. A l’image du personnage de James Matthew Barrie, Antoine Delie a gardé toute son âme d’enfant. Et c’est ce qu’il retranscrit dans cette production de 14 titres. Il nous embarque dans un monde imaginaire, un pays enchanté, là où chacun trouve sa part de rêve et un bout de sa propre histoire. C’est lors d’un voyage en Bolivie qu’il rencontre des gens qui n’ont presque rien mais qui sont heureux, plus heureux que lui-même. Antoine Delie prend alors conscience qu’il doit vivre de ses envies et de ses rêves et assumer ses différences et devenir un être singulier et authentique. En rentrant de son voyage, il commence par s’inscrire au conservatoire. C’est une nouvelle naissance pour lui, à 21 ans il devient lui-même. Il ouvre d’ailleurs cet album avec cette confidence dans le titre “Peter Pan”. Dans l’album, il est aussi question de harcèlement scolaire dont il a été victime plus jeune. On découvre des textes très intimes sur des morceaux dansants et hauts en couleur. Musicalement, ça groove, c’est enchanté et enchantant, rythmé et efficace. On découvre une pop acidulée. La voix haut perchée d’Antoine Delie n’est pas sans nous rappeler celle de son idole Mika. Antoine Delie s’est formé au solfège, à la percu, il joue aussi du piano. Des acquis qui lui offrent de beaux atouts artistiques. Pour un premier coup d’essai, le jeune artiste s’offre de belles collaborations. On retrouve à ses côtés Marc Lavoine, son coach dans the Voice, Chimène Badi, Ycare, Slimane et Alice on the roof. “Peter Pan”, c’est le premier album d’Antoine Delie.

Aujourd’hui, je vous présente Yarol Poupaud. Il est multi-instrumentiste mais principalement guitariste. Il a beaucoup travaillé pour les autres. Il a notamment été le guitariste de Niagara, de Johnny Hallyday, le batteur d’Adrienne Pauly ou encore bassiste pour d'autres. Il a aussi produit pas mal d’albums et de musiques de films. Yarol Poupaud vient de sortir son second album en son nom “Hot like dynamite”. Ce disque a été conçu sur les routes de sa première tournée en solo. Il a ensuite été enregistré dans le mythique studio parisien Motorbass de feu Philippe Zdar. Les mélodies sont nées spontanément mais avec une envie particulière et le choix assumé de ne pas suivre de stéréotype. Yarol a travaillé avec Victor Mechanik qui l’accompagnait lors de cette tournée. Au gré de leur pérégrinations, ils ont posé leurs instruments dans une grange aménagée en studio. Ils ont commencé à composer en prenant donc le partie de déconstruire l’écriture systématique et les schémas mélodiques classiques. Ce sont des sessions de bœuf avec les musiciens de la tournée qui ont donné naissance aux premiers titres, puis à l’album. Pendant les trois années d’élaboration de cette nouvelle production, Yarol a poussé le son, le rock, la funk et le groove pour un résultat éclatant. “Hot like dynamite” est fougueux, efficace, endiablé. Poupaud déploie un rock viril, à l’énergie débordante et un peu énervée. Le chanteur guitariste nous surprend là où on ne l’attend pas. Sans crier gare, l'auto-tune s’invite dans ses compos et même quelques sonorités plus electro. Yarol Poupaud prend un malin plaisir à mélanger les styles et nous fait voyager entre rock et funk et des sonorités moins attendues. La surprise de cet album se sont aussi les quelques titres en français qui jalonnent le disque. Sur ces morceaux il a travaillé avec le chanteur et auteur Lescop. Ce nouvel album court mais efficace de Poupaud a tous les atouts pour être l’hymne de votre prochain road trip estival, musique à fond, fenêtres baissées, bol d’air assuré ! Avec le retour des concerts, Yarol Poupaud nous promet aussi des lives enivrés et enivrants.

Je vous présente aujourd’hui Vénus VNR, un duo français formé par Laurène, et Félix, ex-Thérapie Taxi. Ils ont produit leur premier EP en 2018 après avoir été repérés par le label Etic System, qui héberge entre autres Stupeflip. Juste ça, ça en dit long sur l’ADN du duo. Cette première mini production les a conduit en première partie de Naive New Beaters et Cadillac. En 2019, ils ont occupé une scène des Transmusicales de Rennes puis ont enchaîné sur une série de programmation dans des festivals l’été suivant. Depuis quelques semaines, on peut écouter leur second EP “Idéal turfu”. On découvre un style sans complaisance, des émotions brutes, des textes directs, un franc parler qui pourrait écorcher les oreilles les plus fragiles, un vrai ton libre et libérateur. Le duo se livre plus intimement dans ces 6 nouveaux morceaux. Il est question de doute et de certitude, de langueur et de l’envie d’avancer. Dans cette période incertaine que l’on traverse depuis plus d’un an maintenant, on est tous en proie au doute. C’est en cela que chacun peut se retrouver dans les textes de Vénus VNR. Le duo s’amuse de ceux qui s'enferment sur un chemin tout tracé plutôt que de réaliser leurs propres envies, leurs rêves. Le musique de Vénus VNR est puissante et énervée, presque hystérique mais toujours maîtrisée. Leur compositions débridées les mènent à un style singulier. Venus VNR c’est une pop à l’esprit punk qui crache rage et violence. Le duo est toujours sur le fil, au bord de l’explosion. La voix douce et chantante de Laurène vient contrebalancer les mélodies. De toute évidence, dans un turfu idéal, la scène pop française comptera avec Vénus VNR. Allez écouter “Idéal turfu” le nouvel EP de Vénus VNR.

Je vous propose de vous laisser parcourir par un frisson délicat avec le premier album de Mustafa, Mustafa Ahmed, qui se faisait aussi appeler “Mustafa, The poet” il y a quelques années. Il est de Toronto au Canada et est issu d’une famille soudanaise. Il a grandi dans le quartier pauvre de Regent Park où les gangs faisaient et font encore la loi. Tout jeune, il écrivait des poèmes. Dès ses 12 ans, il est reconnu pour ses qualités d’écriture. Mustafa a aussi réalisé un court-métrage où il raconte toute la violence qui gangrène les communautés de sa ville. Il a aujourd’hui 24 ans. Mustafa s’est fait remarquer il y a un peu plus d’un an outre-atlantique par l’intensité des textes qu’il pose sur une folk qui allie subtilement rap et r’n’b et des chœurs traditionnels soudanais. Ses premiers morceaux, il les a publiés instinctivement sur sa chaîne Youtube en Mars 2020. C’est le début d’une belle aventure artistique pour le jeune homme. Il a depuis collaboré avec Drake et FKA. Il a été la voix d’une pub pour Valentino et a aussi écrit des textes pour Usher et Camila Cabello. Remarqué par James Blake, ils ont partagé un duo ensemble. A l’automne 2020, Mustafa a sorti un nouveau morceau qui annonçait son premier album. Il est sorti au printemps dernier et s’intitule “When Smoke rises”. Ce premier opus bouleversant est un hommage à son ami Smoke Dawg abattu à l’âge de 21 ans lors d’une fusillade. Cet album, c’est aussi un hommage à la vie de son quartier. Le songwriter y affronte le chagrin, la perte, la survie et le manque de liberté. On découvre un album dans la douceur, une musique délicate, une voix singulière et une production acoustique habile. Guitare et piano suspendent le temps. Mustafa exprime des sentiments intimes. Toute l’esthétique de sa folk apporte une puissance considérable à l’ensemble. Vous serez très vite séduit par la chaleur et la douceur de la voix de Mustafa. “When smoke rises” c’est le premier album de Mustafa, et c’est déjà un coup de coeur.

La nonchalance est au rendez-vous de la pop de Mr Giscard. Mr Giscard n’a aucun lien de parenté avec VGE. Ce que tous les deux partagent en réalité c’est le même prénom Valéry. On a découvert Mr Giscard avec son premier titre “Pho” à la rentrée dernière. Il vient de sortir un premier EP d’un peu moins d’un quart d’heure “Sensibilité”. On découvre 5 morceaux rythmés qui groovent avec une nonchalance qui va faire la marque de fabrique de son interprète. Musicalement, Mr Giscard installe une french electro pop minimaliste. Le ton marmonné et apathique du chanteur enfonce un peu plus le clou à la désinvolture de cet EP. Il a créé ce qu’il appelle de la mumble pop, un genre qui donne l’impression d’entendre une musique au texte incompréhensible. Ça s'est beaucoup fait au début des années 2010 avec la trap, le mumble rap. C’est un peu une façon de dire les choses avec beaucoup de pudeur. Au départ, Mr Giscard est beatmaker. Il a beaucoup travaillé pour les autres, mais il devenait frustré de ne pas faire les mélodies qu’il voulait, alors il s'est arrêté pour lancer son projet solo. Il s’est mis à faire ses morceaux et à chanter. Ce qui est primordial dans le processus de création de Mr Giscard c’est la musique, les rythmes. Les paroles viennent après et les textes sont modifiés et réécrits en fonction des besoins de la musique. On a l’impression d’une réussite hasardeuse alors que tout est millimétré. Derrière cette apparente négligence se cache un travail minutieux. Face aux mélodies entêtantes, les textes sont cash et direct, les mots crus. Il tire un portrait peu flatteur de notre monde, il est aussi question de sentiments, d’amour, de partage et d’accomplissement. En attendant un premier album, on tombe sous le charme de ce premier EP de Mr Giscard “Sensibilité”. Oreilles sensibles au franc parlé, ça va faire ouille ouille dans vos oreilles, mais vous finirez par en redemander !

Ils ont déserté les scènes et les rayons de nos disquaires depuis 6 ans, ils sont enfin de retour, il s’agit du duo français Lilly Wood and the Prick. Ils ont explosé il y a un peu plus de 10 ans avec le titre “Prayer in the C” devenu un succès mondial suite au remix du dj Robin Schulz; c’est aussi le deuxième titre le plus Shazamé de tous les temps. Après des projets en solo Nili Hadida et Benjamin Cotto se sont retrouvés pour écrire la suite de leur aventure à deux. Cette pause a été nécessaire pour vivre de nouvelles expériences qui deviennent par conséquent bénéfiques au duo. La nouvelle production de Lilly Wood and The Prick s’intitule “Most anything”. Il s’agit de leur quatrième disque. Nili et Benjamin ont d’abord travaillé sur des structures guitares voix, des mélodies complètement dépouillées avant d’y accoler des arrangements. On découvre 14 titres aux sonorités électro pop remplie de soul et de folk. Quelques morceaux plus minimalistes se glissent aussi dans la tracklist. On prend également beaucoup de plaisir à renouer avec la voix angélique de Nili. Le duo a pu prendre le recul nécessaire et tout son temps pour travailler, arranger, et réarranger à volonté. Ils ont disposé d’un temps plus long grâce à la pandémie. Nili signe les paroles engagées, féministes et humanistes de cet album. Elle s’exprime sur la brutalité et l’absurdité de notre société, la culture du viol, la liberté d’avoir des enfants ou non, la solitude, la surconsommation. Lilly Wood nous offre un album pur, sincère et puissant aussi bien dans la compo que les textes. On parle du retour des concerts, et bien bonne nouvelle : le duo est attendu dès le mois de septembre sur la scène de quelques festivals et aussi en tournée dans tout l’hexagone. Rendez-vous pris !

Tample est un groupe bordelais que l’on a découvert lors de l’édition de 2017 des Transmusicales de Rennes. A la sortie de leur premier album en 2018, “Summer Light”, ils étaient 4. Ils évoluent désormais en trio et viennent de sortir une nouvelle production “Glory”. Cet opus lève le voile sur neuf nouveaux morceaux de synth-pop dans l’air du temps, aux sonorités électro, acoustiques, et aussi un peu vintage grâce à des guitares et des vieux synthés. Tample joue sur des ambiances contrastées, à la fois noires et blanches, un vrai jeu d’équilibriste. La musique des Bordelais est à la fois festive et mélancolique. La basse groove quand la voix apporte de la nostalgie. La rythmique est soutenue et à la fois très sensuelle. On oscille entre l’envie de danser et cette sensation de vague à l’âme. En réalité, il n’y a pas grand chose de nouveau sous le soleil des Bordelais. Cette recette binaire était déjà celle utilisée dans leur premier album. Malgré ce petit sentiment de redite, les airs de “Glory” restent bien en tête, les mélodies sont addictives, et c’est pour ça qu’on aime ce nouvel album. Dans les textes, il est question des émotions que l’on verrouillent, celles que l’on ne sait pas ou que l’on ne parvient pas à verbaliser. Tample évoque les souvenirs de jeunesse, la lourdeur de l’engagement, les hésitations et aussi la tentation du danger. Dans leur premier album, les textes étaient uniquement en anglais. Pour cette nouvelle production, le groupe se permet quelques incartades en français sur deux textes. Les inspirations et les influences de Tample sont limpides et lisibles dans leur musique, de Isaac Delusion à Hot Chip, Parcels et New Order. Ce nouvel album de Tample est une jolie réussite. “Glory” est enivrant à la fois de douceur et de puissance.

Les anglais de London Grammar sont de retour avec une troisième production “Californian soil”. Le Dimanche 18 Avril, un an après la date de sortie initialement prévue, le groupe a donné un concert en live stream depuis le “Alexandra Palace” de Londres pour honorer cette sortie. Pour ce nouvel opus, Hannah Reid prend à bras le corps son rôle de leadeuse pour la première fois. De nature introvertie et discrète, la chanteuse avait toujours refusé d’endosser ce rôle. Cette nouvelle production reflète une belle prise de confiance de la part de d’Hannah. Elle se dévoile plus encore dans des textes qui évoquent sa féminité, ses angoisses et ses rêves les plus intimes. Ce disque évoque aussi ces petites batailles du quotidien face à la misogynie. Le mouvement #metoo a été source d’inspiration pour la chanteuse qui s’est autorisée à mener sa propre révolution féminine et à participer à ce mouvement collectif. Ce nouveau rôle de leadeuse qu’elle ose enfin endosser lui permet de laisser sa voix si singulière se déployer et d’étendre encore plus son timbre si impressionnant. “Californian Soil” renferme cette synthpop mystique et enchanteresque propre à London Grammar mais aussi quelques sonorités plus chaleureuses et plus rythmées. Les cordes, toujours plus grandioses et marque de fabrique du groupe ,prennent toujours beaucoup de place dans l’album. Les londoniens réitèrent la formule magique de London Grammar un alliage solide mais délicat de pop electro et d’orchestrations riches. On découvre des compositions tantôt aériennes et légères, mais surtout tantôt plus dance, aux rythmes appuyés. La musique de London Grammar gagne en énergie avec cet album. Autre bonne nouvelle, cette année de confinement a permis au groupe de travailler sur d'autres morceaux. Hannah raconte avoir suffisamment de matière pour une quatrième, et peut-être même un cinquième album. A suivre !

C’est par surprise que l’on a découvert fin Avril le nouvel album de la Canadienne Cœur de Pirate. Il s’agit de “Perséides”. Il a été composé ces derniers mois, alors qu’elle était en convalescence d’une opération des cordes vocales suite à la découverte d’une maladie chronique qui fragilisait sa voix. Cette opération a nécessité par la suite plusieurs semaines de repos, sans parler. Alors, elle a décidé de partir s’isoler, loin de sa fille et de son conjoint pour ne pas parler. Sa voix étant le cœur de son métier elle voulait faire d’autant plus attention. Privée de voix, mais pas de musique, elle se confine avec un piano. Dans cet album il y a toute la musique qu’elle avait dans la tête mais qu’elle ne pouvait pas chanter. Dans “Perséides”, vous n’entendrez que du piano mais pas sa voix. Cet album, c’est aussi une forme de réconciliation avec le piano, cet instrument qu’elle a appris jeune, que sa mère enseignait et qu’elle voyait plus comme un devoir, une contrainte, que comme un plaisir. Elle l’avait d’ailleurs pas mal délaissé ces dernières années. De cette paix, elle a composé de courtes ballades. “Perséides” nous fait voyager à travers le Québec. Chacun des 10 morceaux porte le nom d’une ville de la province canadienne. Ces villes sont elles-mêmes associées à des souvenirs d’enfance de Béatrice Martin, son son vrai nom. Ce sont de douces ballades courtes parfois dynamiques d’autre fois plus mélancoliques. Les 10 pièces sont délicates et mélodieuses. Cœur de Pirate nous invite à prendre un moment pour soi, à voyager dans son esprit à l’instar d’une méditation. “Perséides” est une douce parenthèse dans la carrière de la chanteuse mais très vite elle compte renouer avec sa voix. Avant de tomber malade, elle travaillait sur un nouvel album qu’elle compte bien reprendre là où elle l’avait laissé.

Stoppée en pleine tournée, la chanteuse Clio a profité de cette année à l’arrêt pour quitter Paris, s’acheter un nouveau piano et retrouver sa ville natale, Besançon. Elle vit désormais en pleine campagne avec sa famille et joue de la musique sans se préoccuper de ses voisins. Cette année extra-ordinaire a surtout été l’occasion d’écrire et composer son nouvel album, le troisième. Disponible depuis quelques semaines, il s’agit de “L’amour hélas". La jeune femme de 34 ans est auteure, compositrice, interprète et musicienne. Initialement destinée à une carrière de professeur des écoles à l’instar de ses parents, elle lance sa carrière artistique juste après sa première année d’enseignement et rencontre un succès assez confidentiel. Dans “L’amour hélas” Clio dissèque tous les sentiments que l’on traverse dans la vie, des plus banals aux plus profonds et magistraux, de l’amour à la nostalgie et la tendresse. Musicalement, Clio délivre aussi bien des mélodies mélancoliques et des ballades romantiques. Des rythmes légers trouvent un équilibre juste avec la voix délicate presque susurrée de Clio et les claviers vintage. En 2016, sur son premier album éponyme, Clio s’offrait un duo avec Fabrice Luchini. Cinq ans après, sur cette troisième production, la Bisontine accueille le prestigieux Iggy Pop en guest. Cet amoureux de la langue de Molière a accepté le duo. Les deux artistes ne se sont jamais rencontrés. L’iguane (le surnom d’Iggy Pop) a enregistré sa partie de son côté, chez lui à Miami. Pour le clip, ils ont aussi tourné séparément. La voix rauque d’Iggy Pop répond à celle douce de Clio. Clio est passionnée par l’écriture. On le sent dans ses textes. Ses futurs projets sont aussi un joli reflet de cet amour. Elle travaille actuellement sur l’écriture d’un long métrage. Clio devrait donner un joli concert en Novembre prochain à la Cigale. Iggy Pop sera-t-il de la partie ? A suivre.

Sur la scène rap francophone, il y a deux belges hyper cool qui sont immanquables. Ils s’appellent Caballero et JeanJass. Ils font de la musique ensemble depuis une dizaine d'années. Ils sont inséparables, alors quand ils décident de poursuivre l’aventure en solo, ils choisissent de sortir leur album en même temps, le même jour et dans la même pochette ! Le 16 avril dernier, on a donc découvert “OSO” et “Hat Trick”, deux albums introspectifs et personnels, de Caballero et JeanJass. Dans OSO, l’album de Caba, on découvre 19 titres. Le Belge d’origine espagnole se met en quête de sens. Le rappeur se montre sensible, en proie aux doutes et en pleine remise en question. Le matérialisme s’oppose à l’amour. Le rappeur cherche un juste milieu idéal. Caballero dégage un flow multi-lingual. Dans Hat Trick de JeanJass, il y a 18 titres, le rappeur dévoile un album bilan et tire un triste constat sur notre époque. JeanJass tire à boulet rouge sur nos politiques. Il évoque le racisme, l’écologie, l’abus des élites. Les textes de Jean Jass sont francs, directs et acides. Après une critique large de la société, JeanJass revient sur sa propre histoire, ses erreurs et aussi tous ses propres rêves qu’il a réalisés. Les prods de Hat Trick contrastent avec les textes souvent pessimistes. Elles sont douces, mélodieuses et planantes. Ce projet solo mais à deux de Caballero et JeanJass offre deux albums uniques où chacun nous ouvre les portes de son univers. Deux albums solos, dans une même pochette, c’est JeanJass et Caballero, Oso et Hat Trick.

Je vous présente Barry Moore, chanteur, auteur et compositeur Irlandais. Depuis 2 ans, il remue la scène pop rock irlandaise et européenne. Avant de démarrer cette carrière, Barry Moore a connu plusieurs vies, il a vécu un peu partout entre la France, l’Espagne, la Californie et l’Irlande. A l’image de sa vie nomade, ses inspirations sont elles aussi très variées. Elles vont de Bob Dylan à Paul Simon qu’il a écoutés en famille pendant son enfance à des artistes plus contemporains de Eminem à Notorious B.I.G qu’il vénérait pendant son adolescence. Signé par le label Spookland Records de Yodelice, Barry Moore vient de sortir son premier album “Rat Race”. Enfin ! Après un EP en 2019, l’album devait sortir l’année dernière mais la parution a été repoussée en raison de la pandémie. Barry Moore vous l’avez vu et entendu si vous avez assisté à un concert du Souldier Tour de Jain en 2019. Une expérience qui lui a ensuite ouvert les portes des scènes de plusieurs festivals en Europe. A l’image du single “Hey Now” qui l’a propulsé sur le devant de la scène il y a deux ans, Barry Moore propose dans ce premier long format une musique explosive, aux mélodies fédératrices et addictives et à la rythmique percutante. Barry Moore a créé son propre style pop-hip-hop. entre tradition et modernisme, un mélange d’acoustique et de son plus electro. Dans “Rat Race”, Barry Moore se livre sans prétention, avec humilité et honnêteté et une touche salvatrice d’optimisme. “Rat Race” de Barry Moore, c’est une belle découverte.

L'album de la semaine : Revelación (Selena Gomez)   Un an après son troisième album “Rare”, celle qui collectionne aussi plus de 20 milliards de streams, la chanteuse, actrice, entrepreneuse, réalisatrice...Marie, Selena Gomez est de retour ! Les parutions de l’américaine sont toujours des évènements, et d’autant plus ici puisque cet EP généreux de 7 titres est exclusivement en espagnol, la langue de ses origines mexicaines. Une première ! La chanteuse n’a pas chanté dans sa langue natale depuis une dizaine d'années. C’est donc un projet personnel qui lui est important et essentiel sur lequel elle a beaucoup travaillé ces derniers mois, pendant la pandémie. “Revelación” c’est le titre de ce mini album.   La langue de Cervantes apporte une touche de soleil dans cette nouvelle production. Le spectre musical de “Revelación” est assez large. L’EP contient quelques sonorité Reggaeton, de jolies balades R’n’B et des titres bien rythmés qui donnent envie de danser. L’album se termine avec un titre pop electro que Selena Gomez partage avec Dj Snake, “Selfish Love”. C’est d’ailleurs le seul titre qui entremêle anglais et espagnol.   Il se murmure que la jeune reine de la pop souhaite se retirer de la scène musicale, une retraite anticipée à 28 ans seulement ! Selena Gomez a subi un burn out il y a quelques années et a beaucoup de mal à gérer les critiques que peut générer sa musique. Les réseaux sociaux peuvent-être dévastateur. En effet, la jeune femme n’exclut pas d’arrêter pour plus se consacrer au cinéma, mais elle compte bien livrer un dernier album à ses fans, les Selenators. A suivre donc !

L'album de la semaine : Sand (Balthazar)   Marie, on passe la frontière belge aujourd’hui pour retrouver nos amis Balthazar… Et sans avoir besoin de faire un test PCR ! Fermez vos narines, ouvrez vos oreilles, Balthazar est de retour avec un nouvel album “Sand”. Depuis 2004, le groove de Balthazar n’en finit pas de nous séduire. Pour ce nouveau projet, le cinquième, le groupe entame un virage bien plus électro.   Leurs lignes musicales avaient déjà bougé sur leur précédent album, Fever ? En effet, ils avaient apporté une touche funky à leur rock indé. Le quintet n’a pas l’intention de faire du copier coller. Il se réinvente et confirme leur envie de faire bouger les lignes avec “Sand”. Le disque a été écrit et composé pendant leur dernière tournée. Ces 11 nouveaux titres sont baignés d’une électro groovy lascive et sexy. C’est léger et voluptueux. Quelques cuivres renforcent le côté très sensuel de leur musique. Tu ajoutes à ça des chœurs subtilement arrangés et boom… ton cœur bat tout de suite la chamade pour ce disque. Tu l’auras compris Ali, ce disque de Balthazar, c’est tout ce que j’aime.   Le groupe a écrit l’album en tournée, c’est le voyage, l'effervescence qui les a inspirés? Balthazar évoque le temps qui passe, l’agitation et l’impatience et toutes les mutations, changements que cela peut opérer. Il est aussi question de notre incapacité à être dans le moment présent, d’être dans la projection sans avoir confiance en l’avenir. Tout le reste de création d’un album s’est fait à distance, chacun un peu isolé. L’air Covid a obligé le groupe à se réinventer pour continuer à faire de la musique. Malgré le contexte, ça fonctionne très bien.   Le titre que tu retiens, Marie ? “Moment”, c’est le premier single, c’est aussi le premier titre de l’album. Balthazar nous envoie quelques percus bien senties. Le ton est donné d’emblée.  Il y a une basse maligne et des chœurs entêtants. S'enchaîne ensuite le très lancinant “Losers”... une fois que vous avez écouté ces 2 titres, vous allez laisser dérouler tout l’album. Balthazar “Sand” c’est un gros coup de cœur.

L'album de la semaine : Haute Fidélité (Raphaël)   Prévu pour l’automne mais repoussé plusieurs fois, ça y est, le nouvel album de Raphaël est sorti. “Haute Fidélité” et c’est le neuvième de sa discographie. Pour cette nouvelle production, Raphaël a ouvert les portes de son studio à Benjamin Lebeau, la moitié du duo The Shoes, une collaboration entre les deux hommes qui dure depuis quelques années déjà, il a aussi ouvert sa porte à Arthur Teboul de Feu ! Chatterton. Deux autres belles rencontres artistiques sont à retrouver aussi sur ce disque. Il s’agit de Clara Luciani et de Pomme. Un autre homme plane sur ce disque, sans avoir pu y participer mais en imprégnant de toute son âme le travail de Raphaël, il s’agit de Christophe, le chanteur et ami de Raphaël.   Un titre rend d’ailleurs hommage au chanteur disparu l’année dernière Il s’agit du titre “Norma Jean”. C’est le nom d’une variété de rose blanche que le chanteur aimait offrir à ses amis.   Ce disque “Haute fidélité” est très intime et aussi autobiographique. Raphaël fait référence à toutes les fidélités de la vie. Le chanteur écrivain se décrit comme un homme fidèle. Il est fidèle à ses amis, à l’amour, à sa famille. “Haute fidélité” est probablement le disque où le chanteur se confie le plus. Il est question d’amour, un essentiel qui passionne Raphaël plus que n’importe quel autre sujet.   Raphaël s’est révélé écrivain il y a trois ans. D'autres projets sont-ils en cours? Et il a même remporté le Goncourt en 2017 avec son premier recueil “Retourner à la mer”. Raphaël Harroche, puisque c’est avec son nom accolé à son prénom qu’il signe en tant qu'écrivain, prépare un nouveau livre pour Septembre prochain. Il va aussi réaliser le film qu'il a écrit avec Samuel Benchetrit. Le tournage commencera au dernier trimestre de l’année avec au casting vraisemblablement sa femme, Mélanie Thierry, Valeria Bruni Tedeschi et Vincent Macaigne. Raphaël promet aussi quelques dates de concert pour 2022. L’agenda est chargé !   Pour en revenir à “Haute fidélité”, quel titre retiens-tu ? J’ai adoré son duo avec Pomme, l’artiste féminine de l’année. Quel flair d’avoir travaillé avec cette jeune artiste qui devient un pilier de la musique française. Leur titre “Le train du soir” est une ritournelle qui entre dans la tête. Le clip auquel Mélanie Thierry a participé vient d’ailleurs de sortir.

L'album de la semaine : Music (Sia)   Sia s’est lancée dans le cinéma avec un premier film qu’elle a réalisé. En parallèle de ce film qu’on ne verra pas tout de suite au cinéma, l’Australienne a sorti la BO du film Il s’agit de “Music”, son huitième disque, et en effet ce disque accompagne son premier long-métrage “Music” qu’elle a écrit et réalisé. Il est consacré à l’autisme. Il est sorti mi février aux US et arrivera fin Mars en VOD en France. “Music” c’est le prénom de la jeune fille, personnage principale du film, qui est diagnostiquée autiste. Pour écrire ce film, Sia s’est inspirée de l’histoire d’une ado qu’elle a rencontrée.   L'autisme, ce n’est pas un sujet facile à aborder, il faut être bien documenté. Sia n’a pas fait ce film en un claquement de doigts. Elle a passé trois années à consulter les établissements spécialisés pour s’informer. Elle est aussi allée beaucoup aux contacts de personnes atteintes de ce trouble. Avec ce film, Sia prône l’acceptation de la différence et confie tout son amour à ceux qui ont déjà eu l’impression que leur voix ne comptait pas.   Le film a reçu deux nominations aux Golden Globes 2021. Catégorie meilleure comédie ou comédie musicale et aussi dans la catégorie meilleure actrice pour Kate Hudson. Au casting, il y a également, Maddie Ziegler qui endosse le rôle de la jeune ado autiste. Sia travaille avec Maddie depuis le clip “Chandelier” sorti en 2014. Ce choix a dû mal à passer. C’est vrai que tant qu’à consacrer un film à l'autisme, autant les intégrer au casting. Sia essuie pas mal de critiques à ce sujet.   Le film “Music” a été réalisé par Sia et l’album aussi On découvre 14 titres, c’est un album coloré et résolument pop. Sia y apporte aussi beaucoup de douceur. “Music” est un album sans grande surprise mais il est coloré à l’image du premier titre “Together”. Sia retrouve David Guetta pour une nouvelle collaboration dans ce disque. Elle a également coécrit le titre “saved my life” avec Dua Lipa. L’un des titres les plus bouleversants sur l’album.

L'album de la semaine : The Highlights (The Weeknd)   Marie, c’est la sortie d’une compilation qui a attiré tes oreilles aujourd’hui ? En effet, une compilation ! L’idée peut paraître un peu désuète à l’heure où les plateformes de streaming créent elle-même les playlists de nos artistes préférés. C’est étonnant, du coup j’écoute. Et c’est Abel Tesfaye qui a sorti sa première compilation. Est ce que tu sais qui il est Ali ?   On le connait mieux sous son nom de scène :  The Weeknd ! Well done ! En effet, Abel Tesfaye est The Weeknd. Il a sorti début Février sa première compilation qui réunit 18 des plus grands hits de presque 10 ans de carrière. La compilation du Canadien “The Highlights” est sortie quelques jours avant sa prestation au Super Bowl, le show télé le plus regardé dans le monde entier.   Déjà 10 ans que le petit gars de Toronto a investi la scène rap, r’n’b, electro, disco du monde entier. Dix ans, et même un petit peu plus si vous le suivez vraiment depuis ses débuts. En 2010, quand Drake nous invite à suivre le jeune roi, il le nomme ainsi dans un tweet, The Weeknd n’a que 20 ans et il poste c’est mixtape sur soundcloud. Le jeune roi fait son bonhomme de chemin, sort 4 albums. Son titre “I Feel it Coming”, extrait de la BO du premier épisode de la saga “fifty shade” le propulse sur la scène internationale et va jusqu’à lui ouvrir les portes du super bowl. C’est une consécration pour un artiste d’assurer cet évènement. The Weeknd a offert aux américains 13 min de show, en costume rouge, entouré d’une centaine de danseurs.   Quels sont les titres que l’on retrouve dans la première compilation du canadien ? Déjà on retrouve sa super cover du titre “Wicked Games” de Chris Issak, il y a aussi ses duos avec Kendrick Lamar et Ariana Grande, et tous ses plus grands hits, 18 titres sont dispo dans cette compil.  C’est un gros coup de projecteur sur l’immanquable de The Weeknd.   Est-ce qu’on peut parler de concert ? Oui ! Mais il va falloir être patient ! Les dates parisiennes prévues pour l’automne sont reportées. La tournée de The Weeknd passera en France à l’automne 2022, et pas seulement à Paris. On pourra le voir à Bordeaux, Montpellier et Lyon aussi.

L'album de la semaine : Little Bastards (The Kills) Je vous parle des américano-britanniques de The Kills aujourd’hui. L’américaine Alison Mosshart est au chant et l’anglais Jamie Hince à la guitare. Le groupe s’est formé au début des années 2000. Ils ont sorti 5 albums. Les trois premiers ont vraiment reçu de très bonnes critiques. Ils ont aussi produit 4 EP. Ils sont les piliers d’un rock brut à la fois punk et bluesy. Vingt ans après leur formation, le groupe a sorti courant Décembre sa première compilation “Little Bastards”. On y trouve 20 titres rares, des faces B, des morceaux passés un peu inaperçus et même une démo inédite enregistrée au même moment que la production de leur troisième album. On trouve aussi des reprises de classiques américains et une reprise en anglais d’un titre de Gainsbourg “I Call it Art”, une réinterprétation du titre “La chanson de slogan”. Le nom de cette compilation “Little Bastards” fait référence au surnom affectueux que les deux leaders du groupe donnent à leur boîte à rythme. L’ensemble de ces titres respire le son brut qui a fait tout le succès de The Kills. Certes remasterisés à l’heure de 2020, ces morceaux gardent quand même leur caractère. Pour l'essentiel, ce sont les surplus des trois premiers albums du groupe. Dans ces sons, on retrouve les larsens de la guitare de Jamie et la voix envoûtante d’Alison. Si vous êtes fans de la première heure du groupe, c’est un vrai bain de nostalgie qui vous attend.

L'album de la semaine : Music to be murdered by - Side B (Eminem) Tu nous présentes un album qu’on connait déjà sur RIFFX FESTIVAL et RIFFX URBAN, avec le single Higher… Oui, il s’agit d’un album d’Eminem. Vous vous souvenez : Janvier 2020, Eminem sort un album surprise “Music to be murdered by”. On en avait parlé ici. C’était un album assez paradoxal alliant musiques douces et textes sordides voire macabres, un onzième album qui s’inspirait de l'œuvre de Hitchcock. Le rappeur s’était offert de belles collab. On y retrouvait Anderson Paak et Ed Sheeran. Mais c’était surtout le retour de Dr Dre à la prod qui faisait de cet album un évènement. Ce disque a ouvert 2020, il a aussi terminé l’année avec une version deluxe sortie en Décembre. Quoi de neuf pour le rappeur de Détroit? 16 nouveaux morceaux ! ce qui fait de “Music to be murdered by - side B” quasiment un nouvel album. Dr Dre est toujours de la partie. Pour accompagner la sortie de cette réédition, Eminem a mis en avant le titre “Gnat” où il évoque la pandémie mondiale. Une réédition n’a pas fait l’unanimité... C’est le moins que l’on puisse dire. Eminem avait toujours réussi à décrocher la première place des ventes lors de la sortie de ces 10 derniers albums. Cette réédition ne connaît pas le même succès et a donné la troisième place seulement à Eminem, le plaçant derrière Paul McCartney et Taylor Swift. Comme à son habitude, Eminem n’a pas pu s’empêcher d’envoyer deux, trois punchlines contre Snoop Dog Ce que le rappeur de Long Beach n’a pas trop aimé et il ne s’est pas privé de le dire sur les réseaux sociaux. Side B, c’est aussi des excuses à l’attention de Rihanna... C’est dans le titre “Zeus”. Il y a quelques mois, un couplet qui n’aurait pas dû sortir, fuite sur le net. Il concerne Rihanna et Chris Brown. Chris Brown qui frappait Rihanna. Les paroles donnaient Eminem du côté du rappeur. Dans “Zeus”, Eminem présente directement ses excuses à "Riri".

L'album de la semaine : We will always love you (The Avalanches) Les Australiens de The Avalanches se sont fait connaître avec leur premier album “Since I left you” sorti en 2000. Ce disque reste, 20 ans après, une référence en matière de sampling. Presque 900 samples ont été utilisés dans cette première production. À l'époque de sa sortie, il avait bousculé les codes du monde de la musique. Et puis, il y a eu un long silence radio. L’inespéré second album de The Avalanches est arrivé 16 ans après. Il s’agit de “Wildflower”. Fin 2020, belle surprise ! The Avalanches est de retour. C’est une troisième production du duo que l’on a pu découvrir “We will always love you”. The Avalanches s’offrent des collaborations éclectiques et prestigieuses. On retrouve entre autres MGMT, Mick Jones de The Clash, Leon Bridges, Neneh Cherry, Kurt Vile et aussi Blood Orange invité sur le single éponyme qui a annoncé la sortie du disque. Dans “We will always love you” le duo originaire de Melbourne continue d’allier les genres et les styles musicaux. C’est ce qui qui fait leur marque de fabrique. On découvre un patchwork musical aux détails subtils. C’est fignolé au fil d’or. Des voix enregistrées il y a des années renaissent, leurs esprits revivent dans les mix de The Avalanches. Pour ce nouvel album, les Australiens nous offrent une musique à la fois posée et groovie aux mélodies entêtantes qui mêlent et entremêlent soul, pop, disco, house, funk et trip-hop. Il s’agit d’un album assez conceptuel, destiné à être écouté par des extraterrestres. Les 25 titres de “We will always love you” se vivent comme une véritable épopée spatiale poétique. Ça déborde d’amour, d’ondes positives et d’optimisme. Le retour de The Avalanches est généreux et réussi. C’est à écouter de toute urgence ! Et surprise : “We will always love you” s’achève sur un message en morse. Saurez-vous le décrypter ?

L'album de la semaine : Paysages (L) Raphaële Lannadère est une chanteuse française, jeune quadragénaire et féministe convaincue et engagée. Ça fait maintenant une dizaine d'années que L, le nom de scène de Raphaële Lannadère, évolue dans la chanson française, dix ans qu’elle est signée sur le joli label Tôt ou Tard. Mais, elle vient de mettre un terme à cette liaison. C’est donc sous le signe de l’indépendance que L a sorti, en début d’année, son nouvel et quatrième album “Paysages”. Elle a rompu avec Tôt ou Tard pour maîtriser et réaliser tout ce qu’elle avait envie de faire, de la musique jusqu’au clip. Son indépendance, Raphaële Lannadère est aussi allée la chercher dans la campagne bretonne. Un exil entre Vannes et Redon dans un petit hameau qui lui offre une reconnexion à la nature. “Paysages” est un album de lutte et partage un espoir fondamental. “Paysages” c’est tout ce que nous voyons et observons, c’est aussi ce qui deviendra demain en passant par les mains et les choix des Hommes. L évoque “Les oiseaux”, titre écrit pendant le premier confinement. L s’est imaginée à la fenêtre de son appartement parisien écoutant leur chant quand ils ont pu s'emparer de la ville. L est une artiste féministe et engagée. Plusieurs textes de cet album sont consacrés à cette cause. “Femme, vie, liberté” est un hommage, un "femmage", au combat des femmes Kurdes qui se battent contre Daech. Elle évoque le destin tragique de Sakiné Canziz, héroïne kurde assassinée à Paris. Elle évoque aussi les questions de genre parce qu’il y a un mouvement dans notre société qui prend de l’ampleur et qui permet d’évoquer toutes ces nouvelles revendications et identités. Le titre “L’étincelle” est dédié à Adèle Haenel qui a quitté la dernière cérémonie des Césars. Il est question des luttes des femmes, de se lever, de donner de la voix et de se donner du courage pour avancer toutes ensemble. Parce que pour tous ces engagements, toutes ces revendications, tous ces destins, il est impossible de passer à côté de ce nouvel et brillant album de L.

L'album de la semaine : In The Darkest of Nights, Let The Birds Sing (Foster The People) Le trio Californien de Foster the People a sorti courant Décembre un nouvel EP de 6 titres. Souvenez-vous, Foster The People, c’est le groupe qu’on a adoré avec le titre “Pumped Up Kicks” qui a été utilisé dans plusieurs séries, Gossip Girls, Pretty Little Liars, Les Frères Scott et j’en passe. Leur premier album, sorti en 2011, était bourré de hits utilisés un peu partout, aussi bien pour des pubs que par la FIFA. Depuis 2 albums sont sortis. Le dernier date de 2017. Et depuis, on attend… Ces deux dernières années, Foster The People a publié quelques singles ici et là, que l’on retrouve compilés aujourd’hui dans cet EP intitulé “In The Darkest of nights, Let The Birds Sing”. Les américains offrent 6 titres variés, décalés et riches. Entre pop et disco, la magie Foster The People opère toujours. On se laisse même surprendre par une ballade romantique. Le groupe continue la transition qu’il avait commencée à opérer sur leur troisième production. Quelques notes plus électro viennent réveiller leur pop psyché. Ce n’est pas toujours très homogène mais c’est un EP, et les titres ont été travaillés à des moments différents. Pour l’album ? Patience, encore un peu ! Le groupe a pas mal écrit et composé pendant le confinement du Printemps 2020. Alors on n’est pas à l’abri qu’un quatrième disque atterrisse dans nos oreilles dans les prochains mois.

L'album de la semaine : Monde sensible (Mesparrow) L'album de la semaine : "Monde Sensible" de Mesparrow Je vous présente aujourd’hui une artiste tourangelle. Elle a sorti son premier EP il y a 10 ans. Elle s’appelle Marion Gaume, mais sur scène c’est Mesparrow. Elle est auteure compositrice et interprète. Après un premier album paru en 2013 et entièrement en anglais, la chanteuse a proposé, en début d’année, un troisième album “Monde sensible”, le second dans la langue de Molière. Mesparrow s’est bien entourée pour la production de ce disque. À ses côtés il y a, le bassiste du groupe Isaac Delusion, Nicolas Bourrigan aux arrangements, ainsi que le producteur qui travaille avec Thylacine et Her, Antoine Thibaudeau. L'électro qui habille les 11 titres de ce disque est enveloppante et envoûtante. La musique de Mesparrow est en quête d’un équilibre ajusté entre organique et synthétique. Sa voix douce et grave est emmenée tantôt par une électro douce tantôt par une électro euphorisante. Les beats appuyés sont assagis par la voix de Mesparrow. Une ambivalence qui jalonne tout cet opus. Mesparrow dévoile une electro luxuriante mais jamais exubérante. Marion Gaume est une jeune maman et dévoile ses sentiments avec beaucoup de décence. Elle confesse son extrême sensibilité. Ses textes sont une sorte d’état de lieu de son intime. Elle expose avec pudeur ses forces et ses faiblesses et le jugement des autres qui vient la bousculer. Ce disque est surtout une invitation à s’aimer de l’extérieur et de l'intérieur, c’est une acceptation de soi dans son entièreté. Une acceptation qui nous permettra de nous libérer des autres et de nous-même. S’accepter pour accéder à une pleine liberté, surement la vraie liberté. “Monde sensible” est un album qui touche tout le monde, tout ce monde sensible.

L'album de la semaine : Global Musique Vol. 1 (Synapson) Paul et Alexandre du duo Synapson se connaissent depuis qu’ils sont enfants, ils se voyaient chaque année pendant leurs vacances estivales. Leur duo est né il y a 10 ans. Ils sont DJ, remixeurs et aussi producteurs, multi-casquettes et pourtant leur parcours n’a pas toujours été facile. Il y a eu des hauts et des bas, des doutes, des presque ruptures et puis finalement le succès est arrivé. Synapson est désormais l’un des groupes phares de la scène électro française. Ils fêtent aujourd’hui leur 10 ans avec un nouvel album “Global Musique Vol. 1” qui laisse entendre l’arrivée prochaine d’un successeur. Ce nouveau projet est le premier volume de leur tour du monde musical. Ils sont allés chiner les artistes avec qui ils partagent de chouettes collaborations aux quatres coins du monde. On retrouve Flavia Coelho, Tim Dup, Oumou Sangaré, et la liste est longue. Les deux potes ne sont pas restés enfermés en studio à bidouiller leur machine pour faire de la musique, au contraire, ils se sont ouverts, ont ouvert leurs oreilles et se sont imprégnés de leur voyage pour nous le partager. Ça rend leur musique éclectique, elle n’est pas figée dans un seul style. C’est un bel enrichissement qui nous offre une musique aux sonorités variées. Ce disque est une carte postale musicale à l’image de la pochette de l’album qui montre un globe terrestre dont un quartier est découpé laissant voir l’intérieur d’une orange, on comprend que ce disque renferme une musique solaire et vitaminée qui nous invite à explorer le monde entier et ses cultures. On retrouve des sonorités africaines, d’ailleurs il y a essentiellement des collaborations avec des artistes africains. Flavia Coelho, quant à elle, apporte des rythmes brésiliens festifs. Ce disque s’avère être le billet d’avion idéal pour prendre le large et aller voir, en tout cas, écouter ailleurs ! Le duo a profité de ces périodes de confinement pour déjà travailler sur le volume 2, qui pourrait voir le jour dès cette année.

L'album de la semaine : Look at me now (Lou Doillon) La fille du réalisateur Jacques Doillon et de la chanteuse Jane Birkin, Lou Doillon vient de sortir un nouvel EP “Look at me now”. Pour la sortie de cet EP, Lou Doillon a accompagné le premier single “Claime Me” d’un clip qu’elle a entièrement réalisé et dessiné. Le dessin est une nouvelle corde à l’arc de cet artiste multi-talent. D’ailleurs, elle a illustré la réédition du roman autobiographique “Just Kids” de Patti Smith sorti mi-novembre. Lou Doillon panse les plaies de cette période douloureuse et sinistrée pour la culture en illustrant le titre “Look at me now” d’un clip mêlant des images de moments de vie en tournée, entourée de sa troupe, de ses musiciens, de ses techniciens. On découvre aussi des images de concert, irréelles aujourd’hui, des images issues de caméscopes ou de son téléphone. Ce clip réunit des images complètement spontanées et sincères qui nous rappellent à quel point ces instants partagés pendant ces lives ne sont anodins pour personne, ni pour les artistes, ni pour le public. Chacun vient s’y nourrir et s’ouvrir. Cette nouvelle mini-production de Lou Doillon a été écrite en février dernier lors de sa tournée australienne qui finalement a été écourtée à cause de la pandémie mondiale. Les 3 titres de l’EP ont été enregistrés à Paris au Studio Pigalle. Lou Doillon a auto-produit ce mini disque sous son propre label Patchmywork. L’autoproduction est pour Lou Doillon une façon de se tester et de rendre hommage à tous ceux et toutes celles qui ont cette audace, d’être libres et indépendants. Ça a été le cas de sa mère qui a autoproduit son premier film et d’Agnès Varda qui a offert à Lou son premier rôle au cinéma à l’âge de 5 ans. “Look at me now” réunit seulement trois titres, ce n’est pas généreux mais quel bonheur de retrouver la voix éraillée de Lou Doillon, sa musique lancinante et une basse si chaleureuse dès le premier titre.

L'album de la semaine : Disco (Kylie Minogue) Elle est australienne, a vendu plus de 80 millions d’albums dans le monde entier, et elle vient de sortir son 15eme disque. Il s’agit de Kylie Minogue. Son précédent album nous embarquait dans une odyssée country, et bien, changement de cap pour la pop star qui nous ouvre les portes d’un dancefloor enflammé avec ce nouvel opus très justement intitulé “Disco”. Petit retour sur l’histoire de la disco. Elle est née dans les années 70, le studio 54, club new-yorkais en était l'emblème. Dans les clubs à cette époque, beaucoup de minorités se croisaient, tout le monde dansait ensemble. La disco accompagnait toutes les revendications. Cette essence même de la disco a une résonance toute particulière dans notre monde d’aujourd’hui où les minorités n’ont pas encore toute la place qu’elles devraient avoir. Cette nouvelle production de Kylie Minogue puise toute son inspiration dans cette disco et aussi celle des années 80, jusqu’à la new disco plus récente des années 2000. “Disco” ce nouvel album, c’est le remède idéal à la sinistrose ambiante en cette période de pandémie mondiale, c’est un peu d’air frais, c’est un échappatoire festif. Bougez votre salon, faites de la place, en solo, à deux, en famille ou avec votre chien, tout le monde va danser jusqu’au bout de la nuit. L’opus, en 2 parties, envoie un peu plus d’une heure d’une disco enthousiaste, festive et déchainée. Imaginé un peu avant la pandémie, Kylie Minogue a dû installer tout le matériel chez elle pour pouvoir l'enregistrer à distance quand est arrivé le confinement du printemps dernier. Elle s’est posée la question de le sortir ou pas, elle l’a fait, et quelle bonne idée, tellement il fait du bien. Sortez les boules à facettes, votre combi dorée et dansez jusqu’à n’en plus pouvoir.

L'album de la semaine : N'attendons pas (Vianney) Après une longue pause de quatre années, Vianney a sorti un troisième album fin octobre. C’était le 30 octobre 2020. Premier jour du confinement acte 2. Un pari risqué mais qui n’a pas empêché ce nouvel opus de se classer numéro 1 des ventes une semaine plus tard. “N’attendons pas” emballe 11 nouvelles chansons. Vianney est allé chercher l’inspiration dans sa vie, son quotidien. Il parle de tout ce qui le touche et le bouleverse. Un voile de pudeur se lève un peu plus dans ces nouveaux textes, ce qui fait de ce nouvel album le plus intime des trois publiés. Par exemple, dans “Beau-Papa”, l’un des singles qui annonçait cette nouvelle production, Vianney se confie sur sa relation qu’il entretient avec sa belle-fille, sur l’amour qu’ils partagent même s’ils ne partagent pas les mêmes liens du sang. Dans un autre morceau, “Tout nu dans la neige”, il est question de son grand-père disparu, un homme qui a forgé le caractère humble et discret du chanteur. Dans “La Fille du Sud”, il rend hommage à son compagne avec qui il partage sa vie depuis plusieurs années. Vianney partage aussi son point de vue sur notre époque, celle d’hier pas géniale mais celle d’aujourd’hui pas beaucoup plus brillante non plus. Il ne se reconnaît pas vraiment dans ce que sa génération ultra-connectée propose. Il le chante dans le titre “Les imbéciles”. Ces doutes et ces questionnements n’empêchent pas le palois d’être optimiste et de penser que ça sera mieux après ! Il y a aussi le titre éponyme de cet album aussi “N’attendons pas” d’abord écrit pour Johnny Hallyday, qui est une invitation à vivre, tout de suite, et à aimer, à ne pas attendre pour profiter. Musicalement, la guitare reste au centre des compositions de Vianney, elle est enjôleuse, puis plus douce, festive puis rassurante, elle est le prolongement du chanteur. A côté de la sortie de ce nouvel album, Vianney occupera l’un des fauteuils rouges de la prochaine édition de The Voice. Un rôle qu’on lui a longtemps proposé et qu’il accepte enfin parce qu’il pense avoir suffisamment d’expérience pour coacher.

L'album de la semaine : Love goes (Sam Smith) Fin octobre 2020, après plusieurs changements dus à la crise sanitaire, Sam Smith a enfin sorti son nouvel album “Love goes”, une petite bombe pop qui fait du bien dans cette période un peu lourde. Prévu pour mai puis pour juin 2020, il devait s’intituler “ To Die For”. Un titre que Sam Smith a jugé déplacé en raison du contexte et de ce que beaucoup traversent. L’anglais distille un son pop et percutant. C’est moins organique mais plus évident que ses précédentes productions. Il y a aussi des balades qui adoucissent l’ensemble. Fans de Céline Dion, vous remarquerez évidemment le titre “For the lover I lost”, morceau que Sam avait écrit pour Céline Dion et que l’on retrouve dans son dernier album “Courage”. Dans cette troisième production, Sam Smith explore l’amour pour soi et pour les autres. Il a écrit les 11 titres pendant près de deux ans, une longue période d'introspection pour l’auteur compositeur et interprète en quête de bonheur. Il a passé ces années à chasser ce qui le rendait malheureux pour se concentrer sur l’essentiel et se détacher de ce qu’il ne pouvait pas maîtriser. Ce nouvel opus balaie de nombreux sentiments qui vont de la joie à la mélancolie et la nostalgie. Il est question des déceptions de la vie, de l’acceptation de soi, de demander pardon, et de pardonner, de la jeunesse qui prend le large. Il nous replonge dans ses souvenirs. D’ailleurs le titre phare de l’album “Kids Again” nous invite à garder notre âme d’enfant. Sam Smith y dévoile ses plus vieux souvenirs, sûrement les plus intimes de son enfance. Pour ce titre, Sam Smith est allé tourner le clip à Brighton, en Angleterre sa ville d’origine. On voit le chanteur déambuler dans une ville qui a marqué ses jeunes années, des rues à ses plages et son manège. Pour l’heure, le contexte sanitaire n’a pas permis à Sam Smith d’annoncer une prochaine tournée. On se tient au courant.

L'album de la semaine : Joie de vivre (Louane) On a découvert Louane pour la première fois en 2013 dans The Voice. Elle avait atteint les demies-finales. C’est le début d’un florissant succès pour la chanteuse en parallèle d’une vie personnelle dramatique. Elle a perdu ses deux parents en l’espace de 18 mois. Sa participation au télé-crochet attire l’attention du réalisateur Eric Lartigau qui lui offre le rôle de Paula dans la “Famille Bélier” et qui lui vaut le César du Meilleur Espoir Féminin en 2015. Dans les mois qui suivent, elle sort son premier album, un second en 2017 et le troisième fin octobre 2020, “Joie de vivre”. Cette nouvelle production est un retour aux sources pour la jeune femme. Elle nous emmène sur ses terres du Nord. Le titre de l’album donne tout de suite le ton de ce retour à ses racines : “Joie de vivre” est le nom du club de plage du Touquet où allait Louane quand elle était petite. C’est d’ailleurs une photo d’elle assise sur un rebord de fronton de mer, le club en arrière plan, qui illustre la couverture de son nouvel album. Louane arbore un regard perdu et la mine un peu triste, un paradoxe, avec le titre de l’opus, souhaité par la jeune femme. Le livret de l’album contient plusieurs photos de sa région natale. On y trouve son lycée lillois, une salle de concert très prisée de la capitale du Nord. Deux clips ont par ailleurs été tournés dans la région à Dunkerque et Roubaix. Ce retour en terre natale, à ses chères racines, a été vital pour Louane qui a frôlé le burn-out il y a quelques mois. En l’espace de 7 années, elle a connu un succès phénoménal et enchaîné les concerts. Alors, elle a pris le temps d’écrire et de finaliser ce disque. Elle s’est reposée, s’est recentrée, et a construit sa propre cellule famille. Louane a donné naissance à une petite fille, Esmée, en mars dernier. “Joie de vivre” contient 19 titres. Louane nous propose un large spectre musical. Il y a du slam, de la musique electro, du hip-hop et même de la trap. Dans ce disque il y a aussi cette collaboration inattendue avec le rappeur belge Damso sur le single “Donne moi ton coeur”. Je vous parlais de paradoxe au sujet de la pochette de l’album, c’est ce qui jonche aussi tout ce disque. Louane chante l’amour et ses passions et aussi la douleur et ses peines. Les textes sont plus intimes et introspectifs.

L'album de la semaine : Letter to you (Bruce Springsteen) Le boss Bruce Springsteen est de retour avec un 20ème album “Letter to you”. Un disque qu’il a enregistré avec ses amis musiciens du E. Street Band. La dernière fois qu’ils ont fait un album ensemble remonte à 2014 avec la sortie de “High Hopes”. L’enregistrement s’est fait dans des conditions records. En Avril 2019, Springsteen compose en une dizaine de jours les titres de l’album. Il les enregistre sur son téléphone. A l’automne dernier, il retrouve ses amis dans son home studio du New-Jersey et ils enregistrent dans les conditions du live. S’ils avaient déjà expérimenté ces conditions, le légendaire “Born in the U.S.A” avait été enregistré en live studio, là, ils ont quasiment tout gardé et rien repris. Une prouesse. Le disque a été enregistré en 4 jours, le 5eme jour leur a permis de prendre le temps de le réécouter entièrement. Ce nouvel album du rockeur américain contient 12 titres, dont 9 écrits récemment, et 3 autres écrits dans les années 70; ils avaient été enregistrés, archivés et quasiment oubliés. “Letter to you” est un album autobiographique. Depuis quelques années, Springsteen se livre intimement. Il y a eu son spectacle, seul sur scène dans une atmosphère propice à la confidence à Broadway, un livre autobiographique, un album solo et maintenant “Letter to you”. A 71 ans, l’américain prend le temps d’un coup d'œil dans le rétro pour se souvenir du bon vieux temps, de ses potes disparus et qui lui manquent tous les jours. Il est question de ses lourdes absences mais aussi de l'imprégnation de leurs âmes dans la nôtre pour toujours. Bruce Springsteen et le E. Street Band avaient imaginé partir en tournée avec ce disque. Ça ne pourra pas être le cas. Un documentaire filmé pendant les enregistrements de l’automne 2019 accompagne “Letter to you”. Bruce Springsteen y raconte sa longue et forte amitié avec les membres du E. Street Band. Le boss espère quand même pouvoir la reporter à 2022.

L'album de la semaine : Aya (Aya Nakamura) Aya Nakamura est l’artiste française la plus écoutée dans le monde. Avec “Djadja”, vu plus de 700 millions de fois sur Youtube, elle a fait danser la planète entière. Consécration ultime : Rihanna et Madonna en train de danser sur ce hit. Le phénomène Aya a mis le monde à ses pieds avec son second album sorti en 2018 “Nakamura”. Ce disque lui avait permis de recevoir une invitation pour le très select festival américain Coachella en Avril dernier, hélas annulé à cause de la pandémie. Cette invitation est un sésame précieux qui n’a été remis qu’à très peu d’artistes français. A 25 ans, la chanteuse originaire d’Aulnay sous bois a sorti son troisième album “Aya” vendredi 13 novembre 2020. Fallait-il être superstitieux ? Ce vendredi 13 a été un jour de chance pour la chanteuse qui a battu des records ! En seulement quatre jours, son album a été téléchargé plus de 12 millions de fois uniquement sur Spotify. Et en seulement quatre jours, son album a été le plus écouté au monde. Aya Nakamura a écrit cet album lors du premier confinement. Elle se livre un peu plus. Son inspiration reste toujours son quotidien, ses histoires d’amours, celles aussi vécues avec ses amis et ses ex. C’est du Nakamura dans le texte, avec l'argot de sa banlieue parisienne. Un franc parlé direct et sans concession. Ce nouvel album nous invite à bouger sur des rythmes toujours aussi dansants, balayant des inspirations afro-caribéennes et latines. C’est saccadé au rythme d’un zouk flamboyant. Ces 15 morceaux, c’est comme du soleil en barre pour l’hiver. Ça réchauffe les cœurs et le thermomètre du salon. Poussez le canapé, le dancefloor est sous vos pieds !

L'album de la semaine : Positions (Ariana Grande) L’américaine Ariana Grande est de retour à seulement 27 ans avec un sixième album “Positions” contenant des featurings avec Doja Cat et The Weeknd. La chanteuse est à la manœuvre de ses sorties d’album et en maîtrise totalement le tempo, à la manière des artistes hip-hop, qui proposent des nouveautés tous les ans plutôt qu’une sortie tous les deux, trois ans, plus convenue. Après deux albums personnels, l’un pour panser les blessures du terrible l’attentat survenu lors de son concert à Manchester en Mai 2017 et l’autre pour apaiser les stigmates d’une rupture difficile et du décès de son compagnon Mac Miller, l’américaine confie ses désirs les plus ardents. Il est question de sexe sans équivoque. Les textes sont très suggestifs et sans détour. C’est l’album idéal pour une soirée ardente à deux dans un chalet perdu en pleine montagne. Les 14 titres ont été enregistrés pendant le confinement avec son compagnon; inspirant pour les propos sûrement ! Musicalement, la chanteuse s’inspire de la soul des années 90. On se rapproche plus de son premier album. C’est langoureux, à la fois doux et rythmé un peu comme un câlin ! L’album a été publié en plusieurs versions, une classique évidemment et deux exclusives. Il est aussi disponible au format cassette, le retour ! Une nouvelle collection de merchandising entoure la sortie de cet opus. On retrouve les indispensables de cette période de confinement : jogg, sweat et masques ! Ariana Grande sera bientôt à l’affiche d’une comédie Netflix. Une première pour la chanteuse qui devient donc actrice. Elle sera aux côtés de Meryl Streep, Leonardo DiCaprio et Timothée Chalamet pour Don’t Look Up. Ariana Grande est de retour, c’est hot et ça cartonne dans tous les charts américain comme à chaque fois.

L'album de la semaine : Super Comédie (Peter Peter) Je vous présente aujourd’hui un canadien québécois originaire du Saguenay vivant désormais dans la Capitale Française. Il s’appelle Peter Roy, son nom de scène est Peter Peter. Il est auteur-compositeur et interprète. Il a déjà sorti 3 albums, le quatrième a vu le jour fin septembre 2020, “Super Comédie”. Une nouvelle fois, Peter Peter livre ses pensées, sa mélancolie et ses chagrins. Il s’agit d’un album introspectif et personnel mais où chacun peut se reconnaître. C’est un hommage à la vie, à nos vies singulières et uniques. Il raconte notre Existence dans sa globalité, ce qui fait chaque individu c’est la somme ses réussites certes, mais aussi ses échecs, ses épreuves, ses périodes de grande tristesse, et ses pertes. Il est aussi question d’amour dans les textes de Peter Peter. Il se questionne toujours sur l’amour que l’on vit si intensément mais qu’aujourd’hui on supprime d’un clic dès qu’il s’efface. Ces 11 nouveaux textes réunissent toutes les observations du québécois sur notre monde, notre société, et l’amour que l’on vit sur téléphone / par téléphone. Les textes à l’apparence simpliste sont très précis et riches de sens. Ils sont à la fois touchants et frappants de vérité. Peter Peter est un auteur confirmé. Sa plume, c’est sa plus grande qualité. Il écrit des poésies depuis son adolescence. Hypersensible, il a un sens très aiguisé des mots et de leur force de frappe. Pourtant, dans ce disque la voix, qui chante ces textes, est presque effacée. Elle se fait discrète. Elle se murmure. Elle nous frôle les oreilles pour mieux nous toucher. On retrouve dans ce nouveau disque de Peter Peter ce qui fait sa marque de fabrique, les synthés. Il introduit un peu plus de guitares. Elle sont acérées et contrebalancent la voix délicate et mélancolique du chanteur. “Super Comédie” est un album réconfortant qui répond à notre propre vulnérabilité.

L'album de la semaine : Seemone (Seemone) Je vous parle d’une toute jeune artiste aujourd’hui. Elle s’appelle Seemone. Vous l’avez déjà vue et entendue si vous avez regardé le télécrochet “Destination Eurovision” en 2019. Elle était finaliste aux cotés de Bilal Hassani. Elle a terminé seconde alors que les jurés n’avaient pas été avares d’éloges pour la jeune femme. Seemone est sortie quelques temps de la lumière pour se consacrer à la composition et l’écriture de son premier disque. Ce coup de projecteur que lui a offert “Destination Eurovision” a aussi apporté sa dose de pression à la préparation de ce long format, car désormais le public est en attente du talent de la jeune femme. Le premier album éponyme de Seemone est sorti début Octobre. Il s’agit d’un disque à contre-courant de ce qu’on entend actuellement. Seemone ne s’est pas ancrée dans une mode, dans un style qui marche. Elle a fait ses propres choix, ceux qui lui ressemblent. La jeune femme a eu la chance d’enregistrer ses 11 titres dans les mythiques studios parisiens Ferber entourée de musiciens prestigieux de l’Orchestre National de France et de l’Orchestre Philharmonique de Radio France. L’album a ensuite été mixé par Dominique Blanc-Francard, le frère de Sinclair. Ce premier album dévoile de jolies ballades acoustiques et organiques sublimées par la voix chaleureuse et suave de Seemone. La jeune chanteuse a beaucoup travaillé la partie vocale. Elle a pris des cours même. Elle avait subi une opération des cordes vocales juste avant l’enregistrement. L’orchestration, qui est très riche, de cordes, de claviers et de vents, réussit à apporter beaucoup de douceur et d’émotion aux textes très poétiques de Seemone. Dans ses textes, Seemone nous parle d’amour et de tous les questionnements que cela peut susciter, de l’abandon de soi et de la confiance en soi qu’il faut avoir dans ce monde guidé par les images. Ce premier coup d’essai est un doux ravissement. Hélas, Seemone ne prévoit pas pour le moment de monter sur scène.

L'album de la semaine : Oxyz (Squeezie) Lucas Hauchard, alias Squeezie, le youtubeur le plus suivi de France avec ses 15 millions d’abonnés vient de se lancer dans un nouveau projet. Après avoir créé sa propre marque de vêtement c’est dans la musique qu’il a voulu tenter sa chance. Il a sorti son premier album fin Septembre “Oxyz”. Le public a été rapidement au rendez-vous, vendant presque 20000 albums en une semaine dont 85% en physique. Ce qui est assez rare. Habituellement c’est la part de streaming qui est la plus importante. Malgré ce projet très ambitieux, qui ne se cantonnera pas à un disque puisque Squeezie a déjà annoncé vouloir partir en tournée, il a rassuré ses fans leur promettant de continuer à tourner des vidéos à la même cadence. Il a prévu de partager les coulisses de sa tournée. L’album est un bonus à ce qu’il a déjà fait et n’impactera pas sa production de vidéo. Pour sortir ce disque, Squeezie a dû prendre des cours de chant. Il est parti quelques temps au Japon pour s’isoler et se concentrer sur ce projet musical. “Oxyz” est un album de pop urbaine. On découvre un peu mieux la personnalité du youtubeur. Celui qui arbore toujours sur les réseaux une image positive et souriante, montre une autre phase de sa personnalité un peu moins lisse et plus mélancolique. Il aborde des sujets personnels et même intimes, évoquant par exemple sa relation avec sa mère. Il est question de solitude, d’échecs, des critiques auxquelles il a dû faire face quand à 15 ans il est devenu un personnage public. L’écriture de ce disque a permis à Squeezie de s’ouvrir et d'exprimer des choses qu’il n’avait pas encore pu ou réussi à dire. Squeezie a su s’entourer aussi pour ce premier coup d’essai. Le rappeur Oli lui a donné quelques conseils pour l’écriture. Gambi et Nemir deux rappeurs français ont répondu favorablement à l’invitation de Squeezie de partager chacun une collaboration. Désormais, si les conditions sanitaires le permettent, Squeezie pourrait dévoiler les dates d’une tournée en 2021 ce qui serait l’aboutissement final de ce premier projet musical pour le rappeur. 24 dates avaient été prévues pour cette fin d’année mais ont dû être annulées.

L'album de la semaine : The Ascension (Sufjan Stevens) Sufjan Stevens, le songwriter américain a sorti au début de l’automne un nouvel et huitième album “The ascension”. Cette nouvelle production est annoncée comme le successeur du chef d’œuvre de Sufjan Stevens “Carrie Lowell” sorti il y a 5 ans. Entre temps, le garçon n’a pas chômé, il a signé la bande originale du film “Call me by your name” et un album avec son beau-père. Le dernier titre de ce nouvel album, qui est aussi le single qui a annoncé “The Ascension”, c’est “America” et il provient de la même session d’enregistrement que son prédécesseur. “Carrie Lowel” était un disque très intime et personnel mais aussi libérateur pour l’américain qui déballait ses souvenirs d’enfant. Sufjan Stevens ne livrera probablement plus de textes avec cette intensité et cette profondeur. Il s’était confié sur sa mère schizophrène et alcoolique et son beau-père à l’écoute mais impuissant face à la situation. “The Ascension” est un regard global sans concession sur notre époque sombre, sur ce monde entier qui est en train de s’écrouler et cette Amérique, son Amérique qui s’auto-détruit. Sufjan Stevens nous dit ce qu’il ne veut plus accepter, ce qu’il ne veut plus être, ce en quoi il ne veut plus croire. Sufjan Stevens se montre ici en quête d’une vie plus harmonieuse et prône une déconstruction de ce monde qui va mal pour un retour aux sources qui sera salvateur. Sufjan Stevens libère une pop étoffée, parfois electro, parfois plus organique. On est à la limite de la trans. C’est presque incantatoire. Sa musique est immersive et envoûtante. Il y a toujours une magie incroyable et phénoménale qui opère quand on écoute Stevens. Il ne suit pas une ligne toute tracée. On le retrouve là où on ne l’attend pas. Ce disque est un bel exemple de patchwork musicale façon Sufjan Stevens parce qu’on passe de l’expérimentation éléctro à une folk dépouillée dans un glissement ni soudain, ni brutal, simplement fluide. A écouter, sans tarder, “The ascension”, le nouvel album de Sufjan Stevens.

L'album de la semaine : This Dream Of You (Diana Krall) Par les temps qui courent, et comme on est à nouveau confinés alors, je vous propose une ambiance jazzy toute douce, une atmosphère cotonneuse, un nouvel album à écouter dans un bain chaud avec quelques bougies ou près d’une cheminée enroulé nu dans un plaid moelleux. On y est ! Alors on lance le nouvel album de la Canadienne Diana Krall “This Dream Of You”. Ce titre vous parle ? Normal, il est emprunté à Bob Dylan, morceau sorti sur “Together Trough Life”, son 33ème album. Titre que Diana Krall reprend d’ailleurs, parce que cette nouvelle production, est un album de reprise ! Trois ans après son dernier disque solo, Diana Krall a profité du confinement pour prendre corps et voix avec les grands standards de la musique jazz américaine. Elle revisite pour cette nouvelle production 12 classiques. Le single qui annonçait ce quinzième opus a tout de suite donné le ton : élégance et minimalisme. Il s’agit de “How deep in the Ocean”, un grand classique des années 30 signé Irving Berlin et déjà repris par Billie Holliday ou Miles Davis. Diana Krall reprend aussi la célébrissime chanson d’amour américaine “Singin’ in the rain”. L’ensemble de ces 12 reprises est très épuré. Pourtant, si parfois seulement un piano répond à la voix de Diana Krall, l’orchestration s’enrichit sur d’autres titres d’une section de cordes voluptueuses, d’une batterie veloutée, d’une contrebasse enveloppante, d’un violon cajoleur et même d’un accordéon discret. La canadienne nous emmène de ballade jazzy d’une douceur intense à l’émotion divine des morceaux qui swinguent avec grâce. Un album idéal pour oublier la sinistrose ambiante de notre époque.

L'album de la semaine : QALF (Damso) Mi Septembre est arrivé un album attendu et espéré depuis 5 ans. On remonte donc en Avril 2015, on ne connaît pas encore Damso, rappeur belge, pourtant il publie sur ses réseaux sociaux l’arrivée d’une mixtape QALF, suivi du #TonFuturArtistePréféré. Les années qui suivent, le rappeur explose, mais on ne voit pas la couleur de QALF. Trois albums sortent, le dernier lui vaut même la Victoire de l’album rap de l’année en 2019, mais toujours pas de QALF. Pourtant, le rappeur dissémine ici et là des indices. Dans son deuxième album par exemple, le personnage d’un médecin vient conclure le dernier titre du disque en disant “je vous garde encore une petite semaine afin d’effectuer quelques analyses en plus. Je vous ai prescrit en attendant la mixtape QALF de Damso”. On y croit, mais finalement rien. En 2019, la suppression de tous ses posts sur les réseaux relancent les rumeurs. Puis dans tweet, il annonce la sortie de QALF pour la fin de l’année, pour finalement démentir en disant, “l’album le plus attendu de l’année, ne sortira pas cette année”. C’est une période où il s’est pleinement consacré à sa mère hospitalisée. 2020 arrive, plus d’indice en vue jusqu’en Août dernier, où enfin les précommandes s’ouvrent ! Des affiches annonçant l’album sont aussi collées dans les rues de Kinshasa, sa ville d’origine. QALF a fini par sortir le 18 Septembre ! Quelle histoire ! QALF est l'acronyme de “Qui aime like follow”. Maintenant qu’on a ce disque qu’est ce qu’il y a dedans ? Déjà 14 titres. Damso, 28 ans, réputé pour ses qualités d’auteur est toujours à la hauteur. On découvre un rappeur plus mature et moins tourmenté. L’amour est au centre de ce disque, l’amour pour sa mère, le grand Amour qu’il a enfin rencontré et l’amour pour son fils aussi qui l’a fait grandir. On entend d’ailleurs son petit garçon, Lior, sur le titre “Deux toiles de mer”. Incisif, Damso prend aussi quelques libertés politiques en dénonçant la corruption et ses fléaux. Il revient aussi sur les raisons du départ de sa famille du Congo, fuyant les exactions. Côté musique, Damso nous ballade entre electro, ballade saccadée et choeurs congolais. On l’a longtemps attendu QALF de Damso, ça valait le coup !