如果时间回到五年前，我一定会用尽全力拉住你，大声告诉你，那一天不要去冬泳了，为你的父母，妻子，孩子，还有这么多的好朋友，留在这个世界吧。

1980年一声枪声响过之后，列侬与他的60、70年代一起倒下了。“亲爱的朋友，你们要继续走下去，梦已经结束了。”歌曲的一段口哨声，。旋律很简单，长度很短，像是随口即兴吹出，悠扬轻快的曲调透露着淡淡的忧伤，忧伤中又蕴含着对生活的热爱和乐观， John似乎用这段口哨总结了自己的人生。。 一个真正的约翰·列侬，他的音乐永远停留在我们心中。 无论经历什么，生活需要继续，生活必须继续

《Sound》专辑是一张正式确立了Beyond在离开了家驹时代的转型风格，电子乐、摇滚乐、迷幻风格在本张专辑均有尝试，而整体质量亦是在其时仍然盛行的翻唱风中不可多得的高水准原创专辑。尤其难得的是，这次他们一改往日风格，显得十分愤怒，也更加愤世嫉俗，歌曲中带有浓厚的重金属味！这种摇滚精神，批判精神，独立思维才是BEYOND最为珍贵的灵魂，也是摇滚的意义。beyond更是在本张专辑的海报内，自信满满的写十分有震撼力的一句话=：不是每一种声音都叫音乐；不是每一个乐队都叫beyond。

我不喜欢赞扬一个乐队或者音乐有多么的好或者多么的不凡，因为音乐本身是展现情感的一种方式，不是生活的奢侈品，再多的金钱也无法让他变得富丽堂皇。因为它需要情感的堆砌。闭上双眼，平静呼吸，停止举动。一个遥远却又温暖的声音，缠绕我们的灵魂，空气都变得细致，唾液都变得甜蜜，眼泪也成了快乐的语言，灵魂飞上天空随着Mathew Bellamy的声音，旋转，上升，拥抱温暖。

有一种声音，不响亮不光明，但是就像偶尔在温热的酒吧里面嗅到的燃烧的叶子的香气。有一种声音，不强硬不激烈，但是就像沉浮在跌荡复杂的人世间被忽略忘记的天真童心。这是muse的假音给我带来的无限遐想。我总觉得他的音乐中间夹杂着割舍不去的东方韵味，这样的神秘全来自主唱妖娆却不矫揉造作的假声。这一点是在我反复捉摸muse迷惑我的原因时发现的。

仔细听完这张唱片 你能在里头找到贾敏恕 制作过的 黑豹、唐朝、张楚、何勇、窦唯，他们早期作品的影子尤其是 黑豹唐朝 。可以这么说他颠覆了我对90年代摇滚的认识。某种意义上他们是这个乐队在大陆的延续。一直以来我认为只有邓丽君在影响我们流行音乐，罗大佑在影响民谣。原来摇滚乐也是。而且比流行乐更彻底。那些鄙视台湾音乐鄙视台湾没有摇滚的人，请你们打开耳朵好好听听这张专辑

他们对宗教、爱情、生命的思考。犹如暗夜里的钟声的敲响，沉入黑夜里的男声上面漂浮着飘渺仿佛来自天国的女生一起宣告着这趟黑暗之旅的开始：As darkness fall;只有黑暗。

《That inferior feelings》车轮触碰轨道的声音，火车的目的地是你想去的地方吗？

薛岳的一生应该是骄傲的精彩的，就像家驹虽然已离开了我们，但那种不羁质朴和顽强闯荡坎坷道路的气势令所有的人为之倾倒。我们无法将薛岳再次召回，他就像灰色的轨迹早已在我们的心中留下阴影。他用死亡谱出的乐章依旧充满阳光。就像五月天说过的话：薛岳一直是我们的指标。他早已逝去的生命所留下的，跨越时空的宇宙来到我面前的，永恒不朽的星光。一个面临死亡的人唱出来的感觉不是颓废不是悲痛，而是将剩余的生命激情挥洒以及最终的告白，或许更多的还有他的不舍和他不服命运安排的一种抵抗。这是真正的摇滚精神

如果翻开他的曲目，你会发现在他的生命中歌唱过铁路工人，修路者，士兵，警察，消防队员，建筑工，临时工，无业者....... 所以他的身上也一被直打上了“蓝领阶层的英雄”，“为劳动者唱歌的人”这个拥有意大利血统的歌手，已经陪伴我走过了多年聆听音乐的生涯，这么多年，始终在我身旁，随时给我带来安慰，带来救赎的力量。他唱着小镇里的罪犯，那些失业工人脸上的彷徨，公路上的花朵和正在建筑中的桥梁。自然而然，淳朴到不带一丝矫饰。我始终钟爱着美国民谣的抗议精神，那种来自内心的抗争始终在让我获得解决自我的力量。上路还是挣扎于你自己创造出来的灾难现场？我想我已经找到了答案。在每个清晨或者黄昏清醒的瞬间，我都会告诉自己，我想我们要的东西就在你的身旁。这才是民谣

用王家卫的台词来说，今天是我们分开的第847天，两年多的时间里，我没有爱过谁，我的手在离开你之后没有被谁牵过，我的嘴在你离开之后也没有被谁亲过，闭上眼睛，我还能感受到你的手你的唇，就离开那么一会儿，我以为我一睁开眼睛，我一叫你，你就回来了。

在歌曲中，在现场里，他们更像在讲述一个个悲剧故事。表面的无端呼喊隐藏着支离破碎的愤怒，浮在愤怒之下的是满心的空虚孤寂，野合的音乐总是给我带来一种孤独中爆发的力量，这种力量源自野合这四个精神小伙，但更是源自我们的内心。

谁说摇滚是年轻人的专利，谁说重金属就是噪音和发泄，数十年来，乐队一直以凌厉的双吉他演奏和主唱嘹亮的高音而闻名乐坛，并且数十年不变的坚守着流行重金属路线，尤其喜欢蝎子那些透着淡忧伤,深情谊,重期盼的情歌，用这期节目向全球最成功的德国硬式摇滚乐团致敬在Scorpions的音乐里，只有沁人心脾的动听旋律和震撼激越的音效完美结合，几只老而弥坚的“蝎子”，借着音乐，将那致命的毒刺展现出来！

这也许是90年代台湾地下音乐最重要的一张专辑！　　这张专辑是也荳荳唯一留下的专辑，CD内收录有数首荳荳生前最后留下的演唱录音(原音)，重新加以编曲製作 是台湾早期摇滚的重要记录，地下音乐档案时期的珍贵记录转眼三十多年过去了，长发飘飘的摇滚青年们渐渐远去，渐渐老去，而那种敢於作夢，勇於選擇的精神，确是從Wooden Top，人、狗、螞蟻到搖滾陣地共同的標記，一直持续到现在。最后是豆豆词曲，隔着时空与旧日朋友重新编曲合唱的歌曲“呼吸”，选择这样的聲音，跟著我們一起呼吸。独立思维，自由表达，做出叁分独特的自己。生命才有意义，才是真正的呼吸，

“Compay Segundo，这是一位已经过世的老爷爷，享年96岁。来自古巴的吉他演奏家、歌手和作曲家 。50多岁的时候，他成了著名的Buena Vista Social Club的正式乐手，与其他大师一起引领古巴独特音乐风格的形成。不仅是1959年古巴革命前最重要的音乐遗产，更是古巴人民的骄傲。Compay Segundo就是将古巴音乐扬名国际的国宝级教父。那些曾伴随Compay青春年少、社会动荡与不安、情爱鲜明描述的创作，挥洒强烈持久的香气韵味，一段没有国界，走出哈瓦纳的音乐记忆。他的歌曲里带着古巴雪茄的味道，嗓音低沉而有魅力，一听就令人难以忘怀。想像一下，一位对生命充满热情的老者，抽雪茄，弹吉他，唱歌， 跳舞的画面”

听着这样的现场的音乐，现在，我脑中的画面，就像看到一群苍老的吟游诗人，在悲伤、唏嘘和回忆中，谈起自己一生的冒险。一次相遇，终身难忘，永远歌唱，生命之诗！

事业对我就像 绿头苍蝇，天天嗡嗡 飞来嗡嗡飞去，爱情我们 天天呼唤，事业我们 天天忙碌，人生需要 我们天天斟酌，好比无数 苍蝇落在头上

　整张唱片，没有无病呻吟，只是真实吟唱和寻找出路的心态。意识形态里的和谐是什么？去听吧，听一个故事，走进去吧，一如照一面社会哈哈镜。 　　一曲终了时，去发现太多隐形的东西吧！ 　　 　　天皇皇，地皇皇 　　什么浩荡？ 　　天茫茫，地茫茫 　　什么朗朗？ 　　月光光，心慌慌 　　何方是故园？

即使是最有實驗精神的前衛藝術家們，都還是會被與他們同一時期的同儕們影響，或者是可以追溯到他們的前輩、欣賞的偶像，甚至跑到巴哈、貝多芬的古典時代裡面去。所以很自然的，當我們討論當下的音樂發展趨勢時，回頭檢視近幾十年的音樂人與樂團，聽聽他們的聲音與看看他們的創意，回顧這些聲音第一次的出現。自 The Band 到 Talking Heads，Hall & Oates 到 Black Sabbath，這裡介紹十組對音樂風格演化有所影響的藝術家，他們的歌詞、營造的聲音氛圍甚至音色，可以在現今受歡迎的近代音樂人中看到一些端倪，我們也會將他所影響的後輩列舉於下。

终于，结束的一刻到来了。Ringo的Drum Solo, John, Paul, George的吉他合奏.......四人尽全力做着最后的表演，直至最后一个音符落下。the Beatles结束了。而唱片封套上四个人排成一列，跨过Abbey Road，他们的背后，是曾经朝夕相处的Abbey Road 录音室，在他们的前方，还有着各自的梦想与追求……

黑童话即黑色童话，是一种以童话的叙述手法为载体，表现黑暗、恐怖等内容的文学形式，与像糖果一样甜腻，与充满美好、希望、色彩斑斓的传统童话相对。黑童话绝不是乖孩子枕边书，更像是成年人的读物。透过美好的表象，光华下是一些腐烂变质了东西，如黑色一般，晦暗绝望。对现实世界有无声的控诉，也是对所谓的美好事物质疑。

当迷幻的音律融化掉凄美的诗韵时，流淌出的是柔软的感动，一个丝绒的世界四处飞舞着泪滴裹藏的真诚，散落在上苍泛黄的诗页上。The Verve用青春的彷徨和热情抚动琴弦，颤动的空气翻过诗页，让新的泪滴记下这首唯美的城市赞美诗。

迥然不同的翻唱，经常会给原曲带来完全不同的有趣或是感动的另一种体验

1995，以一张《昨日今日永远》精选辑结束合作。解散的次年，两人各自出版了单飞后的首张专辑，林志炫出版翻唱作品辑《一个人的样子》，而李骥出版了创作作品辑《一个李骥》，其中一首回顾过去的真情流露的作品竟然也叫《一个人的样子》。 　　即使世事变迁，但不管何时何地，每当耳边再度传来优客李林的歌声时，思绪总是不由自主地回到记忆中那无法遗忘的优客年代。虽然时光无法倒转，但是在许多年以后，再度听见优客李林，却还是会被他们的音乐所感动。就像一把熨斗，熨平我们有时失落的心情

不知道听过多少个版本的Grateful Dead - Dark Star，从五分钟到一个多小时的版本，迷幻得让我迷醉，一年又一年

其實，專門為耳機設計的專輯並不多，大部分的音樂專輯都是預設在公開播放的硬體。這兩者不一樣的差別在於耳機的聲音是直接刺激你的鼓膜，而公開播放的喇叭也會撼動你的身體。因此兩者需要的聲音比較不一樣，耳機需要的是比較細緻的音色而且從使用習慣上講耳機是一個比較私人的放鬆行為。因此在這邊沿着时间顺序，選擇 10 個足以讓人心靈直升天際的耳機專輯。

David Garrett 在青少年时期就写下了连篇的传奇故事。他被BBC(英国国家广播电视)喻为“已成传奇”的提琴王子，第一张跨界大碟《Free》在全球引起风潮，放眼当今乐坛，大卫·格瑞特，是唯一能同时将古典榜及流行榜通杀的提琴超级玩家。听他拉的曲子或者主奏的摇滚乐曲，简直就是一种享受甚至于感动，每次听到他拉的曲，都会不得不感慨和激动万分。他用四根弦谱出世界上最美妙的曲子。他用一双手把全世界最动听的音符吸引过来狂舞。 他只要发出一点点声音，所有的感官都会为他吸引而去，你不得不停下来静听感受他拉出来的旋律，简直就是天籁。这个音乐天才感动了我。这个游走在摇滚与古典之间的David Garrett ，不仅拥有神奇的音乐灵魂，全世界最快的演奏速度，竟然还有着如此帅气的外表，让人怎能不感动佩服乃至嫉妒。

每一个有你的现场，都是独一无二的体验

“我要为你唱支歌，在午夜的Sverige(瑞典)，这是我第一次这样表达。南昌正是晚上九点半，你坐在电视前吗，我的歌声在地球的另一边。不知是你太固执还是我生来叛逆，岁月的回望已成形同陌路。简单的歌词光是读着就让人心痛。我仿佛能看到一个中年人坐在椅子上，拿着吉他边弹边唱，低沉的声音撕裂着黑夜，记忆出走千万里。

Eternal Tears of Sorrow, 芬兰唯美且不失凶狠的旋律金属乐队,一首熟悉的歌又将我拉回到从前, 暗黑而不羁, 沉沦而充实, 孤独而简单的以前……….. 忧郁感性的男清嗓，清丽的木吉他，还大量运用了晶莹透丽的键盘演奏与华丽绝美的吉他SOLO，并削弱了吉他的凌厉气势，使得他们的音乐更加的旋律化，呈现出前所未有的华丽与绝美。

贝斯(Bass) 是乐队中一般必不可少的乐器之一，它在乐队中主要担任低音声部，有时也作即兴独奏。传统爵士乐一般都采用原声贝司(即低音提琴)来体现它的原始风味。而在现代爵士乐(特别是融合爵士)中经常运用电贝斯或电子合成器中的合成贝斯音。是新金属还是传统的金属乐，贝斯都和鼓一样都是乐队的节奏和基础。鼓是骨架，贝司是血与肉，吉它是灵魂，键盘是发型。

再见，科比

永远年轻，永远热泪盈眶

刚看本片的时候，感觉特别的混乱，一种说不出的混乱。社会的混乱，台湾小型民居的混乱，阿国阿兜各自懵懵懂懂的混乱…… 在他们这群青少年眼中，这是个混乱的社会，没有正义感，没有安全感。家里大人的教育，社会教给他们这些。看着他们那稚气的脸庞，我一阵阵的心酸。他们看到了社会的阴暗面，并已经走了进去。血腥、厮杀、枪、暴力这些字眼一个一个涌入我的脑海。 我想起一个词叫做“老气横秋”，他们的年龄，他们的经历，他们稚嫩的想法，他们血气方刚的青春少年的冲动，不仅互相矛盾着，还与这个社会格格不入着。 他们眼中，社会抛弃了他们，所以他们也要抛弃社会阿国死的时候很是凄惨，尸体被抛在路边，一条狗过去嗅了一下又走开了。也许导演是想告诉我们，即使他们的生活那样的混乱与辛苦，他们选择了这条路就注定，难以得到一个好的结局吧。想起阿国日记里的一句话，“天空下着雨，像我的悲哀……”真正优秀的艺术作品得到的不是谢幕后的雷鸣掌声，而是掩卷沉思后的一生喟叹

在时尚的眼里，硬摇滚早显得古老，就像他们眼角的鱼尾纹。但硬摇滚也许早就成了滚石的筋脉，滚石的心。他们真正热爱，并真正与之交融。他们回到硬摇滚的时候，就等于潇洒的回到青春，回到未来。尽管主唱Mick与Keith的嗓音现在听起来似乎流露出了以往少有的一丝温厚，并且愈发沧桑醇厚，但歌词里还是充斥着一贯的狂放，冷嘲，不怀好意的暗示。分类狂人和考据专家在面对他们时可以比较轻松。他们从来做的就不是一种复杂的音乐，也不为时髦分心，而是在简单和坚定里闪出光，磨出境界。

太宰治在天鹅之作里写，生而为人，对不起。即使鲜花和情诗永远打不过飞机和大炮，打不过利益和权势，但毕竟我还是想要一种东西能安慰苍凉的人生。即使听着像是个谎言，我也想叫什么人念“the third time she was given to choose the easy and the hard, she chose easy.”即使生活如此艰难，我还是想要一点点那么不同于现世幸福的春暖花开。

细细听来，匆匆而过

告别2019，这忽然消逝了的一年。也又有了新的一年来爱你

想带着你一起看烟花，许下陪伴你一生的小愿望，反正，一辈子这么短，忽然就一起笑着走着白头了

40多年来，Steven Tyler花哨而永远不会降温的激情表演永远是整个摇滚乐历史上最难忘的镜头之一；Joe Perry冷酷的吉他英雄形象依然是吸引世界各地无数青少年拿起吉他模仿的偶像 节奏蓝调摇滚的Aerosmith，铁汉柔情的Aerosmith，前卫、迷幻、另类、重金属及抒情交替呈现，，在黑夜中，在一个人孤独的时候，放上唱片，让所有人世的尘埃随着音乐缓缓落下，沉浸在那介于天使与恶魔的独特嗓音中不可自拔，虽然史密斯飞船乐队已经在世界摇滚乐界征战了40多年，但是这支伟大的摇滚乐队依旧在路上

如红酒越品越香，有了经历的人才会感动他们的歌总是想起一首听一首，听了一首就唱一首。总是感觉成熟的歌手唱出的歌就是跟小毛孩子不一样，有岁月感，略带沧桑，还有对生活的感悟... ... 听着听着，当现在过三十的我耳边再漂过这段熟悉的旋律让人心中既温暖又失落还有那么点感伤,因为时光易逝.现在听音乐的我早已不是当年那个懵懂少年.

杨一，这个诗人般的歌者，仍然行走在这片古老的大地上，歌唱着原始的感动与纯洁，歌唱着坚韧的劳动者，期许着家园的永久。我们就这样在他的歌声中寻找我们失落的家园。　不管是创作歌曲还是翻唱的民歌，杨一唱的都是大白话，他唱起来也不太讲究节拍，甚至常常跑调，他唱歌时的口音很重，听惯了字正腔圆的歌手唱歌的人，杨一的歌声是最难听的。可是听过他的歌唱，或者你会明白他的歌曲为什么能打动人，能一下子唱到人们心里，能唱到从他的老据点中国美术馆一直唱到全国各地乃至国外。

Grace，Buckley生前出版的唯一一张专辑。发行时间: 1994 Jeff Buckley的歌绝不是琅琅上口的那种，适合寂静的夜晚或是孤独一人时慢慢听、慢慢听。天生的忧郁，敏感而又袒露，总是有痛苦的味道萦绕其间。这是一张天使一般的专辑。Jeff的嗓音犹如天籁，在狂躁的曲目中充满张力，而在平静的曲目中则是纤细敏感的。只是一张专辑便将他送进了第一流的乐手之列。而当所有人都在期待他的第二张录音室专辑的时候，民谣之城的孟菲斯城、静谧而神秘的密西西比河将Jeff Buckley带走，从此他成为一个幽灵，运行在水面上，在密西西比河上。

说起爱情，没有什么是不会变的，亦没有什么人是不会变的，世事难料，无人能够让时间停止，时间也更加不可能停下来等一等你。记得电影《东邪西毒》有句台词说：“当你不能够再拥有，你唯一可以做的，就是让自己不要忘记。”人的一生大约会遇到约2920万人，两人相遇的几率在0.00487，而相爱的概率是 0.000049。这个世界能相遇就已很难，何况彼此相爱。

MTV 的 Unplugged 系列節目開始於1989年民謠音樂興起的年代，90年代的許多傳奇人物都曾參與其中，也有時融入嘻哈音樂，MTV 還時常把這些經典現場節錄發行專輯。近年來不插電演出已經不常見，然而他卻提供一個另類舞台讓音樂人可以卸下所有華麗裝飾，用最獨特、真誠與感性的一面呈現歌曲的靈魂

《Siamese Dream》對我來說是九零年代最「美」的人事物之一，它總讓我懷念起國中自己獨自一人在家裡聽時，那種驚訝於音樂多元與豐富的回憶。它伴隨著我一路從國二到今天，整整十五個年頭；我蠻後悔我居然從來沒有好好描繪它有多美，直到今天。

一次次在痛苦和真实面前 热泪盈眶 渐渐懂得 年轻与年龄无关 约翰列侬说过 摇滚的孩子不会老去 他们只是渐行渐远

你自1988年出道，短短九年，将轻薄庸常的流年锻造成金刚华彩。你留下太多经典，唱片业初时的粗糙都无法磨损你音乐的质感。好些歌，传唱至今，仿若你从未离开。可是一转眼，看到海报上20年前的你，永远的黑框眼镜、平头、温暖笑容，方觉你离开已太久，30年星河浩瀚，彼时与我一般的少年，早已长成，面容没了光洁，光阴刻在眉眼，而你永久留在1997年的31岁，这中间不是一年又一年可填补，隔了很久很远，无法历数的日月。我们跨过去了，行至又一岸，你留在原地，我们隔着清莹的溪流，不舍挥手，不忍再见。

两年前，从小与我最亲的妹妹，在梨山附近的山涧不幸溺毙，那一年她才 15 岁。 　　 虽然从头到尾，我没有掉一滴眼泪，但这个伤口一直在我心中。 　　 她是那么可爱，那么懂事，而且歌声又那么好。老天真不公平，妹妹她一直比我更爱唱歌，唱得比我更好。 　　 这件事对我的打击太 大，在此之前，我从来不曾公开演唱过。是她去世后，我报名了“木船”民歌比赛，开始加入热门合唱团，一场又一场地唱下来。 　　 像是背负了什么使命，心里不断有个声音催着我：“喜欢，就赶快去做！”不要等到一切都太迟。 　　 今天我站在台上，受到许许多多的欢迎，除了高兴，更多的是感激，感激上天让我唱出了自己，也唱出每一个人永远渴望的纯真与勇气。 　　 这是我的第一张专辑，我把它献给所有喜欢音乐，喜欢生命的朋友。 　　 谢谢你，老妹。谢谢你们，爸妈。谢谢你，我的朋友！ 　　 ——张雨生 88.10.22.

这是七年前对于崔健来说有着特殊意义的一个现场，他回到十几年前曾经演唱摇滚经典，见证他成为“中国摇滚教父”的北京工人体育馆，与他走上摇滚道路之前的北京交响乐团的同事们一起，为观众呈现了这场震撼心灵的摇滚交响。

一首歌曲，有时只有钢琴在游走，虽然简单，不过就在简 单之中，给了听众最直接最简洁的触动。

“ParkLife”诞生于90年代，当时经济大萧条的阴影退去了，阳光真明媚，理想也随着阳光升腾走了，怎么让自己活的舒服变成新的追求，日子叠着日子，不经意间被同化了，随波逐流，不得不妥协一下，放弃一些，骨子里却还是一如既往冒着叛逆的气焰，于是这时候来听"Parklife"更加有感觉。

九十年代的R&B很纯正总是很轻易地就将人拉入了另一个世界或者领域一个完全属于灵魂深处的地方酒要喝陈的这样的音乐也如此当这样的的声音跨越了两个世纪再次聆听时 感动依旧

整张专辑从一开始就有一种欲罢不能的感觉，慢慢铺垫开来，情绪越来越浓厚，尤其是最后翻唱的The Doors的light my fire，用死亡金属的唱法别有一番风味。,这张专辑并不像其他死亡金属那么刺耳和极端得令初听死亡的人望而却步，教科书式的死亡旋律，死喉、男高音交叉吟唱，一切在今天已十分熟悉的高低搭配在那时确是创举，有过音乐创作经验的人听一听第一首引曲就可以知道amorphis编曲水平了——钢琴、吉他、贝司、镲，从未有过的营造出一中壮丽凄美的北欧山水。如果你还没听过死亡金属而又对死亡很感兴趣，不妨从这张千湖传说开始你的死亡之旅。

从"理想主义"的反抗乌托邦，蔚华用"男性化"的嘶哑弊嗓唱歌，身着"男性化"的摇滚服饰，将自己混同于散发过量荷尔蒙的男性同伙之中，并深以为自得与自傲，以为这就是摇滚了。再回到性别身份的苏醒，身上原本的优越、闲适情致在所谓的"白领"阶层认同中也复活，蔚华的成长，也时代的前进，在1993年摇滚北京1中的歌曲新世界中，结束这期节目，在理想主义已经消亡，享乐主义横行的这个新世界中，让人在品尝优雅的"琐碎"之后，我们的眼前耳畔依然荒芜，真实早已支离破碎，能够直面它的勇士越来越少。

低沉，磁性的声音，萨克斯管略带落暮的独奏， 把人带回到秋天，红叶满天飞舞，以最妙曼的姿式告别这个世界，然后你可以听到叶片落地时 轻轻的叹息。

低沉深厚的男中音，沉郁感伤，一种近乎痴迷的思念，宛如罂粟花偏偏艳丽象斜阳，就像缠绕在你灵魂里的妖孽，面对你满嘴的谎言，仍然深情不移地痴望着你……

NEW YORW UNPLUGGED是KURT的艺术,也是KURT的遗书.演唱会的歌曲,和自己的结局都是安排好的.整唱演唱会叙述了自己最后想说的话. 地上摆满了点燃的蜡烛和淡紫色的鲜花，场后用红幕布置，乐队的四人呈菱形的分坐四角，场的四周坐满了观众，气氛融洽而平和。Kurt和他平时一样，穿着随意，其他人也没有刻意打扮，一切和他们平常一样的自由，还可以见到在乐曲的间隔当中Kurt的有说有笑，实在让人难以接受他在数月之后的离去。在我心中，Unplugged是和Never有着相同重量的专辑，他们都是Kurt一个截然不同的里程碑，只不过一个是起点，一个在终点....

故事散场，电影落幕，物质不灭定律，所有的花一定会再次盛开，所有的风都会再次回归。只是此情只待成追忆。逝去的时代都是可爱的，在这样的社会环境下，真是怀念这样一张专辑《野花》——这样一张“西式音乐／中式小调 +吉普赛风情／东方神韵”，糅杂精彩的专辑。

如何来形容Sia的声音呢？就像是在巧克力蛋糕上再浇上点儿朗姆酒，它不仅仅是甜的，而且醇香浓厚。因此我不愿意用Pop来简单的定义Sia的音乐，如果说Christina Aguilera的声音深情，那么Sia就是真正的灵魂。

说到胡吗个，现在他也签了唱片公司，也出了三张专辑，不需要去学校代课了，不需要靠女朋友接济。不写歌就写小说，拍DV，但不知道是不是还骑着自行车在北京城大街小巷里转悠，体会下层人生活。他是生活已经基本满足了吧，胡吗个是否还能保持曾经纯粹的想法，继续实验着他的另类音乐呢。至少他的题材是无穷的，应该不会象许巍那样回到过去，过早的回忆，过早的苍老。唉，又落入俗套了

在昆明的每一天，经过一片麻园，这里有一群画天者、一群无花果的播种者、一群暴风之城的主人、一群麻园的诗人。音乐仍在继续，旅途仍在继续，他们的旅途，连同我们的旅途。此站，麻园！

一段清脆的木吉它带出一个孤独的踉跄前行的旅人, 极目四野, 一片冰天雪地, 落叶飘零永远沉睡于大地, 河水冰封却于来春解冻………黑腔像孤狼般低嗥起, 挣扎, 想逃脱这冰封的樊笼, 怀念, 那曾经的激情之火, 解脱, 这永世忧伤之泪………

芬兰是摇滚乐的“重灾区”，每十万芬兰人就拥有接近 500 个摇滚乐队，自嘲是因为一年之中长久并寒冷的冬季所造就，摇滚种类的曲风更是多到数不胜数：重金、黑金、哥特、交响、古典……简直将摇滚乐玩出了无人能敌的境界。森林、湖泊、极光……这些自然元素成为芬兰音乐的灵感来源。有则笑话调侃芬兰摇滚乐队：芬兰森林公园护林员一年中 75%的工作，都是在茫茫林海中搜救因拍摄专辑封面而迷路的摇滚乐队成员……就连顶级的摇滚音乐节 Tuska 的宣传片都经常闪过芬兰的茂密丛林。芬兰有非常多种摇滚音乐，正如标题说的一样“好听到让耳朵怀孕”，为此我们特意精选了几个风格迥异的芬兰乐队和音乐人，让你爱上芬兰摇滚的同时爱上更多芬兰好听的音乐。

如果你还能在家里翻出一两盒谭咏麟、张学友或是齐秦的磁带，上面八成有个字迹模糊的名字：宝丽金。宝丽金 (PolyGram) 这个厂牌已经在世界乐坛消失了将近 20 年。它一度是港台金曲的代名词，包括上述鼎鼎大名艺人在内的辉煌阵容在华语音乐闯下一片天地，也成了很多人流行音乐的启蒙。在1999年以前，宝丽金是世界上最著名、规模最大的唱片公司，历史悠久。我们所熟悉的“一代经典”邓丽君、张国荣、“天王”刘德华、黎明、“歌神”张学友、最近又重新“圈粉”的何润东等等，都曾是宝丽金的签约歌手。可以说，宝丽金见证并记录下了那个时代乐坛的辉煌，曾经拥有DG、DECCA、飞利浦等跨国唱片企业。然而在1999年，美国环球唱片集团收购了宝丽金。直到2013年，香港环球唱片宣布重组宝丽金香港分公司。

2019-03-04英国时间早上八时， The Prodigy 主音 Keith Flint 被发现死于家乡 Dunmow Essex 的住所，年仅 49 岁。毫无疑问，这对世界乐坛以及乐队都可谓沉痛的打击。The Prodigy 也在 Twitter 上发布声明，称其为真正的先驱、创新者和传奇。随着一个个有趣的人的离去，90年代已经远去，它也成了定格在90年代文化场景中永恒的一幕：Keith Flint身穿着星条旗的衣服，画着浓妆的眼睛死死盯住相机镜头，在伦敦的一个废弃的隧道里，癫痫般地跳着舞，魔鬼角般的发型格外显眼。可以确定的是，有他在的The Prodigy是无数人的力量和精神指引。除了带给我们电子音乐上的多样性，他还将偏执的、躁动的情绪真实的摆上台面，他让每一个人都勇敢面对自己的情绪，并且用自身证明了，就算是生在尘埃之中，也可能成为一个时代的耀眼巨星。

你毫无节制用嗓，次次用到及至，再好的天赋也经不起这样的挥霍。可是又有多少的及至会永恒不破呢。你说一直唱到不能再唱为止。这句末世英雄般的承诺，我听得又感动又悲凉。 其实我有点害怕看到你的倦容，害怕看到你眼角的浅纹，我最怕有一天你会老去，你不再像从前那样上窜下跳又蹲又坐又卧又跪躺着飙高音，不能再把歌唱到疯癫然后成魔成仙。喜欢你，不仅是因为别人写过的：你的歌喉，你的音乐，满身的缺点和乱七八糟的经历，坏脾气，唱到高音汗顺着脖子流下来的华丽样子，你的酒量，你的骄傲。在所有人事已非的景色里，我还是这么迷信着你。

手是表情，酒是表意语言是桥，沉默是隧想做点事情，便不能只在灵魂中开花，更要在世俗中结果于是走出来，去各个地方坐坐，聊聊这个夜晚已经犯困的拖鞋慵懒地做客在103.6福建新闻广播聊梦想聊音乐也聊手工皮具聊大漆更聊人生聊那些一直信仰的东西微微笑着慵懒地呻吟

春节酒喝得太多，偷懒一下

听"破碎声音"的音乐，不需要太多的言语，仿佛只需抬头仰望，期待天空的晴朗束缚与自由，逃避与放任，苍凉与温暖，是一叶叶属于时光与情绪的碎片。而愤怒与无奈，躁动与不安，纯真与落寞，一切的一切，都羽化成空气，消逝在无声的空气里。破碎的所有歌曲都给人以走下去的力量。失望中带着希望,让我享受黑暗也陪我度过黑暗

世界就有这样一种声音，让你三秒钟就会爱上，就像科恩的嗓音。柯恩就是柯恩，一颗总在深思的老灵魂，一缕总在爱恋的孤独男声，一个不爱穿牛仔裤的老嬉皮，他的歌与诗，看似平淡质朴却十分耐嚼。当他曾经的女人玛丽安也因为癌症逝世了。科恩给对方写信说： “玛丽安，事情发生在我们真的非常老、我们的身体正在散架的时候，我觉得我很快会随你而去。如果你伸出双手，你会发现我就在你身后很近很近的地方，我想你能碰到我的手。你知道我一直爱着你，因为你的美貌，你的聪慧，我不需要说更多的了，因为你都知道。但是现在，我只想祝福你旅途愉快。再见亲爱的朋友。永无止尽的爱，我们在道路尽头见。”一生写尽忧郁与真实的科恩，在接受《纽约客》采访时说：“面对死亡，我已经准备好了。”现在，让他带着优雅和欲望，继续去天堂浪荡吧……

阴雨天的时候，挂上耳机，一辆公交。就那么斜着身子靠在座位上，听着这些歌冷冷地打量这个世界直到底站。而方向与目标？那些重要吗？

当走过林立的高楼大厦，穿过那些拥挤的人，望着一个现代化的都市，泛起一片水银灯，你还会突然想起了遥远的过去、未曾实现的梦吗？当未来的世界充满了一些陌生的旋律，你或许还会想起现在这首古老的歌曲吗？当在红橙黄绿的世界里，你还是人们一度告诉你的这未来的主人翁吗？ 还是只在每一张陌生的面孔里寻找儿时的光荣？......飘来飘去就这么飘来飘去飘来飘去就这么飘来飘去飘来飘去就只好这么飘来飘去.

曾经的二十五岁不屑于等待放慢远去的脚步，一切都是那么的决绝放肆。回首和远瞻在这里汇成了最经典的那句 I say hey what's goin' on...如今，再回头听这首歌才发现这是青春的回忆，是青春的呐喊，是青春的希望!当我们已经过了青春的年头再回首时，有多少错有多少对，有多少美丽的回忆？人生还剩下多少时间？What’s Up成为90年代摇滚青年的圣歌

邻居的耳朵，伴着我们成长

在课桌上睡了一下午，斜阳晒在脸上，揉揉眼睛，从梦中醒来。。。trun on my CD,it's Weezer~大男孩酷酷的嗓音，叛逆的孩子气，真诚的感情，没有娇柔造作的谄媚，像是雨后的清新小路，一群孩子骑着单车，快乐的追逐着。。。

时代的嬗变往往先于你我的知觉，有些人感知了，说了，但很多人还无动于衷。　　在中国新音乐的短短历史中，一直在变化着的大概只有骅梓了。从《中国火I 》中的单曲“擦去眼泪（自我教育乐队）”，《摇滚北京I 》中的单曲“不要匆忙（新谛）”中，已不难发现骅梓对各种音乐形式的把握度和不拘一格的尝试精神。　　96年，骅梓出版了他真正意义上的首张个人专辑《不要匆忙》，并不再用他的本名蒋温华。封套上的骅梓冷漠、麻木，透着一丝悲伤，内页的平面设计在齿轮、天梯和羊群、游鱼及奔跑着的进化人群之间，让你隐隐联想到“历史”一词。

每年至少重新看一遍，感觉这样不会老得太快，记得那天夜里，你看到街上一辆车上印刷的龙猫图案，回头惊喜地笑着喊着：看！龙猫！眼中闪烁着难忘的动人光芒，多年后，我却与这束光擦肩而过了，但是这份对龙猫的爱确实一生，那棵龙猫与小美一起坐着的大树还在，你呢？最近过得如何？还在这个城市吗？

Placebo的主唱Brian Molko曾如此形容Pixies:如果这世界上真的有地狱的话，那他们一定就是从地狱里出来的乐团!的确，哀嚎式的Vocal、狂风暴戾般的吉他、稳定的贝斯声线及鼓、偶尔穿插冷酷无情的女合声、以及充满幻想暴力式的歌词，音乐以探讨宇宙、外星生物、宗教、死亡等令人毛骨悚然的思想为主，都让Pixies不像一般美国硬摇滚乐团那么简单;也让他们在波士顿乐界，成为传奇性的名字、在欧洲成为颇有启发领导性的乐团。当时的主流媒体对他们持排挤态度，甚至没有人愿意播放他们的作品，尽管全美国都承认Pixies是最有影响力的另类摇滚乐队之一。他们为日后另类摇滚打入主流社会做了有力的铺垫进入九十年代后，Kurt Cobain最终凭借他最喜欢的乐队--Pixies的影响一举成名，Nirvana继承了Pixies的风格，并传播给了更多的新乐队，Grunge开始狂扫美国。他们的影响是深远的，今天的Post-Grunge、Brit-pop中我们依然能够看到Pixies从前的身影。

说起朋克，我们总能想起那是一群对生活充满不屑又对社会充满愤怒的朋克青年，吊儿郎当地高喊着理想、歌颂着自由、弥漫着浪漫主义，甚至用暴躁的嘶吼，在他们身处的时代撕扯开一道口子，在歌曲中，那些放肆的、直接的愤怒喷涌而出。，歌唱着属于朋克的乌托邦。而今天推荐的朋克乐队的音乐却是另一种完全不同的感觉，不再有张狂与热血，暂离了疯狂和愤怒，而是一种玩世不恭的慵懒。用简单的箱琴或者淡淡的钢琴，用懒散或轻柔的声线，歌唱着爱情，歌唱着生活，回归简单与平淡，歌唱着饱含了岁月沉淀的从容不迫，听听朋克们温柔下来的声音吧

所以，谢谢你，老狼。二十多年了，唱歌的人已成中年，听歌的人呢？二十多年了，在那片淡淡的诗意下，掩映的是整整一代学子的记忆，揪心揪肺，无法释怀。写下这些，无他，纪念那个时代，纪念那张专辑，同时，纪念自己渐渐远去的青春。

我穿婚纱好不好看？但是，错过了时间，很可惜。我也曾经有数次穿婚纱的机会，但是，我自己错过了。每个女性的梦想都是拥有属于自己的婚纱，有一个自己的婚礼。我相信自己已经没有机会。我是一个歌手，也是一个演员。这婚纱，已经不是第一次穿，但是每一次都不属于我。我终于告诉我的拍档刘培基，我好想穿一次。就算没有人娶也好，做一件属于自己的婚纱。穿给大家看看，一件属于自己的婚纱。或者只穿一晚，或者整个演唱会穿，这件婚纱就会放进仓库。但是我想对大家说，夕阳虽然美丽，黄昏虽然美丽。但是眨眨眼便会变成过去，所以我们要把握分分秒秒。接下来的时间，我希望告诉你们，夕阳虽然美丽，不过，只是，近黄昏。

这么多年，在路上的时间，在看书的时候，我都听些比较静的音乐，休息下。其中一首老歌我反复在听。罗文唱的《尘缘》。由于当年电视剧《八月桂花香》的热播，使这首歌也红遍了大街小巷。电视剧讲的是一代名商胡雪岩的故事。歌词中，短短几句词，唱出了胡雪岩一路的跌宕起伏。有着人在江湖，身不由己的无奈：漫漫长路，起伏不能由我。也有着对人情冷暖的感慨：人海漂泊，尝尽人情淡薄；热情热心，换冷淡冷漠；任多少真情独向寂寞。电视剧片名有着桂花香，歌词中，则是：幽幽一缕香，飘在深深旧梦中。

乌鸦在夜里飞 找寻黑色的虫子 黑色的树杈 黑色的巢 人的眼睛被黑夜刺瞎 蜷缩在一间间巨大的灯罩里 乌鸦悄无声息地刺透黑夜的身体 黑色 就是它的方向

2007年12月Manic Street Preachers获得了由NME杂志颁发的最高奖“Godlike Genius Award”，以此表彰乐队对于英国摇滚的杰出贡献。Manic Street Preachers也因此跟随自己的精神支柱The Clash成为又一支进入英国摇滚名人堂的成员。 已经坚持了26年，为乐迷们带来12张精彩的专辑，时光倒流27年，1991年，Richey Edwards为了回应记者质疑其朋克精神，在左手臂上割下“4 real”字样。操，实在太牛B了！在三张辉煌的专辑推出后的1995年，Richey Edwards却失踪了。 Manic Street Preachers经历过太多洗练，我看到了26年来的成长痕迹，他们用音乐来拯救世人，，发现原来拯救不了世人，那就拯救自己吧。也许，降落比起飞许要更多的勇气和力量。 感谢你们这么多年的坚持，以及带来这么多年的音乐

刘以达在这张专辑中大搞乐器试验，重点从中国传统乐器下手。绝大部分的歌曲中都会听到二胡的声音，在二胡的演奏技法上大胆创新。《一额汗》中二胡唱了主角，在间奏部分还采用了用快速的跳弓奏出短小的乐句，与主音电吉他相映成辉。到了《了了》这首歌中，伴奏乐器几乎全部换成了胡琴，一把二胡、一把高胡一唱一和，很有特点。刘以达也由此把二胡当作了电吉他来使用。阮这种乐器也多次出现。《流星》和《缱绻18800BPS》两首歌都是旧歌重新编曲，由于阮的加入，使得歌曲呈现出一种异域风情。艾斯卡乐队来自新疆，所以由他们演唱的《Ai Jahan Ai Duniya》也有一种浓郁的新疆味道。而最有特点的歌曲莫过于最后一首《大圆满》，主唱浩瀚是一位和尚，背景音效就是他诵经的声音。在港乐中还很少出现佛教歌曲，这也算是一种突破了。这张专辑群星云集，有王菲、黄秋生、关淑怡、胡蓓蔚等人献唱，但是即便这样也落得市场惨败。

“时间是条河，一切创造物不可抵挡的洪流，事物一映入眼帘，仅为了依次被冲走。”

乐团的关键词就是“脆弱”。陈修泽的Facebook上有一句留言：“把悲伤烧了。”也许这句话是对“那我懂你意思了”这支乐队的最好诠释或许心塞的时候听到他们的歌，还会觉得心塞吧。但听完觉得，只是继续心塞、、那又怎么样呢？陈修泽用这样的话来形容他们的歌。

伤心苦恼，你们在歌声中陪我度过。这段漫长岁月，每回顾一次就惘然一次就唏嘘一次，时间改变了很多，但beyond在我心中永远是最初单纯的少年模样，永远唱着自己想唱的歌。

也许追求物质的生活就像是努力后终于有了车，行进走都市的车流中，觉得也许这就是生活的正常面目，但是已经看不见夕阳，看不到一片叶子的掉落，如果你想停下来，后面的车子也会督促着你前行，会不会尝试丢掉车子，步行呢？也许走得越慢，看到的越多，因为生活的太多美都在于细节，慢慢走才能看得见给这喧闹的世界加点温情，慢一些吧

布拉格被纳粹占领后流传着这样一首摇滚歌曲，歌词：他们害怕老人的记忆，害怕年轻人的思想，害怕墓地的鲜花，害怕工人，害怕教堂，害怕所有的快乐时光，他们害怕电影，害怕画家，害怕音乐家，害怕石块和雕塑，他们害怕电台，害怕技术，害怕信息自由流动，害怕所有的波长......布拉格，永不消逝的电波就像我害怕永远在柏拉图的洞窟里害怕患上斯德哥尔摩综合征害怕死气沉沉的寂静世界，那么就用摇滚给这个世界加上一些喧哗吧

爱丽丝囚徒虽然与Nirvana Soundgarden Pearl Jam 并称为4大经典Grunge乐队，但是他们的风格并不是很纯的grunge.他们的音乐中混合了另类摇滚，重金属，grunge等多种风格　从很多方面来看，alice in chains乐队都是90年代一个重要的重金属乐队。它汲取了后“van halen”式重金属的吉他套路和后朋克的阴郁气质，从中发展了一种荒凉、虚无之声，将硬摇滚和原声音乐结构进行了平衡。该乐队风格对金属乐迷而言已足够有力，而黑暗的主题和朋克式的攻击又将其推向了西雅图grunge摇滚乐队的前列。

这是一张1995年出版的神秘而诡异的合辑。 说它神秘，是因为在整张专辑的文案中，除了每首歌曲的歌名，歌词，创作者和演唱者以外就在找不到别的了！没有歌手和乐队介绍，没有照片，甚至不知道制作人，录音师是何许人也？ 说它诡异，是因为十首歌曲实在是风格各异，各种民乐元素和带有浓厚地域特色的音乐元素都有机(或无机？)地与摇滚乐结合！这其中有愤怒，有无奈，有爱情，有悲伤，甚至有让中国人谈即色变的“性”这是一盘太过成功的合辑。不论这些乐队至今是已成为大牌还是已经销声匿迹，每一支乐队、每个参与者都是值得褒扬的。他们创造了中国摇滚百花齐放的开端。将这张拼盘称为“另类”，并不合适，它只是一次对全国各地的优秀民间乐队的检阅，其中既透出希望也有一些无奈。

这是一张1995年出版的神秘而诡异的合辑。 说它神秘，是因为在整张专辑的文案中，除了每首歌曲的歌名，歌词，创作者和演唱者以外就在找不到别的了！没有歌手和乐队介绍，没有照片，甚至不知道制作人，录音师是何许人也？ 说它诡异，是因为十首歌曲实在是风格各异，各种民乐元素和带有浓厚地域特色的音乐元素都有机(或无机？)地与摇滚乐结合！这其中有愤怒，有无奈，有爱情，有悲伤，甚至有让中国人谈即色变的“性”这是一盘太过成功的合辑。不论这些乐队至今是已成为大牌还是已经销声匿迹，每一支乐队、每个参与者都是值得褒扬的。他们创造了中国摇滚百花齐放的开端。将这张拼盘称为“另类”，并不合适，它只是一次对全国各地的优秀民间乐队的检阅，其中既透出希望也有一些无奈。

进入了REZNOR的精神世界：偏执、阴郁、愤怒，没有美的意识，兼有些暴力倾向。。九寸钉的音乐世界是荒芜的，而歌词则将自暴自弃与绝望推向了极点。负罪感、异化、无尽的痛苦及其艺术化的表达，创造了一些令人铭记在心的摇滚乐。并将工业噪音音乐引入了主流，他的有时一些撕心裂肺，有时平和自然，我却从中听到了无比的孤独，还有绝望

木马都解散了，什么又会继续？即便木玛会发个人唱片，但也终有消逝的一天。还是重新循环起原先的几张专辑吧，在这些穿透了噪音墙的巨大音响颗粒中，将我们逝去的青春染上了更加陌生的黑暗光芒地上的是尘埃地下的是泥土如今没有泥土 漫天尘埃 不分上下 没有高低 再见了木马，再见了那独特的灿烂与灰暗的歌特之声。

1994年4月5日，“涅槃”乐队主唱Kurt Cobain在家自杀身亡，年仅27岁。对于摇滚乐迷来说，27 Club（中文称：27俱乐部）无疑是一个神秘的存在。许多优秀的音乐鬼才都没能脱离这个看似诅咒的词语，而随着前几年著名歌手Amy Winehouse的去世，27 Club也再次增加了新的成员。让我们再次缅怀那些年轻的，逝去的灵魂！

什么是流行，就是市场需要什么，我们做什么什么是摇滚，就是独立思维自由表达，做自己要做的，不迎合市场所以我们，有时放肆欢笑，有时动情哭泣，有时大声呐喊，有时垂首温柔

“新裤子”的伤感并不应被归结于青春期忧郁症，他们毕竟是普通人中敏感的一群，作为摇滚乐阵营中的一员，“新裤子”（及其它新生代摇滚乐队）同样可以洞察到时代的隐疾与生命的苦痛，只不过在表达方式与探讨该种体验的终极意义上，他们与旧式中国摇滚乐有着看似让人难以理解的差异，所以那些未经仔细观察便将“新裤子”（及其它新生代摇滚乐队）归于“清新”、“健康”一类的判断，不但是一种误会，更是一种诋毁。但这毕竟不再是用“痛苦”扮酷的时代了，“新裤子”并没有成为忧郁的废物，他们说：“我们要认命！”，与其痛苦地逃避，不如痛苦地生活，他们在自己的歌中欢快地唱道：“我愿意，我愿意享受痛苦的每一天！”于是他们成为了这城市中的普通人，他们或许就象你那些总爱发发牢骚的朋友，虽然有时满腹郁闷，但却从不在上班时迟到，因为他们知道，除了痛苦与泪之外，这世界还有生活与爱！

所有Smiths fan都是相似的，我们挚爱的是一种诗情——Moz的句子、幽怨的声音，Marr的美丽的旋律，在这张专辑里没有一分是失却的。所以当THE SMITHS 消失了， 一个年代的感情也就消失了，这就是THE SMITHS。这个曾经走过无数争议却又影响了一个又一个摇滚青年的乐队。这就是那个曾经因为歌词死活不改的灰暗，冷幽默，讽刺而爬不上第一的乐队。这就是那个曾经因为某首歌被家长指责教孩子去偷东西的那个”不负责任“的乐队。这就是那个分手之后死活不认人的”没人性“的乐队。这就是那个BEATLES之后、THE WHO之后、JOY DIVISION之后、QUEEN之后，很多很多人之后 ，又一个四人的传奇。

始祖们的硬挺与颓废、纯粹的开心与愤怒已经远去，经过几十年后人的沿革，朋克依然有人玩。我个人听得不多，但比较主要的也就这么几类：政治性的硬核（黑旗、anti-flag、过失等），更较真，更偏金属，带着永远高扬的心气和硬碰硬的不妥协，偏向自由知识分子式的独立思考；Emo和由其衍生淡化的一部分流行朋克（sum41、paramore等），躁而不重，让人感觉灿烂夺目的旋律和演唱，虽然话题并未脱离个人的荷尔蒙和分分合合的爱情，不缺年轻无敌的少年心气；一部分更淡更大众的流行朋克（我怀疑这个有点假了），没头脑的纯儿歌，衣冠楚楚红男绿女地赖在游乐场婴儿车里撒娇，追求无休止的玩乐和跳舞。而所谓old school已经比当年精致了多少倍，有悲观者认为朋克大势已去面目全非，朋克已死的废话不绝于耳。但无论如何，朋克不是原教旨，它也是活的，活着就得动弹就得变化。我管你朋克死没死呢，爱咋咋地

1993年出版的《摇滚北京》，它的出现带来了真正意义上的内陆摇滚乐的拼盘时代，但1994年1月悄无声息地出现在玻璃柜台里面仅装有六支名不见经传的新人乐队作品的《摇滚94》的发行则开始了一个由第二梯队自发地崭露头角的时代，这是摇滚乐在大陆走下神坛的信号，也是大陆摇滚音乐简化和补充的开始。这是一张低成本制作的唱片，六支乐队水平参差不齐，清醒乐队的“石头心”给人们留下了极深刻的印象，他们对音乐先进的处理方式提醒了我们的收听的可能；石头乐队的“童话梦”里吉他迷幻的非失真演奏也是当时大陆摇滚乐里难得一见的冷静之笔。《摇滚94》是随后推出的一系列冠名“摇滚××”合辑唱片的范本，今天就找个时间，仔细听听这张专辑吧。

Mark Knopfler演唱的是老男人们的音乐。深入灵魂的民谣与BLUES,用他沙哑的嗓音，无比动人的吉他及一片深情，听他的音乐会让人陷入回忆，空气中弥漫着咖啡若有若无，时光在慵懒的音乐中变慢，就让我们打开记忆的盒子，伴随他的音乐。一起打开一段褪色的老旧时光。

所有的音乐青年都有这样的理想：能够爱所有人，无拘无束地飞翔，自由地放声歌唱。就如1976乐队的专辑文案里写的：“曾经我们找寻着自己的方向感，试着给自己爱的鼓励；潮流时代任它去，青春终会自行定义；迷惘难免，让我们依然可以昂首阔步，一同跟随着复古节拍，放肆地不合时宜。”indie rock的樂團主要是在唱片和創作上尋求更多的自主權 透過低廉的行銷推銷他們的音樂..... 他们可以玩摇滚,玩电子,玩后摇,但他们同属于台湾地下乐。所以即使紅了他們的原創精神還是歸在indie rock ，不可以清新，可以玩情调，可以很变态，是但是别那么有腔调

从音乐范畴来说，Indie是一种态度，一种音乐人对于音乐创作的态度，推而广之，它同样也是听乐人对于音乐取舍的态度，我们听音乐或多或少都是在慢慢形成自己的音乐取向，形成一种不受外界干扰的独立态度，因此有必要时时Check Your 看法与态度，保持清醒头脑。台湾地下音乐共经历了三个时期：第一个时期为八十年代初，独立音乐人将摇滚乐带入了当时正处于“后民歌时代”的的台湾流行音乐市场。代表音乐人如红蚂蚁、青年合唱团等；第二个时期为九十年代初，独立音乐人将深具感染力的乐队现场演出带入了台湾流行音乐市场。代表音乐人有花生队长、四分卫、瓢虫、脱拉库、董事长，以及旺福、1976、甜梅号、草莓救星等；第三个时期为2000年后，独立音乐人追求创作自主，不愿受商业摆布，同时也在科技的助益下，以DIY的方式录制作品，发行自己的音乐实践。此时台湾已有数百支独立乐队，代表乐队有Tizzy Bac、旺福、图腾等，并诞生了小白兔橘子、风和日丽、弯的音乐、野火音乐等知名的独立音乐厂牌。甚至部分独立音乐人还打入了主流音乐市场，如陈绮贞、张悬、苏打绿等。

从2004年的Happenstance到如今的Tightrope Walker，十二年没变的还是一颗伤痕累累的心和失恋的音色。她就像一块海绵放肆的吸收爱情的水分当一切戛然而止的时候又不留余地的全部变成苦涩的唱词，伴着情绪化的伴奏娓娓道来。当大地萧索，寒气袭透纤维直逼皮肤，这些歌能让你在心里默默的落叶，把眼泪和心事作为希望的种子种下。当夏日烈焰，轰隆作响的空调开始作响，这些歌或许是最能让你忆起人生中经历最心凉的时刻。

若草东没有派对是丧音乐排行榜第二，那么Deca Joins绝对是第一。“大千世界也只有你啊，可你会不会也一去不复返？”——《一去不回来》这些句子只属于我们这一代鲁蛇（loser），也只有废青们才有膝盖被射了一箭的戳痛感。我曾不解两岸状况如此不同，为何年轻人都拥有同样的沮丧？后来看到一句话才明白，无论是飞速的发展，还是逐渐的衰退，我们都是被滚滚洪流冲刷掉的那一队，是从头就落下来的鲁蛇。那句话是这样说的——一眼看得到头的人生是无望的，一眼看不到头的人生更加无望

围绕这座城市的，一方面是“世界金融中心”的光环，另一方面却是独立音乐日益狭窄的生存空间。与上世纪90年代自由市场经济孕育之下流行文化的辉煌不同，如今的香港，已经越来越像一个“文化沙漠”……

听木推瓜的音乐。如此的非理性執著、拒絕約定俗成的搖滾音樂標準，換來了其創作不是只有憤世嫉俗的深刻性。宋雨喆尖刻的不和谐唱法，以及歌词、曲调中承载的批判性精神是他们的“骨”，并且是具有狄奥尼索斯式悲剧力量的，而丰富的编曲、扎实的器乐演奏是他们的“皮”，是阿波罗式的梦的体现。我向所有对国内摇滚乐仍怀有满腔热情的人们，推荐这张唱片，它的优秀，独特的表达方式，独立思维，批判精神，值得人手一张的唱片。

人注定是孤独的，当听到一首震撼心灵的孤独的音乐时所激起的感动，叫做共鸣。正像歌词里的：All of my memories keep you near。除去所有，只剩记忆,心有猛虎，细嗅蔷薇，大抵就是如此吧。

谢欣的词作所书：“你不在乎失去灵魂，因为你知道这世上并没有地狱”，深刻，忧郁，浪漫，基诺就像一个旧时代的骑士或英雄，以古典式的高贵和悲壮，迎向现代世界的黎明破晓。在那里，他为我们带回了这箱沉甸甸的音乐宝藏。 在此之前，华语乐坛或许还未曾有人尝试过，在讲述一个不属于自己的故事时，用如此丰富的情绪和表情，像一个不吝惜颜料的疯狂画家，面对一张篇幅有限的白纸，毫不掩饰想要画下整个世界的张狂。带着他们独特的青葱岁月里特有的忧郁与孤独

这是一张可以伴随一生的专辑，让人生洒满阳光“音乐是一对恋人的结合：旋律和节奏。旋律是女人，节奏是男人。”——Carlos Santana, 1994

你遇见的每个星光，都是唯一的我们每个人，都曾是星辰的一部分我们每个翻身，都压倒了一片星辰

舌头，最柔软也最坚硬而不说话，不理会，便是对他们最大的蔑视！

听女声摇滚，PJ Harvey是不可错过的一人。在PJ Harvey十五年的歌唱生涯中，我们看到一个困兽般咆哮的女人艰难的成长史，《Q》杂志就曾将她评为摇滚史上100个最伟大女性的第一名。正如无数的先锋女艺术家一样，她延续了前辈的轨迹，反省着那些永恒的话题，反省着真正的环境和人性深处的意义，用她敏感的音乐性格以自身来诠释。她们是诗人，更是战士，这貌似脆弱的坚定声音在任何时代都那么不可忽视地屹立在前沿 一首接着一首听着PJ HARVEY的歌曲。感觉封套上穿着白裙子的PJ走了出来。只见她面无表情地吟唱一首又一首的歌谣。没有光黑暗里兀自怒放的花朵香气醉人，它们悄悄把毒刺种向你的心底，从此根植于此。这幻觉如此之强烈，即便在强烈的日光之下，也足以使人感到虚弱，。她极富特质的音色，充满了各种力量，令人不安，像风，像暗流，像童谣故事，在你心里呼啸、涌动、回旋，你听得到，却不知何去何从。在路的尽头，等待你的只是那颗慢慢安静下来的心。

“凛として时雨”发行的一张很特别的专辑，整张专辑只有一首曲目“moment A rhythm”，持续16分50秒的漫长的奇特的曲子。主唱的声音很特别，带点慵懒，带点细腻，还带上了敏感的成分。听着这曲子仿佛沉浸在一个悠远的幻境里，身体漂浮着，漂浮着，顺着那细腻感性的声音缓缓向前。 漂浮着…… 整首曲子由缓到急，再到隐隐约约的间断，期间慢慢又缓现出来，然后又开始起伏情绪。 最后推向高潮而结束。 干净的吉它和重复环绕的回音，抑或低语，都让人极度平静，像极了坐在高处顺着风呼吸。透过耳机的穿透力，零距离的流遍全身。 可是不能太贪心，因为听多了就会觉得压抑。 深夜里闭着眼睛在被子里反复听这首曲子。 人果然只有在忽略掉视觉，把注意力集中到听觉上的时候，才能回到最原始的状态。 就像回到蜷缩着的胚胎状态。

我們每一天在睡前都有一場仗要打，雖然我們很想但是幾乎不可能一天睡八小時，我們的感官仍然有些許刺激，一天的所有興奮與焦慮也無法就在頭靠上枕頭之後消除，所以有時候需要一點對的方法幫助你入睡，這份名單為大家找來几首拯救失眠的好歌，忙碌壓力大的朋友一定要試試看，如果你現在是在工作，那就試試在桌上小歇一會兒吧。

“他们的音乐风格跳跃全球界限，这四个德国小岛屿男子，已开始合作，共同主宰美国摇滚风格的音乐。“这是人们对于stanfour的评价。他们是真正的独立创作的乐队，已经拿到了几个新人奖，并有逐渐增加的喜爱他们的歌迷。而2008 wild life这张专辑可谓是德国近几年又一不可多得的好作品。新鲜饱满的声线，庞大的旋律，和充满激情的歌词，使得他们的歌曲风行欧洲广播业，很少有新人乐队能像stanfour的单曲 竟然在澳大利亚唱片工业协会 以及德国本土单曲告示栏都是登榜已久的歌曲。主唱的声音深情而有质感，转音自然丰润，并且极富爆发力，这在in your arms这首歌中尤为体现，是干净饱满的好声音，让人沉醉。他们的名字可能不被知道，但其朗朗上口又强劲有力的歌曲永远不能被忽略！

一个歌手，出了三张专辑，唱出了他的愤怒与迷惘，也唱出了他的执着与希望。在“南下列车”之后从此退隐江湖，何乐而不为？也许他耐得住寂寞终老于南方，也许他依然渴望发展而投入全新的生活。但我相信对他而言，贫穷的永远不是音乐，收获的则更加不只是金钱。那一颗心，永远不会麻木。从来没有一个歌手能够像刘铮那样，对内地乐迷产生过类似的这种茫然、失落、无助、无奈和可叹的独特印象。因为就是这一位曾经拿过龙虎榜冠军的歌手，却在仅仅只是发行了三张专辑后，就从此从歌坛消失，只留下背后那28个“到底我要等到什么时候”的粗暴质问反反复复的回响在乐迷的心中。

　　 　　水晶湖乐队成员由主唱卿锋 、吉他刘翊 、曹博，贝斯黑鬼 和鼓手黄源组成。水晶湖乐队是一支年轻而极富冲击力的乐队，乐队成立于2001年夏天，成员大多来自广西艺术高校。他们的音乐最初具有很正统的的英伦味道，但在对音乐的不断探求中又融入丰富的音乐元素，突破了很多所谓的形式限制，风格或轻或重没有定向，但是有一点可以肯定，他们的音乐绝对的属于这个时代，　　 　　 乐队经过3年漫长而快乐的蛰伏与积累，，2006年推出他们签约后的首张专辑和MV。专辑以英伦的味道为主，包括《旅行》、《爱情口香糖》等曲目。

Scissor Sisters 中译“剪刀女郎乐团”"剪刀姐妹"，名子与实际大相径庭，成员大部分是男的。这个乐队来自纽约。Scissor Sisters 彻底复兴60年代摇滚精神，以迷幻摇滚，放克摇滚与迪斯可元素，配上假声唱法，玩弄性别打扮风靡英国。他们所有的歌曲几乎都是中快节奏，可以让人跟随起舞。　　Scissor Sisters的成功之路很具有戏剧性.在他们的家乡--美国,他们并没有引起太多人的注意,但在英国,加拿大,澳大利亚及其他欧洲国家,他们却获得了前所未有的成功.剪刀首张专辑《Scissor Sisters》成为200年最畅销专辑,成为全英专辑榜单冠军.到2006年该专辑已成为21世纪第10大畅销专辑.尽管在英国获得了如此巨大的成功,剪刀在美国这个如今Hip-pop统治的国家并没有太大的成就. 　　2005年剪刀发行第2张专辑《Ta-Dah》,迎来了剪刀的全面成功　　对于剪刀成员的性取向问题同样被人们津津乐道.成员中有3位GAY.分别是Jake,Babydaddy和Del.乐队台风开放,有部分可能是因为主唱Jake在出道前曾在Culb做过go-go boy的原因,另一方面也有人们长期对同志乐队的定型.

KurtCobain的笔记中曾经纪录了这位Nirvana主唱涂写的50张他最爱的唱片。从经典到晦涩的作品中，我们可以一探这些专辑与单曲是如何影响了这位摇滚界中最重要的人物。与许多乐迷一样，Kurt Cobain也喜欢罗列出他的最爱。这并不能完全代表Kurt的音乐品位。它也许是Kurt想如何看待自己的方式：一个既酷且勤勉的地下音乐学者，从硬核朋克到柔和的独立流行，还有一些点缀(The Beatles，Public Enemy)来完整他的性格。这份名单展现了Kurt最自我意识的一面，甚至可以定义他最想成为的人物：一个不耻于展示自己女性一面的朋克叛乱者，而不是世界上最红的摇滚明星。音乐只是一个表达的手段而已。这些阴冷透骨，扭曲压抑的声音，只是人们对他们黑暗世界的认知与判断，但实际上却是他们远远抛开世人而深深隐匿在幽闭的湖岸深处，看穿虚无接受黑暗的智慧极限。而Kurt恰好在逐渐发觉了人生的无趣与虚无的过程中，找到了答案

《世界》一下把他的音乐气质衬托出来了。这是否印证了那句话，悲剧更加打动人？《世界》蕴含了太多的感情，模糊了现实与过去的界线。让我想起许许多多回忆，曼妙的吉他声，忧伤的口琴声，旋律在脑际回荡，一切曾是那么美好，一切又是那么的无奈何忧伤。无法说清他到底是悲痛往昔还是回忆那甜蜜的过往。这真是一种尴尬的状态，对往昔、青春期、爱情……的怀念，就像一个人已经不是少年了却还在做着少年的游戏。这种感觉和刚刚从电影院里出来是一样的。当然前提是看了一场好电影。于是在返回的路上，走着走着，突然想起什么情节，顿足回望，和《阳光灿烂的日子》里骑着单车的夏雨那样，他载着米兰回家，然后米兰穿过农场的树木，顷间，米兰不见了。眼前只有在风里摇晃的枝条。所以这种模糊的状态把张过年分成两个人。他是忧伤的怀旧的。但他又是因为怀旧而甜蜜的。从这个意义上来说，“当我唱起往日的歌/我知道/我已醉倒在阳光里”和彭坦那句“那一吻，带走所有的忧伤”如出一辙。音乐，这东西，也许像毒品，让人产生幻觉，感觉自己在一个回忆的箱子里跳舞，孤独，寂寞，苦涩，有时会上瘾，因为回忆像磁场！

Ryan Star 出生在纽约长岛亨廷顿，14岁时他组建了他的第一支乐队Stage。这支乐队发行了一些单曲，并在2003年由小牛唱片（Maverick Records,现为华纳兄弟唱片公司旗下子公司）发行了同名专辑。当他们还在上高中时，就已经在CBGB俱乐部和Mercury Lounge俱乐部演唱了。乐队分道扬镳后，他成为了一名独立艺人。Ryan Star参加了CBS（哥伦比亚广播电视台）的真人秀节目第二季。。在节目中Ryan Star表现出了一贯的风格，尤其是动人的钢琴旋律，因此表演评论员Dave Navarro称他为“黑马”。2010年6月16日大西洋唱片公司发行了而他自后的第一张个人专辑已定于2010年8月3日发售。Ryan Star的大名广为人们所知，多亏了一部电影和一部电视剧，电影《P.S. I Love You》的电影原声带中收入他的作品《Last Train Home》，这让他逐渐走入人们的视野，

back number - クリスマスソングserial TV drama – LEMONB'z - Never Let You GoSUPER BEAVER - 人としてAlexandros -Kaze o hiita Toki no UtaFlumpool 证明RADWIMPS – TummyMAGIC OF LiFE - 探し物L'Arc〜en〜Ciel - 叙情詩ポルノグラフィティ - My wedding songMr.Children - ゆりかごのある丘からBUMP OF CHICKEN-おるすばんONE OK ROCK - Wherever you areX JAPAN - Without You (Unplugged)凛として時雨 - 傍観 (Boukan)日本摇滚乐队，如同这个国家，不喜爱标榜自己是什么样的派别，一定得走怎样的曲风，朋克也能玩情歌，流行也能玩金属，他们像一群有着高中生的想象力，没有成年人的冥顽固执，摇滚乐队，无非是人在最善变躁动的年纪，奇妙的想法天马行空一拍即合的产物。而当你在日本看到从十几岁的高中生到年过半百的职员依然能背着吉他，拿着鼓棒或流连或演出于东京，新宿，涉谷各大livehouse的时候，你会发现这才是摇滚带给这个世界的东西——一颗永远年轻跳动的心。

阴影乐队来自河南，成立于1992年6月，音乐纯朴而富于技巧，和常见的摇滚有所不同。歌词很唯美很残酷，主唱含蓄低调的嗓音里暗含着一股沉痛的悲伤，让人无法抑止。.感觉他们的音乐承载在他们很多很多的理想。2004年5月，在中国音乐家音像出版社出版发行首张专辑《一斤理想》。整张专辑的音乐是温和的，干净的，认真的文气着，偶尔嘶嚎，基本遵循三段式的结构，甚至连神经质也是有节制的，好象对自己的乖张有些不好意思。他们的伤感和愤怒与现在的孩子们比，显得如此纯情——他们不会打着滚挤眉弄眼，只会干瞪绝望的小眼神。他们的大部分歌都没有跟旋律较劲，相反，非常好听（这使他们更接近一支Pop-Rock乐队），好听到能够做一个悲剧的片尾曲，为什么不。或者说，他们的每一首歌都收发有度，严整而朴素，但因了这朴素，甚而显得清寡——不够操蛋！你是摇滚乐啊！他们也有时候想起这件事情来，旋律性悲情后常常紧随着重金属效果、无常的节奏型以及扭曲粗砺的唱腔，但这怪异也并不造作，反而比那些流畅的部分更为出色，这个乐队就这样奇特的整体着，在或软或硬的面孔后你似乎难见真章，又或者他们天生就是在阳光下的阴影。

倾听整张专辑，仔细盘查那些歌词，你发现它们确实是有点黑色的童话，但还没有耶里内克改编的那么恶毒和有哲学意义。他们代表成人化却孩子气的荒诞与讽刺，他们在用一点点儿童时代残存的温暖回忆来嘲笑现实的世界。最值得称道的是，他们那些诡异的想象力，为电子乐和吉他噪音找到了新的表达方式。为越来越苍白空洞的音乐，拉起了一幅色彩艳丽的多帷画面。听着33岛的你..你的童年又会是什么颜色呢？

ZZ Top，颇具实力的蓝调摇滚乐队，由吉他手Billy Gibbons、贝司手Dusty Hill、鼓手Frank Beard组成。三位一体的长胡子和高尔夫帽是他们音乐之外的明显标志。他们的摇滚真是蓝调爵士味道十足。1971年，乐队推出了自己的第一张专辑《FIRST ALBUM》，这张专辑虽然还没有从布鲁斯的怀抱中独立，但是人们已经看到了新的希望，那就是用摇滚的手法和音色来处理蓝调音乐，专辑中大多数作品是抒情歌曲，浓烈的男人味道之下还有德州音乐特有的冷幽默风格，延续西部音乐的一贯主题，抒发硬汉的情怀也是ZZ TOP的选择。经过了小有收获的第二张专辑《RIO GRANDE MUD》之后，ZZ TOP似乎真正找到了自己的套路，整个70年代，在汹涌的朋克大潮之下，在金属还没有正式出现的情况下，回溯60年代是一个很好的定位方式。他更多的代表了在“三个合弦就是一首歌”的时尚之下的一种坚持和不调和，象极了固执的得州老农民。专辑《TRES HOMBRES》，我个人认为这是ZZ TOP最好的专辑，独特的失真音色和结实的音阶支撑起来了整张专辑，，他们的音乐饱含感情，充满了活力，纯正的美国味道让听者能很快识别出来，而原本被设计为BASS音箱的Fender Bassman 4*10合并式音箱的使用，使得他们的音乐坚硬中带着柔情，固执中夹杂着活泼，这种商业前途很高的音乐很快被市场所接受，使的乐队接下来的专辑取得了骄人的战绩。著名的单曲“La Grange”的旋律直到现在，很多人还能耳熟能详。乐队风靡了整个70年代。

“民谣音乐有点类似于从土地里生长出来的庄稼，而民谣歌者都有一颗像培育庄稼的劳动者那样的默默而美好的心灵，他们对自然、对土地、对人群、对周遭所有的一切都有着难以言传的爱和绵延不尽的情感。” ——钟立风　　2009年伊始，民谣歌手钟立风倾心推出了现场音乐作品集《疯狂的果实》，以及文字作品集《像艳遇一样忧伤》。　　《疯狂的果实》是继钟立风在太合麦田公司发表首张个人专辑《在路旁》之后阔别三年以后的全新力作。现场专辑包括10首没有正式发表过的歌曲和7首老歌。文字集是累积创作的小说、随笔、断想和电影记忆。 文艺的，生活的，忧虑的，欢乐的……喜欢博尔赫斯的钟立风，喜欢卡尔维诺的钟立风，充斥文学意味的民谣作品，渗透着伤感和落寞的歌词，这是我所钟爱的小钟。即“来自某次稍纵即逝的感伤艳遇，或者从行走的树上，砸在我呆板的脑袋上的疯狂果实。”我喜欢的钟立风在唱歌时忘词，也忘记了带拨片。他的吉他很小，更像是小孩子的玩具。然而他唱歌时的表情、动作和想象中并无二致。“音乐是掌握时间的一门艺术。当一段熟悉的乐曲在你耳畔响起，你的记忆能瞬间抵达任何遥远的地方，找回逝去及未来的时间。”

相遇太短，而遗忘太长，这是一片有着太多历史，太多喧嚣，有一颗沸腾的心，却平静如初的土地。生活是有节奏的吧，就像习惯的三餐，就像几时入睡几时醒来上班回家洗手间，而旅行，要打破规律的生活，看到不是日常的人与事，看到办公室的渺小，自己的渺小，时间的无情，更珍惜亲人，身边的每一丝幸福，谢谢旅行。我很幸运，可以做梦，然后没有太多牵绊地去完成。感谢旅行，让生命有了回忆，更有意义，感谢活着，让我有机会去寻梦。

不要在欲望中迷失了自己。保有最初的那份心意。这是京文原创97系列阵容中的又一支生力军。指南针乐队以青一色的“川军”为阵容，并均受过高等的音乐教育，90年代初他们曾与天才女摇滚歌手罗琦，一道起躁于京城。在经历了四年的沉寂与磨练后，主唱易人为男歌手“刘争荣”，乐队总体的风格较以前有很大改变，关注生命与体验情感的文学内涵，灵动丰满的乐队音乐路线，刘峥嵘演唱的特别有感染力， 唱出你心底最脆弱的地带，让人听着有想哭的冲动，心底漫出一股苍凉的感觉。用歌声、旋律倾诉一种生活和思想。即使经历人世沧桑关怀依旧！即使目光沾染尘埃，微笑纯净依旧！传达出一种坚定的信念及不矫情的坦诚。《无法逃脱》是一首创作于92年的情歌，通行易解的旅律中完全没有那种流俗的伤感和凄婉，而是以一种坚定坦然的面目出现在音乐之中，主唱刘峥嵘激涌豪迈而近于咆哮的歌唱使人倍感流畅，有一泻千里、淋漓尽致的痛爽之情。

正午阳光乐队来自天津，他们在天津非常有影响力，尤其是在各大高校中，乐队的歌曲主要由主唱王宝完成，歌的旋律并不是特别另类，但歌词很棒。乐队的演奏技术也很棒。吉他手孟繁浩，担任了乐队主要的编曲和吉他演奏，演奏技术非常出色。倍司手杨波，鼓手池国权，李红育。键盘该乐队的作品特点是贴近生活、易于传唱，具有较强的流行潜力，颇受年轻人的喜爱。2003年6月6日，一支全部由天津人组成的“正午阳光”乐队已经正式签约“盛世京文”唱片公司，他们的首张专辑将在年内推出。 乐队首张专辑中的10首歌曲风格各异。既有摇滚味十足的《我开始摇滚了》，也有王宝创作的一首献给相声大师马三立的作品《红蔷薇》柔情似水的流行情歌《红蔷薇》

1. U2 - 《The Joshua Tree》2.Guns N&`& Roses - 《Appetite For Destruction》3.Michael Jackson - 《Thriller》4. Bruce Springsteen - 《Born In The U.S.A。》5. Prince - 《Purple Rain》6. AC/DC - 《Back In Black》7. The Smiths - 《The Queen Is Dead》8. The Clash - 《London Calling》9. The Cure - 《Disintegration》10. Metallica - 《Master Of Puppets》

　成长於传教士家庭，来自华盛顿州的Tyrone Wells，在青少年时期移居加州就读大学，因为从小环境指引，随后加入福音摇滚乐团Skypark担任主唱，经过两张主流大厂发行的专辑洗礼后，2000年时Tyrone决定单飞展开个人音乐生涯。开始在加州各地演唱，以民谣、流行风格为基调，同时自资灌录首张专辑，在各大小表演场地中贩卖，2003年签入独立厂牌True American Records陆续问世《Snapshot》专辑以及《Close: Live At McCain‘s》现场收音特辑，引起广大回响。陆续获得媒体邀约，歌曲得以公开播放。《Metal & Wood》是Tyrone Wells的第六张录音室专辑, 这张专辑以舒缓情歌居多, 但也不乏一些充满激情的轻快摇滚，专辑中还特别收录了一首由Tyrone Wells演唱的里昂国王乐队金曲'Use Somebody'的翻唱版。

羽果，国内知名独立乐团。风格从早期的英式转向更加流行和多元化的探索，并一直保持着独立的音乐风格自我发展路径。乐队初创于1997年，原名“晶体”，2006年更名为“羽果”，风格是英式慢摇。失乐园《失乐园》发行时间：2007-5-1唱片公司：羽果独立制作《失乐园》是羽果乐队独立制作的第一张专辑，这张对于外界而言的首张专辑，实为乐队成立多年以来的作品精选。这张专辑中的作品由于创作时间跨度较大，分有明显的阶段性，所以无论从风格还是内容主题来讲，并无统一性可言。所有作品都只是对乐队十年的一个真实记录。但流畅优美的旋律，精致细腻的编曲，以及主唱高昂华丽的唱腔依然给歌迷留下深刻的印象，也因此成为羽果乐队的特点和标签。专辑中的另外一首歌《又见蓝天》，这是羽果为失明的儿童创作的一首公益歌曲！旨在呼吁全社会一起关爱身边需要帮助的那些弱势群体！纯真可爱的童声，大气恢弘的管弦乐背景，行云流水的吉他RIFF，水银泻地般流畅的主旋律，高亢深情的演唱，足以触动每一个人的内心深处！

如果把欣赏Emo音乐当作看书的话，那My Chemical Romance是通俗小说，the Used是教科书，Panic! at the Disco是工具书，Brand New是散文，Fall Out Boy是儿童读物……那么Taking back Sunday绝对算得上是诗歌。他们的编曲华丽、和声情绪化、歌词动人不做作，似乎你能从他们的歌里感受到另一个自己在低吟，他甚至偶尔还会跟你玩玩文字游戏，例如Cute without E，真的是个人心中最完美的Emo乐队，如果硬要算个缺点，那就是不流行。不能说TBS没天赋，他们的同名专辑几乎没有烂歌，不能说他们不勤奋，坚持17年的排练、作曲、演唱……可惜他们真的老了，舞台上只剩下那个有点发福的中年人。大概是这个时代更需要快餐音乐不需要诗歌的缘故，他们不能流行起来，永远得变成了一支写诗的小众乐队。不过这样也不错，至少有一群热爱他们的观众能够时刻挂念他们，至少他们能写他们自己喜欢的音乐

Thirteen Senses乐队成员四人都来自英格兰的cornwall,。2003年12月，thirteen senses进驻伦敦，开始了真正意义的乐队生涯。 　　由于宣传的原因，Thirteen Senses的知名度并不是很高，特别是美洲。但是他们的音乐的质量是毋庸置疑的。 　　在如今英伦朋克热潮中，Thirteen Sense的音乐还是让人眼前一亮的。在漫天70s-80s的合成器复古声浪中，单纯美好的旋律和原音钢琴变成了最奢侈的浪漫享受。和Keane一样，他们用钢琴做主要配器，虽没有Keane那么顿挫有力，但加上柔和的吉他贝斯，增添了一分细腻。主唱Will South的嗓音虽然不象Keane主唱那般惊艳，但也柔美清澈的可以，每次聆听都会被新的细节感动。要说有些作品也不失波澜壮阔的感觉，只是没有表现的那么张扬，而是更多内敛。

很难用一种风格概括鱼尾纹的音乐，暂且定义为“独立流行”。“独立”不是故作地下、小众的姿态，而是一种独特的动静和腔调，不受别人干扰，坚持独立的思考，坚持做能感动自己的音乐；“流行”则是鱼尾纹的旋律特征，简单上口，区别于艰深、愤怒、颓废和语无伦次的音乐，健康自然的生活状态决定了鱼尾纹的音乐特质。融入很多风格以后，鱼尾纹的四个成员更融入了自己的情感，试图通过 “鱼”氏音乐，记录那些难忘的片段：等待、离别、回忆、希望、纪念……鱼尾纹乐队2004年7月1日成立于成都，人员由最初的三人增加到四人，经过时间的磨砺，乐队于2009年11月20日集结10首重要作品，发行首张专辑《伟大的冒险》。参与各种演出。

很多时候你不知道所谓过往或者时光究竟在你身上留下了多少痕迹，除非在前面的某个街角你和那段曾经鲜活的回忆撞个满怀。这样的例子比比皆是，一个人，一本书，一个画面，甚至是一个恍惚都有可能硬硬的把你拉回以前的某个情境中。今天，我想说的是一个乐队，一个出道十年的乐队，一场久违的演出和我的故事。　　　　 “地下婴儿”。很多小孩子们可能对这个名字很是陌生，一些和我一样老的曾经的“愤青”可能对他们还有些印象，“那是我们都年轻的时候”——他们一定这样说，呵呵。是啊，都是上个世纪的事情了

Thin Lizzy 半个世纪前出生于英国伯明翰的利诺特从小是和外婆在都柏林生活。“瘦李奇”乐队是利诺特于1969年一手创建的。他既是乐队的主唱，又是词曲作者兼贝司手。该乐队的成名单曲是以摇滚的形式翻唱的爱尔兰民歌《瓶中的威士忌》。利诺特出身于一个劳动者家庭，父亲是一位巴西黑人，母亲是爱尔兰人。作为乐队的创作核心，利诺特对劳动者阶层的生活有着睿智而深入的体会和思考，因此他的创作很多是围绕着如实反映劳动者阶层的情感世界展开的。乐队最着名的专辑是1976年的《越狱》，其中的《男孩回城》是一首献给劳动者阶层的赞歌。这首歌作为专辑的首支单曲发行后，受到了电台以及平民百姓的广泛欢迎，歌曲在英国歌曲排行榜上位居前10名，在美国也跻身前20名。“瘦李奇”乐队于1983年解散。去年，该乐队1978年出的专辑《Live And Dangerous》还被《经典摇滚》杂志评为最佳的现场摇滚乐专辑。由于常年吸毒，利诺特早于1986年1月4日就离开了人世.

“游园惊梦”是独立音乐人陈知（艺名）个人的一个音乐项目。非要说乐队的话也行，只是没有“他们”，乐队成员只是陈知一人，其他人譬如《反唱西游》和《梦红楼》的女声、鼓手等，都是录音乐手，不算作乐队成员。陈知，90后，河南洛阳人，毕业于武音（武汉音乐学院）。游园惊梦project的音乐作品多呈现中式美感，“以中式美学与西式技法交互”，除去以四大名著为主题的组曲【《反唱西游》（云村已上线），《梦红楼》（云村已上线），《王孙摇》、《归辞》（云村暂未上线，专辑中有收录）】外，还有今年四月开始陆续发表的园林系列中式电子音乐作品【《Prelude秋 理水》、《Prelude冬 园林》已在云村上线】，“声景里陈述自然之美”。所以标签里的“民谣”其实……不太准确；

你有多久没有在夜深独步，放下所有，面对一个季节的更迭，形色的转换，感知当下，而当你举头望见漫天的星光，你可知道这些星光历经亿万光年的旅程，才有缘遇见你。你可知道也许你见到星光的时候，很多星星早已毁灭了呢？我们只有瞬间。瞬间，就是人们常说的永恒，勿辜负时光，勿辜负自己吧

成立于1999年的美国摇滚乐队，出道于纽约城鼓击乐团（The Strokes）是一支在21世纪初成名的纽约另类摇滚乐团。 鼓击乐团是当代美国独立摇滚代表乐团之一。不过与绝大多数美国摇滚乐团不同的是，他们的音乐更多的带有英伦摇滚的特点。对于许多喜欢摇滚乐的中国歌迷来说，the Strokes的知名度远不如Linkin Park，商业上更是如此，因为这是一支独立摇滚乐队，他们的工作更多的是做音乐而并非为了卖唱片，乐队的目标也不是追求能够拥有更多的歌迷欢迎或者受到主流文化的赞许。但是这支乐队却为日益颓废、肮脏、盲目的摇滚乐开拓了新的道路，他们对美国摇滚乐产生了强大的推动力，以至于有美国媒体称赞是the Strokes拯救了摇滚乐。虽然摇滚世界真的不需要被拯救，但你的摇滚经验非常需要The Strokes。而他们的音乐多的是一份——洒脱。可以说the Strokes是当代美国最出色的独立摇滚乐队之一。

[液氧罐头]是中国新一代重型乐队的重要代表。他们将中国大鼓、汽油桶、扎啤桶混在一起作为配方，再加上重金属、新金属 、HIP-HOP、民族音乐，炼就了味道独特的[液氧罐头]。《这一切变化无常》记录了愤怒与无奈，更表达了自由与渴望。 液氧罐头的意义在于一成不变地坚持与不懈的愤怒

有时，回忆很奇妙，在不经意的地方，不经意的夜晚，也许在某个寂静的角落，路过的店铺里，出租车收听的电台里，路过陌生人的手机里飘来这样一首久违用旧了很久的歌曲，每次都会毫无提防地被拉回初识歌名的那个场景，而往事也决堤而出，感受到那时候初识你的瞬间所处的环境，熟悉的人们，忧虑的事情都分隔成了一段一段的。只有这首歌可以来往穿梭，那一年的你，那一年与我一起听这首歌的你，现在在谁的身旁，也是一样的快乐吗？还会偶尔记起我们的往事吗？在这样一个相似的夜深。

The Seasons乐队，来自加拿大，已出的专辑有《Pulp》，代表作有《Apple》，流派Indie Pop，这可能会是我今年夏天最喜欢的一张清新小调。首先从视觉上而言，乐队很喜欢使用的竹青色让我好感倍增。第一首《Apple》一开口我就酥了……不过，这在一张流行民谣专辑里很正常，通常第一首都是为循环播放而生的。决定这样一张专辑评价好坏的关键在于后面的曲目会不会把你听困——庆幸的是，12首歌各有特色，有明快愉悦，也有缓慢悲伤，良好的曲序安排，节奏切换得当，每首都是入耳佳作，有清晰的旋律记忆点。不少旋律走向有点似曾相识，这种熟悉像是存在于久远的午后记忆中一般朦胧温暖。

「三個和弦一首歌」是對於龐克音樂最好的詮釋，在 1997 年的《Sideburns》雜誌就曾經寫到：「這是一個和弦，這是另一個和弦，然後這是第三個和弦，OK，好！我們可以組個樂團了！」，這充滿時代性、反叛性與完全 DIY 精神的描述，正是當時龐克的體現。Ramones、The Sex Pistols、The Clash 等樂團，雖然不一定都只有三個和弦，但是這樣的概念卻可以很清晰的描繪出音樂的形式在當時經歷了非常大的轉變，要從原本藍調的羽翼之下掙脫出來，開始尋找自己的天空。今天一些歌曲，雖然不全是龐克，但歌曲有一個共同的特色，就是他們全部都只用了三個(以內)和弦！三個和弦一首歌？那是一個深奧的世界。

The Fray 属于另类摇滚乐队，2002年在美国丹佛市成立， The Fray乐队风格与英国的Coldplay和Keane相似，是新一批乐坛新兴血液中受英式乐队影响较深的一支，也保留了美国90年代传统摇滚Counting Crows和the Wallflowers的气质，还有点Jimmy Eat World这种EMO乐队的冲劲。但THE FRAY的特点在于乐队对钢琴的钟爱。也许就是因为钢琴，才使得他们的音乐有种特别的气质。旗帜般飘扬的主音唱腔颇具英式感，骨子里还是保守的美式作风，时不时来点情绪性的激扬调调，他们不是那种风格一脉相承的乐队，截取各家之长是他们一个显而易见的强项。 经过三年的努力，在2005年的9月终于推出了首张专辑《How to Save a Life》，这张专辑给人一种相当醒目的、耳目一新的感觉，题歌曲《How to Save a Life》来得更加的抒情，开场的钢琴绝对让人沉醉，能够立即抓住人心，专辑在美国本土卖了150万张，在BILLBOARD专辑榜上更是排到了前12名的位置。

Rolling Bowling——内地首席Rockabilly乐队。飞机头，保龄衫，厚底皮鞋，Double Bass，复古吉他，摇摆舞，机车，猫王——这些Rockabilly音乐的正要元素都在一支纯正的内地乐队身上惊现！旋转保龄并不是一支Copy经典的乐队，他们热衷于演唱身边的生活，反思和嘲弄着自己的理想、爱情、年轻人的价值观，以至于你不会觉得他们只是穿越自美国50年代乡村俱乐部的组合，旋转保龄用音乐来讲述真实的故事，邀你狂欢起舞。

那是1997年，我还没到能思考生活的年龄，仍然每天都很愉快的生活。那一年，遥远的北京有几个对于摇滚乐怀有梦想的年轻人出了一张专辑，专辑的名字叫做《鲍家街43号》。他们的乐队也叫这个名字，这个名字看起来抽象，其实是具体的，就是他们的母校中央音乐学院的地址。两张专辑后，乐队解散，这些曾经的少年，散落到了天涯，当创造力离散，少年已经老去，汪峰也不断重复，抄袭着自己，不听也罢

The Calling是个以南加州颓废风格为根源，而创作出既爽朗又不落俗套的音乐的洛杉矶摇滚新劲旅。The Calling叫人深刻难忘的是“旋律性”，甚少摇滚团体能把作品一致地将整张专辑做的如此琅琅上口，令电台DJ一播再播，但是又能守住风格中该有的特质，一种清新摇滚的气息 。 《Camino Palmero》这张轰动全美、校园销售大破金唱片、称霸Billboard告示牌排行新秀乐队的首张专辑，走的是美式“恋爱摇滚”的清新风格：他们的作品能同时讨好成人市场与青年市场，而且在专辑里的歌曲同时呈现深刻的民谣风格及不俗的摇滚节奏，主唱Alex的声音实在超出新一代乐队主唱的水准，不过The Calling叫人深刻难忘的是“旋律性”，甚少摇滚团体能把作品一致地将整张专辑做的如此琅琅上口，令电台DJ一播再播，但是又能守住风格中该有的特质，一种清新摇滚的气息 。

徐大乐，本名徐丹，1979年3月16日出生于宁夏银川，现生活于北京，歌手，音乐创作人，声音磁性，性格安静。2007年为中央二套《交换空间》制作主题曲、插曲，并担任词曲演唱。其中主题歌经中央二套历时7年的频繁播出，有数亿级别听众。2014年为《交换空间》栏目制作改版主题曲。2015年3月录制《一个人的朝圣》、《总爱上班的徐大乐先生》，2016年6月18日，《奎妮的情歌》MV被猫王收音机选为电商大促发布会宣传曲。宁夏银川人，声音磁性，性格安静，歌手，音乐创作人。

　　自 1960年代晚期起，Alan Parsons已經藉由參與the Beatles的兩張專輯的錄音而在樂壇嶄露頭角了。我買的第一張Alan Parsons Project的專輯是於1983年發行的精選集《The Best of Alan Parsons Project》，80年代的我完全不懂什麼概念專輯，或者是前衛搖滾，當時只覺得真要命，怎麼Alan Parsons Project的情歌這麼好聽，等歌曲，不僅讓人朗朗上口，而且旋律的經營又是如此獨特、不落俗套，小時候的我暗自以為這就是前衛搖滾的全部了，然而也是因為這種誤打誤撞的單純天真，讓我對Alan Parsons Project有了美好的想像，打開進入其他前衛搖滾團體的大門。　　　　從1975年發行第一張專輯到1987年解散為止，Alan Parsons Project總共出版了10張專輯，每張專輯都有一個特定的主題作為出發點,這也是為什麼Alan Parsons Project出版的唱片之所以會被成為「概念專輯」的主要原因。　，我想 Alan Parsons Project創作音樂的主要動機，藉由音樂，我們可以突破外在世界對心靈的重重枷鎖，直指事物的核心本質。或者也可以不需要談的那麼嚴肅複雜，在Alan Parsons Project的音樂當中我找到了慰藉，也撫平了自己在年少時期那一個焦躁不安的炙熱靈魂。

作为崔健的御用键盘和古筝，王勇绝对算得上中国摇滚的先锋人物。

不管是喜歡聽爵士樂的資深樂迷，或是對爵士樂略懂一二的人，想必都對 Louis Armstrong 這個名字感到不陌生。他身兼歌手、小號手和作曲家等多重身分；他帶點沙啞和低沉的招牌嗓音，也成為辨識度極高的爵士音樂人之一。下列所要介紹的几首Louis Armstrong的歌曲，結合這位爵士樂之父的生平事蹟和軼事；在聽音樂之餘，也帶領大家一睹他的爵士傳奇！

Switchfoot是一支来自加利福尼亚州圣迭戈的美国另类摇滚乐队。中文名叫福音四人组，或浪行者。 一支讲求旋律和歌词含义的乐队乐队成员是Jon Foreman（主唱兼吉他手）, Tim Foreman（贝司手及伴唱）, Chad Butler（鼓手及打击乐）, Jerome Fontamillas（吉他手、键盘手及伴唱）和Drew Shirley（吉他手及伴唱）。 他们以三把吉他同时演奏的阵容及强有力的现场秀而知名。 在早期以基督摇滚的面貌获得成功后，Switchfoot以2002年的影片A Walk to Remember中收录的四首歌曲首次取得了主流的认可，从而促使2003年他们发行了打入主流的专辑The Beautiful Letdown。专辑持续卖掉了260万张拷贝

大约是06年时，听说天堂乐队的几个老炮要出专辑，差不多第一时间听了这张专辑，印象都不深。唯独对《湖水》念念不忘，之后再无音缘。十年后的今天，又一个清晨，鬼使神差再次听到，颇为感动雷刚唱歌并不好听，真的不好听，发飘发虚，似乎感觉随时要离调，随时要断气。但他的声音就是让我怀念，从第一张《人之初》开始就是。说回《湖水》，—“没有人流泪，满心湖水任清风抚慰，无谓。”喜欢这个感觉，平静中带有不屈力量。立意、编曲我喜欢。歌词稍微有点做作，雷刚的声音恰到好处。当然要说的是，这歌要连续静静的听十遍以上，感觉才会出来每次听到副歌，很感动。孤独？淡然？爆发还是隐忍？说不清楚。自己的内心也是酸楚的，这些也许就是作品想要表达的吧？我还想说点什么，但我觉得作品原词最好：没有人流泪，满心湖水任清风抚慰，无谓/无畏。没有人憔悴，何惧日月共你我相对。说的真好，无谓即可无畏，反之，亦然。《可可西里》用歌声唤醒良知，用呐喊激起群情，关注藏羚羊，保护大自然

当韶华渐渐逝去，往事不可避免地变得越来越简单，终于只剩下了深锁在抽屉泛黄的信，和刻在墙上未曾洗去的名可供凭吊。当你在匆匆前行的路途中偶然地听到这些歌，希望心头还有轻轻的牵动

Superbus是一队来自法国的五人摇滚乐队，成立于1999年。乐队的核心人物为Jennifer Ayache， 她是乐队的发起人， 主唱， 乐队的绝大部分歌曲的歌词和歌曲均由她创作。 珍妮佛．艾雅湜于1983年出生在法国南部地中海傍城市戛纳（Cannes）。 珍妮佛从十岁起就喜欢上加利福利亚的摇滚乐， 她九岁时就学会演奏鼓乐， 13岁时学会演奏吉他， 青少年时期学会弹钢琴。 14岁的时候， 她到美国洛杉矶学习， 深受当地乐队No Doubt的影响， 为期六个月的课程完成后， 珍妮佛回到法国开始寻思组建乐队。乐队的名字《Superbus》由珍妮佛选定， 系拉丁语， 意为异常出色， 出众或精彩，乐队的音乐风格包括不同类型的另类摇滚和流行摇滚， 早期的音乐主要为90年代加利福利亚风格的后朋克摇滚融入50-60年代多种类型的音乐风格， 主要为ska和surf等。 50-60年代标志性的霓虹灯， 棒棒糖， 香口胶和凯迪拉克， Pin-up艺术为乐队典型的标记。。 乐队的第二张唱片延续首张唱片的音乐风格， 但打击乐器的力度和节奏已经减缓， 到第三张大碟加入大量70-80年代disco和英国新浪潮电子音乐风格和音效， 基本上完成向流行摇滚乐（Pop rock）的过渡。

天空乐队，2001年8月成立。乐队队长兼吉他手马歌、主唱兼吉他手晓伟、贝斯手松鼠、鼓手丁宇峰。为了追寻音乐梦想，乐队从故乡沈阳踏上“北漂”征程。十余年过去了，他们依然在路上，从热血青年而渐入不惑，始终有一颗追梦的心，优美的旋律是性格，硬朗的曲风是态度。

立体声音响乐团 StereophonicsStereophonics成立于1992年，是一支来自英国威尔士的摇滚乐队。自从他们首张专辑在英国专辑榜上排名第6，之后的连续5张专辑都有排名第1的好成绩。 Stereophonics曾被赞誉‘英伦摇滚超级救世主乐团’、‘英伦国民摇滚乐团’、1998年全英音乐奖项‘年度最佳新人’、专辑销售远超越10白金的纪录，甚至还被称为 Manic Street Preaches接班人，虽然拥有了这些佳评如潮的优异表现，仍然秉持着自我风格，藉由多广的角度去尝试着摇滚研发的可能性。那些成名后带来的浮华虚荣，并没有让Stereophonics迷失方向，反而回归到摇滚的最初衷，将那感动藉由音符与声调，轻易挑起听者的情绪反应。

《贤良》是这样一张专辑，从文化切入，它秉承了西北千年民歌的精髓，字里行间都包含着远离家乡的赤子对故乡风沙与乡土的眷顾。而在表现形式上，除了最为简化的木箱琴，对于那些根本无须伴奏就能被唱的或高昂亢奋或者阴沉情迷的古调，因为西式乐器的加入，因为结构的修整而显得别有风味，在不同耳朵前，它呈现出不同的品位与美学标准。 或者说，苏阳的音乐在很大程度上是中国西北版的另类摇滚，以煤油炉式的、以红辣椒式的分散与跳跃性手法，结合西北民歌宏大与苍茫的音律杂交的母语摇滚。人们可以在任何时期，以任何的动作、心态去倾听这样深厚的，包含着激动的音乐。在更高的层面面，这种尝试的意义在于一个中国音乐家对全球化和多元文化的理解和探索。而对苏阳来说，10年的艰辛与磨难化做十首通达古今，音盖江河的诗唱。他用西北人特有的冷幽默，用西方人才惯用的技法创造着属于自己的音乐流派，黄燎原叫他——土根摇滚，我们叫他是中国的“布鲁斯”。苏阳对此很低调。

秋天不只有中秋節、烤肉和蕭瑟的秋風，在這個夏日即將慢慢終了的季節， 精選几首適合秋天聽的好歌，不管你對於這個季節是抱著喜悅的心情也好、感傷的心情也罷，一起在這些歌中渡過秋日時光吧！

Sons Of Day渴望通过他们的音乐表现现实生活，真相，人性以及真实反映他们作为人类的存在。无论对于乐队还是歌迷来说，生活中的乐趣和困难都是一样的。Fragile People是他们的首张大碟，为国际摇滚乐坛注入一股新鲜血液，虽然有点趋于主流。他们的歌曲中，Oceans Deep 最饱负盛名。 Oceans Deep 这两个词语在中文有一个相当贴切的名字“情深似海”。一如 Sons Of Day在歌曲中所表现出来的深情。Sons Of Day 这一支乐队在这一首歌曲中唱出了男人广阔的胸襟，有一种海纳百川的宽广。这首歌曲讲述了一个男人在与恋人分手后，在痛苦与失落之际仍然愿意以自己最大的力量去帮助女友成就她的幸福和梦想。也许这就是伟大的男人应该有的爱，这种爱超越了占有欲，超越了世俗的对爱的狭隘解读。当你聆听到 Oceans Deep 这首歌曲的时候，一种相当强烈的男人气概就会击溃你的心里防线，当情深似海时，一切温柔都会为对的人保留。

　“水母”分析报告　　姓名：水母乐队　　性别：中性——不是“中庸”，而是能屈能伸、可刚可柔的音乐　　诞生日：2004年，一个白茫茫、轻飘飘的三月下午，游泳的柳絮让我们想唱歌　　年龄：1年　　类别：摇滚动物（只会摇和滚，触角太多很难走）　　解剖结构：主唱——孙炜炜、寒放　　吉他——寒放　　鼓——寒冰　　吉他——王一峰　　贝司——王元韬　　音乐成分：英式、Punk、Grunge、Pop都逃不出我们的触角，不计风格，只要想唱。　　９５％的水——动人的旋律，可以很软、很轻，像所有你忧伤的日子那样忧伤，也可以像所有你蹦蹦跳跳的日子那样蹦蹦跳跳；５％的毒——暗藏的杀机，可以很硬、很重，像所有你愤怒的时候那样愤怒。　　你以后会知道，我们的音乐像水一样渗透每一种情绪。　　生存目标：直冲深海，让海水弥漫水母的音乐之毒，让所有的生物大声唱歌！！！

萬聖節到了! 在這個充滿魔力及妖魔鬼怪的節慶，當然搖滾迷們一定不會錯過在這個節日放肆的慶祝。雖然有不少歌是用來讚頌這個祖靈回歸的日子，除了常聽到的 The Monster Mash 或者是像早期的電視劇 The Munsters 和阿達一族的主題曲，那搖滾迷們會想要更搖滾的音樂來為自己的派對添加更多的樂趣，以下選出 10 首經典萬聖節搖滾歌曲，讓你可以穿插在歌單中來讓自己 Rock `n Roll 一整個萬聖節吧 !

Rachael Yamagata的父亲是日本移民，母亲是德国、意大利混血，身兼三种血液的RachaelYamagata从一出生起，就要比旁人多了一种博大精深的文化优势，山形瑞秋的日本名字或许还只是一种风雅，但骨子里那种东方式神经质的线条，却注定了她与同类女歌手竞争时的先天优势，有YokoOno作为榜样，一切早已说明。尽管19岁就加入芝加哥的Funk乐团Bumpus，但RachaelYamagata多元化的性格里却显然无法容忍被限制于一种音乐风格的拘束里，对她曲风有影响的倒是她和乐团吉它手男友的分手，使她以更感性化的情爱刺激为基础引导出自己的音乐走向。她弹钢琴,自写自唱， 多次赢得Fiona Apple奖。她的第一张专辑《Happenstance》在2004年6月8日发行

1999年组建以来，山人乐队一直在温饱线上挣扎，一群三好少年从二十多岁熬到了三十出头，眼看着十年时间像儿戏作鸟兽散，身为云南摇滚界的老人，却只能在一些小规模的演出场合露面，发布专辑遥遥无期。从云南到北京，今年，乐队终于熬出第一张专辑，这些早已被歌迷烂熟于胸的曲目，重新在CD光盘里面传出来，还是有一种令人时而莞尔，时而轻狂的韵律和情绪。云南山歌小调混搭摇滚曲式是他们的招牌动作，俨然一副上身西装、脚上草鞋的乡村二流子扮相。土洋结合背后，是乡下人到城里人的过程中哭笑不得的人生写真，酸甜苦辣抖落的一身鸡皮疙瘩一点也不马虎。山人乐队默认自己的音乐风格是农业金属，金属的外壳，山歌的芯子，泼辣得像被捉上岸的鱼，抖鳞壳颤地活蹦乱跳。在这个很多穿着山寨名牌的时尚达人横行，热闹“土摇”遍地的国度，能承认自己土，怕也只有山人有这个气度这歌里面一句一句的方言片段是这种真的土，都是最为朴实的认知，说说自己和对城市想法。是一种大喇喇的粗，但又有一种不好形容的精细，这种反差充满了灵性，感觉很妙，应该唱的是他们自己的心情，所以尤其显得真实。

听巴奈的歌，会心酸 会沉溺 会茫然若失 人生会有许多始料未及的变故 心态也是 成长成自己不认识的样子 然后接受 回不去 就只能往前走 眼观八方 耳听六路 别拒绝会让人心碎的声响 它们在提醒活着的温度巴奈对待音乐的态度一如她对待生活。专心走路吃饭/感觉身体说话在她的声音里，会觉得惭愧。就像她的朋友说的，“她很简单，是我们太复杂”。

Puddle Of Mudd 乐队，译“烂泥巴”。音乐风格上可以算作Limp Bizkit 的子弟兵，但是少了饶舌元素，但是多了充满感情的旋律歌曲则是来自 2001 年发行的专辑【Come clean】中的 Blurry，Blurry 是日本NAMCO（南梦宫）公司推出的经典空战游戏“Ace Combat 5（皇牌空战5）”的主题歌曲，甚受该游戏玩家称颂。据说专辑《Come Clean》发行首周不仅成功抢滩 Billboard 专辑榜 TOP10，更创下史上摇滚新团体首周最高销售纪录发行半年不到的时间之内已经卖破一百万张，声势锐不可当！热闹喧嚣而富旋律性的首支强劲单曲“Control”魅力延烧全美各大电台，攻占 Billboard 现代摇滚单曲榜季军；柔美中带着刚毅的“Blurry”再接再厉，迄今已蝉联现代摇滚榜6周冠军；是乐迷不可错过的摇滚佳作。

1984年，北京歌舞剧团的七个年轻人不满足于仅仅完成没有新鲜感的演出任务，他们仿照欧美国家乐队的模式，也组成了一支乐队。为了表示七个人黏在一起，谁也离不开谁的意思，他们给自己的乐队取名“七合板”。第二年，他们出版了乐队的专辑。不过，他们没有真的成为“七合板”，而是各自走了各自的道路，这张《七合板演唱专辑》，也成为这支乐队留下的唯一纪念。　　乐队的七个人分别是文博、安少华、杨乐强、周晓明、李秀利、刘元、崔健。因为崔健，这张其实和摇滚没什么关系的专辑，在中国摇滚乐历史上无法被忽视了。当然，刘元作为崔健乐队乐手，一直活跃着。杨乐强、文博的名字，在音乐圈里，也还能够看到的。杨乐强后来以杨乐为名，为许多专辑吹过口琴。文博在2003年底的一次圈内聚会性质的演出上，展示了中国民乐与摇滚相结合的创作成绩。　　这张珍贵的专辑音乐很杂，主要是翻唱，有外国音乐，也有中国民歌。后来，根据2002年的纪念性访谈节目《呐喊——为了中国曾经的摇滚》整理的CD中，收录了这张专辑中的《斯卡布罗的集市》，与西蒙和加芬卡尔的原版很接近。现在网上能搜到的七合板作品，一般只有这首歌。除此之外，还有三首创作或半创作作品，分别是杨乐、安少华填词的中国民歌《小毛驴》，刘元作词，刘元、周晓明作曲的《痛苦》以及崔健作词作曲的《艰难行》。后两者，是和摇滚比较接近的作品。　　推荐曲目：《斯卡布罗的集市》、《痛苦》、《艰难行》。

对Sinead O'Connor的怀念始终停留在那个剃着光头，轮廓幽深清冽，却又异常美丽的脸孔上，还有她曾经的桀骜不驯和锋芒毕露，孤傲倔强的像一个战士一般。时间慢慢抚平了她的愤世嫉俗，她的蓝眼睛开始充满温柔的期许，不再咄咄逼人，她穿起了洁白的婚纱，续起了美丽的长发，养育着自己的两个孩子，像一个内心恬静的中年女人一样温和的微笑，皈依了曾经厌恶的宗教，怀着圣洁的心情和厚重的归属感。我总是怀着很柔和的心去怀念她的这些蜕变，怀念她曾经愤怒的面孔，怀念她每一个音符中深挚的情感，怀念她的倾诉衷肠，真诚的像倾尽了一生的忏悔一样，然后感动的一塌糊涂，她的声音总是轻易把我带进一个真空的世界，这个世界装满了让人忏悔和剖析过去的魔力。想起一个马上要过四十大关的朋友说，每一次看美国丽人总是会忍不住大哭，那种中年危机感你现在无法体会，Sinead O'Connor带给我的就是这种感悟，正如现在回过头去翻自己十五岁的日记一样。人们说她不再是她，也许她不再愤怒，但她仍然是她，只是她回归到了属于她的正常的生活，像每一个需要爱的女人一样。

Disneyland After Dark于1982年在丹麦首都哥本哈根成立。1986年，首张专辑Call of the Wild在丹麦Mega Records旗下出版。 第二张专辑D.A.D. Draws A Circle于1987年出版。乐队以美式cowpunk（牛仔朋克），不严肃的作风和紧凑的现场演出在丹麦赢得众多拥趸。 是第三张专辑——1989年的No Fuel Left for the Pilgrims使Disneyland After Dark在丹麦和周边的欧洲国家一飞冲天，单曲"Sleeping My Day Away"至今都是乐队最受欢迎的歌曲。这时音乐风格偏重时兴的流行金属，形成北欧的华丽摇滚中坚力量。 乐队被Warner Brothers相中，签约，在美国发展，但不幸专辑销量惨淡。 1991年的专辑Riskin' It All同样也没有在美国闯出天地。乐队被Warner放弃，美国梦破灭，回到了欧洲发展，这时的音乐很有一种回归布鲁斯/硬摇滚的味道。

美好药店组建于1996年，是国内最具实验性、颠覆性的前卫摇滚乐团之一。他们将另类民谣、先锋摇滚、自由爵士等音乐元素融于一炉，是最能体现中国摇滚转型的新锐乐队。其中，小河作为“美好药店”乐队的灵魂人物，曾经在摩登天空唱片发行个人专集“飞得高高的鸟不落在跑不快的牛的背上”，其艺术先锋性给中国民谣带来了新鲜的元素。乐队的现场演出不断给乐迷带来惊喜，极具表现力和感染力，多年来保持着独树一帜的现场品质。2005年5月，独立制作发行专辑“请给我放大一张表妹的照片”。2008年发行第二张专辑《脚步声阵阵》。　美好药店由小河、张玮玮、郭龙、叶鹏罡、张蔚5人组成。这是继三年前的《请给表妹放大一张照片》之后，这支极具实验精神的摇滚乐队的第二张专辑。专辑共有9首歌，有些歌长达十几分钟，充满了美好药店一惯的戏剧性，其中《甩呀甩》、《走神》、《老刘》等歌一直是近年美好药店演出的代表作。　　从国产动画片《崂山道士》到赵忠祥《动物世界》，从《追捕》到电台倾情节目……从翻唱捷克民谣到漫卷诗书对酒当歌——从《康熙大字典》飞出庄周的蝴蝶。这张唱片犹如残旧的黑白相册，点燃了70年代生人的成长记忆，但并非将怀旧引向时尚，因为时间终将战胜时尚。　　一泡尿功夫，青春便已作古，但我们依旧在大地上甩呀甩，在人间搜神，出神，走神，与虎谋皮，与鬼斗酒，与仙戏乐。

爵士乐（Jazz），于19世纪末20世纪初源于美国，诞生于新奥尔良，音乐根基来自布鲁斯（Blues）和拉格泰姆（Ragtime）。爵士乐讲究即兴，以具有摇摆特点的 Shuffle 节奏为基础，是非洲黑人文化和欧洲白人文化的结合周末悠闲的夜里，打开几杯啤酒或者红酒，三五好友，把老男人的爵士歌曲作为背景，在月色下畅快地边喝边聊，甚是快意七情纵夜深，五指拨弦沉。暗香帘影浮，酒色销客魂……

满江回归的专辑作品《Mr. Man》。从BOY型的青涩偶像转型为情怀满身、颇具MAN味的唱作人的主旨。我不知道是不是所有最终选择走唱作人这条路，那些曾经的偶像歌手们，内心里都曾有过煎熬，但是我们多半都会看到他们，回归自己本来样貌后的自在，以及想要与过往的自己划清界限的决绝之心。其实这样的歌手很多，早年从青涩偶像跑向饶舌狂放的张震岳，以小魔女姿态出道最终走向冷艳风格的范晓萱等等，他们的风格跳跃跨度都太大，常常会被过往的粉丝另眼相看。听完满江的《Mr. Man》，发现唱片的主旨没有超出我的预想，整体结构脉络安排结构也在情理之中，应该可以归类为这几年内地唱片中的良心之作。但听他的专辑，我意识到网络传播对自己的消磨，那些为了控制传输数据量的压损，模糊了唱片制作的巧思，在数支作品之中，我都听隐约听到了了主旋律之外衬着的节律，我特别想弄清楚其中的层次和被赋予的意义。有人在走他想走的路，且已在归途。

老大说，他从没有来过21世纪。他把自己的专辑名字叫做《活在1988》。老大也在想，为什么我没有自己的歌呢？“因为我停留在了那个年代，我停在了那个轰轰烈烈、充满希望的八十年代，我不愿意向前走，因为向前走会丢掉很多东西，而那些东西是我喜欢的，是我骨子里喜欢的。”于是他开始频繁的翻唱上个世纪的老歌。整张专辑中包含了《寂寞难耐》、《跟着感觉走》、《北京的金山上》等等等等。他将这些歌曲唱出了自己的怀念。在不为人知的角落里，感动着不为人知的我。

2010年08月17日发行的专辑《Faces And Four Letter Words》，曲风让我们看到了Hard.Core.Alternative Rock的影子，但绝对没有偏离Rock，是一张相当正点的摇滚专辑，主唱的声线略带沙哑让每一首歌曲都发挥得激情似火，吉他和贝斯的洋溢更是如虎添翼，鼓手对声乐的掌握更是恰到好处，每一个节奏都是正中下怀啊!呵呵!一定不能错过这张惊世稀砖啊其实这张专辑应该打四星，但是那首a day to alone着实感动了我，很贴近目前的心情，当那句 And maybe youve fallen down，And maybe you, you took the long way home响起时真的很受触动。

这是最早接触的马格版本四重奏，第一次听只觉得略带神经质，听着听着居然喜欢了，之后很长一段时间，走在马路上耳朵里会断断续续地响起急促的提琴声。 那个戴着大框眼镜的短发女孩马格，会写感人的唱片文案的企宣马格，声音慵懒表情淡漠的昙花歌手马格。在唱完这首歌之后就销声匿迹了，好似和乐坛开了一个小小的玩笑。 其实并不意外，就像马格自己说的——她只是喜欢唱歌，不喜欢当歌手。如果没有意外发生，《女孩与四重奏》就是第一张也是最后一张了 配乐的金武林是个学院派的"摇滚分子"，也是一个怪异的才子。这两首歌以弦乐四重奏作为背景，也是和歌手的声音一样简单而随意，听不出精雕细凿的痕迹，记得在专辑上，封面上有金武林作为制作人写的一段话：“我给她做的音乐不是以往你们所能听到的任何一种形式的流行音乐，它是一种很美的东西，很自然，是一个很普通的女孩儿发自内心的声音....” 丁薇、马格这样的女子，游离于大众圈子之外，歌里歌外，是倔强而真实的。马格唱的这首歌当年就被打上了一个“非主流”的烙印。作这种歌曲的女子，是有个性的；唱这种歌曲的女子，是清醒的；喜欢听这种歌曲的女子，也是有个性而清醒的。 城市间，行走着许多这样理想和现实共存的女子，真好。

Black Label Society从1999到2014年间，共推出了13张专辑，有时以强悍的吉他刷扣与厚实的和弦进行，辅以重低音的破坏性的声波攻势。有时出以空心吉他、钢琴为主导，加上电吉他搭配演奏出强烈的重摇滚节奏与抒情曲风， 配合以Zakk时而火爆歌喉加上时而感性的嗓音，抒情与威猛的刚柔并济，展现Zakk发自内心深处的铁血柔情

1997年夏天，New Found Glory乐队成立于美国佛罗里达州的Coral Springs，一支混合了朋克与情绪硬核摇滚乐的五人乐队，充满青春能量的流行庞克曲风与渲染力十足的现场演出，让New Found Glory出道迄今深受无数摇滚乐迷的喜爱，从默默无名的车库摇滚乐团开始奋斗，到如今缔造全美超过250万张专辑销售佳绩、征服英美两地排行、赢得众多乐评赞誉肯定的庞克摇滚尖兵，从音乐上来看，New Found Glory为首的New skool punk乐队，更为浅显的内容，简单悦耳的旋律，甚至相对易于演奏的编曲形式，让青少年也更容易认同并参与其中，只是资深的punk乐迷会觉得这类音乐缺少雄浑内劲。不过这些团体从少年组合类团体那里也学会了漂亮的包装与偶像派头，封套设计又从Hip-hop文化中偷师营造着名车靓女美酒洋房的奢华之气，对青少年的诱惑是不言而喻。 　　 其实New Found Glory不过是中规中矩的Punk-pop，比起Green day这样的大团，却少音乐上更石破天惊的创造力，但是他们始终可以把旋律写得漂亮上口，较那些放底姿态也把旋律写得生涩不堪的后生，已经是功德圆满。来自美国佛罗里达的New Found Glory/光宗耀祖合唱团的确实现了成军时的梦想，而当年团员们为了做好音乐而选择退学、或放弃医学院奖学金的牺牲也得到了回报。 　　

她是詩人、畫家，也是客語創作歌手，年近五十才入圍金曲獎「最佳新人」的羅思容，羅思容的音樂，猶如沒有被限制生長的枝頭上結出之果，她的《每日》，敢於在編曲中用上椰胡、木鈴等「冷門」樂器；而專輯《攬花去》，又將富有東方韻味的調子，跟西方藍調的即興精神相碰撞，擦出了火花；到《多一個》，音樂變得更為之實驗，或者說是變得更為之隨性，讓人能夠於聽覺上「自由飛翔」的同時，亦於歌曲裡頭，沉澱出了情感。用上三種語言演唱的《多一個》（國語、客語、福佬語），叩響著人們已近麻木無知的心靈，引領聽眾重新感受生命的顫動，和這世界原有的「情調」。蔡宛璇擬人化的詩作《小島》，就是與大自然進行對話，尋回市聲喧鬧下的，那些被擱置一旁的本真；它情韻深厚之音樂與吟唱，亮點還有於編排上突然增強光的感覺（在「陽光烤箱……」那段），更好地襯出了詩內影像、景觀切換般的效果

＂有人的精神世界须一种尖端地磨砺，以匹配他们超越庸常的创作；也有的人艺术感觉过于钝化，非重镑狠击而无以反应。＂因此，我们有时听极端音乐这是一个在耳廓中给自己带来狂风暴雨的机会，会让我停止思考，跟着狂暴的音乐到达宣泄的顶点，在极端的喧嚣中，反而找到了宁静，一种涤荡一切的歇斯底里，这也行另一种追求真实的路径

小理查德（Little Richard）不仅在二十世纪五十年代摇滚乐中担任主角。而且还对六十年代涌现出来的美国摇滚艺人起了最基本的激励作用。作为摇滚世界的历史缔造者之一，在1956年到1957年的短短一年中，他完成了几乎全部代表作并卖出了1800万张。 　　 小理查德出生在宗教家庭，十几岁时离家出走，在乡村叫卖蛇油为生。1950年，他被一个白人家庭收养，开始在Tick Tock俱乐部演唱一些节奏布鲁斯歌曲，同时开始学习钢琴演奏。一年后，他参加了在亚特兰大一场颇具实力的竞赛，第一次以小理查德演出的他获得了极大成功。赛后不久，他签约RCA唱片公司。此后三年中小理查德录制了一些歌曲，但成绩都不是很好。但在1954年，他却变得幸运起来，Art Rupe公司看中了他的几首作品，小理查德由此开始了事业的高潮期。1956年，专辑《Tutti-Frutti》推出后，冲击到了排行榜第17位，销量达300万张。在成功的鼓舞下，小理查德趁热打铁，在5月推出“Long Tall Sally”，取得了排行榜13位的佳绩。1956年余下的时间里，小理查德刮起了巡回演出的旋风，并出现在电影《Keep a Knocking》中。但在当他的事业如日中天的时候，小理查德却在10月的澳大利亚巡回演出中正式宣布放弃摇滚乐。当他重返美国时，他最终重返录音室，录制了《Keeping A Knocking》和《Good Golly，Miss Molly》。1958年，他进入亚拉巴马州的一家技术学院学习，不久又以注册牧师的身份出现。 　　 小理查得作为一家伟大的摇滚乐歌手的日子结束了。在此后的30年中，他在教堂和音乐界不断变换身份。 　　 在引退歌坛多年后的1985年，，他被收入摇滚名人祠。

Meat Loaf - I'd Do Anything For Love 现场版，另一种动人

RADIOHEAD的音乐让人心碎又着迷。这样病态迷茫，这种沉默中撕心裂肺的痛苦特别触动人。迷路的灵魂像是找到一个同样迷路的灵魂，有同伴的感觉真好，即使那个同伴带着我往更深处迷路沉沦。他们的歌声里有一个黑暗无底的深渊，而我却心甘情愿地沦陷，沉迷到无法自拔。越听越难过，越难过越听，我想这是一种叫radiohead的病。我想他们是不是抓住了人类所有敏感脆弱的神经。没什么好多说，我爱灵魂深处的歇斯底里，我爱的radiohead就是 radiohead，没有另一支乐队可以替代它。

Kodaline（柯达线）是来自爱尔兰首府都柏林的四人乐团2007年3月，乐队创造了排行榜历史:他们的首支单曲"Give Me A Minute"在The Irish Singles Chart(爱尔兰单曲榜)登顶，并成为独立发行唱片而达到此成就的第一人。 2012年他们推出的单曲 All I Want出现在美剧Grey&`&s Anatomy（实习医生格蕾）第九季第二集，同时也成为了谷歌时代精神2012回顾的背景音乐。2014年All I Want出现在电影《星运里的错》里。

狄奥尼索斯 - 娜娜有幸听到狄奥尼索斯乐队的《娜娜》，一首很容易让人浮想联翩的歌曲。躺在床上看着午后的阳光透过玻璃窗洒在地板上，双手压在脑后，一遍一遍地重复循环播放。我想，这首歌如果作为背景乐，应该会有4个年青人穿着适合那个年代的大喇叭裤，双手插进裤子口袋，夸张而整齐地跨着步子，地上的灰尘被喇叭裤角一带而起。我想，那个年代的年青人应该都烫着一头蓬蓬头，他们嘴上都会叼着香烟。有时，其中一个个子瘦而高的年青人会凌空飞起一脚踢飞路边的小石子，然后得意地对着另外三个年轻人笑着。我想，娜娜一定烫了个小卷的头发，脸上画着能够一眼就能看出来的装扮，她精心的装扮好自己才出来玩，说明这几个年青人中的一个肯定是娜娜喜欢的人，娜娜一出门就跑去搂着建国的臂膀对着建国一脸媚笑，我想，娜娜是喜欢建国的。

　"他们是一支没有为西方摇滚乐做中国话配音的乐队，在他们的音乐里，你听不到西方某个乐队的影子，配器上也没有别人的痕迹，看不到模仿的表情，现代、但并不晦涩。诙谐中有点苦涩，调侃背后有点悲哀。"　　"讲述的是我们身边的事，传达的却是我们熟悉但又忽略的感知。揭示了社会中人与事之中的种种微妙关系及其本质。"乐队不但在平时创作中最注重的是人性的状态，就连在今年《音像世界》等一些音乐媒体，把《子曰》选为九十年代中国摇滚十大专辑之一时，当时媒体的评语也是"第一支关注人与人性及人们生活和身边事的摇滚乐队。"评论界认为："子曰乐队使中国摇滚乐出现了令人兴奋的新声音。他使人们难得的第一次从中国人的摇滚乐中找到了幽默，又是自崔健以来第二个能令你在音乐与歌词中同时都能品味出其深刻内涵的摇滚者。""听他们的歌好像品茶，越品越有味道。"　　"子曰"的音乐里你能感受到一种十分强烈的画面感或十分鲜明的人物形象又或激烈的情节冲突感。而这些都为作品增添了戏剧化的效果，也让人们在这种音乐营造出的感觉中更直接的体味到作品的主题。"他们不但是中国第二代乐队中最具特色的一只，且他们的潜力最终将会证明他们真正意义上的出类拨萃！"　　在"子曰"的歌中你听不到虚幻，与其它乐队常见的所表现的"飞"相反，他们的歌词与音乐大多具有现实意义，是写实的，它会让你眼前浮现出一幅幅画面，一个个有头有尾的故事。且经常能以小见大延伸各种主题，带给听者一个广阔的思索、感悟、可供联想的空间。"子曰"乐队的创办人也是乐队的灵魂人物，主唱兼贝斯手秋野，一直有着其相当独特的平民艺术家气质。"首先他那独具一格且恰到好处的演唱显示了他那难以拷贝的天才，而你一旦模仿，无论结果如何都将必然像个庸才。"因为他的每一个音符皆真正源自于他的内心，发自他的身体。"子曰"从名字到音乐都表现出浓厚的中国气质，但这些都不属于他们刻意的营造，而是基于生活与身心中自然的流露。并且这些特点也与秋野本人热爱中华文化有很大关系，不但他的老作品中有用过古诗、古语或佛语典故，且在其新作中秋野凭借他日渐加深的文字造诣，又利用文言文创作了多首作品。秋野与乐队其他成员一直秉承着"音乐是工具，拿音乐来说话"的意识，所以他有时更像一个文人或思想者，他的文字与音乐的形成源于他丰富的生活经历，深厚的思想沉淀还有其关注人性的哲人态度。这就是"爻释-子曰"的音乐为何有着深刻内涵的原因。而且他们往往用着一副独特的轻松、诙谐、调侃的表情却能让听者体会到真正意义上的"严肃，正经，深沉"。正可谓"四两拔千斤"。

Hedley是个加拿大四人摇滚乐队，主唱Jacob Hoggard曾在2004年获得真人秀“加拿大偶像”第二季第三名。此后虽然乐队经历过成员重组，但是仍保留着参加加拿大偶像前的乐队名Hedley（2005）首单 "On My Own"上榜后在加拿大单曲榜中排名第一。Famous Last Words (2007)，Hedley的第一张同名专辑取得了成功。随后，Hedley乐队进行了巡回演出。2006 ?年夏天，Hedley乐队完成为Yellowcard乐队巡回演唱会的开场秀后，在美国与Capitol Records（国会唱片公司）签约。于2007年9月20日发行了第二张专辑Famous Last Words。专辑中的单曲"She&`&s So Sorry",2007年9月20日首次登上MuchMusic榜单。2009年11月17日，Hedley推出了第三张录音专辑The Show Must Go。2010年Hedley于美国环球唱片公司签约。起初拟定在美国10月12日推出专辑Go With the Show，但最终?于12月7日推出。乐队也同样在全美为新专辑做巡回演出。新专辑在巡回演出中包含特别曲目"I Do (Wanna Love You)" 和 "Color Outside The Lines"。 “Perfect”作为在美国发行的首单，在billboard榜单中排名第25

I&`&m In Love - Glay 选自《Pure Soul》专辑19881988年，以GLAY为乐队名的演唱组合初步形成。这时的GLAY 还只是一个雏形，1990 年底，GLAY 离开家乡北海道，前往东京发展，并开始穿梭于东京都近郊的LIVE HOUSE，这段时间积累了不少的人气和经验。 1991年，GLAY 四人开始自费录制盒式卡带。 到了1993年的夏天，GLAY 终于遇到了使他们的命运从此发生转折的人 -- YOSHIKI。 GLAY就和YOSHIKI名下的唱片公司签订了合约，踏上了今后的演艺之路。 　　 GLAY在中国大陆和港台的名气或许不及 LUNA SEA 和B&`&z两个摇滚乐队，但是在日本他们可是被称作" 国民乐队 "的著名摇滚乐团，与LUNA SEA 、B&`&z并称为日本摇滚三大家，深受歌迷喜爱。他们在家乡举行的北海道名产评选中，从毛蟹等一堆北海道美食中脱颖而出，获得了「北海道名产大奖」，成为了名副其实的北海道特产，并被函馆市政府授予荣誉市民的称号，而搭上他们人气顺风车的当地旅游业，也开设了多条专门的“GLAY观光线路”来满足歌迷。GLAY的音乐风格就如同他们的团名一样，是既非黑色(ROCK)又非白色(POP)的灰。

大叔的嗓音是经过沧桑岁月渲染后的厚重低沉是历经风霜的质朴温润是傍晚薄雾中的慵懒迷离大叔的嗓音好似伤心下雨天里的一声问候轻轻拂过泛白的日光投下一抹醉人的虚影却又那么精准每一个音节每一叹音调都刚好落在缺口上整理几首，打开红酒，随着夜色星空慢慢品着吧

喜欢喵星人，如果说狗狗是奴性，喵喵就是人性，在孤独的城市中，我需要一个能够互相温暖却又各自独立的室友猫是孤独。孤独，是猫和作家共有的情怀。街区或者路边，我们常见一群流浪狗，但很少能看见一群流浪猫。即便看见几只在一起，它们也都是相隔一个可以被称为个体的距离所存在。保持相对的独立，敏感而又孤独，它们一边走，但神情却又出卖了它们一边思考的状态，他们大量地观察这个世界，和周围保持距离，这个距离恰好能看清，又不令他们牵涉其中。特立独行，三分自己

基诺是一支来自湖北武汉的摇滚乐队。 2002 年中旬，谢欣和胡坤表兄弟二人与几个好友成立了一只玩票性质的乐队，排练一些例如 radiohead,blur 等乐队成员都比较喜爱的英国乐队的 作品。 2004 年底，胡坤与趣味相投的大学同学张裔结识，并找来一名朋友帮忙打鼓，组建成基诺乐队的前身 “ 静态滑行 ” 乐队，尝试创作自己的作品，这时乐队的音乐 风格自然是师承了众多英国乐队的特点。在成员不断变更的同时，乐队也完成了自成立以来的第一批作品，并在当地音乐界引起广泛关注与好评。同期乐队也开始参 与武汉本地的一些摇滚乐演出。 2006 初，乐队早期作品通过网络及音乐杂志进行了小范围传播，并由此获得来自全国乐迷及唱片公司的关注。不过此时的乐队并未急于与任何一家唱片公司签约，而是尝 试摆脱一些早期对音乐过度偏执的影响，与以往相比，他们更希望将音乐回归到原始状态，悦耳的旋律与动人的歌词成为了他们最具代表性的全新载体。 2006 年 底，乐队选择了新晋独立厂牌先生小姐唱片作为自己签约的第一家唱片公司，而最终阵容也确定为最初的基本形态：主唱谢欣，吉他手胡坤，贝司手张裔，同时将乐 队名称改为更加坚实有力的 “ 基诺（ The Chinos ） ” ，希望藉此开始一段全新的历程。 2007 年初，基诺乐队在北京完成了首张专辑的录音工作，这张专辑的制作人也是同样来自武汉的吴涛（前达达乐队吉他手）。经过长达一年的后期工作，基诺的首张专辑《再见！维多利亚》于 2008 年5 月发表。 2008.5.2在武汉vox bar首场演出名为“启航”。

已是70好几的老家伙Udo Dirkschneider按我们中国人的说法是已知天命了，但是他似乎还在和天命搏斗。就算是现今数不胜数的年轻乐队，U.D.O.的音乐也足以让他们感到震憾。甚至有人把Udo Dirkschneider比作烈酒，年代越久，酒性越烈！我想，其中最关键的的一点就是流淌在Udo Dirkschneider血液里那永不妥协的金属精神，正是这种精神区分开了经典乐队和大众乐队。

世界上有一半的人会吹口琴，还有一半人希望自己会吹口琴。" 　　J.J.MILTEAU于二战后的1950年出生于法国巴黎一个普通的家庭（他父亲是名厨师）。充斥着摇滚的60年代使他有机会选择是过平淡而一成不变的学习生活还是当一名豪放不羁的艺术家。他决定去欧洲和北美旅行，打打小工，会会各种各样的人和艺术家。 　　在路上，他听说了一些不是很著名但极富有灵感的蓝调艺人，于是开始了他演奏口琴的生涯。口琴虽小，但便于携带，对于像他这样年轻而孤独的旅人是很合适的。三十年后，他有足够的理由为他当初的选择感到高兴，因为这小小的口琴带给他各种快乐和意想不到的境遇。 　　从北极圈（圣皮埃尔岛和密克隆岛）到南非，从瑞士到古巴，甚至在著名的"巴黎歌剧"的舞台上等意想不到的场所，他都进行过演出。 　　J.J.MILTEAU感到能够成为一名忙碌的乐手很幸运。但他同时感到他也是一个平民，希望能够与人分享他的经验和知识。口琴是少数几个吹奏乐器之一：包括呼出和吸入的过程。在医院里，J.J.MILTEAU和几个内科医生和理疗专家共同领导了一项关于声乐呼吸练习的研究工作，以帮助那些患有如气喘病这样呼吸道疾病的儿童和成人。 他一直坚持音乐的创作：为电视节目，为电影录制音带，为商业演出……他的事业中充满各种不同的工作。他曾担任过（或同时担任）作曲家、音响师、出版商、唱片商、唱片封套设计、摄影师……他年轻时甚至在录音间工作过。 1997年，他创建了一个网站：HYPERLINK （http://www.nilteau.com）。这是一个关于口琴的"电脑之城"，其中包括一座博物馆、一所学校、一个音乐会吧，还有许许多多英语、法语和波兰语的消息和链接。 著名品牌"Hohner"用他的名字生产了两种类型的口琴。

　2005年摩登天空旗下的果味VC乐队在蛰伏了3年之后，重整旗鼓全力打造的第二张全新专辑《来自VC的礼物》终于面市。　　这张专专辑带来了他们在过去三年里对生活的感悟而创作的10多首满意的作品。乐队成员表示，新专辑取名《来自VC的礼物》是因为它是献给所有喜爱“果味VC”并一如既往给予他们支持的所有听众的，就像礼物一样包含着乐队的真诚与心意，而且新专辑的制作过程也更是历时一年多的时间，并邀请日本著名录音师栗野敬三担当缩混工作，整张专辑突出了优雅高贵气质的风格，相信对于乐迷来说这将是一份最好的“礼物”。　　 以钢琴开启的《C调哀歌》溶着03透彻的小声儿溪水般流过耳膜，却使心田受润。让人似懂非懂的歌词渗透出一种深邃的神秘，那神秘之中有我无权了解的真相。深沉，拘谨，冷漠，释然，苦痛，回忆，于是祈祷：就请你一直这么朦胧地吟唱着独特的悲喜，在完整的结束时被遗忘。

“Black Head”是来自西安的一支乐队组合，Black Head的中文意思为“黑撒”（SA读2声，黑撒是秦腔的一种分支戏曲）。“黑撒”的成员包括2人-------夜晚的骑士 和 马蜂，所有歌曲的词曲创作、编曲、乐器演奏、录音缩混等全部由2人包办！　　Black Head 签约于西安时音唱片，他们的首张唱片《起的比鸡还早》于2007年10月出版发行。专辑风格主要以陕西方言的Hip-Hop为主，还融合了蓝调、戏曲、爵士、摇滚、电子乐等多种音乐元素。就好比“黑撒”的歌词中所唱到的，他们要“把老祖宗秦始皇的口音发扬光大”！听完他们的作品，你会发现，原来陕西话是这么动听和迷人^_^

美国摇滚乐队Linkin Park(林肯公园)主唱Chester Bennington在家自杀身亡。他的尸体于当地时间周四上午9点之前在家中被发现，年仅41岁

很难想象如今一团糟的世界要是没有音乐的滋润和慰藉会是何等的熊样，虽然现在的乐坛早已脱胎换骨，听众越来越越喜新厌旧，很多寡淡无味的音乐过耳即忘，离经叛道的神曲满天飞，在时下快餐文化占据主导、快捷的网络平台占尽优势、大量重利不重质的投机歌手出现后，搅得市场一片混沌萧条，想要精心的制作一张大受欢迎又经久不衰的优质专辑实在太难了，有时候挺怀念上世纪60~90年代那会，诞生了无数首匠心独运忠于自我的走心音乐，能让挑剔的耳朵足够兴奋欢愉、杂乱的脑袋瓜子理清思绪倍感放松、忘却不必要的压力和烦恼。天堂也好地狱也罢，都能欣然接受，不过前提是得带上下面这十张我没法舍弃的专辑

2007年成立于吉林长春，取名【关于我们】：起始于一个交集，前行延伸，终点未知。2009年12月，单曲《撇下的种子》收录于《长春造音》合辑。2012年6月，发行首张EP《关于我们》，并为其举办首发式专场演出。2013年8月，单曲《懦弱》收录于《我爱摇滚乐》杂志第134期。2015年1月，主唱参加《中国好歌曲》栏目，演唱单曲《那就枯萎》，加入蔡健雅团队。一支不算是有明确风格的乐队，只想专注于用声音表述自我情感。或许粗糙却不想虚假，或许简单但拒绝无聊。【关于我们】始终在自我反省中寻求被漠视的一向，倾诉、苦讽、呐喊。

硬摇滚乐队的柔情之作绝对是音乐中的极品因为由这些摇滚老将演绎出的柔情作品蕴含着令人动容的沧桑感，这是那些流行歌者们望尘莫及的。当重金属老将把狂躁、愤怒的激情沉淀下来，用最朴素最真实的声音唱出的柔情歌曲，有时成了摇滚乐中的经典之作，你有多凶猛，就有多温柔

盖然带着她的第一张专辑《生死牌》霸气地占领你的音乐领地，她让自己的无知、卑微、勇敢曝晒在阳光下。她以桀骜不驯的姿态登场，以最平常的姿态回归，在生、死的边缘回味生命的动态。她在说着你，说着我，说着每一种“物”的生命历程。 专辑在一开始的《饿》和《如梦令》中，狠狠地欺骗了我们的眼睛，又吓到了我们的耳朵。极端挣扎带来的真实声音，有些急不可耐地爆发，让你看到一个饥饿不已的人，与想象中饿得无力、清新如梦的风格相差太远，这种真实的声音让习惯了华丽声响的心弦霍然断裂，感觉很不适应，甚至会觉得是被噪音胁迫了。 每张专辑都是一个歌手的成长史和进化纪录片。在《生死牌》中，歌者对生死的体验都映射在生活的每个经验中，一个色彩、一束光亮、灵动的空气……都是生死同驻的“牌”。 盖然称自己的音乐是“自留地里的音乐”，她在这个充斥着商业尘嚣的时空中，给了音乐一个自由的土壤，远离俗套，与精神同样富足的知音分享耕耘的收获。她的音乐中，你听不到传统的声音，悟不到音乐的规则，也见不到精心的修饰，她的音乐与流行无关，只跟她生活的这个世界有关。所以，我们不能将她定位于流行、摇滚、朋克音乐人，她只是一个远离了观念束缚的自由吟唱的歌者。

“我只想和最爱的人一起生活在一个安静的小镇里。每天早上，我们会一起去买新鲜的面包，然后一起步行回家，吃了早饭以后，我们就一起坐着，听一些好听的音乐。”我频繁提及那个关于“O”的故事，或是长时间反复哼唱一句诸如“I can’t take my eyes off you”的歌词，这使得同伴都有些不解或是诧异。每每此时我便会故作高深地丢下一句话，然后转身离开。我说：“如果没有经历过那些汹涌和强烈的情感，便也无法从这样表面平静的旋律中，听出那一丝刻骨铭心的眷恋以及时过境迁的无奈吧。”我说的，仅仅是我的感受。我说的是音乐。我说的，是Damien Rice。

　1999——1999年1月,非鱼乐队正式成立,名字源自《庄子 秋水》的“子非鱼焉知鱼之乐”:曾经世俗的眼中,摇滚乐队是一群不食人间烟火的狂人,但是音乐之于我们的快乐,和追求音乐的狂热境界,你若不是我的话,又如何能体会到呢?”这是非鱼乐队对自己和所追求音乐世界过程的注解。2002年首张专辑《愤怒的葡萄》大获成功,主打歌《愤怒的葡萄》成为各电台排行榜热门单曲　　2006——2006年,非鱼乐队在经历迷茫与动荡后宣告解散。作为灵魂人物的主唱刘洋一度远离歌唱,游走在开酒吧、做演出、办网站等看似跟音乐很近又很远的领域,心中属于自己和乐队的梦想渐渐被尘埃蒙蔽,一度怀疑是否还要继续,但无法割舍创作的他多年来依然一直坚持写歌,给自己写歌,而音乐互联网和演出行业在低谷后的重新崛起,渐渐给了他重拾梦想的勇气。2014年,非鱼乐队签约恒大音乐,经过精心准备,终于在2015年推出相隔13年后的第二张全新专辑《我已经好多了》。　　专辑名取自主打歌《唱给自己的歌》——歌曲是主唱及词曲作者刘洋经历了青涩、成长、挣扎、成熟、坚定等诸多人生阶段后,在年过三十后,内心最真实的感受——“我已经好多了”,跟过去曾经轻狂拧巴、也轻松无畏的自己说,也是对现在和未来的非鱼乐队一帮哥们儿说,要继续一起携手,去歌唱这个也许并没有完全好起来,但一定会“好多了”的世界!　　曾经的非鱼乐队,被认为“凝聚了一股逆流而上的英雄主义摇滚精神与淡淡忧伤的情怀,在摇滚乐越来越被接受的当下,非鱼最初的梦想和坚持,更加显得弥足珍贵。”而如今的非鱼乐队,随着生活阅历的积累,人间冷暖的碰撞,加上听音乐种类的丰富,以及重组后新成员在创作上的尝试……这一切让《我已经好多了》变成一张充满新鲜感的“老朋友作品”,美式摇滚、流行摇滚、硬摇滚与Grunge(垃圾摇滚)、抒情摇滚……不变的精神核心,却潜藏着依然清新明朗的少年心性,由已经变得愈发从容大气的心境唱出来,这便是如今的非鱼乐队。　　

一支出色但却无法归类，充满自由精神的乐队。它的确是一支奇怪的乐队，他们竟然有七个人，号称“太极七子”。他们的风格也正是因此而无法归类，集合了七个人的各种想法，要求一种纯粹的风格似乎就太不正常了，在个人看来，这正是太极的魅力，他们作品充满了自由，不拘一格的精彩。他们不同于本质上很纯粹，严肃，充满理想主义激情的黄家驹，他们只想一帮人痛痛快快地搞乐队玩音乐而已，对音乐内容上并没有特别的追求，而他们的音乐火花，就在这种自由中四处迸发。

今天下午反复听窦唯的这首《暮春秋色》。我想我很多年前应该听过这首歌，但那时听却没什么感觉。也许是现在的我比那时的我心更静了？当我一听他开口唱“多开阔，幻生凋落”我便沉醉了，一瞬间有了眼界无穷的感觉，心也在那一瞬间融化了。一首《暮春秋色》，。那种不动声色，那种逍遥自由，那种去留无意，都让我觉得这是我等待已久的声音。于是什么也不想，只是在他的天籁中静静飞行。也许窦唯前世本就是个词人，他现在只是给我们描绘他前世的诗情记忆。多开阔，幻生凋落，还有什么值得你我纠缠执著？

幻灭（Evanescence）是一支来自美国阿肯色州小石城的另类摇滚乐队。 乐队的名字在英文中叫做Evanescence，中文媒体一般翻译做幻灭，其意思就是「某事物消失的过程和状态」。队的创立者是埃米和穆迪。他们从小在阿肯色州相识，并且还一起演出过。他们发现两人有对吉米?海德里格斯和比约克的共同爱好，于是他们开始一起写歌（第一首叫做《Solitude》，由埃米作词，穆迪作曲）。有一段时间他们找不到和自己合作的音乐人，而且也没有成立乐队的专业辅助。但是他们最开始一起做的两首歌让当地的乐团注意到。最后他们开始进行演出，并且成为当地最受欢迎的艺人之一。 他们的第一张专辑是《Origin》，于2000年发布，大多数歌迷对此并不知晓。事实上，乐队最成功的专辑《落入凡间》中的《末日封印》（My Immortal）一曲在《Origin》也可以找到。但是，埃米?李自己并不承认《Origin》是他们的第一张专辑，因为这张专辑只是给发行公司送去了几首还未曾完成的歌曲，结果只售出了2500张。不过，埃米在接受一次采访的时候，鼓励歌迷们在乐队的主页上下载原来那些老歌。 伊凡赛斯在2006年10月推出第二张专辑，名为《摇滚圣门》。 2004年的格莱美奖表彰了幻灭乐队做出的贡献：他们获得了最佳硬摇滚演出奖和最佳新人奖。

2000年组队，2004年年初乐队正式更名为“颠覆M”（意为颠覆自己）。风格定为Power Metal！三度来京居于单店，在零壹乐队鼓手秦少建的推荐下，贝司手潮洛蒙担任零壹乐队马头琴手！颠覆M开始在北京各酒吧演出！ 2005年前任主唱王斌与前吉他手王杨归队，在原有风格基础上融和了旋律死，工业，新金属等元素，并以双主唱的形式加重了旋律的层次感！ 喧嚣中的重金属、蒙古民族情怀下的潺潺音律，在悠扬的马头琴与金戈铁马般的滚滚重音中，穿越天际的歌声在中西方差异下的金属声响中猛烈撞击。时而委婉嘹亮，时而疯狂而又不能自拔。也许对金属音乐如此的评价只能给予一支乐队——来自内蒙古海拉尔的“颠覆M”。在短短4年间，由一个初生牛犊的乐队迅速成长为新一代中国金属流派中的佼佼者；在第一张专辑《蒙古精神》的标题下所显示出的强大自信力“颠覆M”把持着重金属音乐最传统的内涵，在对人生的疑问中，坚持着勇于抗争现实和实现自我梦想的英雄主义情怀。

marilyn manson也许是90年代继nirvana之后,最具时代感召力的乐队。这位美国的邪教使者,痴迷于恶魔力量的感召,将丑恶在音乐中一再夸张放大,并采用了一种时尚的折衷手法,巧妙地将后grunge的虚无主义以及哥特音乐的腐尸气息与流行音乐的煽情元素结合在一起,制造出了90年代中后期最具魔鬼魅力的摇滚乐。　　在这张94年的专辑中,地狱的狂欢景象始终压迫着听者的神经。后hardcore式机械单调的鼓击,死亡金属阴暗凝重的和弦段落,将死亡的氛围渲染得淋漓尽致。marilyn manson用地狱恶魔般的嗓音歌颂着撒旦的复活。　　"dope hat"中犹如群魔狂舞般诡异的节奏,加上manson嗜血一样的咆哮,描绘了一幅世纪末的恶魔盛宴图。不要怀疑为什么会有那么多的青年如飞蛾扑火般将他奉为自己的图腾,在这个所谓的网络时代中,也许上帝早已死了,撒旦将会降临世间去接管这些麻木而自甘堕落的灵魂。

Harry Chapin（哈里·查宾：1942年12月7日—1981年7月16日）出生于纽约布鲁克林，著名民谣歌手，更是一位人道主义者，共发行十张录音室专辑（最后一张《The Last Protest Singer》发行于1988年），1981年因车祸去世，获得过美国国会金质奖章。Harry四处旅行演唱，由于奔波旅途，在第二个孩子出生时，他无法在小儿子出生的时候陪在妻子身边，使得他相当难过。他的妻子Sandra Chapin非常了解他的感受，于是想到一个点子，建议他把这个事件化为歌曲题材。 就这样，他用一首诗谱成了Cat's in the Cradle。这首歌从七十年代红到九十年代，许多乐队都翻唱过。歌曲来自他1974年的专辑《Verities & Balderdash》中文意思是“事实和梦呓”。这张专辑在当年形成大卖的局面，Cat's in the Cradle是最重要的原动力。这首歌确实是难得的作品，被无数乐队翻唱过，象Ugly Kid Joe，乐队历史上只有一首畅销单曲，还竟然就是这首“摇篮里的猫”！唱过的当然还有Skid Row、Johnny Cash、Guns and Roses等等大牌，也许是因为歌曲本身太好了，也许是因为歌曲出色的原故，后来的版本都没对它做很大的改动，听起来都是非常舒服。歌中叙说了一个很简单却很耐人寻味的故事：一个小男孩在接受父亲的礼物——一个球以后，要求父亲和他一起玩，可父亲总是说：“改天吧！”虽然总被拒绝，小男孩还是很崇敬父亲，希望长大可以做父亲那样的人。后来男孩长大了，上了大学、毕业、工作……偶尔去探望父亲的时候，父亲总说：“有空多来陪我，可以和我聊聊。”男孩说他很愿意，但是很忙，所以：“改天吧！”望着男孩离去时的高大背影，父亲感叹：“他真像我……”

c.p.camera 全名Camouflage paint camera 意译为 迷彩照相机重庆的英伦乐队这是支迷人的乐队，有着奇特的创作思路，他们的歌曲很有想像力，旋律优美， 但有时也能写出曲风怪异的歌。乐队以现实主义的角度去写词创作，他们的台风 却和他们的歌词态度截然相反，古怪而飘渺。乐队最有吸引力是融合INDIE风格, 他们受六，七十的年代传统音乐的影响,同时也具有现代气息,乐队五位成员均有 有多年的组团经验，最擅长的本领是，随心所欲的创造很自我，却讨人喜欢的非 典型BRITPOP,他们的风格应该是那种低调的,默默无闻的.但是很好听.因为他们在 音乐中注入了巨大的感情,希望打动听众的一定是音乐，而不是其他 。

四个朋友，三杯啤酒，两种生活，一个乐队。当他们聚集一处，会有什么样的音乐火花迸发？正所谓：三杯抛旧梦，堪记谁，旌纛翻飞，风花缭乱一曲正韶音，且听我，朱弦奏断，蓝调吹残浪荡者，无羁散人是也；绅士者，谦恭君子是也。聚三五朋友，撷一段音符，管弦也好，丝竹也罢，就在这皇城根儿下，四九城中，吞吐着酒气尾气窝囊气，戏谑着昨日今日复明日。于是，四个成熟的男人将蓝调的自在调侃着豆汁儿的酸爽一饮而尽，微醺着笑面城市灰色的黯然。这便是浪荡绅士，这便是他们的音乐。

1986年成立于英国，是著名的硬摇滚乐队。主唱声音很柔。Buffalo Tom 刚出道时的两张专辑是由 Dinosaur Jr. 的 J. Mascis制作，乐风也跟 Dinosaur Jr. 类似， 带有些许民谣风味强调吉他演奏的Hardcore 乐团， 93 年的第三张专辑 Big Red Letter Day 推出大获好评，此后乐风收敛很多，吉他渐渐趋向 REM 式的 Accoustic 演奏方式， 很耐听。

最近耳朵虽超负荷工作却毫不怠倦，相反，渴望越来越多。爱极了上下班的那段路程，可以自由畅快不受干扰地赏乐。人在艰难的时刻，有音乐相伴，是件多么幸福的事。而快乐时邂逅美丽的歌曲，更是锦上添花。音乐的奇妙的，这点勿须多言。大致做了一下整理，选了几首适合发呆时感受的曲子。我是善感的人，听歌时会掺杂着感情，所以每首喜欢的歌几乎都可以勾起一段心尘，用音乐来纪录自己的感受，比文字叙述更直接和生动些，是吧？提着酒，听着音乐，放空幻想，真是人生一大乐事，其实做这样的音乐节目，我这样业余的耳朵，业余的文案，业余的播音真是贻笑大方，但是，每周找几首自己喜欢的歌曲，聊一些背景给自己听就好，至于有缘在茫茫空间听到的朋友，也许声音早已是多年以前的，遇到了，笑一笑变好，有所共鸣更是难得，一切都无所谓，人类这么渺小，世事这么无常，只有酒是永远的，晚安

Brad Paisley-Letter To Me 以轻松方式道出若能写封信给当年17岁的自己，对于逝去的情爱能够勇敢面对之情节建议朋友可以看看感人至深的歌词如果我可以写一封信And send it back in time to myself at 17把它寄回给17岁时的自己I guess I\'ll see you in the mirror当你变成一个成熟的男人的时候When you\'re a grown man我们就会在镜中相见P.S. go hug Aunt Rita every chance you can还有!只有一有机会,就别对Rita阿姨吝啬拥抱其中有句歌词，听着便觉得泪流满面，P.S. go hug Aunt Rita every chance you can，AuntRita在水叔17岁后很快就...去世了...记得珍惜眼前人，不要等着失去了才追悔莫及

对大悲的评价总是分成非常极端的两个阵营，支持者说他们深刻，音乐风格独特，反对者说他们装逼，音乐难听。然而大悲从来没有因为各种议论或者质疑停滞过，始终默默做着自己“有精神有立场”的摇滚乐。　　2013年1月8日，成立3年的大悲乐队，终 于独立发行了他们首张同名EP。首张EP录音制作历时1年，收录了4首乐队代表作。　　看过贾宏声主演的自传电影《昨天》的人，一定对《贾宏声坚持住》这首歌感触颇深，迷笛音乐节上的大合唱也证明了大家对贾宏声的爱戴和怀念，但这首歌真正的意义正如大悲自己所说，是写给那些活着的并像当时的贾宏声一样在绝望边缘挣扎着的人们，希望所有正在和困难死磕的朋友们，都能坚持住，最终“成为自己”！大悲把自己形容成一颗《种子》，一颗丑陋的种子，一颗永远开不出美丽的花的种子，他们也认为每个人都是一颗种子，每个人心中善之种的觉醒或泯灭决定了这个国家的命运，而种子的牺牲、腐烂也为后来者提供了养分，所以他们“自甘堕落，沉溺于更深的地下”，并时刻等待着光明到来的一天。

献给Joy Division 主唱Ian Curtis的诗歌 伊恩•柯蒂斯别立纪念碑。只让玫瑰每年为他而开。因为这是俄耳甫斯。他化形为此又为彼。我们不应为异名而劳心。他一旦作歌便永远是俄耳甫斯。他来了又去。如果他有时比玫瑰花萼多活上数日，岂不是多余？ ----------献给Joy Division 主唱Ian Curtis的诗歌 一九八○年八月十八 :Joy Division的黑暗旅程急止嘎然 ，像凝结住的永恒瞬间 ，而我们的思绪飘忽万千 . 这样的事情发生在有天才的人身上，我们就在今天听到了joy division，听到了歌曲isolation，听到了the eternal，听到了love will tear us apart。过早的涉入婚姻，他将一种带着青涩的成熟和夹杂着矛盾的情绪通过重复性的鼓点、低沉的贝斯和他独特的嗓音展现出来，声声敲打着人们沉寂的灵魂，把那些阴郁的浮尘吹起，伴随他癫痫病人的手舞足蹈，提醒着我们这样一件事： 不要盲目地相信这个世界的美好，你不能逃避灵魂里的阴暗一面，承认它的存在是必要的。你应该学会去接受上帝所赋予的一切，因为这世界上不仅有彩虹的美丽，罪恶、恐惧以及灰暗色的压抑更是通向一切圆成的必经之路。可惜的是在这条路上，伊恩没有坚持到最后。

　1968年Blackmore和朋友一起组建了深紫，在此期间奠定了其无人替代的新古典(前卫)吉它大师地位，1997年和他的妻子Candice Night组成的一个夫妻音乐组合 Blackmore’sNight，唤醒了多少人的耳朵。神仙眷侣虽然年岁相差达26岁，但这并不影响他们对音乐的理解一致。Ritchie Blackmore从hard rock中抽身而和妻子共同步入美妙的world music,Renaissance, new age, folk领域，源自于Ritchie Blackmore的文艺复兴（Renaissance）情结。　　Ritchie在 Blackmore’s Night里用原声木吉他演奏出醉人的旋律，高超的技艺无处不在。Night清爽ethereal式的嗓音辅于各种中世纪乐器——曼陀铃，键盘，锡哨，提琴，铃鼓，军鼓，手摇风琴等让人体验到从来没有过的美妙感受。Ritchie曾这样形容Blackmore’s Night——“Mike Oldfield meets Enya.”

0411乐队成立于2009年3月，是一支以流行摇滚配合多元素曲风为主的电声乐队，乐队成员都有着丰富的乐队经验，因为大家都热爱摇滚乐，在音乐的道路上有共同的思想和共识，所以大家走到了一起，也因为在大连组成，所以用大连的区号起名0411乐队，乐队中每个人都怀揣着自己多年的音乐梦想和有着共同的音乐目标，“用音乐绽放你的青春”是0411乐队目标与愿望，他们希望通过他们自己的音乐去迎合这个时代，也希望能代表现在80，90后新一代对于未来的憧憬和对生活的感悟。《未完成的歌》每个人的人生都在不断变化和完善，丰富多彩的进行着，就好像一首还未完成的歌。。。

在1986年，李寿全推出了他首张真正意义上的专辑作品《８又二分之一》。推出后，李寿全再也没有个人专辑推出，但仅这张在八十年代过了二分之一之际推出的专辑，就给台湾的流行音乐带来了无法比及的社会效应，可以说是那个年代无法抹去的回忆。　　这是唱给流浪人群的一张专辑，在专辑文案上，有这样的话：“总是念着什么时候才停止流浪，事实上，人生就是流浪。被过去赶着逃，被未来牵着跑。”这是一名台湾八十年代音乐人的生命感言，但是二十年后，它依然没有过时。同时，这也是一张灰色至极的专辑，是一篇书写青春残酷逝去的音乐日记。当大多数流行音乐唱片都在进行歌颂式主旋律的唯美营造时，李寿全选择了单枪匹马式的揭露与验伤。整张专辑内敛大气，旋律上简约流畅，词作朴实真切，感性的知觉和理性的思忖兼具。李寿全成熟低沉的男性嗓音将这张专辑演绎的算不上完美却极富生命力。

Avenged Sevenfold由五位高中生於1999年组织而成，来自孕育庞克乐大本营的加州，看过他们现场演出的人，无不被AS狂放金属霸气震摄到五体投地，也许他们看起来一副稚气未脱的年轻小伙子模样，但是受到Pantera、Megadeth、Metallica、Slayer、Iron Maiden等前辈的影响，AS不仅在乐器演奏上纯熟老练，大秀技巧性的高超能力，更追寻传统摇滚乐精神，注入更为飆悍的金属力道！AS从小除了受到庞克乐薰陶，70-80年代的金属/摇滚乐，更是填塞了其年少轻狂、搞团玩乐的无忧自在时期，不似时下年轻摇滚乐团追求短暂、猛飆的快感，更加稳健的默契培养与弹奏深度，都是他们甚为注重的环节。2001-2003年AS接连在独立厂牌旗下推出四张专辑，大受摇滚界欢迎，同时顺利入主华纳音乐集团的怀抱问世“City Of Evil”，被金属杂誌Kerrang！奉上五星满分高评，并标示『自枪与玫瑰乐团之后最具危险性的摇滚乐团…』之讚誉，创下金唱片纪录，2007年又以同名专辑空降告示牌专辑榜#4、全球狂销40几万张。

出口A EXITA（出口A） 流派: 摇滚 专辑类型: EP 介质: CD 发行时间: 2011-12-12

马上就是一年一度的母親節了，你準備了什麼禮物要給媽媽？媽媽總是知道我們最愛吃的東西是什麼，但我們可曾知道媽媽最愛吃的是什麼嗎？偉大的樂團 The Beatles 的經典歌曲〈Let It Be〉在大街小巷傳唱，多少樂團、歌手翻唱過這首曠世經典；但你知道這首歌的靈感其實是來自貝斯手 Paul McCartney 已故的母親嗎？Paul McCartney 說他已過世的母親曾來到他的夢中，告訴他面對這些煩惱時，就隨它去吧( Let It Be )！於是就誕生了這首歌曲。Let it be也許你總認為媽媽落伍了、媽媽沒有你懂、媽媽不知道那些你知道的事，但你忘記媽媽將你撫養長大、媽媽照顧你的一切、媽媽如何學著為人母的經歷，光是這些無與倫比的智慧就讓我們應該時常地在母親面前虛心求教與聆聽教誨。在我們的認知裡，母親是那個總是會原諒我們的人，但你可曾想過在母親眼裡，我們又是什麼樣子？懷胎十月、歷經十幾年的拉拔，我們終將成為一個大人，我們會踏入社會成為社會中千萬人的一份子，但是在母親的眼裡，我們自始至終都是唯一的寶貝孩子。希望我們好好在母親節時深深擁抱母親，說聲：「媽媽，我愛您」。

R.E.M.（Rapid Eye Movement）是一个精神病学和医学名词，意为"浅睡中的眼球跳动"，是潜意识和梦境最为活跃的时间。1980 年来自乔治亚大学的四位小伙子--乐队的核心人物、主唱及主要歌曲创作者 Michael Stipe、吉他手 Peter Buck、贝司手 Mike Mills 和鼓手 Bill Berry --把它作为自己乐队的名字，开始了他们的摇滚生涯。当后朋克摇滚时期转型成另类摇滚之时，正是R.E.M.写下自己历史的时刻。1981年，他们发行第一支单曲“Radio Free Europe”后，在美国地下乐坛引起了一阵“回归garage”的风潮，80年代早期，美国乐坛上已有几支朋克乐队，而R.E.M.则是带领着吉他主导的流行音乐，回归到地下音乐的领域。融合了响亮的吉他乐音、含糊隐喻的歌词、以及从后朋克摇滚中撷取的D.I.Y.美学，R.E.M.的音乐听起来既传统又现代，虽然他们的音乐中并没有明显的革新之处，但是R.E.M.的本质与目的，就是要来改变美国的地下乐坛！整个80年代，他们一头栽进工作中，不但每年都发行新专辑，还马不停蹄的踏上巡回之路，这一路上，他们启发了不少乐队，从80年代中期大批的Jungle-pop乐队到90年代的另类流行乐队，大家都很敬佩他们在乐坛慢慢耕耘出来的巨星地位。

Mazzy Star事实上是吉他手David Roback、主唱Hope Sandoval的私人乐队。迷幻音乐在九十年代成为尚存后朋克的中坚力量，Mazzy Star便是其最杰出的代表之一。 David Roback在Opal乐队时听到了由Hope Sandoval演唱的一盒录音带《Going Home》，Hope嗓音的明亮、飘渺、穿透力、空间感深深打动了他。在Opal乐队的最后一次巡演中，Hope成为了乐队的主唱，不久后，David Roback和Hope Sandoval组建了Mazzy Star。1990年，乐队录制了第一张专辑《She Hangs Brightly》。原本要发行这张专辑Rough Trade美国分公司不久后陷入危机，但幸运的是，Capitol公司接纳了他们，并且顺利发行了专辑。1993年，第二张专辑《So Tonight That I Might See》上市。这张专辑简直就是第一张专辑的标准翻版――迷幻的氛围、稀疏的编排、漫不经心的吉他、萦绕心头的歌词等等，由于没有创新，开始它并未引起足够的重视。一年后，这张专辑开始逐渐走红，进入了排行榜前40名。 1996年，MAZZY STAR推出了他们的第三张唱片Among My Swan 。Hope的死讯是在MAZZY STAR解散后，人们逐渐传开的。关于MAZZY STAR的解散，大概是因为David和Hope同样觉得难以突破，于是各自分飞，去寻找新的灵感。（或许有别的原因）他们在以MAZZY STAR为名，留下了三张唱片后，消失了一段时间。而事实上，她也不曾离开。2000年，Hope发行了她离开Mazzy Star后的第一张EP----At The Doorway Again。一年后，她又发行了专辑Bavarian FruitBread 。这次跟她合作的并不是David，而是曾经My Bloody Valentine的鼓手Colm O′Ciosoig。他们成立了一个新的组合Hope Sandoval& The Warm Inventions。

小熊饼干--BEAR BISCUIT　　主唱/吉他：阿力甫　　鼓 /和声：也尔扎提　　贝斯：joe　　吉他：小刚　　小熊饼干乐队成立于克拉玛依。均为在校大学生。　　在他们看来。默契和努力是必需的。实力和运气也是必不可少的　　。　　在以主唱以及灵魂阿力甫的带领下小熊饼干自组队以来已经完成了原创作品数十首　　并且坚持在音乐中表达积极健康的思想,这一点在他们看来 是从来没有停止过的。《小熊饼干》从高中组建至今的乐队，默契和友谊是他们最大的财富，成立的动机并不仅仅是各自对音乐的喜爱和执著，更多的是大男孩之间的友谊和感情，小熊饼干的音乐被称之为Little EMO以及POP-PUNK，通过多年的磨合之后才真正确立了现在的风格，这支每次演出都能引起pogo高潮的乐队，总能让别人在第一时间就记住他们！

用整张专辑叙述一个故事——听到这句话，也许我们大家的第一反应，都会是pink floyd乐队的那张伟大的“the wall”。但早在“the wall”发行之前整整十年，也就是1969年，同样来自英国的the who乐队的双张专辑“tommy”就已浮出水面，这是摇滚乐史上第一部以歌剧的形式表现一名聋哑儿童TOMMY生活的作品。作品涉及到宗教毒品、歌星生涯、玄学及赌博等。并将the who送入了摇滚巨人的殿堂。专辑“tommy”代表了the who的最高成就，但它决非乐队由盛转衰的开始。而且正好相反，乐队于1971年发行的专辑“who’s next”水平非常高，被公认为是the who硬摇滚风格的集大成之作。从69年的“tommy”到现在已近40年，the who已老迈不堪，而“tommy”听起来依然显得出色、完美。念及于此，怎不让我魂断神伤？

石磊4ROCK独立原创音乐人。原代表作品《阳光灿烂的夜里》 《每条伤心的大街》《合肥的石头》， 2015暌违十年，发表全新原创作品，首波主打《哎呦》。关于石磊4ROCK2011年，石磊独立创办“玩石音乐节”，为众人所知，但无法释怀的音乐梦仍深植于他心底。2015年他以“石磊4ROCK“重返舞台，生活的打磨让他的音乐更加真实而犀利，引发万人合唱。有很多关于他的传言，一半是火焰，一半是海水，诋毁他的人恨不得他从地球消失，热爱他的人象捍卫至亲一样捍卫着他。无论哪种，他都当得，因为他是石磊，4ROCK般的坚硬。 “没有什么可以逝去，在这阳光灿烂的夜里。“他在乎的永远是最真实的情感，哪怕因此折磨他至不能呼吸。”哲人说：“你是石头，你就不能呼吸“，用在他身上恰如其分。石磊4ROCK，每一个音符每一个旋律都直抵人心，唱我们疲劳奔波的生活、刻骨铭心的爱情、天真无邪的孩子和渐生华发的父母。十年，改变的是容颜，不是态度。一切都在歌里，义无反顾的坚持，和我们早已另存的青春。

Iyaz：出生位于加勒比海地区的英属维京群岛，本名Keidran Jones的Iyaz，父亲为艺人巡回演出的团队工作人员，母亲则是教堂唱诗班总监，从小训练出Iyaz不凡的音乐实力。大学时期和朋友录下创作曲「Island Girls」，想不到在当地引起广大回响，涌入电台超高的点播率，在MySpace累积大批支持粉丝群，其中也吸引到Sean Kingston的注意，在其穿针引线下，与J.R. Rotem于华纳音乐集团旗下所设立之厂牌Beluga Heights Records签下一纸合约，优异的才华更受邀「We Are The World 25 For Haiti」与巨星们共同义唱。

2003年5月15日Johnny Cash 的妻子 June 因心脏病去世，这给Johnny Cash带来了莫大的打击，其后，Johnny完成《Hurt》。仅仅四个月后的9月13日凌晨3点，他自己停止呼吸。像梦一般的记忆中，Johnny，皱纹横纵，双手青筋暴露。缓慢地敲击着同一个音符，天堂便在这钟声般地敲击中开启Johnny用天赋和歌喉普渡众生，却因June获得重生。他乡是一颗荒漠中的老树，倔强地直刺苍穹

一支由教师、演员、摇滚青年组成的年轻乐队。　　成立于2004年春天，经过三年的磨炼，乐队逐渐走向成熟，并一直活跃在各个摇滚舞台上。享受音乐本身带来的快乐是自画像乐队走下去的理由，在组队三年里，我们在英伦摇滚的根基上不断加入电子、舞曲等音乐元素，使音乐的风格多样化，使现场变的更加有力量。自画像的歌词我非常喜欢。写词的李安就像一个诗人。主唱的声音是那种磁性与温度刚好贴合我内心的感觉。舒服，听了非常舒服。

美国嘻哈组合Fugees于上世纪90年代中期成名，名字来源于英文单词refugee(难民)，组合别称Refugee Camp, The Rap Translators, Tranzlator Crew等。组合成员包括说唱歌手兼歌手兼制作人 Wyclef Jean，说唱歌手兼歌手兼制作人 Lauryn Hill，还有说唱歌手Pras Michel， Wyclef Jean 和Pras都是海地人，而 Lauryn Hill 是美国人。1980年， Lauryn Hill 和Pras在新泽西大学校园相遇，然后他们一起开始创作，从学校表演开始，很快就进了录音棚。之后Pras的表弟 Wyclef Jean 迅速加入，成立三人乐队。当时他们被称为Tranzlator Crew，但1993年当他们和Ruffhouse/Columbia唱片公司签约时，决定改称Fugees。他们的第一张专辑《Blunted on Reality》一上市便获得一定成功。Lauryn Hill 那把别样美丽的嗓子，让Fugees很快获得世界的瞩目，尽管有些关于种族和肤色问题的反对意见，媒体还是很喜欢她。1996年，第二张专辑《The Score》发行，最后获得多白金销量。当第41届格莱美奖入围名单揭晓之时， Lauryn Hill 这个名字赫然成为所有获提名者中最抢眼的一位，因为她所入围的奖项从“年度最佳专辑”，“流行乐最佳女艺人”，“年度最佳新人”，“年度节奏蓝调女艺人”，“最佳节奏蓝调歌曲”，“最佳节奏蓝调专辑”，“最佳饶舌艺人”，一路涵揽到肯定艺人最强实力的“年度最佳制作人”。专辑《The Score》狂卖1700万张，The Fugees大获成功！（聚蚁网）2007年，组合正式宣布死亡，MTV将Fugees列为史上最伟大的嘻哈组合的第九位。

黄霑的一生，是大性大情、恣意挥洒的一生他这样评价自己：好色无胆、好酒无量、好钱无能。黄霑情史不多但也不少，坦言此生最爱是香港才女林燕妮，甚至差点为她自杀。90年TVB颁奖会，他上台第一件事，便当着全场观众的面向林燕妮示爱。六十岁生日，中风之后行动不便，仍开一班女星的猥琐玩笑，其放浪形骸，全不避世人耳目；烟酒终生不离，经济上也是大起大落，财似云来又散财如水，今朝有酒今朝醉。对比之下，黄霑更像金庸笔下的几个老侠士，他有老顽童周伯通的天真任性，东邪黄药师的傲视世俗，又兼备北丐洪七公的济世情怀，还有一灯大师的悲悯气象。有着南帝段皇爷的悲悯天人，却唯独没有西毒欧阳锋的阴柔狠毒。可爱的立体的黄霑，值得激赏玩味。但话说回来，与之齐名的倪匡、陶杰，哪一个不值得激赏，哪一个不是给时代创造了莫大的审美价值？这仅有的几位香江才子，是特殊时代特殊土壤中造就的各具特点的文化人。而黄霑的特点和价值，更多的是让我们见到一代香港平民的足迹印记，他与香港这片土地的情感联结，及与之沉浮中的真实心情。

我认为张浅潜三个字已经完全可以作为一种精神的代表了——当代的理想主义者。最起码与我而言，它意味着彻底的绝不含糊的个人独立，对生命丰富性的热情而极致的追寻，和处于巨大现实中的不甘挣扎。虽然她仅仅是一个歌手，知名度又是那么有限的可怜。 回想一下我听过的国内摇滚女声，有一点愈发确凿无疑——张浅潜的才华是无与伦比的。这是一种真正的才华，极致而饱满，灵性兼具血肉，与之相比，她们要么显得单薄（罗琦，眼镜蛇，马格），要么显得苍白（丁薇，姜昕，吴虹飞），要么过于倾向形式的纯粹（宝罗，钟童茜）。在《灵魂出窍》里，歌词是那样的令人惊叹，气质不凡，甚至具备了诗的品质，而现在的一些歌词却令我这个诗歌爱好者大皱眉头。在《罐头》里，有“房子倒了，露出一堆骨头，花儿谢了，有什么办法”，“地下埋着的金子散发着味道，河水涨了你办法过去”这样讲究的意象与隐喻张浅潜并不是不可或缺的，没有她并不妨碍什么，几天，几星期，几个月，直至她被一年一年的忽略下来，直到原先那帮忠实的歌迷们都要在电脑或MP3里翻找一阵又重新放出她的歌声，像重新擦亮了一面镜子，对着镜子感叹的同时我们才发现我们在遗忘。而浅潜似乎已成了时间流逝的参照物。

海滩男孩（英语：The Beach Boys），美国摇滚乐团，成立于加利福尼亚州洛杉矶县霍桑市，是冲浪摇滚音乐的经典代表乐团。该团以精准的合音，以及反映着加州青年文化、关于车和冲浪的歌曲著称。布莱恩・威尔森充满野心的创造与想像力，使得海滩男孩成为一个更创新的团体，并获得了极高的赞誉，甚至影响了许多后来的音乐人。 尤其是《Pet Sounds》――滚石杂志500张专辑排名第二。

公元1986年，METALLICA推出了《Master of Puppets 》专辑，贝司手CLIFF BURTON在本张专集刚刚制作出来后就因车祸身亡，。专辑中“ORION”是纯曲目，CLIFF的贝司在其中闪光，中间过渡的那段贝司桥段就象名字一样，银河，灿烂而优美，这是CLIFF最后一次的精彩表现，他就象银河中的流星，光芒耀眼但是短暂而过······· 公元1991年，METALLICA推出了名为《METALLICA》的黑专集，该原版引进专辑我也有幸拥有，并小心翼翼地将它垫在了更为贵重的投影机下，使得投影机翘起了一个妙不可言的角度将图像恰当地投在了对面的墙上完美无暇，谢谢METALLICA,哦！我是那样地喜爱这张全黑专辑啊，如果有一首曲子可以连续重复欣赏100次并难以自抑地流泪的话，便是专辑中四个金属汉子送给逝去了5年的CLIFF BURTON的那首NOTHING ELSE MATTER,那首METALLICA唯一的情歌，那首你唯一可以在METALLICA乐队中可以听到那么多原声木吉他分解的曲子，那首METALLICA用了最少的失真效果的曲子，那首优美，平静，暴躁，在温柔中享受噩梦的曲子。。。。。

成军仅一年的永动机，以"干艮倔藏"的现场风格演绎末世的摇滚乐。在Funky、Indie、Dance之中穿梭游走，无处不树立着强硬态势，《天启》作为叩山之作。无论世态炎凉、人间冷暖，或是感叹名山大川之壮绝，上天启示并非高高在上令人费解，一切都在世间万象之中，虽可意会，却难以言传。闪转腾挪，千姿百态，便是这张专辑的最佳描述。　　演唱者简介：　　永动机：以old school new-wave为蓝本构建摇滚乐复兴计划，追求永恒律动与强硬音场的一支北京乐队，由各方乐手与独立音乐家组成。人间百态，讲古比今。具有中国文化特色与宗教色彩。纳千年苦痛于一瞬，化万杆兵戈为铁弦。大起大落之中带人上天入地，磕磕绊绊之中让你大口啃泥。

The Band的五名乐队成员中四名出生于加拿大，朴实无华却韵味十足的风格使唱片百听不厌。从第一张唱片《The Band》起， Robbie Robertson成为乐队领军人物。同时，他们也是Bob Dylan很长时间的伴奏乐队。 他们完全不属于那个花童／反战／迷幻摇滚的世界，在主流摇滚艺人纷纷遁入录音间炮制繁复的音场、吉他英雄的solo愈飙愈长的时候，The Band 反其道而行，让所有的音乐回归草根、回归单纯，但这单纯的样貌却是由深不可测的音乐实力累积而成的。这些音乐乍听之下并不花俏也不绚丽，像一桶酿制了很久的老酒。你得让它在嘴里细细地漱、慢慢地咽，并且得有一定的阅历，才能慢慢体会这些音符背后暗藏的静静流淌的历史的大河，和它之所以能用如此单纯的乐器交迭出这样丰厚深沉的力量的惊人才华。 The Band竭力要让音乐维持一种『半熟状态』，亦即，即使他们有无与伦比的技术和经验，他们仍能让自己的音乐不被『打磨』、『拋光』、『润饰』，而保留那些不平整的锯口和疤痕。他们的合音不像 Crosby Still & Nash 那样融为一体，而各自保留着鲜明的个性，他们的音乐总有一种从容和放松感，用一句矛盾的形容，loose but tight，就是这样。 更让人难忘的是，他们在那个反传统的、充满幻灭的、弒父的年岁里，自在地拥抱传统，拥抱历史，唱着像是南北战争时期就作好了的歌曲。只不过这些歌刚好要用电吉他、电风琴和爵士鼓演奏，他们让许许多多茫然的青年人找到了一种类似于『乡愁』和『土地』的感情。一个乐评人说，1969年，The Band的同名专辑在他和朋友租的小屋里放着，他第一次感觉到：美国是个大得足以让他栖身的国度。 到了1970年，The Band已经是乐坛最受尊敬的重量级组合，堪称动见观瞻。

尼采说过的话中对我最重要的一句是：人都是被蒙蔽了的困在洞穴里的无知的人。人看到的都只是打在岩壁上的幻影。绝大多数人相信那就是生命的全部，只有很少的人会磕磕碰碰去探寻岩壁外的真实世界，更多人是安于现状，对外面的世界表示恐惧。…… 生命就是一个逃出隧道的过程，在奔跑寻找真实，在被生活撞碎前，停下喘一口气，让这歌声,穿越黑暗来陪伴你吧

诱导社乐队成立于97年1月份，成员全部来自北京，分别是主唱/吉他雷霖、贝司手王路和鼓手于巍。 组建时,大家只是为着纯粹用脑子而不是用音符作乐而已。 　　“诱导社”的音乐受“primus”和“红辣椒”的影响颇多（例如：跳动铿锵的贝司、诡异的吉他SOLO等）。在相当一部分作品里，贝司的成分较大。有些听起来好似咬牙切齿一般,有一种嚼蜡似的麻醉感。但除去了PRIMUS式的RAP和部份FUNK成分，取而代之的则是一些更PUNK味儿的东西。虽然乐队成员都很年轻，但在音乐上却十分老道，与那些和他们同龄的乐队相比，无论在技术上还是风格上，都有很大不同。主唱雷霖通过自己对生活的独特认识，在歌词的创作方面大胆揭露社会以及人性的丑陋阴暗面，并运用肮脏的音乐语言，来表达内心欲望的冲动和对于现实的批判与嘲讽。他们的作品以性为主，涉及政治，揭露、反抗、谐谑，发泄不满，寻求自由。音乐中融合了punk、funk、gothic、grunge等多种音乐元素，不能定义其音乐风格。

英伦三岛这片历史悠久、美妙如仙境的乐土似乎特别容易孕育摇滚怪才，并使他们的艺术嫩芽得以萌发，如波诺（Bono，U2乐队主唱）、民谣朋克乐队The Pogues的烂牙酒鬼西恩•麦克格瓦（Shane MacGowan）以及倍受柯特•科本（Kurt Cobain）推崇的凡士林乐队（Vaseline）主唱凯利•尤金（Kelly Eugene）等。传声头像的灵魂人物大卫•拜恩就是出生于1952年5月14日的苏格兰人。 　　拜恩幼年时便表现出非凡的艺术才华：当他围起格子布裙，随着邻家叔叔的欢快的风笛声敲起小鼓时，节奏又快又准；在绘画、文字、影像等方面也经常有匪夷所思的奇妙表现。而当时他最希望的是有一天能随心所欲地演奏小提琴。随着时光流逝，和所有敏感的英国孩子一样，拜恩开始渐渐地对大样彼岸的现代艺术景观充满渴望。终于，18岁的拜恩毅然离开家乡，独自来到美国，进入罗德岛艺术学院（Rhode Island School of Design）学习。不过他的梦想很快就被现实打破，艺术学院的氛围和他想得不大一样。他更感兴趣的是冲劲十足的先锋文化，而非奢华而肤浅的老式学究作风。失望之余，便任由同在导演系的同学葛斯•范•桑特（Gus Van Sant，电影《大象》的导演）带领，整天和那些同样爱好摇滚乐以及前卫艺术、习惯衣着凌乱的小嬉皮士们溷在一起。 　　不久，这个小圈子里出现了一个金色长发、肤色白皙，嘴角却不时浮现出怪异微笑的女孩，她居然有一手出乎意料的贝司绝活，这叫拜恩欣喜不已，这便是提娜•薇玛斯（Tina Weymouth）。在拜恩终结了他与手风琴艺人麦克•凯赫（Marc Kehoe）的临时组合Bizadi之后，便怂恿提娜叫来了她的同窗好友克里斯•弗兰思（Chris Franz）担任鼓手，自己则拿起吉他，三个人操练起来。因为几个人的爱好与性格十分相近，沟通起来方便快捷，很快几首铿锵和悠扬并重的后朋克（Post-punk）风格曲子开始成型。乐器的声响吸引了排练室外的拜恩的一位好友——摩登情人乐队（Modern Lover）的键盘手杰瑞•哈里森（Jerry Harrison），他认为这将是让他沉醉并渴望参与的新颖之声，于是迅速从原来的乐队里抽身而出，以吉他手身份加入进来。至此，传声头像正式成立。当时这几个年轻人根本没有意识到日后的风光，只知终日尽情呷饮音乐的佳酿。 　　随着学业的结束，4个人不假思索地来到了梦中的艺术圣地——纽约，打算“乾点儿什么有劲的事”。最先扑面而来的是严峻的生存考验，缺衣少食的传声头像先在溷乱的查斯提街（Chystie）租下了一个破烂阁楼，用来隔断房间的木头屏风使他们同时拥有了起居室和排练房。拜恩依靠他所学的专业，找到了一份电影院领座员的工作，其他时间则回到快乐的小天堂和大家抱着乐器死嗑。这些贫困和欢乐交融的日子，自从拜恩某一天下班偶然路过那个貌似破烂的小酒吧——CBGB的时候，就注定要改变了。 　　拜恩和提娜至今仍不能忘记第一次看到电视乐队(Television)演出时的激动之情，那是一种怎样的神奇而美妙的扭曲。第2天，拜恩就跑去把小样递到CBGB老板克里斯塔尔手中，传声头像的实力马上让后者另眼相看，迅速给他们安排了给驻场乐队暖场的机会。惟一的遗憾就是传声头像的处女演出献给了横冲直撞的雷蒙斯乐队（Ramones）而非令传声头像诸人一见倾心的电视乐队，这叫拜恩有点郁闷。 　　在与帕蒂•史密斯（Patti Smith）、雷蒙斯、电视等优秀乐人与乐队的提携下，传声头像不但迅速学会了在逼仄的空间里面对狂野的观众们大声嚎叫，而且开始进一步明确自己的音乐走向——在不失掉锐利锋芒的前提下，尽可能地回归艺术化。这时他们的正规高等教育经历重新焕发出光彩：拜恩的那把老芬达（Fender）吉他变得果敢、清澈而灵气四动，意味深厚的后现代词作从抑扬有力的嗓音中喷薄而出，令人耳中一亮；提娜的细长指尖操纵着火焰般的跳跃感；克里斯的鼓击则在貌似呆板中步步为营；杰瑞在兼顾主音吉他的同时，负责开发出更具空间感的新浪潮（New Wave）键盘音色，整个乐队的作品里那种油彩浓重的画面感由此呼之欲出。这一变化在为传声头像赢得地下音乐圈的口碑的同时，也毫不意外地引起了当时已经名声大噪的音乐家、制作人布莱恩•伊诺(Brian Eno)的注意。双方一拍即合，传声头像的首张正式专辑《传声头像 77（Talking Heads 77）》于1977年出炉，这张犀利而新颖的后朋克/新浪潮唱片迅速赢得了“未来20年最重要的音乐作品”的盛誉。 　　时光步入20世纪80年代，拜恩又带领乐队进入了一个未知领域。他大胆地将非洲打击乐融入白人的放克（Funk）节奏中，创造出被称作“非洲放克（Afro-funk）”的新鲜风格，并在1984年的专辑《别假正经（Stop Making Sense）》中充分予以体现（某种意义上说，这也是拜恩导演的同名电影的原声碟）。直冲排行榜Top 10的经典曲《烧毁的房屋（Burning Down House）》便出自这张专辑，在延续吉米•亨德里克斯（Jimi Hendrix）的那首同名歌曲的魔幻现实主义色彩的同时，传声头像的歌词则由于对往日的底层生活的追忆而多了一分尖锐而又不动声色的戏谑： 　　“提防那些你所追求之物/冷酷的可人儿看似陌生但又绝非初遇/我可是个普普通通的家伙/烧毁的房屋…… 　　“嗨，全身湿透的你一定想来件雨衣/镇定自若的小偷在大白天就招摇过市/365度高温/烧毁的房屋……” 　　这张唱片居然深受当时的美国中产阶级喜爱，并且迅速波及到全世界。当时正在撰写小说《舞舞舞》的村上春树就曾频繁在文中提及传声头像；甚至远在中国的崔健的前两张专辑中，传声头像的影子也几乎无处不在，其影响力可见一斑。 　　紧接着，1985年的专辑《Little Creatures》又独辟蹊径，甜美、诙谐的民谣化曲风引导传声头像彻底冲上了商业舞台，同时也为4个几乎同样才华横溢的艺术家提供了更广阔的天地。 　　在用两部石沉大海的电影小试牛刀之后，拜恩的电影梦在1986年终于真正得以实现，他导演的先锋音乐电影《真实故事（True Stories）》胜利竣工。作为副产品的同名原声大碟虽然名义上是传声头像的集体结晶，但是拜恩对音乐日益强烈的独断意念早已引起其他三人的不满，艺术分歧的裂缝越来越深。虽然如此，乐队的又一首经典之作《狂野生活（Wild Wild Life）》却仍然出自于此，而几年后，另一首反讽美国风尚的作品《收音机迷（Radiohead）》则因被那5个神奇的英国小子用作乐队名而越发火爆。 　　此时的提娜实在按捺不住，和克里斯一起另组了同样具有非洲音乐特色的汤姆•汤姆•俱乐部乐队（Tom Tom Club），并为电影《辛斯塔（Siesta）》配乐。杰瑞则干脆发表了自己的个人专辑。而拜恩本人则更加疯狂地投入到直到1991年，分崩离析（或可说是功成名就）的传声头像正式宣布解散。 　　时至今日，传声头像仍然如同长明的火焰一般泽被后世。你的电脑里的windows Media player里会自动播放出拜恩的《像人类一般（Like human do）》；年长一点的中国人会时不时随口哼唱起拜恩为奥斯卡获奖影片《末代皇帝》所作的主题旋律；新新人类热爱的街头霸王乐队(Gorillaz)里有着提娜的化身……

你离开以后常常有人提起你，就像昨晚一样。在KTV仍然很多人唱起你的歌，很多人上了岁数，有时唱起这句：我劝你早点归去，你说你不想归去。他们感叹你的叹息，你回眸一笑，你暗哑的中音，你翩翩的舞蹈，也不知道是在追忆你还是在怀念自己的过去。夜色里，你依旧淡淡地唱，“如抬头没有烟，心中总有花”。……死，在映像可以无限复制无限翻新的时代，是幸福的，就跟仍然没有死一样……而张国荣，真像没有脚的鸟，轻轻地飞走了，只在自己的时光里，只在我们的回忆里，把一生定格成时间的一截烟灰吧，虽已燃尽，但依旧保持着烟的姿势，留下一片时间的灰烬

　麻朵是藏在北京胡同里的一个小酒吧。 不大， 也不精致， 甚至有点乱七八糟。 但它符合我们的脾性， 是这张EP的基因和源泉。 有些歌是听第一耳朵就觉得好听， 有些是第N耳朵之后才觉得咦还不错。 我们没本事做第一种， 只好努力做第二种。

夜晚，打开CD的开关，随着浓墨般的夜色鱼贯而入的是The Doors反复单薄的吟唱，我又想起了这个英俊的男人来，那个在晕眩中口吐谶语的癫狂歌者。很难想象，一个几乎不拿乐器演奏的纯粹主唱能主导一个乐队整个生涯的风格走向。Jim Morrison做到了这一点，他黑暗的忧郁覆盖了整个乐队的气场，并不断的向外扩张，扩张……直到让听者和他一起濒临那让他向往不已的深渊，然后看他在隐秘的诗歌吟诵中纵身跃下，震惊得来不及唏嘘……Jim Morrison生于1943年，即使他活到现在，也不过70多岁，跟很多越老弥坚的摇滚老炮们相比也不算老。但是，你能想象74岁的Jim Morrison吗？是的，不能。所以他死了，在他最好的年代。

这个城市其实有太多的故事，只是人们早已麻木，表情变得冷漠；每一种情绪的瞬间都包含着生活的隐喻，只是人们总是迷惘，内心变得空虚。我们需要倾听那些声音，然后用最真实的语言去诉说.“烟头”选择用音乐不再让自己沉默。　　从02年组队至今，经历八年的风雨，乐手几经更换，成员也回归到了最初的两人：主唱阿布和键盘王冉冉。无论是来自客观环境还是乐队自身的种种困扰和变故，“烟头”都依然没有改变对音乐的热爱和执着，对生活的自省和反思。扎根于南昌这个曾经的南方摇滚重镇，与所有那些依然在坚持的朋友们，共同经历着低谷和重生，感受着快乐和悲伤。作品鲜有公开发表，演出也并不频繁，乐队一直以神秘低调的姿态出现在人们的视野，却深深地沉淀在城市生活的低处，用心在感受，用灵魂去呐喊。　　夜晚，我们点燃希望，即使所有的一切终将如一枚烟头被未知的明天无情地清扫，被踏没在城市匆忙的脚步之中，也要在孤独的黑暗里，让它划出一道绚烂的轨迹。　　09年岁末，“烟头”将从以往至今的所有作品中精心挑选出四首作品以EP唱片的形式正式对外发布，EP由羽果乐队担纲全程后期制作混音，并于12月25日在上海育音堂举行《最阳光的歌》EP首发式

我风尘仆仆，缓步前行青春却在我后面伫停踌躇地垂下美丽的头不愿再跟我一同前进——————黑塞《青春的逃避》以我这样的年龄再提Grunge只能以一种回忆的方式，几乎是垂暮青春里最后的一点火花，再后来便只能在25岁后该选择的爵士、民谣里寂然地老去，即使是在那些聒噪的big band的曲子里也能听出许多曼妙而腐朽的味道来，也许还不够老，但是这样的伤感却是与日俱增。招摇过市的印着Kurt Cobain头像的T恤，不知道从什么地方翻录来的面目全非的《nevermind》、炎热的夏日午后满大街地找寻一张Pearl[pə:l] Jam的唱片，暴戾失真的吉他声穿过宿舍单薄而肮脏的墙……到如今都成了一场遥远的迷梦，就这样消失了，没有任何提醒，没有任何答案。只剩下了那些零散在记忆中的歌者与唱片那一场席卷全球的grunge浪潮留下的唱片并不算多，到今天音像店的老板还是自认有品位地指着水中婴儿的封面向你推荐，而现在的我们，更多的似乎以一种缅怀的名义去聆听。“绝望之为虚妄，正与希望相同。”那一点点妥协的怀疑都不愿意，又何来希望？狂热的激情是用生命燃烧的结果，一个人身上有多少能量经得住持续的燃烧？Cobain绕开虚妄看见的是一口深不见底的虚无之井，时代创造的英雄在完成自己的使命后，死亡便已然是一个无可避免的了断，我们的青春也就此只剩下一个尾巴。只剩下了那些零散在记忆中的歌者与唱片

曾是解放军军乐团的首席黑管，拥有少校军衔，他却剑走偏锋，弹起吉他。出身音乐世家，古典音乐功底深厚，他偏不恪守父母之意，执意走上摇滚路。他是赵卫，“轮回”的主音吉他手赵卫，组建吉他俱乐部坚持教学授课的赵卫，被光线传媒评选为全国七大音乐人之一的赵卫。旁人看他一路走来，高峰或者低谷，喧嚣或者沉寂，只觉光怪陆离，精彩纷呈，可赵卫自己说：“我的生活，唯有摇滚。”每个人的一生中，有很多改变的机会，有那么一部分人，会选择站在原地。他们用别人难以企及的毅力和勇气，去过一眼能够看到目的地的人生。国内乐坛百花齐放的时候，《烽火扬州路》烈火烹油的时候，新人倍出市场萎靡的时候，教授技艺桃李传芳的时候，赵卫处之泰然，甘之如饴，自始至终，唯念摇滚。他享受这种全方位的纯粹与执着，他说：“我的终点就在脚下。”摇滚是他的终点，而他一直在路上，誓要把摇滚进行到底。赛俊杰是赵卫的学生，这些年来浸淫在吉他与摇滚的世界里，渐渐声名鹊起，他想走的更深。贝斯手郝鹿，摇滚圈后起之秀，外形俊秀，个性张扬，带着对音乐的酷爱，在摇滚乐的征途上，他要走的更远。鼓手阿鹏有着源源不绝的创作灵感和动力，他对摇滚的倾诉需要出口，他想走的更高。世界上有一些人，原本在为他们心中的挚爱，孤独的前行。偶尔迷茫，不曾后悔，偶尔疲惫，从未放弃，因为他们有着相同的目标，相同的坚持，他们终会紧紧相连，更快更稳的一起向前。所以，2010年，“指行者”乐队来了。四个虔诚的摇滚信徒，背景不同，年龄各异，只为做出更金属更纯粹的硬摇滚而走在一起。在这样一个来不及喘息的时代，他们想找回那些日益变少的思考、倾诉、宣泄、快乐，让有灵魂的摇滚在时间的纵轴上得以延续。

Skid Row（穷街乐队）是一支美国重金属乐队。1986年，乐队在新泽西成立，这支乐队是90年代重金属摇滚音乐的代表，在当时获得了极大的成功。 乐队成立初期只是作为一些知名乐团做演出前的暖场表演，直到该乐队在1989年的时候推出了自己的同名专辑“Skid Row”而一炮走红，专辑的销量也超过了300万张。其代表作，描写少年犯罪的“18 And Life”和抒情的“I Remember You”成为了那个时代的经典之作。其后乐队先后推出了第2张和第3张专辑，但是由于当时摇滚音乐的黄金时期已经过去，专辑销量也受到影响，最终在1996年乐队的灵魂人物 Bach 因为与乐队成员不合而离开乐队。虽然此后乐队有宣布重组，但此时的 Skid Row 已不比当年，人们心中的 Skid Row 已经成为历史。1998年公司为 Skid Row 乐队出了精选集“40 Seasons: The Best of Skid Row”来纪念那个辉煌的时代。

音乐领域中，独立音乐（Independent Music，简称Indie music或Indie）用来描述有别于主流商业唱片厂牌所制作的音乐，独立音乐的制作过程独立自主，从录音到出版都由音乐家独力完成。独立音乐不是一个单独的音乐风格，应该是跟其它音乐风格相结合的词汇。独立音乐分为：独立流行、独立电子、独立摇滚、独立民谣。放到音乐范畴中，Indie 是一种态度，一种音乐人对于音乐创作的态度，推而广之，它同样也是听乐人对于音乐取舍的态度，我们听音乐或多或少都是在慢慢形成自己的音乐取向，形成一种不受外界干扰的独立态度，与音乐有关，与娱乐无关这也许也是如今独立音乐的一种态度和生活观念

张小雯的创作专辑共两张，另外还有一个《生活就是创作专辑II》，他们是一个系列的，喜欢这张专辑的朋友不妨听下另外一个同系列专辑。　　“你我世界都变了”是女生对生活淡雅的日记，“孩子，我该给你一个什么样的世界”又是一个理想化的世界，唱歌的那个女孩真得很可爱。张小雯有着很浓的学生气息，有人说陈绮贞象蔡蓝钦，在我看来更象张小雯。现在这样的校园歌手不多了。听老民谣或流行曲的最大收获就是那份在如今看来多么可贵的在音乐中抒发关于人生世界和爱的真挚情感以及悠然自在不受约束的生活状态，这些品质在这张专辑里都得到了充分的映照

简单计划乐队Simple Plan于1998年成军于加拿大蒙特利尔，由主唱Pierre Bouvier、双吉它手Jeff Stinco及Sebastien Lefebvre、贝斯手David Desrosiers与鼓手Chuck Comeau组成。五名团员都是加拿大的法国后裔,乐队音乐的多元化在专辑中体现的非常充分。Pop Punk目前越来越受到欧美流行音乐界的追捧，这种音乐代表着年青人的时髦潮流和对生活的态度，而Simple Plan正在成为流行朋克圈中的佼佼者，继而在整个流行乐坛成为新一代的天王。 2002年5月，乐队的处男大碟No Pads,No Helmets... Just Balls正式发表，专辑中12首简洁有力的作品，以诙谐幽默的措辞，道出了正值青春期的少年们心中的焦虑、不满，以及对爱情的憧憬、对人生的价值等话题。起初这张唱片并没有得到很多人的关注，但两个月后，乐队开始了北美巡演，他们的唱片销量犹如他们的现场演出一样让人兴奋。当这张专辑的销量突破了180万张以后，Simple Plan俨然已经成为2002年度最受欢迎的新晋乐队之一。 进入2003年，Simple Plan有了新的计划：首先，个性鲜明的两位成员Pierre与Comeau由于厌倦了穿着赞助商提供的服装，索性与童年死党Patrick Langlois一起，创建了属于自己的服装品牌Role Model Clothing，并利用巡演之余开始经营自己设计的服饰；其次，乐队找来了曾担任Metallica和Motley Crue唱片制作人的Bob Rock来操刀新专辑的制作工作，这不得不让人猜疑他们的新作是否会带着重金属的风范。 　　 2004年的夏天，Simple Plan在录制完第二张专辑之后，他们与刚刚发表了新专辑的同胞――小天后Avril Lavigne携手展开了欧洲巡演。10月底，当他们带着巡演的满身尘土回到加拿大时，Simple Plan倍受期待的第二张专辑Still Not Getting Any...也终于面世了。有趣的是，当 Good Charlotte完全屏弃自己的风格而一去不归时，当Sum41沿着金属与硬核的方向继续探索时，同期发表新专辑的Simple Plan简洁明了的摆出自己的立场，他们要让自己固守着的地盘越来越稳固。专辑中的首支单曲Shut Up开宗明义，依然是Simple Plan招牌式的流行朋克曲风。而像Thank You、Jump、Promise等作品更是带有第一张专辑的特色，一如既往的爽快有力。整张唱片中最值得称道的应该是像Crazy、Perfect World以及Everytime那样的中慢版歌曲，从精妙紧凑的器乐编配以及更具深度的睿智歌词中，我们能够看到一个逐渐成熟的Simple Plan。很显然，他们已经不再是一群只会在舞台上活蹦乱跳的毛头小子了。值得一提的是，Simple Plan在新专辑限量版本的封套设计上，依然保留了他们最纯真的幽默感，我们会看到五位乐队成员90岁时的相貌――简单而休闲的服饰，苍老但有神的面孔。这样的画面让人忍俊不禁的同时又会思考些什么。或许这就是Simple Plan的性情，一个个简单动听的音符背后，是一颗颗并不简单的心灵. 　　 值得一提的是，2005年7月24日，作为CCTV-MTV音乐盛典的嘉宾，他们空降北京。 　　 他们不只在音乐上成就不凡，平时还十分热心公益，在三年前成立SimplePlanFoundation慈善基金会，帮助有自杀倾向、贫困或是嗑药的问题青少年。他们强调自己绝对不酗酒与嗑药，也愿意帮助有这类问题的青少年摆脱酒瘾与毒瘾。有狂爱他们的女粉丝，曾表示要将他们乐团的标志刺青在自己身上，他们还会劝歌迷要三思，因为“刺青是一辈子的事情”，而且万一刺青师傅不好，伤口还可能会发炎与感染，由此也可看出他们对广大青少年乐迷的重视与关心。 　　 Simple Plan的情绪其实更多是来自经典朋克们那些永不磨灭的愤怒与青春冲动，激扬的鼓点、流畅的旋律、时髦的扮相、加上不俗的实力和杰出表现使他们成为一代城市少年主流的音乐消费目标。而从其主唱Pierre Bouvier被美国PopStar(《明星》)杂志评为2005年最性感的14个男人之一，也可以看到Simple Plan未来的道路会更为多姿多彩。

他从20多岁开始演艺生涯，年轻时每年演出不少于300场。即使80岁宣布告别舞台后，仍时不时来场说走就走的巡演，一走就是好几个月。过去无限长，未来只一天，老人心里一定想在舞台上依然潇潇洒洒,他的表演风格，则将布鲁斯从“忧郁”的代名词变为自娱自乐的享受。5月14日，B.B.KING在睡梦中离世，为世间留下一段乐坛传奇和无数歌迷的遗憾。不是所有的Blues大师，都叫B.B.King，再见布鲁斯之王，谢谢你留下的如此美妙的音乐

　2周前，先听的那首单曲就已经让人满心期望。这是一张值得你侧目的金属专辑，风格可以看作Blind Guardian, Rainbow, Blackmore's Night, Helloween、Dio和Malmsteen的混合体－－完美的力量金属、浓郁的民族味和大量的古典管弦乐。 　　另一个Rhapsody的标签是像标题一样独特的史诗般的歌曲、规模盛大的唱诗班、金属Riff段、古典乐材质和一位奇异的歌手－Fabio Lione，他的歌声可以凌驾于任何高度。 　　这张专辑YDSS是历经了长久的等待才得以听到的。专辑风格变得更加"Progressive"，比《Legendary Tales》（首张专辑）加入了更多的古典段落。Fabio Lione的嗓音更为纯清，是专辑的一个亮点。歌曲的演奏十分感性，为听者赋予独特的感觉（特别是用耳机）。制作人还是Sascha Peath和Miro，封面艺术则出自teriffic之手。值得注意的是整张专辑其实是一部叙事概念剧，讲述了一个中古时代光明与黑暗、英雄与邪恶的斗争，玩过魔法门英雄无敌系列游戏的朋友可能会感觉十分亲切。具体的故事可以由听者自己去体会，歌词不像死亡金属那么难懂。 　　专辑第一、二首歌曲是一体的，"Epicus Furor"是"Emerald sword"的序曲，唱诗班是主角。第二首"Emerals Sword"早于专辑几周前作为单曲上市。 　　第三首"Wisdom Of Kings"以木吉他伴长笛拉开序幕，紧接着，电声乐协着速度与力量演奏出绝妙的旋律。过门是许多小提琴交织成的古典段落，之后有小提琴和吉他的精彩对弹。 　　第四、五首歌也是可以合而为一的。"Entering The Waterfalls' Realm"是"Heroes Of The Lost Valley"的第一个段落。这是一个长笛和大提琴合作的器乐部分。第二个段落是"Dragon's Pride"，其中有一段人声诵读。第五首歌"Eternal Glory"由吹奏乐器开场，Rhapsody的Happy-Speed-Metal再一次跳跃其中。当然，里面的合唱也相当精彩。 　　"Beyond The Gates Of Infinity"却是用一段狼的哀号作为开场白。随后的演奏十分"progressive"，和疏缓的歌唱形成速度上的巨大反差。4分钟后，音乐才柔和起来。当然，速度很快就又回归，这次带来的是更美的编曲和精彩的吉他SOLO。歌曲再次终结于古典段落。 　　随后的"Wings Of Destiny"换做以钢琴和十分感性的歌声开场。歌曲中的贝司段落和长笛的独奏都很完美。 　　"The Dark Tower Of Abyss"是Rhapsody的一首名曲：古典气质的小提琴和大提琴序曲后便还有同样编曲格式的速度金属片段，阵容庞大的唱诗班和教堂管风琴也不甘寂寞。 　　"Riding The Winds Of Eternity"是一首宿命歌曲，开始于管弦乐却终止于一只长笛，其中还有最好的一段合唱。 　　最后的不是最短的－－"Symphony Of Enchanted Lands"用13分钟的长度演绎了4段乐章。第一段"Tharos Last Fight"是1分52秒的人声开场白。第二段"The Hymn Of The Warrior"，小提琴和教堂管风琴伴着歌声，结尾有十分夸张的效果。Part III－Rex Tremende长6分52秒，混合了几乎Rhapsody所有擅长的风格，Constanze Vaniyne担任客座女声。最后2分18秒的"The Immortal Fire"为整部概念剧完成了古典风的结尾。 　　对我来说，这张专辑要好于上一张《Legendary Tales》。听过《Legendary Tales》的听者，这张专辑不会令你们失望

外面的雪已经快要淹没道路，我可以感觉到雪掉落在屋顶的呻吟，该是回家的时候了，UDO”的几个老男人醉醺醺地爬上舞台说起了笑话：如果有一天小丑哭了，你会不会觉得他也在搞笑？周围的人轰然笑。他们说着另一个故事，有个人去找医生问着“医生，我很不快乐，你能不能治好我的抑郁呢？” “你为什么不去看小丑的表演呢，我保证你一定会被逗得哈哈大笑，开心起来的。” “可是，我就是那个小丑啊。”于是，屋子里加起来有几千岁的人群又前俯后仰，但我却看到了他们肆意咧开大嘴后一丝落寞的表情，被被欢乐围绕着的小丑，只是人群中一个孤独的灵魂。面具戴久了，就拿不下来了大家一起唱起来这首“小丑之眼泪“””走出酒馆，木门吱呀地缓缓关上，也把温暖与感动关在了身后，重新踏上前方艰难与冰凉的旅程，但是这条路是不能回头的，因为留恋的浪漫老男人，他们歌唱的是自己的人生，而你的人生，需要自己一步步走下去的吧。曲目：Joey DeLuxe - UndercoverAllan Taylor - Some DreamsB.B. King - Funny How Time Slips AwayDavid Munyon – MilesDon Williams - Crying in the RainIggy Pop - La vie en rose Kenny Rogers - LadyLeonard Cohen - Waiting for the MiracleNeil Young - Heart of GoldRichard Hawley - The OceanThe Unbending Trees - You Are a LoverSerge Gainsbourg - Ballade de Melody NelsonU.D.O. - Tears of a Clown

没有任何前奏做铺垫，雨鎛直接从容开唱，低沉的嗓音，舒缓的旋律，雨鎛不动声色的叙说着这条绿街上的冷漠：“街上没有认识的人，我不知该向谁飞奔，看着落叶慢慢往下沉，我又露出茫然的眼神；随便找一个方向转身，别去打扰晨练的人们，这样一个冰冷的早晨，谁会把一个孩子的话当真，冰冷的街，冰冷的绿街。”是的，绿街是冷漠的，冰一样的冷漠，像我们的生活，所以我们听到雨鎛在唱“冰冷的街，冰冷的绿街”时声音寒冷而遥远，与此同时，厚重的鼓声猛然敲起，坚硬的鼓槌直砸人心，雨鎛冷冷的唱着“没有谁会是谁的春天，谁也进不来别人的视线，无论我倒在谁的身边，都不会有人因为我流血而为我停歇。”随后，悠扬的手风琴奏响，无限的伤感扑面而来。伤感过后再次启程，当遭遇了绿街上人们同样的冷漠与无视，雨鎛唱到：“于是我拍拍我的双肩继续的抬头向前，从此，谁趴在我的眼前我都不会再留恋！”雨鎛就这样的欣然接受了这街上的一切，不，他突然奋力的嘶吼：“我闭上双眼！装作看不见！我闭上双眼！真的看不见！我闭上双眼！已经看不见！我睁开双眼！再也看不见！再也看不见！”这绝望的呐喊将内心的痛苦与挣扎展现到极致，也将整首作品推向了高潮，在随后扭曲狂躁的吉他声中，雨鎛终于完成了从孩子变为成人的整个成长历程，这条绿街，便成了一个孩子变作成人的毕竟之路，而走在这条街上的，绝不仅仅是雨鎛，他也可能是你，也可能是我，而这绿街，可以是一所学校，一座城市，一个男人或女人，也可以是整个社会……当一切欢乐痛苦抵抗挣扎随着音乐缓缓落下，在歌的最后，或许可以说在生命的最后，雨鎛淡淡的唱到：“人们总是天真的以为，他们早已，看透了街上的一切。”音乐戛然而止。穿过冰冷的绿街》延续了秋风过后孤独寂寞的心境，一个与周遭格格不入的男人悄然站在你面前。雨鎛这种深层的忧伤和虚无，是音乐动人的来源。我们正是因为过快，过于“觉得幸福”而忽略了生活中负面、愤怒、无助和难过的部分。雨鎛用音乐和诗歌将它们组合在一起，在优美旋律后歌唱忧伤。我们是该被生活的表象所迷惑，还是应该醉心于他音乐中那份真实和迷惘？

我们热爱烟草，滑板，古董车，摩托和音乐。决不会亵渎这些渗入我们灵魂的事物。无法体现真实便毫无意思，因此我们用音乐发声，如果有孩子能在我们的音乐里得到共鸣，这是我们最大的快乐。我们不存在于电视，杂志，PC Windows中，只会和你站在同一个街道上。来感受我们的音乐如果你听到我们的歌,你会发现生活方式构造了我们的音乐。所以抛弃掉毫无意义的东西跟我们来吧

Pearl Jam的前身是九十年代初著名Grunge乐队Mother Love Bone，该乐队主唱Andrew Wood服用毒品过量身亡后，吉他手Stone Gossard和贝司手Jeff Ament和新加入的吉他手Mike McCready、鼓手Dave Krusen、主唱Eddie Vedder一起组建了新乐队Pearl Jam。1991年，乐队录制了第一张专辑《Ten》，它在开始并未取得很好的成绩，但在涅磐的经典专辑《Nevermind》的带动下，另类摇滚开始主流化。1992年，《Ten》最终超越了《Nevermind》的销量，成为九十年代极少的几张多白金处女作之一。Pearl Jam华丽高雅的Grunge音乐风格在当时自成一派，更加讲求整体音乐素养和对后朋克博大精深的摇滚流派的参悟。 　　 鼓手Krusen不久后离队，新鼓手Dave Abbruzzese加入进来。1992年，Pearl Jam的知名度在各大电台、MTV的大力宣传下迅速提高，并且参加了第二届Lollapalooza摇滚音乐节的演出。Pearl Jam在圈内的怪脾气一直是很出名的，在第二张专辑《Vs》上市前，他们不惜和唱片公司翻脸，拒不接受发行关于他们新专辑的任何录影带和单曲。尽管没有进行前期宣传，1993年的《Vs》还是很顺利的成为了多白金唱片，发行一周后销量即超过100万张，创造了另类摇滚的又一奇迹。1994年夏天，Pearl Jam因不满组织方一再提高票价而取消演出计划，并以不正当商业行为为由向司法部门起诉组织方。与此同时，第三张专辑《Vitalogy》正在紧张的筹备中。不久，乐队开除鼓手Dave Abbruzzese，其位置由Red Hot Chili Peppers和Eleven乐队的前鼓手Jack Irons接替。 　　 1994年底《Vitalogy》上市。在最初的两周内，老谋深算的Epic Associate唱片公司仅仅只发行了数量有限的老式黑胶唱片版的新专辑，但就是这样，新专辑还是打入了排行榜前60名，并在全美范围内形成了巨大的需求市场。不久后，CD和卡带版上市，疯狂的抢购潮让它迅速爬上了排行榜榜首，成为了乐队的第三张多白金唱片。1995年，乐队和Neil Young合作了专辑《Mirror Ball》，但由于法律问题，乐队的名称并未出现在专辑封套上。 　　 1996年，Pearl Jam推出了第四张专辑《No Code》，这张专辑一改以前的曲风，以世界音乐节拍、实验音乐、怪异的合成摇滚作为基调。这张概念性专辑虽然因其大胆的创新和丰富的想象力得到了业内人士的极高评价，但乐队先前的支持者却感到十分失望。失去了支持者的《No Code》很快在排行榜上消失了。1998年，乐队重整旗鼓后的新专辑《Yield》在发行后一周后升至排行榜第二位，但很快跌了下来，成绩不是非常理想。2000年，乐队录制完成了专辑《Binaural》。 　　 有的艺术家天生疲惫厌世，有的最终疲惫，还有人将它刺中这些人的要害。Eddie Vedder兼有这些特征，另外他还有着微微发颤的男中音，无懈可击的意旨，以及在毫无诗意可言的世界中的困惑不安。 　　 Pearl Jam的第七张录音室专辑《Riot Act》表现得极其出色，专辑拥有Neil Young般的技艺，体现出Pearl Jam顽强不息的锻造音乐的能力。《Riot Act》比PEARL JAM 2000的专辑 《Binaural》在音乐形式上更加直接，平静圣洁的歌曲'Thumbing My Way'和Nick Cave的'The Boatman's Call'一样非常简洁，使它成为这张专辑的亮点。 虽然《Riot Act》可能算不上是PEARL JAM最好的专辑或者可以说它是在形式上有着复古倾向的专辑，但它绝对与以往不同。 　　 2006年5月2日，休整了3年的PEARL JAM带着与乐队同名的第八张录音室专辑回归。专辑中的首支单曲《World Wide Suicide》首周进入Hot 100排名14，成为当周排名最好的新进单曲。 　　 2009年9月20日，PEARL JAM发行了他们的第九张乐队专辑《Backspacer》，并获得了美国榜冠军的冠军！

　歌曲的创作来自于大众，回归于大众。　　即从大众中，从我们身边每一个普普通通的上班族、同事、朋友中，　　从我们真实又残酷的生活中，寻找并发现想要表达的东西。　　用歌声来记录、诠释一个个难忘的生活片段，　　既是用生活所结出的音乐果实，亦是用音乐来完成的人生作业。　　既有撩动内心情感的唯美旋律，亦有散发生活气息的深刻独白。　　歌曲制作方面不拘一格，采用了原声乐器+电脑音乐的多样表达方式，有美好的旋律、电子的氛围、还有很多的生活录音的片段，有些作品与其说是实验，不如说是生活的感悟和记录。　　专辑作业本式的包装设计和歌曲形成完美的组合，拥有一种共同的内涵，更多的表现出一种情怀，一种时代的精神，一个不能失去记忆、不能忘却的时代精神。在编曲方面手风琴的重点应用，也很好的展现出了这种时代感。　　当下这个时代不缺乏演员和表演，不缺乏牛逼和先锋，　　不缺乏暴力和热血，不缺乏情调和文艺，缺乏的是温暖和信念。　　温暖和信念，就是这张专辑最终想要表达的主义。

聆听来自成都的Kasasis(王三溥)，很难相信国内还有这么优秀的音乐人如此投入在新古典金属上，我无法用言语来形容内心的兴奋和聆听的情绪，一次属于浪漫诗人的悲情旅程!他的音乐，就像一个人走在没有边境的荒漠里的路上，始终迎着太阳的影子，周而复始地往前走。有时满含苦痛，有时心如原野，有时泪流满面，有时风吹絮散。和许多偏执于写字，或者执着于画画，或者一头陷入自己的内心深潭再也不肯走出来的人们一样，在所有过去的无尽的时间深渊里，把自己交付于梦和幻觉之中，不在乎什么，也不追求什么，只在人群里默默地告诉自己，曾经有一些珍重并重要的悲伤和感情，从来没有丢弃过。这样沉醉于绝境中，也不知好不好。有时候我想，王三溥就是一个奇迹，他不应该出生在中国的，他适合冰冷的斯堪的纳维亚，那里才是他理想的栖息之所；可惜，这只是一种设想。许多年以来，他一直蜗居在成都；吸收着曾经蜀之帝都的沧桑古典，抖落着泛古而今的哀然秋凉。他的音乐永远有一种天然的禀赋吧，就像心灵的明镜，映射着你内心最深沉的美和悲伤

PANTERA是一支中国人早已熟知的重金属乐队，他们以凶狠的音乐和肆无忌惮的生活方式而着称，可以说，他们是自METALLICA以来在商业上最成功的Thrash Metal乐队。虽然乐队是从1990年Cowboys From Hell专辑的畅销才开始享有世界声誉，但实际上，他们早在80年代早期就已成立，并在1990年之前通过自己的公司发行了四张专辑。 　最早的历史要回溯到八十年代早期，那时热中于重金属的Diamond Darrell和Dimebag Darrell兄弟, Vinnie Paul和他们的教父Jerry Abbott创建了自己的唱片公司，名字叫作Metal Magic Records。 1984年，PANTERA正式成立，最早的成员是：Dimebag Darrell（吉他），Vinnie Paul（鼓），Rex Brown（贝斯）和Terrence Lee（主唱）。乐队在德克萨斯州俱乐部里开始了他们的重金属旅途。 　乐队的第一张唱片叫做 Metal Magic（金属魔力），风格是早期的Thrash Metal/Glam Metal，这张唱片很成功的卖出了350,000张，这无疑给这帮小伙子很大的鼓舞。于是他们又马不停蹄的推出了专辑Projects In The Jungle（丛林计划）和I Am The Night（我是黑夜）。发行公司仍然是他们自己的厂牌Metal Magic。虽然成绩不错，但此时乐队的听众还主要是当地的听众。 　好运降临。Acto公司发现了他们，答应与乐队签订出版唱片的合同。这无疑是PANTERA梦寐以求的事儿。此时，乐队对主唱Terrence Lee的表现不很满意，于是乐队在去路易斯安纳演出时认识的Phil Anselmo取代了他的位置。Phil当时的嗓音还是比较高亢尖锐的嗓音，因为那时他们的风格仍然是老式的Thrash Metal，需要一个能够足够高亢的嗓子。 　1988年，专辑Power Metal（力量金属）发行。这是PANTERA在Metal Magic的最后一张唱片，也是Phil加入乐队后的第一张。这张并不成功的专辑由于它的名字导致了以后金属分类的一个分歧，因为专辑本身的音乐风格并非欧洲人所说的Power Metal，欧洲人把HELLOWEEN、GAMMA RAY和GRAVE DIGGER这样的旋律性的速度金属叫做Power Metal，而自PANTERA的这张专辑之后，PANTERA这样的乐队开始被美国人称作Power Metal，特征是音色低沉，足够重，节奏感强，和Hardcore有所杂交。 　1990年，PANTERA发行了他们在Atco旗下的第一张唱片：Cowboys From Hell（地狱牛仔），在这张专辑中，PANTERA真正开始成熟并开始了自己独特的风格，Dimebag的吉他有着节奏感很强的切分，Phil的嗓音也变得比以前更低，这些都很适合让现场时数万观众整整齐齐的甩头，基本上可以说是一种简化和加重的Thrash Metal。凭借这张专辑，PANTERA才迎来了真正的成功。在组建六年之后，这个名字终于响遍了整个美国。 　接着是Vulgar Display of Power（力量的粗暴展示）。这张唱片在美国掀起了一股PANTERA热潮，几乎人人都在谈论这几个在舞台上制造着巨大声浪的家伙。因为他们那种节奏分明的音乐让那些听惯了老式金属的人们感到新鲜。Mouth for War、Walk等歌使PANTERA的名字也上了排行榜的前列。从此以后，PANTERA不再是一支当地的小乐队了，他们也要像那些大牌明星一样在全国各地进行巡演了。此时的PANTERA，已经成为流行乐坛上相当耀眼的重金属明星。 　1994年，专辑Far Beyond Driven（超出驾驶范围之外）发行。专辑在Billboard排行榜上赢得了一上榜即取得冠军的惊人记录，这对于重金属音乐来说，无疑是破天荒的头一遭。虽然专辑很快就从排行榜上划了下来，但这却是对Grunge时代“重金属已经死亡”这一言论的强力回击。这也是当年Hardcore/Power Metal 乐迷所最为期待的一张专辑，事实证明，专辑的音乐就象封面上的电钻一样，足以让你心惊肉跳。PANTERA的这种风格在当时成为一种竞相追逐的时尚，有很多乐队开始领悟到重金属并不一定要有流畅的吉他节奏，华丽的solo和动听的主唱，节奏和嘶吼似乎更讨人喜欢，于是类似COAL CHAMBER、DEFTONES、SUNDOWN等乐队也开始模仿这种新式的Hardcore/Power Metal风格。 　这之后乐队休整了一段时间，主唱Phil和C.O.C.的吉他手Pepper Keenan组建了一支名为DOWN的乐队，并发行了专辑Nola，这张专辑非常出色，Phil那强劲的嗓音和Pepper颇具旋律感的重型吉他结合得完美无缺，在我看来，这张Nola比PANTERA的任何一张专辑都要出色，甚至有必要用专门的篇幅来进行阐述，因此这里就不多说了。 　 1997年夏天，PANTERA推出了乐迷期待已久的The Great Southern Trendkill（伟大南方时尚杀手）。专辑意在讽刺那些赶非主流时髦的投机主义音乐人。主唱Phil的嚎功在专辑中得到了很充分的发挥，不过由于专辑显得比较混乱，而且PANTERA似乎太想把音乐做得又重又狠，反而容易让人感到腻烦。 　1998年，PANTERA又发行了一张现场：101 Proof。凶猛的音乐结合主唱令人敬畏的嗓音，演绎了乐队多年来的名曲。Phil曾说过，PANTERA的可怕来自现场。看来这话一点没错。在很多人眼里看来，这是（美式）Power Metal迷所必备的一张唱片。值得一提的是，专辑的封面内容是名酒Jack Daniels瓶子，而最早的Jack Daniels恰是101度的（美国法定的标准酒精烈度为100度）。 　随着Techno、Gothic、Industrial和Rap 的流行，很多当年模仿PANTERA起家的乐队也纷纷开始转型，还有更多乐队玩起了所谓Nu-Metal（新金属），这些东西令PANTERA感到反感，他们心目中的重金属仍然是不折不扣的重型吉他摇滚（主唱Phil还曾在一次采访中表示了对黑金属的兴趣，并表示如果有机会他可能也想组建一支黑金属乐队）。于是在2000年，他们以一张Reinventing The Steel（重铸钢铁）来表达他们的态度，虽然音乐上没有什么出彩的地方，但至少还是延续了乐队一贯的风格，配合着世纪末的重金属回潮，这张专辑在短期内也突破了金唱片的销量。

印象中的新裤子总是时髦，搞怪，出其不意，有着自成体系的音乐和生活美学，是青年潮流文化的发明家和引领者，但回归音乐本身，你会触摸到他们悲伤的，情怀的，人文的一面。在对爱情的心碎狂喜和现代生活新奇悖论的叙述中，他们记录了当代年轻人最敏感的时代体验。新裤子近年来所推出的单曲中，似乎有一条隐含的线索。　　在文艺青年当道的时代，他们却说“没有文化的人不伤心”（《没有理想的人不伤心》），彭磊更如此评价《弹着吉他的少年》：“这是一首关于绝望与失败的歌，文化无用，音乐无用。”如今在新单曲《生活因你而火热》中，他们干脆唱道：“忘了吧那摇滚乐，奔腾不复的时代。”　　事实上，对新裤子来说“摇滚乐”从来都不重要，无论以何种形式去表达，他们关心的都只是庞大都市中每一个有着血肉和温度的人，以及他/她的处境和故事。如果说去年发布的《关于失眠和夜晚的世界》是都市游魂出走指南，那么新单曲则道出了游魂们的归宿——那些曾经清瘦却骄傲的脸庞，那些在成人社会被伤害、被折损的雄心与热望，终有一天会像大楼角落里无人听闻的叹息，被庸常生活的嘈杂所淹没。　　新裤子乐队近日完成了新单曲《没有理想的人不伤心》的录制，并同期录制了一首MV作品，这是新裤子组建以来少有用录音室录影花絮剪辑成的MV作品。歌曲虽然仍然延续了新裤子上口的旋律，但彭磊的歌词创作却多了很多的忧伤。彭磊在歌中描述了自己对唱片店和书店的怀念，对梦想的执着，最惊艳的就是他对孤独和人生的诠释：我不要在失败孤独中死去，我不要一直活在地下里。物质的骗局，匆匆的蚂蚁。

记得张有待有次在他的节目中说：“我的节目不光放电子乐，也放重金属，只是没有邦乔维！”看来，重金属也有分别。像邦乔维这种“不入法眼”的叫流行金属，同流之辈还有“毒药”等等。。。。。敢问英雄今何在？其实对于我来说，不管是被人们说成是伪摇也好，还是流行金属的集大成者也好，我觉得Bon Jovi用他们一贯的笃定和岁月积淀的淡定诠释了他们自己心中纯正的美式摇滚。虽然Bon Jovi也轮不上“也有很多人评价其在摇滚界的地位能排进前10” ，可也不是一个可以被"很多人对其音乐嗤之以鼻" 的乐队。他们在摇滚史上是可以获得相当高位置的乐队，原因不是他们的音乐多好多经典，而是历史性的：他们是让重金属进入美国主流视野的最重要的乐队之一，在他们之后，一堆金属老炮才开始大卖，一大堆新的 hair metal 也跟着红了起来。而他们积极向上、性感、健康的气质和乐风也是那样深入人心。从 20 出头的无知少年，摇摇滚滚地经过了 三十多 年，Bon Jovi 仍然在少年时向往的这条路上不知疲倦地奔跑。30 年里，我们完成了两次人生成长，一次是是不羁的青春，一次是谨慎的中年，在下一个 30 年里，我们将经历淡漠的老年甚至面对疾病，Bon Jovi 的音乐和那些给予了我们很多回忆的事物一样，都将成为我们的不老歌。

106首中国摇滚，半个小时轰炸耳膜，二十多年浓缩的这一瞬间，听着音乐，蘸着酒，过眼云烟般的回忆也被轰炸了出来，带着眼角的一丝湿润

新年一定要快乐 你要记得每个人在这世上 疯狂地追什么是否越活越累越困惑新年来临的时刻 回到小时候重新找到那些纯真快乐想要祝你新年快乐 新年快乐开心地笑让这世界美好想要祝你新年快乐 天天快乐好心情都哼成歌

95年组建的德国集权新古典乐队Von Thronstahl-Turn The Centuries，12年来以Josef Klumb和Bernhard兄弟为核心的三男两女原始阵容一直保持到现在。“内部统治”是目前乐队最好的专辑，充分体现了中早期的音乐风格，混合着澎湃雄壮的交响乐铺陈；强力整齐的进行曲节拍；猛烈高压的工业敲击和冷峻优美的新民谣旋律；主题内容紧紧围绕着乐队成员的政治诉求，Von Thronstahl严厉谴责着现在欧洲蔓延的自由主义和无政府主义，始终渴望着继承以往欧洲的历史遗产重新建立起一个新的统一而强大的欧洲。当然实现这种目标的手段只有一个，且肯定不是音乐。真实的答案在哪？大家彼此明了且心照不宣。

童党乐队2002年9月成立于成都,是目前成都年轻一代乐队中最具代表性,最活跃稳定的乐队之一. 乐队音乐风格以最初的旋律新金属为基础不断融入流行朋克, EMO等元素, 同时拥有流畅悦耳的旋律和十足的现场爆发力是童党乐队的最大特点.　　[遥远]专辑是童党乐队成军5年来的第一张专辑,收录12首新老作品,由阿修罗前吉他手酉酉耗时近半年时间精心录音制作

美国乐队Kiss乐队成立于1972年，由PAUL STANLEY和GENE SIMONS组建并吸纳了PETE CRISS和ACE FREHELY为其成员。1975年夏天的专辑《ALIVE》给乐队带来了成功。KISS的引人之处在于他们的现场气氛，怪异的化妆，花哨的服饰，眼花聊乱的舞台效果，再加上他们的硬摇滚，营造除了无与伦比的演出气氛。现场演出的成功使得《ALIVE》达到的白金销量。在这之后，乐队又发行了四张专辑其中的《ROCK AND ROLL OVER》,《LOVE GUN》，《ALIVE II》奠定了乐队大牌的地位。1978年乐队的每个成员个子作了一张专辑并取得了不同程度上的成功。1979年专辑《DYNASTY》中的歌曲“I WAS MADE FOR LOVIN’YOU”在全世界流行开来。此后不久，乐队内部出现问题PETE CRISS离队并从此实力大为减弱一直到1983年。乐队也试图改变原来的风格，但未被接受，FREHLEY因对乐队的未来方向不满在1983年也离开了乐队。在这期间的专辑在商业上都不是很成功。在此之后的专辑1985年的《ASYLUM》和1987年的《CRAZY NIGHT》又使乐队继续在商业上取得成功。在1989年的专辑《HOT IN THE SHADE》中的歌曲“FORVER”使乐队在美国排行榜上取得第四的最好成绩。1991年鼓手ERIC CARR死于癌症，ERIC SINGER接替了他的位置，专辑《REVENGE》到1992年发行。并再次进入排行榜的前十名。1993年乐队发行《ALIVE III》专辑。1996年乐队举行了全球巡演，并获得了成功。1997年乐队陆续推出了几张不错的专辑。1998年又推出专辑《PSYCHO- CIRCUS》。

「四分卫」-「backQuarter」这个名词， 是橄榄球的专用术语。 在橄榄球赛上，四分卫往往是攻击的起点， 也是指挥场上其他队员的重要位置， 因此一支球队裡四分卫的强悍与否，常常也是决定一场比赛输赢的关键之一。 以这麽一个汗水味十足的名字成军的乐团－四分卫。 对于音乐，这个台湾地下乐团的元老级乐团也有着强悍的坚持。 历经成军十多年的起伏， 在主流与非主流、大众市场与小众市场间，种种的抉择与定位， 四分卫是如何一路走来， 看待他们自己的的音乐和人生的? 藉着此次四分卫重回老东家－角头音乐发行新专辑的时刻， 我们与四分卫一起聊聊他们的摇滚、 他们的梦，让你重新认识这个台湾摇滚史上从不缺席的乐团－四分卫!

Mono Inc.是一支聪明的乐队，极其明确乐队整体风格和特点，严格保持乐队专辑风格统一性，值得称赞并实属难得的是，这种统一性必然会带来专辑和歌曲之间的相似性，但在整个的歌曲闭环中，每首歌虽然兢兢业业地循环运转，但却都一丝不苟地表达着独立的情绪。压抑低沉的男Vocal、空灵柔美的女Vocal、具有层次感的编曲、大气协调的和声、激情跳跃的节奏感。所有特色元素都经过了每一次用心的糅合。

　六十年代末、七十年代初当"前卫""概念""实验"等口号被喊地震天价响时，King Crimson（KC）是当中最优秀的理论与实践者之一；八十年代九十年代当此类经典乐团解体（ELP）或被主流收编（Yes）时，King Crimson仍路遥知马力般的摇滚着。无论现今摇滚的潮流为何，吾人仍不能否认当年KC所创造或遗留下的概念、技巧、精神正影响着现在想要突破的乐团，而他们的成就也成为后世前卫团体所无法突破的"梦靥"。 　　出生于英国Dorset城的吉他手Robert Fripp二十二岁时与兄弟档Peter Giles、Mike Giles共组乐团并于1968年推出同名专辑，为KC的开端。1968年秋诗人Pete Sinfield与吉他手Ian McDonald等人加入经历一段人事变化后，终于在诗人Pete Sinfield的词"In the court of the crimson king"中找到了他们要的团名：King Crimson。 　　 　　由于经历了无数的人事更动、更改团名、诉讼、解散等事件，所以King Crimson的团名也不具有音乐上齐一风格的延续色彩。我们可以说团名不过是一项计画 ，由灵魂人物Robert Fripp主宰的experimental/progressive rock project。这个计画的主要内容分为三阶段。 　　 　　1969年七月，KC在伦敦海德公园免费演唱会与Rolling Stones共同出场。这是KC的首次公开亮相，他们以爵士/古典/前卫表演风格演出了首张专辑中曲子，令人印象深刻。 　　 第一张专辑：In the court of the crimson king绝对是前卫摇滚专辑当中的经典作，后世极难跨越的标竿。当年他们以杰出的诗词、华丽的编曲、即兴的演奏吸引了不少目光(当然只是这样还不足以形容)，立刻在在英国专辑成绩爬到前五名，正式开启了前卫摇滚的新页。为了显现出他们的时代精神，在 In the court of crimson king唱片封套上揭示了"An observation by King Crimson" 的概念。整体而言，创作魅力集中在Robert的编曲手法和Peter如诗般的歌词： 　　 　　1969年首张专辑的成功并不能确保团员的向心力。两兄弟率先于十一月离团，主唱兼贝斯手Greg不满Robert Fripp找来的替代团员也跟原先在The Nice的键盘手Keith Emerson讨论组团事宜。Keith就是后来前卫/艺术摇滚名团E.L.P的"E"，而Greg就是当中的"L"。 　　 　　1970年Greg确定离团，但他也跟Robert协议仍共同合作KC的第二张专辑。结果又是另一张前卫摇滚史上的经典作品。Greg照旧演唱所有作品，而Robert则找来孩提好友Gordon Haskell演唱一首慢板歌曲以预备接替未来主唱职务。In the wake of poseidon是场质疑战争/和平/温和/暴力的旅程。封面绘图原题为人的十二种原型，把人的各种心理状态描绘地栩栩如生。 　　 　　1970年后原主唱Grey Lake离团加入ELP，KC马不停蹄的发行更令人难以想像的Lizard。比前两张用更多爵士即兴演奏，肯定需要乐迷花时间慢慢消化。平心而论，Lizard在当年的反应不顶好乃因新主唱Gordon Haskell的表现评价好坏兼半所致；有人则批评Robert Fripp在这儿开始迷失于声音实验而忽略了市场反应。换句话说，KC自此起就不以销售考量为主。就音乐本身而言，这会是场更诡异、更乖张，令人不舒服的聆赏经验，不是每个乐迷都能接受的。据说Robert Fripp对它的成绩也不满意，因此又造成团员的流动。 　　 　　1970年KC开始巡回演出，不久又由于音乐理念不同而使原始团员求去。Island基本上是介于团员整期间所衍生的过渡专辑，在英国仍有前三十名的排行成绩。Robert在这里采用实验色彩较不浓厚的方式中规中矩地表达意念，并更大量使用mellotron来模拟管弦乐音色。此外，临时编制特大也是令人注目的。在专辑中表现杰出的有Keith Tippett弹piano, Robin Miller吹oboe及Mark Charig的cornet。还有一项特点是专辑艺术设计奇美无比，封面有关猎户星座的插图颇有看头。 　　 　　在许多老KC迷眼中，第二代的king crimson似乎是真正成熟起飞的开始。原先曲高和寡的诗人Pete Sinfield求去，由较能令人了解的Richard Palmer-James代替。原先任性狂飙的铜管乐器组合也被小提琴天才David Cross的高超琴艺取代，表现出跟从前截然不同的曲风。John Wetton较为人所知的是他在七十年代末组的UK及八十年代初组的Asia，相较那些同样是all-star的超级乐团，其实我个人更欣赏他在KC时期的表现。这时Robert Fripp带领KC到真正科技/前卫摇滚，而不再是以前的古典/艺术摇滚的范畴。展现出紧凑、团结、兼顾商业色彩与音效实验的崭新组合。 　　 　　第五张专辑：Larks' tongues in aspic在1972年发行，被公认为新旧KC的分水岭。跟以前{KC 1}比起来乐曲间较有整体气氛凝成一气，当然也少了些从前庸懒的感觉。主唱John的嗓音特色未能放开故使乐器演奏成为真正焦点。David Cross在此表现抢眼。 　　 　　令人感到讽刺的是1974年初starless and bible black竟然是第一次KC以固定编制延续发行的专辑。虽然说人事更迭或许可以激发出创意新火花，但也会造成给乐迷不确定感与默契搭配上的严重问题。感到欣慰的是，KC于颠峰期的两张专辑应该是没有团员冲突发生的。由于Larks' tongues in aspic受肯定，KC整个73年都在巡回演出，各种乐器演奏技巧与团员默契到达极致。新专辑中八首歌只有两首歌是全部在录音室构思制作完成，其余歌曲都是现场实况即兴演出。原汁原味的挥洒，更能展现KC高超的技巧与实验精神。 但之后，Red却成为成熟高峰期的KC所发行的最后专辑。John Wetton充满忧愁的甜美嗓音已成为绝响了，因为不久团员们又因合作理念不同僵持不下。Robert Fripp在1974年九月决定解散king crimson，John Wetton短暂加入Uriah Heep并在八十年代以Asia的主唱名闻全球。1975年十一月，Robert Fripp开始与替其他艺人跨刀合作，正式开始他与其他作曲家一连串的音效实验计画。 　　 　　king crimson到底是不是一个"团"呢？其实由KC在八十年代后的发展我们就知道答案了。基本上，king crimson只是一个持续由Robert Fripp主导，类似Alan Parson在Alan Parsons Projects的地位，由当时精英乐手所合组的音乐计画罢了。1981年四月，Robert号召另一群乐手组成Discipline，但在同年十一月发表同名专辑时又把团名改回king crimson。然而，并不是每个乐迷都喜欢八十年代KC的组合。相信有很多老乐迷认为三阶段的KC应有三种不同的团名以资区别；而且他们不习惯新主唱 Adrian Belew所带来的新观念，认为参入太多流行音乐元素，且缺乏从前迷人的即兴演奏。 　　 　　新面孔KC的归来得到了销售与乐评满堂采。Discipline与In the court of the crimson king并列为KC销售量与单曲知名度最高的专辑，一方面归功于Robert长久以来积累的口碑，另方面则是新实验乐风所带来的新鲜感。1982年趁{KC 3}新出击的成功再接再厉发行了Beat，乐曲结构上凝聚力较Discipline强，但评价未如预期。有人说Beat音乐素材跟Discipline几近一致，但未有创新。本张专辑的魅力仍然是在于Robert与Adrian的吉他弹奏、Levin的十弦贝斯威力、与Adrian天马行空令人似懂非懂似的歌词。 　　1984年的专辑，一张同样带着野心的作品。前四首充满着Adrian招牌式神经质、轻快有趣的商业作品；后半部其余作品则很明显地表达出KC传统以来的另一面：黑暗、恐怖的心理实验。 　　 　　停顿了将近六年，不服老的KC在这段期间则兼差从事不同领域的音乐工作，Bill Bruford自组前卫爵士演奏团Earthwork得到不错口碑；Tony Levin则是Peter Gabriel巡回演出时的基本成员，而两人亦同时为Yes于1991年传奇性重组Union时的特别成员。当中发行了套装精选及现场专辑吊足了乐迷胃口。1994年先是VROOOM与Dinosaur两张暖身单曲相继出版，随即Thrak正式发行。 　　 　　或许没有一个老乐迷说这是一张可以超越早期经典作品的专辑，但可以保证的是，KC又回来了，且带来全新的动力。两把贝斯、两把吉他、两套敲击乐器，彼此乐器演奏的契合与紧凑度不输给Red专辑时期的表现，虽然整张一路听下来可能觉得更科技化、更冷漠了。无论在评价上是成功与否，至少技术上交出了一张雄心睥睨彼时乐界的专辑。 　　 组团到现在的已有四十年，从万众瞩目到只有少数死忠乐迷的捧场，他们仍然想秉持当年改革创造的前进精神持续为市场或少数人提供精炼简约的诗句、结构巨大的乐曲、令人省思的主题。而当六十年代反战风潮的盛行，他们所推出前三张令人惊奇地结合当时的和平意识、人性探讨、而超越彼时一般摇滚音乐深度的专辑，是我们在回头探讨老摇滚时不能不提的。

第七天》的专辑只听了三首歌，《万家灯火》，《在路上》，以及主打《第七天》。 即使整张专辑没有听完，还是忍不住想写下点什么。最 喜欢的歌是《万家灯火》，续事待发的低音贝斯鼓点前奏，主唱‘万家灯火’的歌词嘶吼，一上来便扣住人心，强烈而直接。就是喜欢戴秦唱摇滚的样子，就是喜欢他指着摄影机唱出的那句‘万家灯火，你有你的生活。关注瘦人乐队的更主要原因，是因为陈羽凡的凡人唱片。 从初中开始喜欢听羽泉的歌，半夜里爱华卡带随身听里放的都是他们的《难道》和《深呼吸》。结婚生子后的陈羽凡把更多的精力和财力花在签乐队和做唱片上。 这个北京土生土长的三十而立的男人，体会到更多的是责任和担当。 慢工出细活的《第七天》专辑，听出了瘦人对于摇滚的倔强不屈，以及凡人唱片对于内地原创摇滚打磨出来的优良品质瘦人乐队的《第七天》，就是摇滚精神＋摇滚品质。倔强生长，生生不息。回来音乐上，听了一段时间的《第七天》，我也有种“精品行货”的感觉，特别是昨晚又看了附赠的DVD，陈羽凡和戴秦两个极端自恋的人凑到一块做导演肉麻致死就不说了，片子一直强调的是“热爱”、“努力做一张好专辑”。我觉得好的音乐不是“热爱”就能做出来的，也不是“努力”就可以，确实，这张专辑从技术上来说在国内已经非常不错了，录音、后期、混音，每个细节都打磨的恭恭敬敬，但总觉得少点什么，少了那种才华横溢的失调和灵光一闪的破音，一切都规规矩矩，就像是德国人造的玻璃房子，却又没那么纯粹。但“精品行货”并不是贬义词，要知道国内大部分建筑的实际情况是既无“创新”也无“品质”，摇滚也一样。所以在这种时候，也许做到了“品质”，也算是一种成就吧。但作为一个热情还没有灭掉的建筑师而言，“创新”才是永远的追求。我想音乐更应如此。’

罗友生 - 在我的葬禮上不能沒有你無論下次Grave Digger- Yesterday (Orchestra Version)曹秦 - 繁星Hawthorne Heights - There Was A KidDamien Rice - It Takes a Lot to Know a ManThe Poodles - Wings Of DestinyMayday Parade - Miserable At BestRed - Let It BurnGlen Hansard - Bird of SorrowTaking Back Sunday - Your Own Disaster鹏泊--提拉米苏U.D.O. - Tears Of A Clown卢冠廷 - 一生所爱--------------------------------------------------《大话西游》人如何、神如何、齐天大圣又如何，错过便难于回头。曾以为最经典的一部喜剧，现在看来却在几点泪水中收尾。听着《一生所爱》，“从前、现在，过去了再不来”，由卢冠廷独特的声线中唱出，带有丝丝的哀凉。让人要加倍珍惜身边所有，因为你爱的不会永远陪伴着你。而无论世事如何变迁，你始终是我一生所爱外面很吵，世界很乱，时间很快，与你在一起，总是心灵的安静越是长大，越是不知道怎么表达，越是没有勇气表白，只是淡淡地陪着你，一起走，一起看着时光流逝想一起走去世界上最远的地方，收集我们的点滴回忆与相片，然后我们要活得很久很久像是老妖怪，等我们老得走不动的那一天，一页页慢慢翻看我们的青春，然后叹息，然后拥抱，看着眼泪流下我们微笑的面庞

将近十年前买了这张唱片，恰好是兴趣由金属转向alternative/indie的时候，所以并没有仔细听就压了箱底。前两天一根筋搭住，突然想起这个女人，还有她的那首R&R圣歌“I Love Rock and Roll”，于是从机器里面抓出来听，这一听就热血沸腾鸟…… 　　 什么是R&R，这个问题还是留给十年前的《朋克时代》吧，要我说，摇滚乐就是明亮的大调和弦、整齐的节奏、天衣无缝的配合，还有Joan Jett这样的主唱，仔细听你会发现，她连每一次尖叫都安插得恰到好处。（这个尖叫的问题在Janis Joplin的传记《活埋》里也有提及，大概就是说那些表面上即兴的东西很可能是无数次排练的产物。）Joan Jett让我莫名想起来Roxette的Marie Fredriksson和枪花的Axl Rose。联想的事情基本上是没有道理的，硬要说道理就是这三个人的声音都有无限张力，要断未断的时候无限性感。 　　 自己弹琴的时候就老在琢磨，一个乐队要整齐到The Blackhearts的程度，到底要花多少时间。印象中2003年在纽约的时候还在Village Voice上看到他们在巡演，刚才一查，她果然还在演，难怪51岁了依然身材良好，体力充沛。要不要去看看这个大部分人认为过气的摇滚明星呢，我想她要是真的演到家门口，我是会去的吧，就冲着她扫完弦的那一抬手。 　　 Indie小乐队Clem Snide有首煽情小曲叫“Joan Jett of Arc”，玩了个文字游戏，把Joan Jett和圣女贞德混在一起，大意就是说Joan就好像一个年长的初恋情人。我想，我要是个生活在80年代的男性青少年，也会把她当作sex symbol吧——其实就算是女的也没有什么所谓，“Crimson and Clover”这样的歌足以征服每一个女同的心。深红与草绿，这个色彩也很80年代，很R&R。

周韧，1969年出生。1987年进入中央工艺美术学院学习平面设计，并开始接触摇滚乐和玩乐器。周韧属於北京的第三代摇滚乐手，但在很多方面，周韧的音乐意识要远远超前於同代人––这当然是个优点，可有时也不是个优点，就因为这种超前，给周韧的摇滚生涯凭添许多磨难。他先後组过两支乐队，却全都无疾而终。　　“锈铁”组建於92年，按这支乐队当时所受到的评价和所处的时代，是本该在中国摇滚乐史上有些建树的，无奈时运不济，与他们同时期登上舞台、同属第三代乐队佼佼者的 Again、新谛等乐队都获得了很好的发展，锈铁却没能等到任何机会就解散了，连一首歌都没留下。 　　在当时大家都蜂拥向重金属、硬摇滚的时候，锈铁已经在有意无意地弹奏著一些听来“挺不一样”的声音，这使很多人至今对他们仍印象深刻。後来周韧又组起了“红烧肉”，继续发展自己相当自我的音乐，到他受Sound Garden的影响渐重，曲风中Grunge的味道终於渐渐凸现了出来。而魔岩看上他也正是因为他的风格，当时Grunge在北京摇滚圈是最新鲜的玩意儿，让许多人心动但尝试者极少，因此他们对周韧寄予厚望，希望能通过这个高大沉默的年轻人带出一波新的风潮。可日益谨慎的魔岩最後只签下了周韧，说什麼也不肯签“红烧肉”，使这支当时正处在最佳状态的乐队在录制完周韧的《榨取》专辑後就风流云散。对此周韧至今都感到非常惋惜，但也无可奈何。

Jefferson Airplane是旧金山最早为全美国熟知的迷幻摇滚乐队，他们代表了一个时代。 乐队由创作歌手Marty Balin成立于1965年夏，共6人。起先他们在俱乐部演奏一些民谣摇滚和披头士的歌曲，后来与RCA唱片公司签约.1966年乐队在RCA旗下发行《Takes Off》，在商业上小有收获。1967年2月，乐队参加了金门公园的海特阿伯莱音乐会，引起轰动，被传媒当成一个神圣文化潮流的领袖。乐队得到了唱片公司的重视，得以录制下一张专辑《Surrealistic Pillow》。这时的乐队阵容是：歌手Marty Balin、吉他手/歌手Paul Kantner、吉他手/歌手Jorma Kaukonen、鼓手Spencer Dryden、贝司手Jack Casady、女歌手Grace Slick。《Surrealistic Pillow》是乐队推出的最重要的一张唱片，它为旧金山乐派开辟了第一片天空，“旧金山迷幻摇滚出师表”之称毫不过份。它充分开发了乐器演奏的无限可能性，并以此激发了超出日常经验的想象力。金唱片销量和长久传唱的名曲“Somebody to Love”、“White Rabbit”只是这张唱片表面上的成功，实际上在此之下是1967年“爱的夏天”、为迷幻摇滚疯狂的美国、迅速蔓延的嬉皮生活方式、数目猛涨的瘾君子。在其后的时间中，乐队经历了极为频繁的人员变动，只有Kantner一人始终留在乐队中。乐队在七十年代末开始向硬摇滚方向演化，并更名为Jefferson Starship，最后称为Starship。1989年，原Jefferson Airplane成员Balin、Kantner、Kaukonen、Casady和Slick重组，并录制了《Jefferson Airplane》，虽然专辑已失去往日吸引力，但巡演却比较成功。1995年，Kantner、Balin、Casady组成了新的Jefferson Starship，并发行了《Deep Space/Virgin Sky》。

　“热斑”不是那些流水线上下来的乐队，也不是按照教科书死板学习的乖孩子，甚至“热斑”这个名字都是网上随便找来的，觉得中英文都适合就用了起来。 乐队成立于2013年，最初的成员是主唱&键盘刘翩翩以及吉他手王志文。他们仅仅用了2个月的时间就创作了6首作品，并马上在夏天录制了Demo。虽然10月份乐队才第一次登台演出，但仅仅2个月以后，他们便得到了匡威的关注，参加橡胶制造录音室项目。“热斑”录制了单曲《Make A Deal》并拍摄了MV，紧接着匡威又将另外一首歌《Hate Rocket》用作“彩爆无聊”的广告曲。 2014年，鼓手陈曦的加入使得王志文冷峻而激烈的吉他以及刘翩翩慵懒性感的嗓音更具张力。 “热斑”的世界是冷的，也是热的。他们不理解人群的按部就班，也对理解他们毫无兴趣，爱和温暖都不是他们想要的。如果可以选择，他们宁愿选择不出生在这个世界上，因为他们还没有准备好面对世界所带来的一切——好的和坏的。　　如果有一个时间和“热斑”相遇，最好是深夜，他们会成为你悲伤的爱人，爱你一个晚上，只有一个晚上。而如果你们能哭，那就太有趣了。

Tiamat（主要是主唱Johan Edlund）身上散发着多种不同的气质，这些气质理所当然的体现在Tiamat的音乐里，早期的死亡金属，后来又混入了歌特、厄运、交响......甚至是70年代的迷幻，Johan Edlund也曾提到过Pink Floyd对他的深刻影响！但不论风格如何转变，永恒的黑暗却从未改变这不是适合所有人的音乐，尤其是在阴霾的午后或是梦魇的深夜.....是，致悲伤者的悲歌，给绝望者的毒药......

七八点乐队是一只湮没在南京的乐队，成员是，热情血性的北四杜磊，矛盾着旋律着的基塔朱二毛，敲打青春的王羽中和继续拷问着美利监的小谢，断暂而必然的溜弦琴老羊，还有老是躲也躲不掉的念诵者海洋，他们在一起的时候就会有歌。 在《南京地下音乐记录97-98》收录过他们的作品，少数人听过他们的音乐，PK14《谁 谁 谁 谁》翻唱过他们的《快》，几年后，他们分别在你身边被生活变奏着大调或者小调’ 七八点乐队成立于1997年，最初他们在一些防空洞中排练，巨大的声响使队员彼此间无法听清，但那样覆盖一切的声浪使他们有一种背弃校园和成人社会的成就感。 乐队中的三名成员依然在高校就读，但却好象并未沾染上象牙塔中的多梦和纯稚，尽管海洋的诗歌显得童趣和富于超现实的想象，但那实在是他一个又一个夜晚在焦虑中煎熬出的结果。 “七八点”是我最喜欢的乐队之一，他们音乐中包涵的真正属于青春期的那种诗意、坦诚、激烈、率真，甚至粗糙，在我看来难能可贵，像原始的石头一样稀少。海洋经营歌词意境和长青旋律的能力，在国内堪比声音与玩具、木马，PK14的杨海松有次和我谈论起来，也持相同的意见。总体上，“七八点”是一支很业余的乐队，无论演奏水准和演出水准，但他们声音中真正细腻敏感的优美和伤怀，几乎没有什么“职业”的摇滚乐队可以比拟。他们的起点很高。 有时我无法分清从海洋口中绽放出的词句之花是为了构筑他随时可能幻灭的青春防线，还是一种不得不从重压和趋进的乏味的成人社会中逃逸出来的快乐，总之在海洋热爱过的那些名字：LOU REED、JIM MORRISON、JEFF BUCKLY、NEIL YOUNG、海子的诗行中，你会发现“七八点”只是一个类似这些伟大的二十世纪精神坟墓边的守灵人的身影，纵使没有阳光照耀和清风吹拂，也足以让你因纯净，痛苦和思考而砰然心动，从麻木中解脱出来去沉入宁静和冥想。 乐队出发的诡计总是和海洋脸上诡秘而无解的神情相关联，在他去澳大利亚布里斯班的一年时间里，“七八点”在南京神秘消失了，嬉皮的光环被圈子里的传闻强加于海洋的头上，而他很快便摆脱了摇滚乐热情洋溢的纠缠，深陷入孤独的分裂与隔绝之中，犹如一杯温凉的水，尚未握住便流逝于沙丘，年少的激情与俗世的苍凉相碰撞的火花快速而灼热地奔放。 99年再次见到海洋，他已变得更加敏感与善变，嘲弄与恶作剧的神色常常一瞬即逝，诗歌与摇滚乐被抱负在怀中形如弃儿和宠物，痛并快乐快乐着，巨大的俗世变迁在他内心的死结已不再让他沉默，昂首去喝下青春的毒药，一任与希望相伴相随。

铁娘子（Iron Maiden，或译为铁处女）是一个出身于英国东伦敦的重金属乐团，由原吉普赛之吻乐团（Gypsy's Kiss）与微笑者乐团（Smiler）的贝斯手史提夫•哈里斯（Steve Harris）于1975年成立。铁娘子是重金属乐界最成功与最具影响力的乐团之一，在全世界已经累积销售八千万张专辑。2002年该团获颁艾佛•诺维洛奖（Ivor Novello Awards）的国际成就奖。 虽然铁娘子是一个受到深紫（Deep Purple）与瘦李奇（Thin Lizzy）影响的重金属乐团，但是因为前主唱保罗•迪安诺（Paul Di'Anno）的关系，他们早期的作品具有庞克摇滚的色彩。 铁娘子的吉祥物艾迪（Eddie）是一个经常出现在专辑封面以及演唱会现场的恐怖东西。在1992年以前，艾迪一直是由德瑞•克雷格斯所画，其间也曾有不同风格的画家如梅尔文•格兰特（Melvyn Grant）设计过各种分身。艾迪也曾出现在以该团成员为主角的第一人称射击游戏《艾德猎人》（ED Hunter），也出现过在许多书籍、漫画及该团外围商品。 1976年，Iron Maiden最初由贝斯手史蒂夫•哈里斯（Steve Harris）组建，而当时乐队的其他成员为吉他手Tony Parsons，鼓手Doug Sampson和主唱Paul Di'Anno。在与唱片公司正式签约之前，Iron Maiden一直都在伦敦当地不停的演出，乐队的歌曲在当地的电台中非常受欢迎。1980年，在新吉他手Dennis Stratton取代了Tony Parsons之后，Iron Maiden发行了乐队的首张同名专辑《Iron Maiden》。Iron Maiden的这张专辑虽然是在仓促之中完成，但由于单曲《Running Free》在英国大受欢迎，因此这张专辑在英国的销量也是非常令人满意的。1981年，Iron Maiden的第二张专辑《Killers》面世，曲风更加硬朗。在这张专辑中，阿德里安•史密斯（Adrian Smith）代替了Dennis Stratton，出任Iron Maiden的新吉他手。而由于严重的酗酒，主唱Paul Di'Anno也在《Killers》专辑面世之后被迫离开了乐队。 　　在Di'Anno离队不久，大嗓门的布鲁斯•迪金逊（Bruce Dickinson）火速加入了Iron Maiden。1982年，拥有了新阵容的Iron Maiden发行了他们的经典之作《Number of the Beast》。这张专辑被评论界认为是重金属历史上最为经典的专辑之一，其中较为出色的单曲包括同名单曲《Number of the Beast》，《Run To The Hills》以及《Hallowed Be Thy Name》。随着《Number of the Beast》在世界各地出人意料的成功，Iron Maiden也奠定了他们重金属音乐届巨星的地位。在Iron Maiden的下一张录音室专辑《Piece of Mind》当中，乐队的音乐风格几乎与《Number of the Beast》没有任何的改变。1983年，在录制专辑《Powerslave》之前，Iron Maiden举行了两次大规模的巡演。1984年发行的《Powerslave》成为Iron Maiden又一张颇具实力的专辑，而乐队长达11个月的世界巡演也被整理收录在了1985年的双张现场《Live After Death》当中。迄今为止，《Live After Death》被认为是Iron Maiden最有代表性的现场专辑之一。 　　在《Live After Death》发行之后，Iron Maiden已经是当时的金属届中独一无二的乐队。1986年，在经过了两年的沉淀之后，Iron Maiden发行了第六张录音室专辑《Somewhere in Time》。在这张专辑中，Iron Maiden开始更多的尝试使用合成器，而专辑中所有的歌曲也开始偏向于表达同一个主题，整体上开始概念化。1988年，Iron Maiden的第七张录音室专辑《Seventh Son of a Seventh Son》面世。这是一张与《Somewhere in Time》一样的概念化的专辑，其中的畅销单曲包括《The Evil That Men Do》和《The Clairvoyant》。同时，这张《Seventh Son of a Seventh Son》也是Iron Maiden乐队自《Number of the Beast》之后最受评论界好评的一张专辑。紧接着，在一次大规模的巡演之后，Adrian Smith选择了离开Iron Maiden。1年后，新吉他手Janick Gers加入Iron Maiden，随乐队发行了新专辑《No Prayer for the Dying》。虽然专辑中的《Bring Your Daughter...to the Slaughter》被评为Golden Raspberry奖的最差歌曲，但《No Prayer for the Dying》依然成为了Iron Maiden在英国的首张冠军专辑。在1991年的巡演之后，主唱Bruce Dickinson表示想要离开Iron Maiden，以发展他自己新组建的另一乐队。 　　此后，Iron Maiden迎来了乐队的第三任主唱Blaze Bayley。Blaze Bayley在Iron Maiden的处子秀是1995年的专辑《The X Factor》，但这张专辑并没有像Iron Maiden此前的作品那样获得好评，即便在他们的家乡英国也是如此。1996年末，Iron Maiden发行了他们的双张精选集《Best of the Beast》。1998年，Iron Maiden的另一张比较失败的专辑《Virtual XI》问世。在连续两张失败的专辑之后，Blaze Bayley的离开已经是众望所归。 　　1999年，一条振奋人心的消息让全世界无数金属迷为之激动，这就是Bruce Dickinson和Adrian Smith一起返回了Iron Maiden！在当年的一次巡演之后，Iron Maiden在2000年首次以六人阵容发行了他们的第12张录音室专辑《Brave New World》，歌迷们重新看到了Iron Maiden振兴的希望。此后，Iron Maiden再次投入到了大规模的巡演当中，乐队的世界巡演场场爆满。2002年，乐队先后发行了现场专辑《Rock In Rio》和精选集《Edward the Great》。2003年，Iron Maiden发行了第14张录音室专辑《Dance of Death》。此后，乐队又发行了一张EP专辑《Rainmaker》和两张DVD《History of Iron Maiden, Pt. 1: The Early Days》和《Raising Hell》。 　　2005年9月，Iron Maiden发行了他们又一张现场专辑《Death on the Road》。2006年9月，Iron Maiden第14张录音室专辑《A Matter of Life and Death》面世，发行首周名列Billboard 200专辑榜第九，成为他们第一张打入Billboard 200专辑榜前十的专辑。

脑浊乐队组建于1997年，创作自己的音乐，风格以朋克、Ska以及硬摇滚为主。 经过七次超过300场的美国巡演、三次日本巡演（其中包括日本最大的朋克音乐节”Punk Spring”）、土耳其伊斯坦布尔双年展以及国内无数次演出的锤炼，脑浊乐队目前成为在中国摇滚乐队当中具有最高演出水平的乐队，也是唯一一支走向国际舞台的乐队。 脑浊乐队近年来被乐迷们公认为中国摇滚乐队的成功者之一。参加过历届迷迪音乐节，多次赴美国、日本巡回演出。脑浊乐队凭借自己的实力在国内外影响和放展了大批歌迷。脑浊乐队的音乐一直是简单直接，充分的体现了摇滚乐、朋克乐最原始的核心特点。玩了几年音乐的脑浊乐队经人员变动后，音乐逐步走向成熟。脑浊的音乐搀加了REGGA、FUNKY、SKA、HARDROCK、PUNK、BLUES多种元素加上绝对精采有力的现场给予了他们音乐张力和感染力。给予他们影响的西方乐队有THE CLASH、RANCID、DROPKICK MURPHYS、SPECIALS、JIMMYCLIFF、BOB MARLEY、RAMONES等。脑浊是注重现场表演的乐队，因为精彩的现场是成功乐队不可缺少的方面。

1967 年在洛杉矶成立的 Iron Butterfly 乐队是重金属乐队的雏形，原始阵容为 Doug Ingle（风琴兼主唱，生于 1947 年 9 月 9 日）、Ron Bushy（鼓手，生于 1941 年 9 月 23 日）、Lee Dorman（贝司手，生于 1945 年 9 月 19 日）和 Eric Braunn（吉他手，生于 1950 年 8 月 10 日），另一位吉他手 Danny Weiss 在录完乐队的第一张专辑《Heavy》后，就离开了乐队。　　1968 年专辑《Heavy》出版后，他们在美国主要城市进行了一个多月的巡回演出。该乐队激烈的节奏部分，超重的演唱风格使当时的乐迷大开眼界，所到之处受到了歌迷狂热的欢迎，舆论界和唱片工业都认为他们是潜在的超级巨星。他们的第 2 张专辑《In - A - Gadda - Da - Vida》的成功是前所未有的，其中一首 17 分钟长的同名曲成为重金属音乐的第 1 首经典作品。直到今天，该专辑仍是 Atlantic 唱片公司最伟大的摇滚专辑——也许也是该公司销量最大的唱片之一。因为到 1993 年时，该专辑已经令人不可思议地卖掉了 2500 万张。

鹏泊，英文名Bob Roc，摩羯座，80后，陕西人，唐嘉文化旗下独立唱作人，音乐风格以Indie Pop,Indie Folk为主。本期所有的文字以及音乐版权均归歌手鹏泊本人所有。这本期节目只是鹏泊的九个快乐幻想，如果想听到他更多有趣动听的幻想，欢迎朋友们可以参加鹏泊个人首张原创专辑《慵懒的快乐》的众筹计划，以及购买实体专辑，可以获得鹏泊的个人签名哦，众筹的网页链接是： http://www.musikid.com/new/project/2542在这里，我真心呼吁支持鹏泊这样优秀而独特的创作歌手，谢谢！

作为一条曾经玉立的汉子，对娘娘腔没有反感，听了好多遍一直以为唱的人和说的人是两条汉子。在后来翻了乐队主页后，发现原来是主唱一个人的真假音而已。这个神奇的氛围流行团。台湾独立音乐的大潮已经轰炸了华语独立届10多年了，小清新已经从褒义变成了贬义。在我的听音取向里，对大部分火爆的台湾独立音乐均自动贴上小清新标签，然而，在无事了了看新闻的过程中，耳机里传出的多变风格、孤独的氛围感，感动了我。上一次带给我感动的台湾乐团是《乱弹》，这次，更加多变，加了音墙、多了白噪音，表现手段更加丰富的音乐人出现在我眼前让我耳中一亮。我喜欢的台湾音乐人总是具有“疏离”感。一种站在边上看的孤独。於是，這以小人物角度創作的樂團更得到我們的歡迎，主音修澤對著吃掉夢想之社會的吶喊，也把大家積壓已久的怨氣唱了出來。編曲華麗、豐富了的《沒有人在乎你在乎的事》，儘管依舊情感泉湧，可似乎再難找到如上張隱藏曲《獻給總是美麗的你》那樣質樸的感動；而它被磨滑了的音樂（《我們沒有夢想》除外），也像本該有棱角或野生姿態的小人物，因適應或習慣了社會的荒誕，漸令到某些個性亦開始缺失。我不知道這是否是他們有意的安排，以切合專輯對主角與人們越發盲目、麻木的描寫，但很肯定的是，我寧願其繼續發著沒有很多人在乎的牢騷，亦不希望他們進入到，會抑制人恣意生長的規範裡。

伊基•波普被认为是朋克音乐的教父，因为任何一支现在的或是过去的朋克乐队，都曾经从他在60年代末70年代初所建立的乐队Stooges那里有所借鉴和启发。 原名詹姆斯•纽威尔•奥斯特伯格（James Newell Osterberg ）的伊基•波普，出生于1947年。出于对摇滚乐的喜爱，他开始学习打鼓，并且在60年代初成立了他的第一支乐队Iguanas。在滚石公司波普迷上了布鲁斯，并且自创了一种和布鲁斯相近的音乐风格，取名Prime Movers。1965年，他高中毕业后进入在密歇根大学学习，没多久就前往芝加哥，给一些蓝调乐手伴奏。不过他的心仍然在摇滚乐上。回到Ann Arbor一段时间后，他决定成立一个摇滚乐队，不过这一次他不再是鼓手，而是走到了台前，67年他与高中时候的旧友、吉他手罗恩•艾希顿（Ron Asheton）兄弟，以及贝司手戴夫•亚历山大（Dave Alexander）成立了Psychedelic Stooges乐队，虽然他们花了好一段时间才彼此默契起来，但是很快就成了当地的明星乐队。不久乐队将名字缩短为Stooges，而奥斯特伯格也把艺名改为伊基•波普。Elektra唱片公司于68年和这支乐队签约，于69年为他们发行了与乐队同名的专辑，随后在70年发行了第二张专辑《Fun House》。虽然这两张专辑销量极差，却仍旧成为摇滚乐的经典教科书，甚至被视作朋克摇滚的开山之作。由于大众对他们不怎么感冒，而且乐队成员开始染上毒瘾，唱片公司与71年和他们解约，同年乐队也解散了。随后乐队的歌迷大卫•鲍伊（David Bowie）找到了波普，鼓励他继续演唱事业，于是波普与吉他手詹姆斯•威廉姆森（James Williamson）为伴，签下了Mainman管理公司，并定居与英格兰，最终他们再次艾希顿兄弟重组乐队。 　　在和哥伦比亚公司签约后，乐队希望能够沿着鲍伊的足迹，在商业上有所突破，Stooges乐队谱写了又一首朋克经典——《Raw Power》。到了74年底，波普和乐队的大部分成员再次染上毒瘾，他们的星光随即黯淡下去，乐队再度解体。波普和威廉姆森分道扬镳。戒毒期间，波普得到了鲍伊的大力支持，76年末两人一同迁往柏林，波普在他的帮助下，与RCA公司签下合同。对欧洲电子摇滚兴趣颇浓的大卫利用波普的音乐天赋，在专辑《The Idiot》和《Lust for Life》中进行了这方面的探索，两张专辑销量都不错，鲍伊也以键盘手的身份加入波普的巡演计划中，波普的巡演现场版唱片《TV Eye(1977 Live)》发行后，他离开了鲍伊，自己单飞。与另一家公司Arista签约后，波普与威廉姆森一起先后制作《New Values》、《Soldier》、《Party》和《Zombie》等专辑。82以后波普离开了公众的视线，直到86年才再次复出。他签下A&M公司，并立刻投入由鲍伊参与制作的唱片《Blah Blah Blah》中。88年他开始转向硬摇滚，联合了前性手枪乐队吉他手史蒂夫•琼斯（Steve Jones）和布瑞克（Brick），制作出他的第一张美国金唱片专辑《Candy》。 　　就像波普在70年代被朋克乐队所仰视一样，历史在90年代重演了。Stooges乐队在西雅图大受欢迎，很多的乐队开始翻唱Stooges的歌曲。93年波普灌制了一张单曲碟《American Caesar》，虽然他尽力重现昔日的辉煌，但是唱片并未获得好评。倒是他为电影《猜火车》（Trainspotting）所创作的原声碟《Lust for Life》大受欢迎。接下来的10年波普几乎把精力全部投入到了电影事业。当所有的新生摇滚乐队在倾听Stooges的音乐时，波普开始回顾乐队的传奇故事，97年他独自录制了新版本的《Raw Power》，同时又出版了一本和流行音乐有关的书《Please Kill Me: The Oral History of Punk》，再一次回顾了Stooges的音乐生涯。99年对于波普是忙碌的一年，他又是出演音乐剧，又是出新单曲碟，但是他更加“细腻”的音乐风格则体现在他2001年的新作品《Beat Em Up》之中。 　　90年代波普曾许下重组Stooges的诺言，不过直到2003年这个诺言才实现。罗恩•艾希顿和斯考特•艾希顿（Scott Asheton）从国外归来，创作并录制了四首音乐作品，收录在专辑《Skull Ring》中。2004年，波普参与了Jim Jarmusch的专辑《Coffee and Cigarettes》的制作。05年一月Pop又制作了Penetration系列，接着是7月份的《A Million in Prizes: The Anthology》。

有一天我做了一个梦，梦里出现巨型玩具恐龙，喷着毛绒焰火飞上天。有一天我做了一个梦，他站在梦的夜，我走近，他离开，他离开我发现，他有张我的脸。 梦境是逃避现实最好的方法，可并不是每一个梦境都有美满的结局。《Take me away》，从现实离开，Take me away，从梦境中清醒。这是一场游戏，只是谁都不知道结局。这是一场生命的旅行，只是谁都不知道终点。1. Bread - Aubrey2. Crooked Fingers - Sleep All Summer3. Augustana - Boston4. Iron And Wine - Faded From The Winter5. Jeff Buckley - Hallelujah6. Oh Susanna - Forever At Your Feet7. The Czars - Drug8. Pilate - Alright9. Lush - Light From A Dead Star10. Shine Dion - Woods eternal

木马”乐队的成员是医生、诗人和火车司机的儿子，木玛（吉他/主唱）、曹操（贝司）、胡湖（鼓）三个人最初于1998年3月在长沙初组“木马”，4个月后正式在北京成军，并且跟“舌头”、“散伙的虫子”等相当一批晋京乐队一起散落分布于京城的西北角一处叫西北旺的地方。 关于木马，似乎可以说的太多，所有敏感或者痛楚仿佛都可以得到他们温热平静的抚慰，也似乎所有忧伤的气质都可以从他们中感觉到，他们永远是那样的低调，就象曹操总是在演出中背对着观众，就象木玛在演出中总是旋转和摇晃。突然好象明白了他们名字的意义，象童年一样的温柔的回忆，象木马一样的晃动。 　　主唱兼吉他手木玛是个非常有才气的家伙，他的记性似乎不太好，但在美院混迹多年的经历使得他创作的作品充斥着很强的画面感和空间感，另外他们的同名专辑《木马》的封套设计创意也出自他的脑袋；贝司手曹操在3人中年龄最大，其实也才24岁，他不太爱说话，但是他为人太好了；鼓手胡湖和鲁迅出生在同一个地方，虽然他这辈子成为文豪的概率比较低，但从多方面来讲，他却很有希望在若干年后成为他的家乡除孔乙己和茴香豆之外又一个让大家可以作为谈资的项目。 绝望有一百种表达方式。可以沉默，可以大声叫嚣，可以小声哭泣，或者躲在暗处默默疗伤。而木马选择了在阴暗污浊的贝司和吉他伴奏下咬牙切齿地唱“在阳光下/一起舞蹈/在阳光下/无比美好”。语气凶狠却易碎。没有人会真的认为他们看到了阳光，相反，他们的唱词越是灿烂，唱腔越是黑暗，越是让人不寒而栗。也正是经由这些语焉不详的破碎的语句，导致很多人在某个阳光污浊暗淡的下午，一遍一遍地循环着听，直到只要前奏响起，就会不由自主地想要哭泣决堤。你可以听到灵魂一点点崩溃的声音，细碎的，无处不在，却又无处可寻。他们还唱“青春无比美好”。悲剧是把美好的东西毁灭给人看，木马不要太过在行。当他用老人般的声音唱着这样歌颂青春的歌，意象是残酷的，不是青春的美好，而是青春的默然凋零和死去。

熟悉和喜爱THE CURE的人习惯性地将其作品分为三个阶段。第一个阶段是以《BOYS DON’T CRY》和《SEVENTEEN SECONDS》为代表，典型的后朋克，情绪上是青春期的绝望、愤怒、自闭和怀疑，音乐以简洁的吉他线条为主，节奏明快，有些迷幻音符的点缀。我个人最喜欢的是他们这个时期的东西，像“跳上别人的火车”“杀死一个阿拉伯人”等都可以说是百听不厌。印象中首张专集封套上的那轮黄色的月亮和三棵沿墙的棕榈树的设计，那种童稚而略显神秘荒凉的意象，成为CURE迷们最初珍爱他们的缘由。我曾经和人讨论说，那个时期主唱ROBERT SMITH给人的感觉，就是他在台上唱歌，像随时会有人上来扁他似的，那种特别不自信和弱小自恋的气质，恰恰真实地吸引了喜欢他们的年轻人。　　第二个阶段是《春宫图》和《顶尖》、《叽里咕噜的日本语》等，乐队受哥特、NEW WAVE风潮影响，加入大量键盘和色彩打击及合成器背景，音乐古怪而晦涩，一般乐迷将之称为CURE的“黑暗时期”。乐队成员的不稳定、疲劳的巡回演出导致生活的混乱以及ROBERT SMITH多变得让其它成员无法适应的性格，都使得作品充满焦虑、极度分裂和狂躁，有些人甚至认为CURE快要解散了。我们从这个时期一些作品里听到ROBERT SMITH孤独而尖锐到接近毁灭的歌声，有时乐队配以欧陆风格的华丽的弦乐背景，有时则是大量冗长浑浊的演奏中呢喃的呓语，从MTV里我对ROBERT SMITH阴阳不分的装扮和粉白的脸上浓重的黑眼圈印象深刻，这哥们似乎陷入自我摧残而不觉。　从《KISS ME，KISS ME》之后，特别是那张众口称赞的《崩溃》开始，CURE步入了他们成熟的后期，音乐有了凝重而古典浪漫的气息，他们似乎找到了最适合ROBERT SMITH抒发他伤感与绝望情绪的方式，很多歌迷是从这个时期开始认识CURE的，他们真正成了英国乐队的一个标签和形容词。

005年，玩具头乐队，也就是今天的蜜糖先生，在北京组建，乐队早期曲风为POP PUNK；2008年，乐队经历了一次大的成员变动，在重新定位时把SKA作为乐队的主要音乐元素，并最终形成了今天的5人固定阵容；2013年，玩具头乐队正式更名为蜜糖先生，而专辑《大都市》就是从这样一个过程中孵化诞生的。　　蜜糖先生乐队的成员大多成长在北京的闹市区，城市的变迁成为了他们怀旧的诱因，而在那些荷尔蒙飙升的日子里音乐给养了他们的大脑。他们爱都市夜晚上演的灯红酒绿，起初它们是音乐的漂亮涂层，后来它们成了后者的铺垫。蜜糖先生是一群不折不扣的浪漫主义者，他们向往西方百老汇式的繁荣与自由，把从生活中汲取的灵感一股脑儿的带上舞台。他们的音乐是一种敏感色，歌声从唇尖滑落，就像蜜糖，令人情绪高涨。　　关于《大都市》，它是一张带有复古色彩的专辑，忠实的记录了都市生活中的一些情绪或者说感觉。这张专辑带有与生俱来的质感，时间的堆积和画面的渲染共同成就了这一点。整张专辑收录了乐队各个时期的10首作品，有些作品在不断的演出实践中进行了调整，这十首作品就像是他们来时路上洒下的十颗种子，如今集结成辑花香四溢。挺有意思的，这个乐队把jazz和ska融合一起，听起来挺有意思的，两个风格，哪一个拿出来都很有味道，融合在一起，趣味多多。

以Ann Wilson和Nancy Wilson两姐妹为乐团重心的Heart,是Hard Rock与Pop Rock风格中，最受乐迷所喜爱的队伍，1972年在美国西雅图成军的“红心”，最初模彷“齐柏林飞船”强劲火辣节奏的重摇滚，后来逐渐发展出融合民谣与流行乐风的创作手法，1976年受『齐柏林飞船』影响首张专辑Dream Boat Annie, 兼容强悍侵略的摇滚乐曲与轻柔曼妙的民谣小品，创下销售2.5白金的记录，成功地崛起歌坛，1977年以相同创作概念的专辑Little Queen,再度缔造百万唱片佳绩，奠定在乐团的稳固基础，后来几度面临唱片合约与团员单飞的困扰，一度面临创作瓶颈，一直到1985年加盟Capital唱片公司，发行重新整军改变成人流行摇滚创作方向后的首同名专辑，终于再度掀起“红心”旋风。 　　对于“红心合唱团”而言，除了该团队节奏与旋律超级的敏锐感之外，最无法取代的是带头的姐妹花姣好的面貌和高亢有力的嗓音，这样独特地乐风，让他们从1985-1995这十年当中所发行的五张专辑（包括一张现场演唱专辑），每一张都在销售上创造了惊人的成绩，其间出现在排行榜上的冠军和Top 10单曲，更是八十年代不可或缺，乐迷朗朗上口的流行摇滚经典。

苍蝇乐队成军于1993年10月，当时成员为丰江舟、宋永红、王劲松、岩磊所组成，这批人均是在国内享有盛名的前卫艺术家。　 1994年5月乐队成员大幅度更换为：主唱丰江舟、吉他手高胜春、贝斯手王磊、鼓手王岩。同年8月至1995年3月录制了三首单曲，分别在国内外发行。这三首单曲分别是《涅盘》，《枪与子弹》，《芒果树》。藉其做为中国摇滚乐界第一支＂脏＂的乐队出现，让人领略了乐队脏、乱、差的惊悸声音。 1996年7月--12月间开始录制乐队第一张专辑，并于97年6月在香港，台湾出版发行。这时成员又大批换血为主唱丰江舟，吉他手高桥浩二，贝斯手佐藤ATSUSHI，鼓手关菲。“苍蝇”的首张专集首先在台湾发行，当时就作为“中国最脏的摇滚唱片”在国内被广为传播。后来“摩登天空”推出引进版，正式在全国范围内掀起轩然大波。充斥其间的“肮脏词汇”和音乐的“肮脏动机”剧烈的冲击了人们固有的美学观念。“苍蝇”用这种表面的肮脏来诠释了一种全新的美和一种全新的表达美的方式。这种美撕烂理想主义的外衣，保留浪漫但对其进行彻底的重建，尽可能破除障碍，接近人性去寻找真实。最荒诞的部份在于那些音乐中的Blues and Jazz手法所暗藏的杀机，该乐队是继崔健后获得海外媒体主动报道及青睐最多的团体。英国媒体说他们是“中国第一支最脏最垃圾的超级苍蝇人”于是，“苍蝇“在全国的叹为观止中以“传统美学的终结者”的身份坐上了中国另类摇滚的第一把交椅。 苍蝇的第二张专辑，不像之前那么惊世骇俗，但我个人却愿意给它更高的评价。这是成熟的苍蝇，这是邪恶的苍蝇。反讽 解构 倒置 腐烂，不再将满腹的粪便一股脑儿地喷泄，而是阴险地使出坏心眼儿，用更含蓄的方式进行更恶毒的攻击。然而，这几乎已是他们最后的呻吟，苍蝇的生命周期果真只有这么短暂？

这个下午，阳光充沛的下午，我从唱片堆里抽出The Essential Leonard Cohen，把唱片放进CD机器， 然后躺在床上，透过阳台看外面世界兰兰的天空。 我躺在床上，身份模糊的男人在未知之地，Leonard Cohen在墙角静静地唱歌。低沉的嗓音，Leonard Cohen穿着牛仔裤，嘴角倾斜，他那样漫不经心，在房间里轻手轻脚地 走来走去，唱虚无的孤独感和永恒的女人。这个生于1934年的犹太男人，风靡北美的诗人、作家。他长相英俊，才华逼人，又继承了一大笔遗产。他沉 湎女色，服用兴奋剂，不停旅行。他停下来唱歌，不过是为了讨刚刚爱上的某个女人欢心。他是这个世界上最迷人的浪子。 浪子，今年82岁,出版了8本诗集、2本小说、17张CD、4本画册。从13岁开始，他就沙哑低沉地说爱，用温情谋杀女人，然后，彬彬有礼地离开。 这低沉的男声,适合一个人的时候,慢慢地用心地听,他的声音会穿过你的耳朵直到心里,让人不自觉地想起往事,想起一些曾经的寂寞和无奈 不是他爱流浪，他只是认为没有什么值得长久地停留。这不是他的错，这是世界的错。 只从一个方向看浪子，他是极美的风景。 从方方面面看浪子，他是过眼的云烟。 不管是风景抑或云烟，看看就好，记得就好。 闭上眼睛，听着他的音乐，跌坐在阳光中 眼睛湿润而表情呆若木鸡。听着听着，我的手指间留下了的时间、如沙子---一去不返 用温情谋杀女人，然后，彬彬有礼地离开 浪子今年82岁，这次，他真的离开，再也不会回来了

　Mosaic（马赛克乐队）是一支来自成都具有典型80后怀旧气质的独立乐队，他们拥有不可抑制的创作激情和癫狂摇摆的演出现场。如果你是想要回到八十年代跳跳舞：或是想来点性感暧昧的气氛，那就跟我们一起坐上时空机穿梭那个马赛克的魔方世界。首张专辑由成都小酒馆和星外星音乐联手推出。 彩色的玻璃，黑白的节拍；饱满的鼓点，尽情的摇摆。复古的舞曲摇滚, 大汗淋漓的复古舞曲。一张厚积薄发的专辑。一首《Dancing Girl》不知道陪伴了多少年风骚的成都摇滚乐迷，马赛克乐队也不知道何时成为了成都摇滚乐迷们饭后茶余的谈资。我自己认为暧昧摇滚这个词是只属于马赛克的，也只属于成都这个闷骚的城市。可爱的人儿们，让我们期待情人节的到来吧！

绿日(Green Day)乐队是90年代之后美国朋克音乐复兴时期的重要乐队之一，他们的成员深受70年代朋克音乐时期经典乐队影响，而简明上口的流畅旋律让他们的音乐更便于流行。 在1994年涅磐王朝(Nirvana)崩塌之后，朋克音乐复兴与另类流行摇滚乐当道的时候，Green Day乐队也一跃成为了这股风潮的中流砥柱，成为了90年代以后最受欢迎的摇滚乐队之一，也是美国流行乐朋克复兴中最有影响的乐队之一。1991年，Green Day乐队发行了乐队首张专辑《1,039/Smoothed Out Slappy Hour》，但是在这张专辑发行之后，Green Day乐队就遭遇了人员动荡，Al Sobrante离队，现任鼓手Tre Cool替代了他的鼓手位置。乐队阵容从此稳定了下来，Tre Cool原名Frank Edwin Wright，贝司手Mike Dirnt原名Mike Pritchard。不过此后一段时间Green Day一直没有太大突破，直到1992年发行了专辑《Kerplunk》，这张专辑在加州地下乐坛反响颇佳引起了主流唱片公司的关注，Reprise公司最终和他们签约。 在整个 90 年代初期，Green Day 不断扩大自己的追随者，1992 年专辑《kerplunk》的发行更为之注入了能量。1994年初，Green Day乐队发行了第三张专辑，也是他们主流公司的首张专辑《Dookie》。由于单曲《Longview》和第二支单曲《Basket Case》的连续推动，这张专辑成为了整个1994年的一个现象，两首单曲全部都成为了现代摇滚单曲榜的冠军，而此后在大名鼎鼎的Woodstock音乐节上的精彩演出，以及第三首冠军单曲《When I Come Around》推出之后，Green Day乐队的这张《Dookie》风靡美国，继而蔓延全球。三首冠军单曲统治现代摇滚单曲榜冠军累计十多周的时间，专辑的销量节节攀升，这张曾经雄踞Billboard 200排行榜亚军的专辑最终在美国地区取得了超过800万张的销量，全球销量超过千万张，并且为他们带来了1994年度第37届格莱美奖最佳另类音乐表演奖。 《Dookie》的畅销让朋克音乐锋芒毕露，重新成为了后Grunge时代摇滚乐领域重要的组成部分，在《Dookie》的辉煌过后不久，1995年Green Day乐队发行了第四张专辑《Insomniac》，这张专辑发行后也站在了Billboard 200排行榜亚军，并且也有单曲《J.A.R.》成为现代摇滚单曲榜冠军，到1996年的时候这张专辑的总销量却没能超越《Dookie》，总销量只有200万张。此后疲惫的Green Day乐队取消了欧洲巡演，休养并录制了第五张专辑《Nimrod》并于1997年发行，这张专辑在排行榜上名列第十位。 此后经过了长达三年的等待之后，2000年发行了第六张专辑，也是他们在主流唱片公司的第四张专辑《Warning》，这张专辑这张专辑在发行之后以15万6千张的销量名列排行榜的第四位，销量再次突破百万张。《Warning》之后又经历了长达四年的时光消耗，2004年9月21日Green Day乐队发行了他们主流唱片公司的第五张专辑《American Idiot》，再次引发了轰动。Green Day乐队的这张专辑把他们带向了一个新的顶点，自从1994年经典专辑《Dookie》之后，他们给人的感觉似乎一直波澜不惊，而这张专辑终于向人们证明了他们依然是继Nirvana之后最好的朋克乐队。虽然《American Idiot》并非一张纯粹的Punk专辑，但正如乐队主唱Billie Joe Armstrong所说，这张专辑吸引许多甚至没有听过《Dookie》的年轻人。这张让歌迷等待了四年的专辑商业上首先出彩，在发行之后也是得到了歌迷的首肯，发行首周就以26万7千张的销量首次登上了Billboard 200排行榜冠军宝座，并且在英国，加拿大，澳大利亚，日本等多个国家排行榜上占据榜首。 2009年5月15日，greenday第八张专辑《21st Century Breakdown》在美国上市。在全美上市3天内，这张专辑便售出了21万5千张，在Billboard 200专辑榜中空降冠军。专辑音乐风格加入一些经典的摇滚。专辑的封面是专辑的男女主角克瑞斯坦与格罗瑞亚在亲吻。这次更遍向强力流行乐。

一只眼看见飞翔的天，一只眼看见灰色的路，耽溺在梦乡中麻醉地顾盼，今朝有酒，明朝如之何唤醒绮梦憎啼鸟，罥入情丝奈网虫。眼底风景、心头魔障，自赏、自艾、轻狂与隐忧，那些浓烈扭曲的情感宣泄得淋漓尽致，无一不是大写的“我”。唱歌的人认真地投入，听歌的人认真地感动，共同沉浸在臆想的世界。生活中一点点琐细微小的情感片段都被渲染出浓烈的色泽，轻狂却并不浮夸。被放得无限大的青春，明暗相会，逢魔时刻。青春过期不再上演，病态、疯狂却无可替代的青春就这样，继续走下去吧。。。。。。。。

2005年签约摩登天空的旅行团乐队(The LifeJourney)来自于广西柳州。他们生活在繁华都市，却偏爱围绕城郊的稻田间，在生活上随意自然，在音乐创作上也秉承轻松态度，酝酿出清新怡人的旋律和胶泥式的编曲。聆听旅行团的音乐，会让人有游走于世界各地美丽风光的奇妙之感，阳光、快乐、清新、松弛，是他们想要表达的。主唱孔阳略带腼腆、甘甜的声线会让人置身于阳光与水之间，惹人遐想，而几句突如其来的家乡话又会将梯田农耕的繁忙景象勾勒在听者眼前。正是这独具一格的田园气息中弥漫出的时髦感觉，把旅行团和时下诸多乐队区分开来。旅行团乐队的“风格”很难界定——其实这应该是现在乐坛的一个特性——风格的日趋模糊。旅行团乐队从来不做任何标榜，你甚至可以说他们缺少一般摇滚乐队的风范，但这恰恰是他们的风格。Bossanova、Blues、Rock等多种音乐元素的自由运用，使旅行团的音乐充满不可预知的奇妙性，旅行团乐队用他们特有的清新和淡定歌唱着自己的世界，并周游于其中。可以感觉到旅行团对The Beatles的挚爱，无论是乐队的黄色“甲壳虫”汽车的Logo，还是专辑曲目“中央花园”中对纽约中央公园的歌唱，甚至主唱孔阳在MSN头像上把自己的照片做成列侬早期的风格。如果说《来福胶泥》这张专辑在歌曲上还留有一点遗憾，恐怕是他们对那首名为“利物浦”的歌曲的舍弃，个人认为，那是一首非常优秀的歌曲，足以成为排行榜的冠军曲目。有些神经质，有些孩子气，有些乌托邦，可不是么？我们大多数时间都在不属于自己的环境和心情里挣扎，被太多无聊琐碎的人事束缚着，想象力被一点一点偷走。幸好还有这样充满幻想和浪漫韵味的音乐。才发现，原来我们一直都没有忘记那些纯真的埋藏于心底的美丽幻影，也一直没有模糊我们要去寻找的方向……

1992年 Godgory成立，他们最初的风格非常残忍的死亡金属 到了1994年，受一部小说的影响，乐队的灵魂人物Matte Andersson 和 Erik Andersson（没有血缘关系）开始重新定义他们的音乐方向。 厌倦了从前单调重复弹奏其他死亡金属大师级乐队的曲调之后，这2人决定闭关创作一些他们自己的音乐。 他们的首张正式大碟－《Sea of Dreams》于96年1月面世。 受诸如Tiamat、 Edge of Sanity 和 Cemetary的影响，第一张专辑充满了力量驱动的死亡金属意念。大气和凶猛的攻击倾向使乐队赢得了首批追随者。 同年10月，Matte and Erik携一套新队员班底在Unisound录音室开始了他们的第二张专辑的录制工作，后命名为《Shadow Is Dance》。受首张唱片成功的鼓舞，乐队的第二张唱片无论从配器和创作上都显得更为成熟。歌曲风格仍然受着狠毒的死亡金属的影响，《Shadow Is Dance》使乐队看起来更像一台蓄满了情绪和凄暗欣喜的发电站。1996年底，乐队感觉到在Invasion Records 的进度局限性而转入了另一家知名的德国厂牌――Nuclear Blast 。 1998年的秋天，乐队于Fassaden录音室的新作――《Resurrection》使他们在金属集团中更为突兀，其间遍布宏伟的原声段落、技术SOLO、浪漫的键盘过门和经典的死亡金属野性。美妙的旋律、戏剧似的编曲十分合耳，为交响死亡金属搭建了一个新的平台

他的歌声为我打开了另一个空间，带我回到曾经为音乐感动的年代。他的歌声和 Celine Dion 一样，像那静静流淌的流水，缓缓带你沉浸入那个恬静美妙而又些许哀愁的音乐空间。Michael Buble的嗓音很独特，舒缓却饱含着力量。最后自言自语的歌词：I gotta go home，Let me go home，It'll all be alright，I’ll be home tonight，I’m coming back home。将内心深处对home的所有情感表达的淋漓尽致，我只有反复的跟着哼，到自己的眼泪漫漫。带着无法抑制的情感的宣泄，让自己特别的舒服。 原来我是这样想家，在这样一个城市，这样一个孤单的夜晚，一切都因为这个歌而不同。

沒有什麼比鋼琴更適合講故事。聽前奏，你很難將隔壁團以往的作品聯繫到一起，直到主唱的聲音出現。“在那個夏天”作為整首作品的開場，為眼下的寒冬帶來一些暖意。我們永遠沒有辦法改變遺忘的曲線，就像人們無法對抗自然界的法則。隔壁團深知有一些夢想與承諾像沙子一樣容易流失，“我還能抓住一些什麼”就成為他們對這個世界唯一的發問。整首歌營造出來的氛圍是暖心的。誰說遺憾是記憶中的廢墟，它應該是生命中角落裡的光，讓回憶永遠發亮。

乔治・哈里森（George Harrison，1943年2月25日―2001年10月29日），是英国著名的吉他演奏家，歌手，作曲家，专辑制作人以及电影制作人，以身为披头士乐队成员之一最广为人知。1958年，作为保罗・麦卡特尼的好友，15岁的乔治・哈里森加入乐队。披头士乐队基本成型。 在披头士时代，哈里森被印度的音乐及哲学所吸引，是当时最积极接触的西方人。 乔治・哈里森而这也将影响哈里森往后的人生及音乐创作。 2004年哈里森获选进入摇滚名人堂。2009年4月14日，披头士乐队（又名甲壳虫乐队）已故吉他手乔治・哈里森的儿子达尼・哈里森、遗孀奥利维娅・哈里森、前甲壳虫乐队成员保罗・麦卡特尼以及乔治・哈里森的其他部分生前好友在美国洛杉矶好莱坞星光大道出席了留名仪式。

看到台下挤得黑压压的一片，和我具有某种共同属性的人群，让我觉得美妙而梦幻。他们在现场或倾听或跟唱，双手挥舞，全身扭动当oh my baby oh why oh my响彻全场的时候，真是很难想象是什么样的感情在激发这一瞬间。我觉得Blur自己真是未必料到会发生这种场面，何止是壮观和感人。真是有那么多人在爱他们，为他们添加意义，单纯的音乐力量也好，动情的故事历程也好，从他们身上找到幸福感和快乐论，看到唱咖啡牛奶的时候有个女孩子搂着她伴侣甜美地唱出：agree to marry me..啧..就是那感觉，Blur融到生活里了。

杜昊：一个有过十年吸毒经历的人；一个迈过十年牢狱之灾的人；一个始终痴迷音乐衷于梦想的人；一个你引以为戒的人...！80年代与景岗山，含笑合称歌坛“三小子”，80年代末90年代初著名音乐制作人兼歌手 曾为朱桦、那英、叶凡、黄磊等歌手担任制作1993年个人原创专辑《你说我是个受过伤的人》问世，这是一张极其触人心灵的专辑，八首歌，沧桑的声音，永远的绝唱。作为一张蓝调摇滚，专辑的完整性和表达深度十分罕见，说首首都是经典也不为过，有网友说这张专辑充满着“悲凉”，的确有点，但你无法抗拒他力量。1994年，在南京举办的“光荣与梦想”大型歌坛活动中与那英作为赛特文化代表，倾情演唱《破碎的梦》，将现场气氛引向最高潮，现场令金兆钧等众多乐坛老炮感动流泪。

Genesis是七十年代、八十年代乃至九十年代最成功的摇滚乐队之一，Genesis的成员Peter Gabriel和Phil Collins在后来都成为了超级明星。乐队的雏形来自Garden Wall，这是15岁的Peter Gabriel和Tony Banks在1965年成立的乐队，同时Michael Rutherford和Anthony Phillips成立了Anon乐队，后来两支乐队合并，并且录制了Rutherford和Phillips创作的一个六首歌的DEMO。录音艺术家兼制作人Jonathan King听过了这卷样带，为乐队重新进行了编曲并将乐队重新命名为Genesis。创世纪乐团（Genesis）是英国的前卫摇滚团体，在1967年组成，当时东尼•班克斯、彼得•盖布瑞尔两个人都还在切特豪斯学校就读。创世纪起初是由两个不同的团体所合并组成的：The Garden Wall（班克斯、盖布瑞尔）与 Anon（路德佛、菲利普斯）。团名是经由受洗礼所决定的，而他们的经纪人早先是乔纳森•金而后是托尼•斯特拉顿-史密斯（Tony Stratton-Smith）。在70、80以及90年代，创世纪皆有着相当成功的表现。他们的长青岁月只有滚石合唱团以及奇想乐团相堪比拟。创世纪乐团在1998年宣布无限期停止演出。

许巍的第一张专辑——《在别处》，清冷低调，忧郁唯美，在我的耳塞里无数次渗透，伴着我无数次迎着冷风从街头走过。 专辑的名字很好。我想，许巍应该是援引的19世纪法国诗人兰波在巴黎大学涂鸦的一句口号——“生活在别处”，尔后捷克作家米兰•昆德拉在1975年流亡到法国后用这句话给一部小说命名。至此，这句话在欧洲甚至全世界的先锋文艺界声名大噪。“生活在别处”，在兰波的语境里，反映的是对现状的不满，对美好世界甚或是乌托邦的向往；在米兰•昆德拉的作品里，则充满了一个年轻人内心世界的喃喃自语。在这个叫雅罗米尔的年轻诗人身上，个人的命运，撕裂在当时捷克斯洛伐克动荡的政治背景当中。焦躁和忧虑，无力和无奈，像书签一样，随时散落在每一页。 在许巍的这张专辑里，夹杂了兰波和米兰•昆德拉同样的情绪，歌词里布满这样的字眼：无助，茫然，绝望，忧伤……闪烁着行吟诗人的忧郁气质。而音乐也是出色的，流畅的旋律，简单的编排，以及录音师刻意制造的有些含混不清的室内效果，让吉他和打击乐充满了现场感，裹挟出英伦噪音的味道。后来许巍的作品旋律更加流畅，录音也干净了很多，歌词更是洋溢着满足和温暖，但是我却找不到《在别处》的那种感觉。或者，他已经找到了“在别处”的生活，而我，还在原地徘徊。 我不知道是为什么，许巍能与时俱进而我却不能。我从没放弃过追求美好，但总是事与愿违；我一直都渴望着平稳安定，却一次次不自觉地陷入颠沛流离。文艺青年的特质，让我敏感而焦虑，成为这个美满时代不和谐的音符。像米兰•昆德拉笔下的雅罗米尔，像1997年以前的许巍。可我是坚韧的，像《在别处》里面的《树》，“花开又花谢多少年，我依然，充满幻想和期盼”，但是在每个“悄然生长的夜晚”，又禁不住“让我沉重，又茫然”。 这是不是一种与生俱来的孤独？又会不会伴随我到生命的终结？

病蛹乐队来自贵州成军十年，对于一支经历了十年起起伏伏的乐队来说，心理变化与他们的成长有一定关系，也与乐队每个成员经历的事情关系更大，看到的越多，对事物的观念和态度也会随之发生变化。　　自2002年出版了《放开我》之后，病蛹乐队一致积蓄力量承受这很多的变化。自2010年签约树音乐公司后乐队重新整装开始各种演出，开始新的音乐旅程。《就是现在》这张唱片里收录了病蛹乐队蛰伏三年来精挑细选的几首音乐作品，唱片从计划到录音到缩混再到设计都付出了相当多时间和精力，树音乐给予了大力的支持和帮助。这张唱片的出现也是病蛹乐队对音乐新的方向一种阐述，更加的多元化，独立，整体在强烈的节奏冲击中还能有极强画面感能够让其回味和思考是这张唱片的亮点。　　自自然然一直是乐队对音乐和生活的态度，独到的去把生活和音乐紧密的绑在一起没有再去刻画执着与偏激的差别，而是注重生活本身带来的感受，这是病蛹要表达的。以一种冷静而积极的状态用音乐的语言去叙说生活中所遇到的问题和事情。他们摇滚的态度始终不变，能够从呐喊中感到释放出来的力量。

cream，是最早的超级摇滚乐团之一。1966年，EricClapton离开了JohnMayall的Bluesbreakers乐团之后，EricClapton与贝司手JackBruce以及鼓手GingerBaker创建了Cream乐队。作为英国最天才的吉他手，EricClapton的这只乐队虽然成立不久但是已经吸引了无数歌迷的注意。Cream于1966年7月29日在曼切斯特举行了第一次小规模公演，之后在首次在“温莎爵士和布鲁斯音乐节”正式登台演出。1967年初，随着JimiHendrix的到来，Clapton在英国第一吉他手的地位受到了挑战。Hendrix参加了Cream1966年10月1日在威斯敏斯特大学举行的一场演出。虽然Clapton仍然被认为是英国音乐界最好的吉他手，Hendrix的到来对Clapton的下一步计划有很深的影响。Clapton的目标是"掀起一场音乐思想的革命…改变世界，让人们震惊"。在流行迷幻的60年代中期，EricClapton带领Cream乐队发行了一张迷幻布鲁斯摇滚乐专辑《FreshCream》，而这张专辑让他的名字以及他杰出的吉他演奏技术在大西洋彼岸的美国也广为人知。接着发行了两张成功的专辑《DisraeliGears》和《WheelofFire》。头3张专辑的成功加上频繁的巡回演出使这支乐队的国际声誉直逼theRollingStones和theBeatles。仅仅三年时间，Cream就获得了巨大的成功，销售了1500万张唱片并且在欧洲和美国巡回演出，获得成功。他们革新了摇滚音乐，成为既具备音乐艺术性，又广受听众欢迎乐队之一。他们在美国的热门单曲包括“SunshineOfYourLove”、“WhiteRoom”和“Crossroads”。Cream在原来的摇滚上加以变化和革新，他们高水平的现场演出掀起了全场观众的激情。Cream的演出曲目风格多样，不管是流行音乐“IFeelFree”还是冗长的布鲁斯音乐“Spoonful”，都有Clapton精彩热辣的吉他旋律、Bruce优美流畅的低音贝斯和Baker强劲有力的鼓声。在这一时期，除了继续担任吉他手的角色，EricClapton开始向歌手和歌曲作者方向发展，以布鲁斯音乐为主，他的大部分作品的歌词作者是PeteBrown。Cream的成功，将EricClapton成功的推向国际乐坛，而重新诠释蓝调经典作品“Spoonful”、“Crossroads”、与“BornUnderABadSign”，更巩固了他的地位。1993年，Cream的成员再度聚首，为纪念他们载入摇滚音乐名人堂而演出。另一次Clapton、Bruce和Baker三重奏的完美演出是在2005年5月伦敦皇家艾伯特大厅，演唱会从5月2日至6日共四场，门票全部销售一空。2005年5月发行了演唱会现场录音大碟。之后同年10月在纽约麦迪逊广场花园演出3场。

Stevie之所以常被誉为继六零年代传奇吉他手吉米汉醉克斯以来最伟大的吉他手，绝非过誉之名，其因便在於Stevie无论在吉他技巧上已达到炉火纯青地步，又或他的现场演唱充满了情感外，他最让乐迷津津乐道的地方，便是他的个人魅力不管是从任何角度来看，都是独一无二的，只要他一站上舞台，只要他一随便拨弹出一段旋律音色，所有的歌迷都会立刻大叫，就是它！就是它！唯一的Stevie，而许多评论者亦都一致同意Stevie的吉他风范实际早已传承了汉醉克斯、Eric Clapton、Otis Rush、B.B. King等多位大师之神髓於一体。让人觉得彷彿是黑夜中唯一燃烧的烈焰，彷彿是上天贬謫而下的天使，在短短的三十五个年头间，为人间留下这永恒经典的摇滚吉他圣乐。 Stevie无论在吉他技巧上已达到炉火纯青地步，又或他的现场演唱充满了情感外，他最让乐迷津津乐道的地方，便是他的个人魅力不管是从任何角度来看，都是独一无二的，只要他一站上舞台，只要他一随便拨弹出一段旋律音色，所有的歌迷都会立刻大叫，就是它！就是它！唯一的Stevie可惜一手造就这个辉煌的正是天才Blues Rock的吉它手SRV--Stevie Ray Vaughan，可惜的就是虽然他能让Blues复活，却不能救赎自己，这个天才享年只有35岁，一场空难折断了他的翅膀，折断了他的手指，折断了他的生命。

具有独特文化的新疆，素有"歌舞之乡"的美誉。多姿多彩的民族音乐在长期的历史发展过程中，兼收并蓄，其表现形式更为多样，内容更加丰富，阿凡提乐队便是其中之一。　　阿凡提乐队由北京阿凡提文化艺术有限公司组建于1997年，由维吾尔、哈萨克、回、汉等民族的7位专业乐手组成。其中吉它手三人、贝斯、键盘、架子鼓及打击乐手各一人。　　阿凡提乐队在国内独树一帜，它的音乐风格是一种新疆维吾尔族民间音乐与西班牙弗拉门戈音乐的融合体。弗拉门戈音乐有很浓郁的阿拉伯文化和吉卜赛歌舞色彩，这与维吾尔族音乐有许多相近之处，因此阿凡提乐队能较好地理解和自如运用，将两者巧妙融合，表现出新疆音乐的独特魅力。他们的演奏狂热奔放，旋律独特，节奏感强，演唱粗犷、欢快，令人振奋，并能用汉、维两种语言演唱。　　专辑《楼兰姑娘》受到了国内外音乐爱好者的喜爱。此专辑精选了具有典型维吾尔族民间风格的歌曲

一些人昏昏沉沉地从每一天的晨曦中醒来，然后投入到奔波中去，到了黄昏，他们呆滞的望着这座城市，沉默着。　　另外一些人，他们背离了他们的生活本身，喜欢无时无刻地高呼理想万岁！但也仅限于口沫横飞而已。　　当然还有一些人，乐于把自己的价值摆上台面，供人指摘，然后佐以煽情的故事去博得别人的转身。　　但还有这么几个人，他们觉得年轻不该是这样的，于是开始了他们自以为是的行动。　　他们拒绝口号式的梦想，更不愿意把梦想当做一笔买卖。有人说在这个年代，物质已经泛滥，但你想过吗，在当下，梦想也已成为了市场的主流商品。　　他们还不想那么做，在这儿，在这座城市，无论是空谈的理想还是过盛的欲望都有些多了，他们觉得那些本来的想法好像根本没那么花哨，理想也许只是一种状态：做自己能做的事，并且，这件事是自己想做的，仅此而已。

95年以后香港乐坛的好歌越来越少了。即使几位最王牌的歌星，如郑伊健、陈慧琳之类，也只识得他们几首主打的歌曲－－其它的歌不是不听，而是听过后实在没法下留下印象。1999年的十大金曲，听过好几次后还是大半的歌哼不出来，关键就是没印象。也许，是因为十年前每天守着电视或收录机等待新歌、每周追着排行榜的狂热已经过去；也许，是成年之后比当初少年时更成熟分析事物－－包括每一首新歌；更也许，是不能抛却那些伴我成年的首首旧调－－因而厚古薄今。总之在我的耳中，1999年的十大远远不及八十年代甚至九十年代上半期的一个季选，那时即使一个季选，都婉惜地看到好几首心爱的歌曲落选，现在想找到一首好歌也很不容易。为何会这样呢，可能是优秀的创作人都退休了，新手又无才气，造成现在青黄不接的局面。其实一首好歌曲的灵魂是作曲作词，还有那些幕后人员，如果没有顾嘉辉、潘源良、林敏怡、蔡国权、向雪怀、林振强、林敏聪、黎小田、关圣佑、黄沾、林夕等这些优秀的创作高手，何来天皇巨星、四大天王？

Frank Zappa原名Francis Vincent Zappa Jr.1940年生于巴尔地摩,是美国六十年代摇滚乐发展史上的先锋人物之一。1960年出版了第一张唱片，不过是为一部电影做的插曲。随后他又为电影配乐使得他有钱自己买了一间录音棚。1964年他和与他公事的乐手组成了一支乐队“Mothers”。1966年乐队推出了双专辑《Freak Out！》。体现了乐队“嬉皮“的风格，也使人们对他们有了更深的印象。再这张专辑中，Zappa在录音方面比同时期的其他乐手到要先进。1966年出版专辑《Absoulately Free》和1967年出版专辑《We’re only in it for the money》。1969年Zappa出版了个人专辑《Hot Rats》。这张专辑使他获得了“出色的爵士摇滚音乐家的”的称号。在此后的多张专辑中他尝试了多样的主题和手法，使专辑呈现出不同的特色。1968年他与他的经理人组建了自己唱片公司，并推出一些亲手提拔的一些乐队。在此后推出了一些个人专辑如1975年的《Bongo Fury》，1978的《Zappa in New》。此后，Zappa解除了同公司的合同并建立了自己的公司Zappa。1979年推出了经典作品《Joe’s Garage Act 1》，《Joe’s Garage Act 2，3》。到了八十年代他几乎每年都出一张专辑。并写了一部音乐剧和一部卡通片。虽然也有失败的地方但他依然被公认为是一位摇滚大师。1991年Zappa被查出患有癌症，但他依然不停的出专辑直到他1993年12月去世。

耳光乐队成立于1998年，乐队以“新民俗主义”的音乐风格在中国摇滚乐坛上被众多的音乐爱好者所喜爱。从乐队成立以来，长达七年的音乐岁月，耳光经历了无数次的光荣和比无数次更多的坎坷，他们用爱与青春书写生活，歌唱理想，批判伪道德，呼吁着民族精神和民族自尊，无论嬉笑怒骂、爱情、理想，在他们的音乐中无不体现了典型中国人的豪迈和东方人特有的细腻。耳光的作品，摒弃了边缘摇滚乐那曲高和寡，晦涩难懂的低调诗人境界，“曲之于民，歌之予人”的宗旨，让这种音乐充满了醇厚的民俗性，使人欣赏后能够会心一笑，津津乐道且耐人寻味。在律动性最强的Funk节奏下，耳熟能详的中国式旋律浑然其中，直面人性，直面现实的唐人言论扑面而来，耳光乐队用其特有的音乐和惊奇的拍案，诉说着我们每一个炎黄子孙那五千年的民族情感，呼唤着我们每一个龙的传人把被物欲渐渐冷漠的热血，再次沸腾。作品大多取材于我们周围的市井生活，在理解耳光乐队凡人你我在生活中所遭遇的迷惘、艰辛的同时，又以一针见血的辛辣讽刺抨击不平等待遇、直面人性中存在的美丑。 他们用最“三俗”的语言，中国特色的旋律描绘出一幅市井众生态的动人画卷。当然耳光乐队的作品，并不是一味的发着阴暗的牢骚，他们通过对真实生活的描述，警醒在迷雾中求索的人们，要积极的面对我们并不理想的环境并且带有乐观的态度去发现生活的美好。

香港真正意义上的流行歌发展至今已将近三十年，其中涌现出一批著名的巨星，推出过大量脍炙人口的名曲，影响着一代又一代成长中的青少年2003年11月6日，在香港红馆，梅艳芳最后一次演唱会，最后一首压阵歌《夕阳之歌》，身披着超长婚纱的阿梅在歌唱到一半时已经徐徐地走上人生最后的梯上，走到阶梯的最尽头回望着所有的观众豪迈地道“拜拜……”接着门慢慢地关上！她笑着完成了她人生最后一次经典演唱会！就这样百变歌后告别了她的人生舞台，接着也告别了所有的歌迷，离开了这个美好的世界，归于天堂！人虽已去，但她的动人歌声、百变形象及台风，定常留歌迷心中。悲伤感慨之余！仿佛时间就像似水流年……

三年前，赌鬼（Casino Demon）还是京城里刚冒起的新锐乐队。还记得朋友第一次向我推荐他们的时候，我第一反应就是：这乐队，脏不？是的，单从名字联想，赌鬼一定是酒气熏天、浑身脏兮兮的那款。朋友大笑说，放心，一点也不，干净的很。于是开始听赌鬼的《Teenage》，名如其名地青春逼人，他们就这样以初生牛犊之势，用文法不通却又无比甜蜜动人的吉他流行曲横扫各大livehouse，成为No Beijing浪潮里又一支人气乐队。2012年末，主唱王梓从美国游学归来，连同前Joyside乐队贝斯手刘耗和鼓手关铮重组赌鬼，在一连串的热身演出后，终于推出全新作品《你见过这样的星星吗？》。尽管只是一张收录了六首歌曲的EP，但却更显含金量十足。在后海大鲨鱼主唱付菡绘制的专辑封面中，赤裸的一对男女背对我们，从他们视线交接处，闪耀着一颗星星，这是在高楼耸立的城市里，还是海边的小木屋？而赌鬼乐队的名字，则用细细的笔画书写在画面下方。这似乎预示了赌鬼的一种转变，从纯粹的underground夜店之王，转向更细腻的indie rock/pop风格。从专辑打头炮的同名曲开始，在吉他刷Chord和贝斯组成的旋律动机下，你就可听见王梓的成熟，他的粗中有细，他用两把大斧跳起了霓裳舞曲，而万能青年旅店御用提琴手刘逸斌的点睛一笔更是精彩。此后的《悲伤会永远蔓延》立即把你带到了西雅图，或是纽约，或是底特律，管它呢，whatever。《愚蠢的经历》则用Swing扭动你的臀部，叙说的是一个少年维特之烦恼式的故事。到《芝加哥》的时候，乐队把表演的时间交给了手上的乐器，长达一分钟的间奏展现的驾驭力是乐队之前不多见的。当然，这张EP扛鼎之作还得论《童年》。作为赌鬼乐队主脑王梓压箱之作，《童年》已跟随他多年，从之前的“荡四”乐队到如今的赌鬼。毋庸置疑，王梓有着与生俱来的才华，能够敏锐地捕捉到那些优美的旋律，并为他们赋予让人印象深刻的节奏形态，如Gala乐队早期代表作《Young For You》，就出自他的手笔。《童年》同样也是一首不逞多让的佳作，它简单，直率，虽然是一首英文歌曲，但你会明白他在隐喻着些什么。我们的童年时代，有着一样的荒凉贫瘠，我无法在小时候听到披头四、鲍勃•迪伦、Oasis，无法在小时候看到阿西莫夫、昆汀，但当我们逐渐长大，逐渐张开眼睛打量这个世界的时候，我们只能无情地和过去彻底割裂，即使为此付出头破血流的代价。因此，《童年》不仅是一首中国新世代摇滚乐的畅销金曲，livehouse里的pogo之歌，它更是一首中国新青年亚文化的马赛曲。最后，赌鬼还留了一手，《普通的南方》是一首中文民谣歌曲，万青的董亚千友情客串滑棒吉他，给全曲增添了浓浓的美国南部的风情。

安德森的假声不是妖孽，那是呐喊，对生命的呐喊，呼唤我们心底的一份感动，让人为之动容。你听suede，会沉默、会挣扎....那正是《suede》的魅力所在，就在suede中沦陷，再重生，重生再走向毁灭。? 　　　　选择11首歌，11次的洗礼，11次的震撼。可是震撼之后呢？只留下对青春的回忆？23年，当年听众老了，当年的suede也老了。时隔18年再提到这张专辑，有回忆的人们一定开始述说当年的事情。循环了将近2个月， 　　　　我常在想，对于我这样和suede没有回忆的人很可悲，提到他们究竟能想到什么？当年跑了第一名，好像就骄傲了，在世上苟且偷生的活着。再过18年，我也不过是个述说当年故事的人，再带着回忆活18年。 I'm not dead，I'm so young.....I should slow down..?? 　　　　 把《suede》当歌听的人，你还是别听了，要不然回忆会对你不负责。不需要没有用的回忆，需要有希望的将来。山羊皮永远年轻，永远辉煌，永远没有回忆。不需要过多的语言修饰他们，他们本身就是一个修饰语，“未来的山羊皮”，从未离开?　　　?　　　　 没有回忆，应该有未来。不是苟延残喘的未来，而是一边呐喊，一边放慢速度慢慢找到希望。我还年轻，还能折腾，我还没死，不要来世见。没找到就用安眠药麻醉自己。?

2012年1月成立乐队以硬摇滚为基础，添加了funk、blues等音乐元素，主唱（高伟）极富穿透力的高亢嗓音，总是率先让人眼前一亮！吉他手（卢一酒）扎实的基本功演奏的经典blues华彩，灵动流畅，也是北京吉他手少有的特点。相信可以给观众带来不同的视听感受。2013年9月获得了“虎牌乐队龙虎榜”全国总决赛冠军。2015年发行第一张原创专辑《摇滚你的生活》。乐队理念有人地上商业跑、有人地下主义钻。太多的浮躁与虚化，多的让我们不想再去了解。比起浮躁华丽的炒作与吹嘘，音乐的品质与内容以及现场的感染力，才是黑薄荷乐队的真正目的！

经历过命运的平坦与坎坷，他们用岁月的沉淀在低吟浅唱。许是温柔、低沉、 沙哑而饱含着沧桑，抑或是激越、宏亮、高亢而独特的破锣嗓......各种类型的大叔好声音会让你在这里沉醉不醒。曲目：Alan Jackson - Remember WhenAllan Taylor - Some DreamsGérard Darmon - And the Winner IsGordon Haskell - Freeway To Her DreamsGreg Laswell - And Then YouIggy Pop - I'm Going Away SmilingJoe Cocker - When A Woman CriesJohnny Cash - Heart Of GoldJosh Turner - Your ManMr. Probz - Nothing Really MattersRichard Hawley - The OceanVille Valo - Summer WineWillie Nelson - Always On My Mind (With Carrie Underwood)

1992年7月，“宝贝兄弟”乐队在香港首次举行个人演唱会《常宽至尊音乐会》，并与BEYOND乐队在香港海洋公园的“万事发音乐节”上同台演出。8月，出版个人专辑《今天的一切》，收录9首歌曲，主打曲《今天的一切》成为常宽的代表作之一。10月，初任北京音乐台节目主持人，与降巩民先生一同创建《中国歌曲排行榜常宽是中国最老资格的流行音乐艺人之一，而且是中国原创音乐的最早实践者和推动者，早在二十世纪八十年代就已成为中国原创音乐阵营中的一线艺人，在其后的演艺生涯中，常宽更积极拓展自身事业，除出版了多张个人专辑及荣获多个音乐奖项之余，还参演了多部电影及电视剧集，更逐渐发挥出了作为一位综艺节目主持人的潜质，成为了一位不可多得的全方位艺人

有谁用心去听过这首《不再让你孤单》L说多深情的歌可我听来却是：深爱一个人，爱而不得却又无时不刻心疼的绝望如渐行渐远的你我L说：洛你执念太重，用情太深，在不要听这样的歌了，过去的事，离开的人，任谁都是无能为力的。你该看看身边的人，明天的事。可在这世间行走，阳光灼烈，我的影子都是她的样子人走了，心还爱着，做不来口是心非。忘怕是不能了你们若是真爱一个人了，请生心疼，别让她孤单。歌词很真诚，第一次听莫名哭了，陈升沙哑的声音配这歌很合适，有沧桑，有誓言，也有温情，“我从遥远的地方来看你，要说许多的故事给你听，我最喜欢看你胡乱说话的模样，逗我笑，尽管有天我们会变老，老的可能都模糊了眼睛，但是我要写出人间最美丽的歌，送给你.....”泪~~听这首歌的时候，前面正好走过一对老夫妻，日子慢慢地过去挺美好。

弥藏乐队：2001年初冬，乐队在北京老城区的一个大杂院里成立。平民、草根的身世背景注定了他们与布鲁斯音乐的不解之缘。2008年02月，单曲《I Don't Want a Baby》收录于《我爱摇滚乐》第72期 2008年03月，乐队推出根源色彩浓郁的首张EP《Goodbye 1968》；并在愚公移山举行首发式演出2013年11月，签约麦爱音乐并发行传统布鲁斯摇滚大碟《和时光赛跑》2014年11月，获第14届华语音乐传媒大奖及2014华语金曲奖“年度最佳蓝调艺人”奖项提名 12月，推出全新单曲《香泽兰》2016年01月，单曲《香泽兰》收录于《通俗歌曲》2015年终特刊经过十几年的岁月磨砺和人员变换，这支历久弥新的布鲁斯摇滚乐队正释放出他们内在的根源力量并将他们所钟爱的布鲁斯音乐继续传递。

Crematory主唱Felix和贝司手Marc创建了乐队，一年后他们发行了他们的第一张DEMO专辑：“The Light Of Day”，这张样带得到了媒体特别是乐迷的强烈反响！样带不仅仅在德国卖得好，而且在海外得到巨大广泛的赞誉并且卖了1500张。这时他们也首次和唱片厂牌取得联系。Crematory随后发展成为德国最重要的音乐团体。 Crematory乐队创造了一种灿烂的旋律化的歌特金属，他们的专辑“Awake”进入德国专辑排行榜第54位，其中歌曲“Temple Of Love”注定成为一首热门歌曲，Crematory乐队狂热的乐迷和报刊杂志的极高评价使他们成为歌特金属领导者的地位。

The Beatles在这张唱片创作上的主心骨基本上是2+1，三人为这张唱片的palette涂上了迥然的色调，这些迥然之中又贯穿着Beatles之魂。这样的创作团队可以在保证丰富性的同时兼顾和谐。我不怀疑他们当中的任何一人都可以拿出完全个人色彩的概念唱片，只是在这张唱片，这三人的特性融合得非常工整，几乎完美地规避了同质化带来的枯燥与创作核心碰撞可能产生的突兀。前后两首同名曲是唱片概念的定海神针，提醒你是在一个酒吧里欣赏某乐队的专场演出。不太习惯迷幻摇滚的听众会在这两首歌里找到这张唱片中最爽快的摇滚进行。Paul的vocal delivery让人振奋（笔者听到"I don't really want to stop the show"时是有点小鹿乱撞）。Ringo唱的"With a Little Help from My Friends"是一个规矩的开胃菜。基本上也是一般驻唱乐队在开场聊骚之后会选择的开篇方式，工工整整娓娓道来，让台下听众慢慢进入状态。正菜第一道“Lucy in the Sky With Diamonds”，迷幻基调就此打下。chorus如万花筒般绚烂华丽，没嗑药胜似嗑药。"Getting Better"和"Fixing a Hole"把“Lucy in the Sky With Diamonds”一下子带起的温度稍微回拉，进入常规节奏。当然后者已经开始渐入邪道。"She's Leaving Home"继承"Fixing a Hole"的迷离光环的同时掺进了点落寞的伤感。这首歌也提供了全碟最优美的弦乐部分。"Being for the Benefit of Mr. Kite!"回归了开头与台下互动的场景，依旧延续了浓郁的迷幻氛围，同时昭示进入中场。目前为止的半场由“Lucy in the Sky With Diamonds”领衔，整体格调迷幻而惬意，但我们都知道大菜还没上齐。接着走。Harrison怪力乱神的印度风实验曲目"Within You Without You"直接亮相，至此迷幻氛围酝酿至顶峰。一张主流概念唱片也就容得下一首饱和度这么高的冥想意识流曲目了。"When I'm Sixty-Four"果然悬崖勒马，上了一首清爽诙谐的小调。"Lovely Rita"开始回归常规节奏，继承了"Getting Better"和"Fixing a Hole"的轻迷幻格调，又延续了"When I'm Sixty-Four"略上扬的情绪。"Good Morning Good Morning"依然在从"When I'm Sixty-Four"开始的情绪脉络中，鸡飞蛋打的欢乐全垒打。也在容易疲惫的后半部分起到提神作用。"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)"宣告演出结束，与开头同名曲首尾呼应。在下半场的小调循环后是不是有点没尽兴的感觉？等安可呗。果不其然，"A Day in the Life"在最后来了一下猛的，直切全碟要害。这首歌可以看做是正场演出的缩影，有上半场的忧伤迷离，也有下半场的清脆抖擞，有宏大的交响乐合奏，也有撒野的实验段落。周而复始之后落在一个数十秒的迷幻fade out上。整张唱片的抑扬起伏非常合理，并且全部套实在一个清晰的框架中。至于具体到每首歌中精彩的细节部分，相信每个人都会有自己的心得吧

Chuck Berry 　　　　超越贝多芬，把这个消息告诉柴柯夫斯基。”　　布鲁斯、乡村、一点点的拉丁…在上个世纪五十年代中期，Chuck Berry将这些音乐风格全部融入到了他的个人招牌式的摇滚当中。作为当时的吉他灵魂人物之一，Chuck创造了最基本的12小节摇滚solo的乐句模式，他的吉他licks至今仍被众多的吉他手模仿和研究。他在舞台上弹奏吉他时跳着滑稽的"鸭子步"和煽情的摇摆舞也是让众多歌迷疯狂地爱上吉他音乐的原因。六十年代，两支欧美最受欢迎的摇滚乐队Beatles和the Rolling Stones都受到了Chuck Berry的影响。可以说正是Chuck这位黑人开创了白人摇滚的神话。 　　忘记"猫王"吧，Chuck Berry才是真正的摇滚乐之父。他汇集布鲁斯和乡村音乐的风格，以激烈的吉他演奏标志着吉他这种乐器开始成为摇滚乐中的重要角色。Berry用大音量的吉他licks和充满暗示的歌词着实把50年代的一本正经的听众们惊呆了。人们从那时开始意识到摇滚乐有着超越贝多芬的力量。显示活力的double stop（在独奏中同时弹奏两个和弦音）和轻松幽默的推弦是他的演奏特点。 　　作为杰出的词曲作者、歌手和乐手， Chuck Berry已成为以后那些富于自制力的摇滚艺术家们卓越的楷模。如果没有他，The Rolling Stones乐队的Keith Richard乃至Bob Dylan甚至Beatles的出现都是不可想象的。 列农说过：如果要给摇滚乐一个名字，只能是 Chuck Berry。　　Chuck Berry，摇滚乐真正的先行者，凭着一把老吉他在摇滚乐这片待开垦的草原上纵横驰骋，挥洒自如。滚石杂志在吹捧猫王的时候说，“很多人都认为摇滚乐是1954年在孟菲斯诞生的”，但这话绝对经不起推敲，1954年猫王才刚出道，Chuck Berry却已经驾轻就熟地弹着吉他唱起他自己的摇滚作品了。　　这张专辑精选了Chuck Berry在1955－1965年间最为脍炙人口的28首歌，曲风很明显是从乡村民谣向摇滚过渡的风格，欢快舒畅，清新质朴，毫无矫饰，听着让人情不自禁地想要一起边唱边跳。Chuck Berry是个如此伟大的吉他手、创作者和歌手，60年代大红大紫的民谣和摇滚歌手无不受到他的音乐熏陶，有人说，如果没有他，Beatles、Bob Dylan等人的出现全都是不可想象的。　　然而，就是这样不知影响了多少人的经典专辑在滚石500张最强专辑的排行榜中却仅仅名列第21位，对此我不得不说，滚石的标准又一次让人看不懂了。　　（引自bbb朋友在http://lib.VeryCD.com/2006/05/27/0000104474.html的介绍）　　Lionel Chuck Berry：布鲁斯、乡村、一点点的拉丁…在上个世纪五十年代中期，Chuck Berry将这些音乐风格全部融入到了他的个人招牌式的摇滚当中。作为当时的吉他灵魂人物之一，Chuck创造了最基本的12小节摇滚solo的乐句模式，他的吉他licks至今仍被众多的吉他手模仿和研究。他在舞台上弹奏吉他时跳着滑稽的"鸭子步"和煽情的摇摆舞也是让众多歌迷疯狂地爱上吉他音乐的原因。六十年代，两支欧美最受欢迎的摇滚乐队Beatles和the Rolling Stones都受到了Chuck Berry的影响。可以说正是Chuck这位黑人开创了白人摇滚的神话。　　忘记"猫王"吧，Chuck Berry才是真正的摇滚乐之父。他汇集布鲁斯和乡村音乐的风格，以激烈的吉他演奏标志着吉他这种乐器开始成为摇滚乐中的重要角色。Berry用大音量的吉他licks和充满暗示的歌词着实把50年代的一本正经的听众们惊呆了。人们从那时开始意识到摇滚乐有着超越贝多芬的力量。显示活力的double stop（在独奏中同时弹奏两个和弦音）和轻松幽默的推弦是他的演奏特点。　　Chuck Berry有时很像一个马戏团里的表演者：他把吉他放在脑袋后面或者双腿之间弹奏，像鸭子那样走路。他从中享受着莫大的乐趣，一切在他手中，都显得如此的从容自然。当一支乐队开始操练他们的音乐的时候，他们必须听一听Chuck Berry。如果你想学习摇滚乐，如果你想玩摇滚乐，你就得从听Chuck Berry开始，没办法，这是必须完成的功课。”　　Chuck Berry在37年前，说：“超越贝多芬，把这个消息告诉柴柯夫斯基。”他凝缩了1956年摇滚乐迷们对古典音乐的态度。如今摇滚乐的历史并未按照当年乐迷们的最基本的观点写下去。 摇滚乐的历史是由那些诸如Chuck Berry本人等根本不屑一顾、根本不注意他们来自何处，并写出十分美妙音乐的音乐家们写下去的。　　作为杰出的词曲作者、歌手和乐手， Chuck Berry已成为以后那些富于自制力的摇滚艺术家们卓越的楷模。如果没有他，The Rolling Stones乐队的Keith Richard乃至Bob Dylan甚至Beatles的出现都是不可想象的。Berry创造了青少年们自己的民谣，展现了亚文化群的语言、习俗、风格、态度和日常生活（例如 School Days一曲中表现的枯燥的学校生活）。对于他目睹并经历过的社会病，他也不曾回避：Brown-Eyed Handsome Man一曲中反映的种族歧视问题；Memphis一曲中反映的单亲家庭问题；Too Much Monkey Business一曲中对单调工作的厌烦等等。《The Great Twenty-Eight》是Berry的拉什莫尔峰（美国南达科他州的一座著名山峰，其上雕刻有华盛顿、杰斐逊、林肯和西奥多•罗斯福的巨大石头像），直至今日，它仍是不容超越的。

乐队成员：主唱：阿杰/ 吉他：关双 /贝斯：三宝/ 鼓手：何岩　　十月一日： 徐州国际绿音音乐节　　十月十日： 安图声专辑首唱会巡演 青岛站 （Downtown-Bar）　　十月十一日：安图声专辑首唱会巡演 烟台站 （哈瓦那酒吧）

发源于牙买加，其根源来自New Orleans的R&B。 当时牙买加的乐手根据广播中听到的New Orleans快节奏R&B，发展成属于自己的R&B音乐。 这种称为Ska的音乐型态，在当时60年代相当盛行。然而在一次非常热的夏天， 当地的人无法在高温的户外弹奏如此快节奏的音乐及跳舞。 当地的乐手就将音乐放慢，而形成了 Reggae音乐。它不仅融合了美国节奏蓝调的抒情曲风，同时还加入了拉丁音乐的热情。另外，雷鬼乐十分强调vocal的部份，不论是独唱或合唱，通常它是运用吟唱的方式来表现，并且藉由吉他、打击乐器、电子琴或其他乐器带出主要的旋律和节奏。而在雷鬼乐当中，你还会发现电贝斯占了相当重要的比例！雷鬼乐是属于四四拍的音乐，重音落在第二和第四拍。从音乐中大鼓的部份，我们可以清楚的听出一个明显的节奏和固定的旋律线。拥有自成一派、懒洋洋的独特节奏。 Reggae这个字是源自于「Ragged」，代表牙买加不修边幅的舞蹈形式

黑色安息日（Black Sabbath）是英国重金属乐团。它的成员有奥齐・奥斯本（Ozzy Osbourne，主唱），托尼・艾奥米（Tony Iommi，吉他），吉泽・巴特勒（Geezer Terrance Butler，贝司）和比尔・沃德（Bill Ward，鼓）。它们通常被认可为第一个真正的重金属乐队，被美国VH1音乐台列为百位优秀硬摇滚乐队的第二位，仅次于齐柏林飞船。 1969年乐队把原名“Earth”改成了“BLACK SABBATH”他们以使用纯正音色，极度简化的音乐和魔术般的联想著称。1970年推出了第一张同名专辑《BLACK SABBATH》。他们的第二张专辑《PARANOID》中的同名专辑也取得了一次瞬间的轰动。乐队的演出结合了核战争与死亡的主题，还显示了毒品，青年反叛的厄运和毁灭与队的感染力是建立在于青年观众一对一的确定的基础上。但几乎没有电台乐于给他们播放唱片，其中最著名的就是《MASTERS OF REALITY》和《SABBATH BLOODY SABBATH》他们的巡演也几乎场场爆满。在八十年代BLACK SABBATH的人员一直在处于不断的变化中，只有IOMMO一人一直留在乐队中。到了九十年代BLACK SABBATH已渐渐的被人遗忘，但他们早期的唱片仍能给新一代的乐队和听众带来灵感。

艾尔肯，维吾尔族，出生于新疆喀什(叶城)，自幼开始学习吉他至今。1999年自中央民族大学毕业后，因酷爱音乐而走上了职业音乐人的道路，组建了艾尔肯乐队，音乐风格以弗拉门戈为主线，同时融入拉丁、乡村、爵士等，创作出别具一格更具国际化的音乐风格。《巴郎仔》：熟悉的维族音乐节拍、典型的弗拉门戈曲风、带点拉丁风格，跨界民族与流行、古典与现代的音符，从未有过的新鲜叫醒你的耳朵。 从前我们不知道，西域的姑娘，是不是都带着面纱，能歌善舞，对于我们高傲自大的中原人来说，西域如同我们拉面店里挂着的丝绸画，只可远观，不知所以。 听艾尔肯的音乐，如见一位姑娘自西边走来，弹着热瓦普，唱起我们熟悉的歌，歌里有我们没听过的十二木卡姆，有我们不会颂的达斯坦。 我看见她，轻轻揭开面纱，我终于看见她的面容，如此陌生，可又一见如故。

Amorphis（芬兰死亡金属）中文译名：不定型物，他们在不同时期的音乐风格正如他们的中文译名那样的不定型，从早期的死亡金属，到后来的民谣金属，厄运金属、前卫金属，可谓风格多变，但是名气最大的专辑还属这张“千湖传说”，该专辑旋律非常出色，而且还带有点Doom的色彩。因此，这张作为该乐队的最佳专辑真是毋庸置疑啊！这是一张旋死风格里极具里程碑式的专辑！本人特别喜欢“Thousand Lakes”和“Black Winter Day”这两首，而且专辑的意境和专辑封面的风格非常一致，同样讲述着千湖之国的不朽传说。

阿修罗乐队，诞生于2000年11月中旬。在经历了多次的人员变动和风格变动后，成为今天现在最为固定的阵容。阿修罗2004年初在成都独立厂牌“小酒馆”旗下发布的第一张EP为乐队在全国赢来了很好的口碑，引起了很多唱片公司的注意，最后成功签约并在2005年全国发布了乐队成军6年来的首张大碟《唤醒沉睡的你》，这张将乐队个性和商业品味巧妙融合的专辑再次使乐队上升到一个新的平台，阿修罗频频露面于国内各大音乐节，并在2005年底被日本邀请参加在东京举办的为期三天的第二届“亚洲音乐节”做了压轴演出。很快中国移动邀请阿修罗为动感地带创作了三首励志歌曲，国际运动品牌NIKE又在其2006年的街球形象片中选用了阿修罗的单曲《唤醒沉睡的你》，2007年华语乐坛天后张惠妹更在其新专辑《STAR》中用主打曲目来翻唱了阿修罗的另一支单曲《永远的快乐》，2009年乐队主唱泰然再次受邀为动感地带旗下公益部落创作了主题曲《因为爱》，这一切都是对长期坚持原创态度的阿修罗的一种肯定。 阿修罗从成立至今坚持在音乐中表达独立、积极、乐观、健康的思想，关注自己这一代在生活中所经历的各种情感。在音乐中宽容接纳所有好的音乐元素，多年来在坚持原创态度的同时也将各种音乐元素融合在自己的作品中，努力追寻属于阿修罗自己的音乐标签。作品中充满了动感的节奏，上口的旋律和生活化的歌词，寻找着更多人的共鸣。

　 介绍: LAKE OF TEARS是一支徘徊在doomy边缘的乐队，很多人因为它的音乐美妙凄凉而称之为Gothic Metal，实际上乐队也是由类似PARADISE LOST一般的Death Doom Metal，到与MOONSPELL相近的Gothic Metal，到融入许多PINK FLOYD式的迷幻元素，在这其中又加入了不少Stoner颗粒般的质感，最终乐队用舞曲般的步调离开了Metal这个舞台。以这样的过程诠释乐队的变化，总体来说忧郁的氛围是乐队力求追逐的目标，无论是采用哪一种方式，始终围绕这个宗旨。 92年LAKE OF TEARS在瑞典成立，成员分别来自其它乐队如Death Metal乐队CARNAL ERUPTION还有FORSAKEN GRIEF，93年春末乐队录制了第一张demo，这张Demo很快受到Black Mark 厂牌的注意，并一次与乐队签定了五张唱片的协议。 93年12月首张专集”Greater Art”在Stockholm的Sunlight录音室用了两个星期的时间录制完。 95年LAKE OF TEARS又开始准备第二张专集”Headstones”，这次由于有优秀的录音师参与，并且时间延长至一个月，这张专集令乐队有了很大的进步，同时”Headstones”也受到了好评和来自各处的掌声。这张专集之后乐队参与了许多巡演，包括在欧洲国家的一些小型演出，这期间与VADER，TIAMAT，CREMATORY，EDGE OF SANITY，SAVATAGE，RAGE，THE GATHERING等乐队同台。经过一段现场演出的历练后，乐队又钻进录音室开始了第三张专集”A Crimson Cosmos”的准备，97年1月在Stockholm的Soundtrade录音室，乐队完成了这张专集，这张专集较上一张又更大的突破，并且受到了舆论的推崇，爬上了德国Rock Hard当月最佳专集的排行榜。乐队在创作录制新作品及现场演出练习临场经验之间徘徊，发行完第三张专集LAKE OF TEARS连续举行了三场演出，一场是与THEATRE OF TRAGEDY，HEAVENWOOD的，第二场是在Wacken open air和当地乐队一起，还有一场是在欧洲Out of the Dark节上与CREMATORY，THERION，DARK，GRAVEWORM等乐队一并。 99年代乐队继续发行专集，即他们的第四张专集”Forever Autumn”，乐队在原来的基础上加入了更忧郁的情绪，速度更慢，专集里有部分歌曲仍然是Metal的模式，但是有一些歌已经完全脱离了Metal的风格。 LAKE OF TEARS的风格到如今已经脱离了Metal的格局，但是直到去年乐队依旧和他们的老东家 bonding在一起，2002年的新作”The Neonai”依旧由他们发行，这正说明了乐队的作品还是适应市场的需求。

被称为重金属摇滚乐先驱的Blue Oyster Cult，1969年成军于纽约长岛，1971年与哥伦比亚唱片公司签约，并於1972年发行第一张专辑，专辑发行后随即加入Alice Cooper的巡回演唱会，担任开场嘉宾，在这段期间中以他们独特精湛的表演方式获得许多死忠乐迷的拥戴及效忠。1976年的白金专辑「Agents Of Fortune」让他们尝到了走红的滋味，专辑中的单曲「(Don't Fear) The Reaper」不仅获得排行No.12的好成绩，这首单曲更成为重金属乐团的国歌。

自1984年的洛杉矶奥运会后，每一界奥运会的主办国都会制作一支奥运会主题曲，以后就渐成惯例。每一届成功的奥运会都离不开一首脍炙人口的主题歌，下面，让我们沿着岁月的痕迹，去重温那些曾经唱响这个星球的记忆深处的旋律吧

　时间过的真快，一晃21年已经过去了。今天，不知道还有多少人记得这把低音吉它；不知道还有多少人记得“张炬”这个名字，不知道还有多少人记得那段中国摇滚乐辉煌的日子。在中国摇滚的庞杂阵营中，从来都不乏优秀的贝司手，但他们中很少有人能有像张炬一样的灵醒和超然，只可惜在他的音乐刚开始爆发的时候就匆匆的奔赴了天堂，95年的那场车祸让丁武随之崩溃，唐朝的开元盛世从此不复，令人神伤...耳边仍回响着：“ 菊花古剑和酒，被咖啡泡入喧嚣的亭院，异族在日坛膜拜古人的月亮，开元盛事，令人神往...”《礼物》给谁？与其说是给唐朝乐队已经逝世十周年的张炬，不如说是给中国那个曾经辉煌的摇滚时代。三个时代人齐聚一堂，不知道是喜，还是忧。当摇滚从80年代走到90年代，直至21世纪的新时代，从纯摇滚到摇滚加流行最后纯流行，摇滚的世界里拉开的序幕还来不及上演最精彩的剧本却已经落幕。

2014欧洲歌会亚美尼亚参赛曲目Aram MP3 新单Not Alone014年欧洲歌唱大赛（Eurovision Song Contest2014），是第59届欧洲歌唱大赛，主办国是2013年欧洲歌唱大赛的获胜国丹麦。2013年9月2日丹麦电视台宣布将在哥本哈根的B&W Hallerne举行本届大赛。这是丹麦第三次，同时也是哥本哈根继1964年以来第三次举行该比赛。

虽然对世界的阴郁解读和大胆宣告之间的对撞，依然是1976标志性的语气，但这一张专辑所展示的维度无疑更加立体和丰富。它能令你欢欣舞蹈的同时满怀思绪，令你踌躇满志的同时，对无奈和遗憾充满温柔。没有乐团能像1976令你产生如此复杂而暧昧的共鸣。在残缺的叙述中，1976反而刻画最完整的情节；唯一说清的道理是：不曾说明的那些，会由时间来补全。这就是《前王子》这张专辑最酷的地方。如果你细心的听，会发现一场时间线长达至少十年的情节：在《方向感》中，阿凯描述了一个叛逃的男孩，他想要逃离这段感情，告诉女生“你靠自己吧！”；而当《前王子》谈起男孩后来的遭遇，原来他过的并不好，失去了桂冠与权杖。而这张专辑最成熟精明的美学，无疑是文字和编曲高度的契合。和以往开宗明义，直指人心的打开方式不同，这次的编曲更像从远处，从过去，从曾经的国度传来，使碎片化的语言有了陈旧的画面感；继而到铺陈开来的华丽演奏，搭配直截了当的口语化独白，自然构筑了一个适于对话的空间。撇开文青包袱，1976作为独立乐团领军的资质可见一斑。毕竟如何在短短几分钟内说清楚“时间”“感觉”这类尴尬的字眼，像某流行天团那样专注于文字游戏并不是高级的招数。《前王子》这张专辑，可以说是对男孩们潇洒的勉励，为女孩们浪漫的复仇。失去勋章的男孩，仍然可以重拾荣耀；而被迫离开的女孩，其实从未被遗忘在脑后。

黄崖戈壁中的土城堡。晴空蓝天下荡秋千的带花环少女。白衣长发的维吾尔族歌手。弹奏古老新疆民乐的老人，围观小孩的美丽笑脸。花碗中的玫瑰花。残垣中的乐队与歌者。红裙的喀什葛尔女子。黄土地上艳丽的红色织毯。废墟中的红色织毯。异域的风情画面，伤感又明媚。深情沙哑的歌声 ，独特又悠扬的乐器声。听着艾斯卡尔的音乐，总让我有置身戈壁荒漠的感觉。从他的音乐中，我可以听到在欢快曲调和丰满编曲背后隐藏的一丝沧桑和寂寥，或许正是这种情绪深深吸引我，让我想起无数次穿行在戈壁公路中的场景，与你作伴的，除了烈日、沙漠、荒草，以及偶尔擦过的汽车，只有隐约穿梭于其间的野生动物。

《America》是America的第一张专辑，也是他们最好的专辑。此后，他们再也没有可以被称为“经典”的专辑面世了。这张1990年10月25日发行的专辑的初版是在1972年发行的（>_这一年，他们刚刚来到美国；但也就在这一年，他们的唱片大卖，横扫北美市场；与此同时，他们拿到了格莱美最佳新晋团体奖。说起来，America的经历很是有趣。America的三个团员分别是Dan Peek、Gerry Beckley和Dewey Bunnell。他们是美国驻英国的空军军官的儿子，三人在高中时就互相认识。在共同的爱好——吉它和演唱的作用下，三人便组建了“America”这个民谣摇滚乐队。1971年底，他们的第一支单曲“A Horse With No Name”（无名之马）还只在英国发行，到了1972年初，他们已经进军美国并开始横扫北美市场。发行了第一张同名专辑《America》。这张专辑里收录的“A Horse With No Name”（无名之马）成为他们在Billboard上的首支冠军单曲，另两支单曲I Need You和Sandman也很快成为畅销单曲。这样，一个由三个在英国的美国人组成的乐队仅仅用了一年不到的时间，就红遍英伦再杀回美国。成为当年美国最火的乐队。或许是年少得志，三个少年（OR 青年？）的音乐之路走得太顺畅。接下来，他们用更快的速度发行单曲和第二、三张专辑，取得的成绩却都只是差强人意。此时，America找来了甲壳虫乐队的制作人George Martin帮他们策划了第四、五张專輯《Holiday》和《Hearts》。果然专辑与单曲Tin Man、Lonely People都重回排行前五名；Sister Golden Hair则在1975年成为他们第二首也是最后一首冠军单曲。这是他们最后的绝响！！此后，America带来的民谣谣滚风潮被七十年代中期崛起的DISCO风潮迅速取代，1977年，Dan Peek单飞（后来成了著名的福音歌手）；1979年，结束了与George Martin的合作关系。只剩下两人的America，渐行渐远，慢慢淡出唱片市场，成为一支彻底的Live Band（现场演唱乐队）。如果你喜欢木吉它，喜欢上世纪70年代的民谣摇滚，这张专辑绝对值得你收藏，它不会辜负你对音乐的任何期望。据说，现在他们仍在唱歌，但是，他们的踪迹，我已不得而知了

69乐队成立于97年下半年，当时李鹏为主唱，而梁魏打鼓，另外还有一哥们弹贝斯。98年的4月18日，他们出现在“嚎叫”酒吧，并与“脑浊”乐队、“反光镜”、“AJERKS"、"冷血动物"等十支乐队同台演出时，阵容变为了主唱：梁巍、吉他：李鹏、贝斯 萧、鼓手:高洋这个阵容一直到99年9月1日，而今鼓手换为现今乐队中年龄最小的田 越。值得一提的是69乐队在“无聊军队”的双张专辑中的录音鼓手依旧为“地下婴儿”的鼓手高洋。69乐队曾于97年夏天参加在“sun flowers”酒吧举办的大型朋克演出，于97年底12月24日参加在“NASA”DISCO举办的《在路上》--高校原创音乐会，98年在“嚎叫”酒吧演出场次达到20以上。99年6月四日在云南一露天体育广场与“脑浊”、“A JERKS”同台演出，据悉，今年底有一境外牛仔裤公司欲寻求“69”乐队为他们的代言人。 　　他们的话：梁巍：我希望我们的作品能带动更多的青年人作这种音乐，能帮助更多的年轻人不要放弃他们的梦想。我们所作的一切都应有一个公正的评价和待遇。我希望中国的流行乐坛（包括ROCK）越来越健康，越来越完善，越来越少的看到盗版，我希望我们能成为对生活失去热情和对梦想失去目标的人们的榜样和力量。

对于CINDERELLA（灰姑娘）应该是我们每个人都再熟悉不过的童话人物，因为她的美丽和善良最终获得了王子的爱，但我们今天所提到的CINDERELLA却是一支红及一时的HAIR /POP/GLAM METAL乐队，在美国80年代的主流金属版图上，这支乐队虽然没有像BON JOVI ，GUN ‘N’ ROSE等乐队那样成为大红大紫的国际大牌乐队，但他们对金属音乐的贡献却是无人能够否定的，直到今天每当听到Tom Keifer 那火辣辣的嗓音，还总是兴奋不已。我们知道音乐是比一切智能 、一切哲学更高的启示 ，谁能参透音乐的意义 ，便能超脱寻常人无以自拔的苦难 。Cinderella的音乐就是如此 ，Sex & Drugs & Rock & Roll 这才是摇滚真正的表达 ！主唱tom的翘唇总是有着那样的天真 ，似乎告诉我们苦难总是如云烟般不足道 ；吉他jeff的solo渲染总是那么恰到好处 ，令人热血沸腾

　关于“黄色潜水艇”，最让人熟知的也许就是The Beatles的那首名曲《Yellow Submarine》；但如果“黄色潜水艇”是一支乐队的名字，恐怕还极少有人了解。北京的“黄色潜水艇”就是如此的低调，甚至在网络上都找不到关于乐队的任何消息，就连乐队首张专辑《不要说再见》的内页介绍也只有短短的一句话：“黄色潜水艇”乐队成立于2002年10月，由5名经验丰富的乐手组成。　　关于乐队的历史有必要简单叙述一下，因为这会让你对他们肃然起劲。乐队五位成员都曾在重金属乐队金属乐队所有音乐专辑中历练，主唱肖杨曾在黑九月、夜叉乐队担任吉他手；主音吉他孔鸿参加过液氧罐头和AK-47乐队；贝司手成寅生和鼓手王磊王磊所有音乐专辑也曾同在液氧罐头乐队；键盘则是来自新疆的李志伟。从重型音乐到简单优美的音乐，其中变化的原委可能只有乐队自己知道，这可能是一种经历的沉淀，理想的升华，或是突然的感悟。放眼世界这样的蜕变并不在少数，Mark Knopfler（Dire Strait）、Richard Hawley（Pulp/Longpigs）、Sinead O'Connor还有Robert Plant（Led Zepplin）都是在自己的暮年开始寻求心灵的归位，民谣成为他们一致的选择。而作为仍旧还年轻的“黄色潜水艇”，他们选择了也许是无法给他们带来任何利益的道路，但是这样一张充满人文情怀，毫不做作的摇滚专辑有它存在的价值。　　乐队成员之前的音乐我们可以用重金属来定义，而“黄色潜水艇”的作品却似乎缺少了划分的界限，民谣？英式？还是……如果仍然疑惑，那就让我们简单地叫它音乐吧。如今国内的摇滚乐界呈现出百花齐放的事态，京城里一支支朋克、后朋克乐队的现场搞的歌迷们不亦乐乎；上海的噪音和电子则是大有与国际接轨的趋势，还有各地迅速冒头的后摇、小清新乐队也是吸引了不少歌迷，所有这些音乐都有存在的必要，每种音乐也能满足我们不同的需求，时下的音乐大多数是满足我们的发泄和狂喜，而真正的让人感动却了了。因此我们庆幸苏阳、李志、还有吴卓玲这样的歌手的存在，他们带给我们的才是真正的感悟，如今的“黄色潜水艇”也能让我们在平静中动心。　　很难从《不要说再见》中找出一两首最具代表性的歌曲，因为专辑中的十首歌曲一气呵成，最好的感受方法就是连续的聆听。所有歌曲都是关于流逝的时光、孤独的感受、赤裸的思念，还有现实的虚伪，这些普通人都会有的感触回给我们更多的共鸣。之前的历练使得乐队在器乐表现上游刃有余，优美的吉他Solo、沉稳的鼓点、流畅的贝司流线，还有合成器和民族乐器的运用也让音乐表达更加的丰富，而主唱始终如一沉稳的嗓音则是让听者将平静的气氛完全消化。《听》和《自由面对》中的笛声唤起了乡土的沉湎，民族音乐元素的加入让歌曲更加的深刻而让人回味；《时光》中合成器的运用正好切合了时光穿梭的空间感觉，飘渺的氛围感也很好地烘托了气氛，对于民族和现代音乐元素的到位把握体现了乐队技巧的成熟。专辑同名曲《不要说再见》中的吉他和鼓点则是很好的烘托出宏大的场面，其中仍然能听出乐队金属乐的痕迹。没有过多的炫技、没有古怪的想法，这就是“黄色潜水艇”的音乐，不要期望在他们的音乐中找出什么让你惊喜的发现，它能让你想到的只是一条远行的路，这条路你要自己一个人认真走完。　　《不要说再见》是一张真诚的作品，或许歌曲《昨天》还会让你想到The Beatles的《Yesterday》；或许歌曲的某些片段还会让你想起木马的悲伤或者是声音碎片的曲调，但这些都无关紧要，重要的是它能让你感动，哪怕是在不经意的时刻你偶然听到，它都让你静心聆听。音乐能做到像“黄色潜水艇”如此简单也是一种境界，你是不是也如我一样开始期望去现场感受“黄色潜水艇”的音乐呢？

想起了西昌古国在城破亡国前，大家聚在了城市中心的广场中，约好了死后在每个月圆之夜，大家的魂魄一起回到这个，继续跳起快乐的舞蹈，好吧，再来一杯酒，回到院子中，在月光下听着与魔鬼跳舞的歌曲吧

AC/DC，最著名的澳大利亚摇滚乐队，现有五名成员。乐队在1973年12月在澳大利亚的悉尼由节奏吉他手马尔科姆和他的同胞兄弟，乐队的主音吉他手安格斯领军组成。 乐队在世界范围内共售出了1亿5千万张专辑成为世界最为成功的硬摇滚乐队之一。1980年发行的专辑回到黑暗（Back in Black）在全球售出了4千2百万张，而仅在美国就达到了2千1百万的销量，创下历史上第2大专辑销售纪录。乐队有两个截然不同的主唱，歌迷们也倾向于把乐队分成“邦・斯科特时代（1973年－80年）”和“布赖恩・约翰逊时代（1980年－现在）”。 虽然外界一般都认为AC/DC是把硬摇滚和重金属音乐结合起来的先锋，但乐队成员却喜欢称呼他们自己的音乐为摇滚乐。他们的音乐是基于节奏布鲁斯的主音和节奏吉他而变形的更高水平。AC/DC在80年代成为重金属音乐主导乐队之一，积累了多张行销世界的白金和金唱片。乐队由安格斯・扬（Angus・Young)，一个脾气火爆的主音吉他手领衔。乐队成立时他年仅14岁，以后他一直保持“学生”的个人形象。乐队创作的嗓音沙哑、展示生活压抑的歌曲赢得了世界上大量的歌迷。 乐队于1973年在澳大利亚的悉尼由生于爱尔兰的安格斯和其兄弟马尔科姆（Malcolm，节奏吉他手）组建。原乐队的组合中包括嗓音粗哑的邦・斯科特（Bon・Scott)、鼓手菲尔・路德(Phil・Rudd)、和贝司手马克・埃文斯(Mark・ Evans)。到1975年他们推出了两张唱片使他们在国内的歌迷骤然增多，1976年在Atlantic公司推出了澳大利亚现场演出双张专辑《高压》（High Voltage)，引起世界范围的瞩目，该乐队在首次巡演中征服了英国。在朋克盛行的时期，1978年AC/DC创作出他们的经典作品、永驻人们记忆的现场专辑《如果你需要的是血，那么你已经得到了他》(If You Want Blood You've Got It)。 随着继续在世界的巡回演出，一系列唱片的顶峰期在《通向地狱的高速公路》(Hightway To Hell)中达到了高潮，它是第一张不是由乔治・扬[他曾在六十年代“轻松节拍”(Easybeats）引起轰动]和他的伙伴哈里制作的专辑，而是由罗伯特・约翰・兰格(Robot・John・Lange)为美国电台专门制作的，并销出350万张，这个乐队的成功似乎已被确定。1980年2月，歌手邦・斯科特在一次狂饮之后呕吐引起窒息，悲惨的死去。布赖恩・约翰逊(Brain・Johnson，前Geordie乐队成员，70年代在英国引起两次轰动）作为替代加盟乐队。

丢火车，源于波兰19世纪－－带有强烈宗教色彩的话剧《Lost Train》。这是一支将个人信仰与时代性完美融合的乐队：悲伤，希望；迷茫，执着；疯狂，冷静。丢火车的成员们用生命中最纯净的灵魂力量加入优美而琅琅入口的旋律勾勒出一个独特而深邃的音乐轨迹。 当音乐响起，就如同我们一起坐上了那列我们寻找已久的古老火车，带我们一起在慢慢的人生旅途中寻找光明，自由和希望。 乐队的主创人员均来自黑龙江，因此乐队的音乐也如同东北广阔无垠的黑土地一样沉稳。而他们在各地巡游，演出的经历使他们变成了更加细腻的思考者。歌曲对生活，情感的细致描写也常常让人无法相信这是几个东北大汉创作出的音乐。 乐队经过了近十年的洗礼，经历了人员变动等事件，却让乐队变得更加成熟。加之对音乐道路的不停探索，让乐队的音乐理念焕然一新。 红色不代表遗忘，更不代表悲伤。这只历久弥新的乐队2011年来到了北京，重新活跃在了人们的视野中，坚持信仰，继续歌唱。

可以说babyface是R&B历史发展的推动者及见证者，为R&B历史发展的发展作出了极大的贡献，葛莱美曾连续3年把最佳制作人的称号给他。这在葛莱美历史上也是绝无仅有的。以前看过别人的文章说听babyface 第一重境是被他smooth的mad sexy cool 一下电到，然后不停的循环；第二重境是爱上loneliness , with him 这样的比较抒情的歌；第三重境是发现babyface每首歌都有它的味道然后每首都找来听，找他为其他人写的歌，像clapton的change the world， 直到固定听几首比如说simple days，every time i close my eyes之类的音乐。大概是这样。静静听着，追忆一个时代，是我一直在寻找，却找不回来。那个音乐真正属于音乐，没有功利做作的商业心，一个真正纯粹的流行时代。那个RNB的黄金时代，那个属于babyface ,Boyz II Men 的时代。

第一次听到的时候没什么感觉，但无端端记住了那一句歌词，“I won't feel blue, like I always do, 'cause somewhere in the crowd there's you.” 想象一下，茫茫中远方某一个不可知的位置有一个自己的爱人，让自己面对人群时变得安心，这样的想法总是会打动我。第二次听这首歌的时候，发现是一个歌星在对着自己的爱人倾诉。在巡演期间，她很烦躁，每天除了吃饭睡觉就是唱歌，希望演出能快些结束。在她于电话中跟爱人倾诉后，他就从很远的地方赶来看她的演唱会了……听到这个消息的她很惊喜。虽然台上还是会孤独，但是她眼里有他，心里有他，她知道他就在黑暗中人群中的某个角落，她就又可以快乐地唱歌了。我觉得好有生活气息，好欢乐，好动人，可是又好哀伤……为什么这个歌星要那么依赖自己的男朋友啊？虽然这样很幸福，但幸福底下又埋藏着对生活的无望。灰色的雨水里，爱情就像是一颗糖，也许吃完后会感觉甜润甘美，但终究无法改变自己包裹在湿冷的衣服中瑟瑟发抖的事实。

听听2003年早期的中国古风与现代音乐结合

萨满乐队本可以继续做具有强有力打击感的电子/工业/凯尔特音乐直到周围的人们不再喜欢这样的音乐，好在他们没有，在将近两年的积淀过程中，萨满乐队的音乐和歌词均有所成长，这才造就了2011年发行的这张编曲融合了口风琴，锡口笛等乐器的《Khan》，如果你是一名青少年，有信仰有抱负的成人，或者是对西方古典文化情有独钟的浪漫主义者，抑或是一直披荆斩棘走在前进路上的战士，那么萨满乐队的音乐就是你们的代表。萨满乐队的每个成员就在我们身边，他们是普通人，有的研究西方史，有的是厨神，有的即将闯荡南北，但他们都是活跃在东北地下音乐圈的战士，他们就是“The Samans”！

　　乐队创始人是Winter和Kitchens，在2003年两人就凭借的兴趣搞了几个小样，放在了网站上供人下载(就是传说中的“网络歌手”)，没想到大受好评。于是在网友们的鼓励下，两个找到了当地的录音工作室 发行了他们的ＥＰ并红透了整个佛罗里达。三年来乐队不断扩充固定了这5个人，并签约了大公司，在名牌制作人 David Bendeth(Hawthorne Heights和 Breaking Benjamin的制作人)制作下，于今年发行了他们处女大碟《Don't You Fake It》来证明他们歌曲要比他们的名字更酷！ 

　近几年随着PK14，重塑雕像的权利等乐队的崛起，越来越多的人开始关注后朋克这种音乐类型了。重阳乐队的悲剧在于没有赶上时代。当年他们兴奋地来到北京准备大干一场的时候，发现这里的人们都喜欢随着新金属 的节奏“躁起来”。无疑他们的北京之行是失败的。虽然当年我爱摇滚乐杂志大幅刊登广告宣传他们的这张唱片，但是估计销量极为不佳。但这能说明他们的音乐做的不好吗？  　　这张唱片带有一些实验性质，并非完全的，纯粹的后朋克专辑。但是后朋克忧郁的气质一直贯穿这张专辑之中。相比PK14,重塑等国内后朋克乐队，他们身上JOY DIVISION的味道淡了很多。我更把这张专辑看做开始而 并非结束。但可惜的是重阳没能坚持自己的理想和信念，在北京之行受到打击之后就分崩离析了。我想他们如果能减少一些浮躁的心态会做的更好。当然这也是马后炮。 

一些杰出的摇滚乐电影，对我来说，这更是伟大的成长电影，充满了温湿的青春气息。我们都曾如此年轻，当年在学校里，我们为摇滚乐也是如此的痴狂，摇滚乐伴随着我们的成长，我们因为摇滚乐而结识，我们都从大量的聆听中，感受青春, 发现美，和找到我们自己。

酉酉毕业于四川大学艺术学院，为了所执爱的音乐放弃了曾经足以煞羡旁人的工作，每周奔波于成都与都江堰之间，坚持独立创作与乐队排练。创作了多首商业与个性兼备 的歌曲被同行笑称是可以直接拿去打榜的作品。期间对录音产生浓厚的兴趣。在短短一个月的时间内熟练掌握了繁复的硬盘录音技术。为成都多位歌手及多只地 下乐队录制歌曲。其技术受到专业人士的认可。绝大多数都能作为正式专辑的发行。酉酉和泰然是从大学就在一起为梦想而努力奋斗的伙伴，从校园的双人吉他 组合到后来的"襁褓""夜叉""修罗""阿修罗"使两人在音乐上的合作更加默契，这也是阿修罗音乐时尚，快乐，动感，优美的原因之一。酉酉在2004年笃信了佛教 ，成为居士。当问及他时，他说，爱欲于人，犹如执炬逆风而行。仿若没有缭绕心间的音符，也许并不如记忆中那般寂寞。

有些歌总能让你百听不厌，而当岁月远去，你再去听时，却能感觉到心里丝丝的期待和害怕。purple rain就是这样一首歌。Prince集合着所有令人痴迷的音乐元素。他随意变换演奏着guitar, bass, piano, drum...他同时徜徉在pop, rock, funky, R&B, hard rock……他敏感、忧心忡忡、歇斯底里的神经质，他用假声轻易的俘虏目不转睛的心……”I know, I know, I know“，仿佛是用鼻涕唱出来的，撕心的疼楚。他的吉他和Jimi Hendrix最为接近，都是那种披头散发裸脚飞奔于东非大草原上的酣畅无束。近五十多次的“Oh oh oh”让人觉得太少、太不过瘾；最后藕断丝连的提琴哭泣更令人揪心，时刻害怕着它的突然中止。对于这首歌，如果不从头至尾听完而选择在任何一个时刻停止或开始，都是一种无耻的亵渎。 在同名影片中，这最后一首《Purple Rain》是献给他死于婚姻的父亲和决裂的爱人Apollonia的。当所有1st Avenue bar的观众都幸福的沉浸于从prince口中淋下的紫雨中时，没有一个人注意，他早已逃离了舞台，在幕后的studio中烦躁的走来走去、大口的喘着粗气，如愤怒的公牛。8分41秒太短，他根本停不下来，也不想停下。 2016年4月21日，王子告别了这个世界，他把整个乐队和观众扔在那里，他已经丧心病狂了。人们的灵魂被他抚慰了，而他却弄丢了自己的魂魄。

一个关于“地下丝绒”(The Velvet Undergruond)的老笑话：当年几乎没有多少人买乐队的第一张唱片，但这些买了唱片的人在后来都组建了他们自己的乐队。而真正的妙语是“每一位朋克、后朋克和先锋流行艺术家在过去的30年中都欠下了地下丝绒乐队一笔灵感的债务，哪怕只是受到了间接的影响。”在20世纪60年代末期乐队存在的日子里，他们经常被误解、经常被谩骂，但更多的是受到冷遇。不过，“地下丝绒”还是有争议地被认为是美国1965年之后最重要的摇滚乐队，它是70年代和80年代所有白人艺术噪音音乐的源泉，并且为摇滚创作中的暴戾的吉他弹奏以及带刺的现实主义的叙事歌词创作手法定下了一个普遍的标准。 你可以随意列出一大堆受其影响的著名人物的名字：David Bowie、Brian Eno、Patti Smith以及那些全部从CBGB俱乐部毕业的70年代的朋克乐手，还有The Cars、The Pretenders、Joy Division-New Order、U2、REM、Sonic Youth等等。但是“地下丝绒”传之于世的口碑不仅仅在于什么歌迷组成了什么乐队以及谁翻唱了多少的歌曲。1965年组成的“地下丝绒”正好处于“披头士热”和普遍使用迷幻剂的年代。最初的阵容是主唱兼吉他手Lou Reed(卢・里德)，贝司手、键盘手兼中提琴手John Cale(约翰・凯尔)，主音吉他手Sterling Morrison(斯特尔・莫里森)和鼓手Maureen Tucker(莫林・塔克)。他们用自己激进的原始尖叫和流行灵歌的黑色效果的混合物打开了通往摇滚乐各个发展方向的大门。在倡导探索精神的那个摇滚年代，“地下丝绒”坚持大胆、富于攻击性的极端手段，从自由爵士、经典的先锋艺术、浪漫主义的民谣以及最主要的商业R＆B之中脱离出来，找到了属于他们自身的领域。 作为乐队的创作者，Lou Reed毫无困难地使他锋芒毕露的才能在禁忌、高价的爱和城市人的心智等方面的题材上得以展现。凭着他的对摇滚歌曲的天赋以及John Cale的实验性才能，他们演绎了许多惊世骇俗的作品。

这四个朴素的人们，在漫长十二年里面，以他们的韧性坚持下来，坚定地走每一步路。并且也渐渐在时光里，磨灭掉了许多年轻时候的猛烈的负面情绪，那些愤怒和失望都逐渐不在。他们唱了这么久的歌声，带来了这么多的温暖欢乐，他们已经有了清澈笃定的力量。 　　于是在这一整张专辑里，一切听起来都这么开心。 　　那么久的时光过去，似乎所有的困苦，也再不成为困苦。何况，我们还有喝不完的酒，唱不完的歌，身前身后，也仍旧是那么那么久的时光。 　　就像是专辑的封面，那些洁白的云朵，干净的蓝天，轻描淡写的彩虹，还有飞鸟的影子。都是时光清澈洁净的投影。 　　　　 　　那么久。那么美好。

The Beautiful South成立于1989年,主唱是保罗西顿和鼓手大卫Hemmingway组成了美丽的南部乐队。乐队风格：爵士、R&B。歌词常带有讽刺,愤世嫉俗。,1994年发表的专辑,取得双白金销量成为英国畅销专辑。在九十年代的英国是相当受欢迎的。他们曾经风靡英伦长达六年之久，在94年出版的单曲 Carry on Up the Charts, 成为英国唱片界有史以来最为畅销的唱片。他们的歌属于比较清新的民谣风格，前后共出了10张专辑。很奇怪他们在英国可谓大红大紫，在北美却毫无波澜，丝毫不像很多英伦乐队的历程那般顺利其实 The Beautiful South大可安安份份做一支走高格调路线的Pop乐队，首首作品造句俏丽，再配以三位主唱（paul heaton,dave hemingway及brianna corrigan）柔顺剔透的声线，然而偏偏这几位南方人不愿同流合污粉饰太平雕造空中楼阁，于是他们的作品在清新悦耳中总带有几分黑色幽默与荒诞不经

伴着月色，嚼几口友情，饮几脖儿啤酒，记忆中的流行小曲儿就这样流淌了出来，随着青春的回忆洒了遍地

 system of a down，不拐弯抹角，我最喜欢的金属乐队，这几个经常张牙舞爪能量爆炸的大叔对我而言更多的是一种亲切和欢愉，虽然刚开始也会把我吓的不轻。4人搭配很有意思，有2个中东人，自然而言在音乐的理念风格上与其他另类金属乐队存在着很大的不同，黑暗晦涩的中东元素，切割机般吉他riff来的一点也不温柔含糊，尖声怪叫和小清新唱腔灵活转换，麻利如手起刀落之犀利，摧枯拉朽之酣畅。 这与他们音乐一贯的不走寻常路有着很大关系，独特元素让听者在音乐入耳刹那即被带入未知的异次空间，当你在疯狂跟着节奏释放青春的同时，大张大弛的音律走向有着无穷的回味感，从头至尾压迫式鼓点暴击，　　 排山倒海吉他扭曲音墙，完全癫狂状态贝司，最后再加上主唱声线似快刀斩乱麻直接了当，被秒杀的快感一览无遗，这简直是一副让人欲罢不能的群魔乱舞景象!   不知不觉，时间到了21世纪的第一个十年末，自2006年宣布暂时解散的SOAD，近期传出即将开始筹备第6张专辑的消息，不知是真是假，但有一点是可以肯定的，死忠的歌迷们会一直等下去，并期待在台上继续看到那4个张牙舞爪的大叔释放出目空一切的能量，还有那双能瞬间秒杀小清新们的眼神，真让人期待。 

　　或许从小的耳濡目染，或许对传统的情有独钟，歌仔戏的运用成为这张专辑的一大特点。比较明显的是《王宝钏苦守寒窑十八年》和《爱是什么鬼》，时而借戏曲故事演绎现代爱情，时而将戏曲唱腔融合摇滚舞曲来个混搭，时而把二胡、铜锣等乐器作为主要器乐编入曲中。其实将戏曲引入流行歌曲创作的做法很多人都尝试过，但很少有像他这样将戏曲贯穿歌曲始终，渗入歌曲的骨肉和精髓中，最大化的进行资源利用，既有个性特色又不至于太过火。不过，我得承认，在初听这张专辑的时候，我的注意力更多的仍在于抒情慢歌，无论沉静的钢琴、委婉的提琴、忧郁的吉他还是浪漫的萨克斯，都将歌曲的基调烘托得感人至深。其中，《连贝多芬都想告诉你》虽不是最动听的一首，却是最特别的，从截取40秒古典乐章的前奏，到以贝多芬为主题的歌词，脑海中仿佛浮现出手指在琴键上飞速游走的画面，钢琴释放着如海啸般汹涌澎湃的力量，再加上萧闳仁极富技巧和张力的演绎，将对命运不公的控诉和不服不甘的怨恨发泄的淋漓尽致，令人心惊而不禁悲从中来这就是萧闳仁，一个有才华、有想法的年轻人，然而，平心而论，这样的萧闳仁是否能得到更多人的支持却很难说，不说别的，就现在的市场来看，他的创作的流行度处于劣势。萧闳仁就是萧闳仁，他有区别于他人的鲜明特点和灵气创作，这也就是我欣赏他、看好他的原因

最近几年，不断有属于过去时代的音乐人或者歌手去世，慢慢地听到这样的消息不觉得特别震惊或难过，只是很想再找到一台双卡的录放机。 　　　　再也没有双卡录放机，只有搜索引擎。在不多的追悼文章中发现一些马兆骏生平介绍还有照片，这都是第一次看到。感觉很陌生。当下来的ＭＰ３亦如昨日。“五彩辉煌的夜晚，屋内的灯光有些昏黄，我们燃烧着无尽的温暖，虽然空气中有些凄凉，会有那么一天，会有那么一天......”透过旋律记忆很难流畅。青春恍然闪过，空白的心情。在缤纷散落的音符中十几二十年人事皆非，故乡的站台和天桥应该已经不在，只有少年时灼烧般的喜爱完整如初。蔡蓝钦说：在这个世界，有一点希望，有一点失望，有一点欢乐，有一点悲伤，谁也无法逃开。我们的世界，并不像你说的真有那么坏。我觉得很有道理。很多无缘无故的心情，有的稍纵即逝，有的做些纠缠，但最终均无疾而终，所谓空白的心情。

　时间选择记忆。一曲SUMMERTIME象一件衣服，既传递又遮掩了那个远去的时代。这首催眠曲，音乐优美朦胧，歌词充满抚爱，并被反复咀嚼：　　Summertime, and the living is easy 　　Fish are jumping, and the cotton is high 　　Oh, your daddy’s rich, and your ma is good-lookin’ 　　So hush, little baby, don’t you cry 　　　　One of these mornings you’re going to rise up singing 　　Then you’ll spread your wings and you’ll take the sky 　　But ’til that morning there’s a nothing can harm you 　　With daddy and mammy standing by　　SUMMERTIME问世迄今已有超过2600种录音版本，并且每年都在增加。古典、爵士、流行各种人声和器乐都有尝试，特别是在爵士乐界，由于音乐和肤色的渊源，这首歌几乎留下了所有的大师的声音。 Ella Fitzgerald & Louis Armstrong，1957　　爵士乐史上最经典的男女对唱组合。乐队浮出夏日清晨般沉静的背景，这时Armstrong的小号象一轮朝阳刺破天际。第一段Fitzgerald浅吟低唱，第二段Armstrong浑重暗哑。接下来的合唱以Fitzgerald变调为主，Armstrong不温不火地辅以合声，最后人声隐没在音乐中。整曲男女声交织浑然天成，极尽温柔缠绵，是我最喜欢的人声版本。Janis Joplin，1968　　非常另类的一个版本出自这位布鲁斯怪才。1970年她27岁时死于加州的一间MOTEL，那天服用药物过量了一点。前奏部分吉他轻扬，有叙事风格。可是Joplin声音一出如同疠鬼。震颤刺耳（目）的声音和颜色的混合是Joplin的一贯标志，听她的SUMMERTIME，一面你由于眩目而呼吸困难，一面你将承受一把粗砾的钝刀锯在胸口的感觉。初听可能非常不习惯，不过你如果忍受了第一遍你一定会再听，直到上瘾。人之所以害怕痛，可能只是因为痛觉会使人上瘾。人都害怕上瘾。

格什温的名曲SUMMERTIME出自于他的歌剧“Porgy and Bess”。这部美国本土歌剧写于三十年代，红在五、六十年代，在纽约上演过三百余场。追溯得久远一点，歌剧改编自DuBose Heyward的小说“PORGY”，主人公是一位瘸腿的黑人乞丐。Heyward先生（1885-1940）是一位以写黑人题材著名的白人。Sarah Vaughan，1982　　又一位爵士女杰。倍司拨出舒缓的节奏，Vaughan声音厚沉深缓，举轻若重。末尾唱STANDING BY的时候忽然缥缈上去直到消逝，别有一番韵味。Billie Holiday，1936　　我能找到此曲的最古老录音。一位爵士女先驱。无论配器，人声和录音都感觉陈旧，节奏均一，早期的爵士乐，Holiday的口音听上去很南方。

会不会有谁同我一样，还记得X-JAPAN live开场时的那段话？Our bass TAIJI. Our guitar PATA. Our guitar HIDE. Our drums YOSHIKI . Our vocal TOSHI. We are X!life is not easy ，生活本不易，故事也讲完了，听听很久以前，X和TOSHI的声音，就此，与往事说再见……say anything听得我荡气回肠，感动得流泪。我真的不是一个情感丰富的人，我也并不喜欢随便就流泪。但是偶然的来自音乐的强大震撼，会激发出超越痛苦或喜悦的情感泪水，那是仅仅被震撼和感动的自然流露。我记得很清楚，第一次认识到自己原来还可以这样流泪正是由于lacrimosa的kyrie。tears是饱含悲伤的坚强，“dry your tears with love”就如黑暗中迷失方向时听到的救援呼喊。在泪水划过后，收拾心伤，继续向前。总觉得，X-japan大部分的曲目感情都很一致。或许，爱的温柔与绝望是音乐永恒的经典。因为我们是不完美渺小赢弱的人类而已，总要经历黑暗和苦痛成长，才可能获得希望中的天堂。那么，一路上的相依相伴坚强信念就尤为重要。尽管不知道出口在何方，即便伤，即便绝望，梦想依然在前方。

相对论乐队成立于2002年10月1日，当时乐队名字叫“调味剂”乐队，也就是今天相对论乐队的前身，乐队成员已经没有任何一名在队人员了。虽然成军够早，但是当时完全就是没有方向没有目的的乱玩，也没有演出，就是喜欢音乐的几个年轻人下班下学后排排练就很开心，直到04年哨子作为鼓手加入，后转为贝司手，创作了一系列原创作品后才想到了演出。06年才正式的第一次以相对论乐队为名进行演出，当时第一次演出就是“痛仰”全国巡演的石家庄站作为热场乐队，当时的乐队成员也是后来长期使用的阵容原型。07年08年是乐队上升很快的时期，尤其是08年，其实原因很简单，那时候阵容稳定，大家都有一个目的就是想为石家庄这座城市的摇滚乐争取更大的荣誉，不说自己是石家庄最棒的，但是拿到外地演出一定是给石家庄争脸而不是丢人的，大家为了那一个共同的目标一起努力，排练勤度和强度可以称之为恐怖，也正是勤奋练就了后来大家在舞台上的表现力冲击力。乐队最大的荣誉就是选上了08年的MIDI音乐节，参加了北京13和天津13的金属节，尤其是天津的现场是相对论最成功的一次现场之一2010年，大家已经完全没有心气的状态下，很多人选择了离开乐队，去做别的事，只剩下鼓手李恒跟主唱哨子，在不得已的状况下要么选择解散，要么选择重新再来，相对论选择了重新再来，重新招入了年轻的乐手，注入了新鲜的血液。新阵容用了半年多的时间创作了很多全新歌曲。2011年4月新阵容在秦皇岛首演，演出过后鼓手李恒也选择了离开，相对论当然再次选择坚持，招入了新的鼓手开始了真正崭新的旅程，同年乐队在录制自己制作的全新一张小样，这是一个崭新的相对论，这是一个承载着近10年岁月的相对论

日本对唐朝的文化保存和还原是中国所不及的。由出生在日本的喜多郎演绎那个朝代的丝绸之路再合适不过。 　　 　　 欣赏他的音乐，让我摆脱时空限制重走古人之路。 　　 　　 路上，我思考自己的人生、认识中西文化的差异。 　　 　　 沙吸干我罪恶的血液，大风吹干我懦弱的性格。 　　 　　 如此，直到我热腾腾的鲜血凝结；年轻的皮肤干燥爆裂。 　　 　　 最终化成一樽石像立在丝绸之路的某处。喜多郎曾说过，创作《丝绸之路》时，最打动他的是中国人在悠久的历史中形成的那种心灵的深厚，在那种深厚中，人们生活着，这对他来说是深有启发的。建议大家在独处室内时，静静地听，声音不必太大，可发思古之幽情，叹命运之多舛，感叹如花美眷，似水流年。 喜多郎的此张专辑就其历史文化意义而言的确堪称经典，至今也罕有人能够逾越其高度。  　　  　　鉴于绝大多数国人并不真正知晓丝绸之路在世界文化交流史上的重要地位，国内至今无人在该领域做出像样的音乐作品，也就并不足怪了。然而，这毕竟是件遗憾的事情。  　　  　　望国人努力之。 

22年来。音乐天堂扮演了一个失败的布道者的角色。社会大势不是这一本小小的期刊能够改变。但它还是做了。一批批的人，在这本书里鲜活的存在。通过他们推送的音乐及背景资料。推送的国外的图片。推送的新鲜的也仍然会死的生活方式。它的生命力就是所有读者的记忆。以及随手对自己的一些小小的改变。就譬如你会穿一件奇怪的T恤。或者站在一根枯树下拍照。拿一把吉他挂在墙上遮盖住你砖头的本质。一切苍老来临，都是从心灵而始。起床吧，别做梦了。音乐在你的心里，打卡机和地铁在你的生活里。音乐天堂就这样是某些人的过客。但给了他们美好的回忆。更是某些人的主心骨，从22年前就向着这条小路奔跑。我们一起甩掉时光的因子，继续奔跑下去。

WOW!Come on now! 　　一支来自加洲的乐队!欢乐的乐队! 　　他们的歌都很欢乐!至少在这张专辑! 　　阳光!沙滩!太阳伞!比基尼!八块腹肌! 　　 　　Boardwalk.有一种在沙滩上行走的感觉~伴着他们的节奏吧!太欢乐了! 　　She's Got The (Woo-Hoo).想象着他唱的就是你!你知道的!WOOHOO!太悄皮了! 　　Love Is the Answer.有一种Encore的感觉.万人大合唱的Feeling!太有爱了! 　　Morning Sun.太阳升起来了!照耀在你的身上!清新的节奏,庸懒的声音,悠闲的时光! 　　Dance Like No One's Watchin' .蒽.两把木琴,两种声音,和声出一种感觉.引用HIT 上的一句话:爱民谣等于爱生活. 　　 　　享受甜蜜射线的这张专辑吧.想象着来自加洲的阳光.想象着加洲的沙滩. 　　想象着你在行走,想象着你在飞行. 　　 　　WOW!太欢乐了! 

张傕，以及那个年代很多这样以音乐的名义匆忙上路的音乐人，留给后辈年轻音乐人的遗产，不是技术或音色，而是一种义无反顾的精神，一种无所谓功利的超然状态。在90年代的某个时期，中国摇滚的历史上有一个人带了一张堪称精品的专辑，可是在只出了这一张专辑后，他就永远的从人间消失了……张傕就像是一位行吟诗人，音乐中只有简单的吉他扫弦，苍凉的歌谣，一种草根的泥土味道，那么的朴实无华却轻易的撕裂你的胸膛这样的音乐，对我来说，每次打开听到，都想打开一个尘封已久的盒子，眼中看到的都是回忆

《我的天空》，说不出来的感觉，音乐响起的时候，我会想到好多人，却偏偏记不清当年的自己。时光荏苒，想一想那是10年前了，那天我也在高考。这是今天中国数以百万人在做的事情。那年的夏天开始，我们撕书，砸教室，怒吼，狂奔，一发不可收拾，直至今日。知识确实改变命运，但千万别相信高考，若有机会，我还想重来一遍…

　　要了解听懂苏阳的音乐，不妨先来了解下他的个人经历，这个出生在浙江的歌者，8岁来到银川。16岁在西安上学。94年到北京学习吉他，仿佛命运是注定好的，他从出生就开始了漂泊，所有他更像一个游吟诗人，这也就不难解释他对家乡的热爱和对安定生活的一种向往。只是生活所迫，我们不得不一次次的忍痛离开故乡。随着社会的巨大变迁，以前农村日出而耕，日落而息的景象逐渐，村里只剩下了老人，年轻的男子去外面做点苦力，妇女给城里人当保姆，工业正在侵蚀整个村庄。孩子们因为求学，与父母背井离乡，去了陌生的他乡上学，这是那么令人沮丧的事情啊。多年的漂泊使苏阳敏锐的认识到了这一点，他的音乐更深次的写的不光是家乡，更是对命运的一种反抗。 

《TheWall》最激动人心的演绎还是在倒塌的柏林墙边的那场演唱会。如果有人评选20世纪最伟大的行为艺术的话，非这场演唱会莫属了。言语无法形容它的精巧，工作人员随着全场观众“Tear down the wall"的呐喊推倒舞台上临时搭建的高墙把全场的气氛推倒了最高潮。象征着专制、野蛮、集权的墙终于倒了，苏联解体，东欧转制，两德合并，似乎人们已经推倒了那堵造成无数悲剧的墙。 可是当我接触的人更多，知道的事更多时，我却发现原来我们其实也生活在围墙之中，这不是钱钟书所描述的”围城困局“，在这个围墙内外都没有人想被围住。墙是越盖越高了，是被自身重量压跨还是被围在里面的人推倒，这是个问题。

霜冻前夜乐队成立于2003年底。最初由吉他手郝昕和张轶组建，经历了多次人员更替确定了现在的阵容,主唱及歌词编写：苗振中、主音吉他及编曲：郝昕、吉他：张轶、键盘：戴大名、贝斯：刘诗扬、鼓：冯俊华。 霜冻前夜以北欧式的旋律死亡金属为乐队的发展方向。乐队在双吉他的重型节奏推进下突出冰冷而优美旋律，并尝试着在音乐中加入更多的音乐元素，使作品更加多样，每一首都能有不同的感觉。随着人员的齐备，乐队也开始了紧张的创作与排练。霜冻前夜的作品多以表现寒冷为主题。希望大家能够用心聆听霜冻前夜的作品，走入霜冻前夜的冰封之地。 霜冻前夜翻唱国内著名女声团体S.H.E的名曲《不想长大》，在即将告别2011年的时候作为圣诞礼物送给大家

矢井田瞳，正式进军乐坛前早在大阪的大小Live表演中闯下名号。台上喜欢赤着脚蹦蹦跳跳的她，歌声的爆发力以及丰富的肢体语言几乎在瞬间就抓住了在场的歌迷，于是不少人深受此毒。当时推出的地下单曲《Howling》不但销售一空，创下地下发行单曲的记录，更攻下多家电台的点歌之冠，“关西的YAIKO”俨然成为地下乐坛的女王。矢井田瞳有着许多令人感到新奇的地方：从小就喜欢哼哼唱唱的她，不管是什么类型的歌曲几乎都会唱，而且矢井田瞳有个特殊的癖好，就是走在路上如果看见有趣的招牌，就会替招牌加上旋律，当场编歌边走边唱。或许也是因为这个原因，让矢井田瞳在创作方面的灵感总是源源不绝；19岁时看到朋友弹吉他，以“我也可以做得到”的试探心态买了一把一万日圆的吉他，在忘了吃饭、手指弹破了也不停的勤练之下，只用了一个月就学会许多名曲，这时矢井田瞳发现自己可以如此自然地将旋律自由地表达出来，因此开始创作；在棚里录唱或在舞台上表演的时，她喜欢把鞋子脱掉，使整个身心都放松下来；还有她全方位创作才华﹑硬底子的嗓音、鲜明的服饰流行感，加上绝不妥协的音乐质感，都别具魅力。不是漂亮的女生，长得甚至也不算可爱，就是这样的她，却成为了万人瞩目的歌手，创作与歌声，都是一种美好的存在！

到底哪一段是现实，哪一段是梦境呢？当年那个追梦的孩子究竟去了哪里？那个秘密成了阳光下的尘埃，那个孩子已经成了面目冷漠的大叔。人生中最美的珍藏，还是那些往日时光，虽然穷的只剩下快乐，身上穿着旧衣裳如今我们变了模样，为了生活天天奔忙，但是只要想起往日时光，你的眼睛就会发亮我们曾是最好的伙伴，共同分享欢乐悲伤虽然我们变了模样，生命依然充满渴望愿生命待你好。

我们是城市中每天忙碌的小人物，就像排着望不到尽头的队伍的工蚁，机械地搬运着所需的物资，忙得丢掉了灵魂。残酷让所有期望都化作泡影，只想结束这一切，倔强地离开。

关于tori amos ，歌曲的名字也早已忘记，在放置了多年之后搜索suede歌曲的时候tori amos 的名字重现眼前，这个阴魂不散的魔女又一次闯进我的花园，既然曾经呆过我就没有理由驱逐，或许在我的潜意识里还是中意她那红头发下美丽的眼睛，她那吟唱时沙哑的嗓音，提琴断弦的声线 超强的现场感 危险的钢琴演奏技巧 直达你灵魂的词语 让她来医治世上所有受伤却自我敏感的女人吧

Haggard，无论如何必须提起的是风格中浓郁的古典气息，多样化的乐器以及庞大的编制。乐队主要负责人Asis Nasseri在创建乐队的时候就决定了将古典和金属乐融合，所以加入了大量的弦乐，如小提琴、中提琴、大提琴、竖琴和钢琴，木管乐器如长笛，单簧管，双簧管等。这也是为什么Haggard有固定团员16人，常任团员接近20人这样极其庞大的规模。1992年制作第一张demo 《Introduction》1993--1994年，在他们1993年推出的CD演示“介绍”之后，他们又带着CD“进步”，走进了1994年，第一次广泛地面对大众，并在同年，作为无定型无次序演出的开场者，对更多更广泛的群众，进行了演出。制作了第二张demo 《Progressive》1995年，自从他们成为音乐上的先锋者，他们开始把越来越多的古典元素加进音乐。1995年，一位中提琴手，一位大提琴手，一位女高音和一位钢琴家，加入了乐队，他们坚定决然地合而为一。一般来说乐队成员中如果各人的喜爱不同，往往会导致乐队的矛盾分歧，而HAGGARD却完全没有。乐队成员中有人在音乐上的走向越来越趋向前卫，还有人则将更多的古典元素带到乐队中来，这使得乐队的风格更加丰富，复杂，多变。这一革新的变化首先出现在乐队当年的促销带第三张demo 《Once…Upon A December's Dawn》中，带着完整的阵容HAGGARD与丹麦乐队ILLDISPOSED和德国乐队DISGUST一道进行了一次巡回演出。观众的反应十分的热烈1997年，HAGGARD终于录制完成了自己的第一张正式专辑“所以你们应当相信…先知”《And Thou Shalt Trust...The Seer》，由Serenade Records公司负责发行。这张风格独特的专辑受到了普遍的好评，截止到97年12月11，在不到一年的时间里已经销售了11500张。这张专辑是中世纪音乐、古典音乐和民谣的混合物，融合了硬朗但曲调优美和谐的死亡金属。2000年发表的"Awaking the Centuries"世纪觉醒，是上一张专辑的延伸，。在本张专辑中，Haggard把它善于整合不同风格的　　音乐元素的特长发挥到极致，团员已达到20人，同时还邀请了3位guest乐手、5位口白及9人的歌剧唱诗班，真可谓宏大之极。2004年发行第三张正式专辑《Eppur Si Muove》（伽利略的星空）,英译(and it (Planet Earth) does move)。一张以史诗格局来诠释伽利略传奇一生的年度音乐传奇大作。专辑名的意大利语的意思是“宇宙里行星和地球的运动”，随后，他们在保加利亚的南部城市Plovdiv（普罗夫迪夫）进行了一次完美而成功的宣传演出。这张作品保留了些Haggard曾经作为一支试验死亡金属乐队的根源的东西，你不需要了解这些细节的东西，这些东西也不是使它成为他们最好专辑的元素。得完美无瑕。专辑的歌词用英语、德语、意大利语和拉丁语演唱。2008年，久违的乐队的第四张专辑“伊萨拉传奇”《Tales Of Ithiria》面世了。这张新专辑打破了乐队以往习惯于描绘历史和事件，而是由乐团核心Asis Nasseri创作了一个虚构的中世纪故事。专辑分成五个篇章，中间隔以旧曲做短幅的间奏。

这是一张写给时间的专辑，以爱的名义。我们都想可以轰隆隆的穿越过时间，并避开了那刀刀催人的光阴，以保持着一颗新鲜有力的心脏。继续爱，继续那一场场美妙的旅行。“可这一次我终于领略到漠视时间的惩罚，原来我所渴望，我所喜悦，却都是我所惧怕的啊”。我们惧怕的是现世在那一颗裸露着的年轻心脏上总是留下显赫的伤疤。 　　我喜欢在有些绝望的时候听声音玩具，他们会教给我一种生活态度，一种在绝望中寻找出路的态度。再多的不信任，再多的无力也应该挣扎着爬起来，笑得干净而温存。 是的，时间过去了，“我们不再年轻，也不再那么热情”。但“有时我们必需相信奇迹，就象信任金钱的魔力；有时我们必需相信奇迹，就算滥用偏执的权力；就像沙漠中濒死的路人，渴望海市蜃楼的喜悦，这时我们必需相信奇迹，否则我们如何走下去。” 　　你能想象没有希望没有血液没有热情没有爱的生活么？ 　　哪怕我们的心已经千疮百孔，而至少在某个黄昏一起回家的路上，有许多人还是在真实而用力的相爱着的。事至今日，我们又有谁不是彼此半路遇见的呢？ 　　“我们走不了多远，也所知甚浅，但这不能阻止我奔向你身边 ” 　　这即是青春。 

Pulp，英国Britpop中奇怪的成功者，1978年，乐队的灵魂人物Jarvis Cooker即成立了乐队，他们一直沉寂了整整14年，严格说，他们应该是和The Smiths一代的乐手，却直到94年的专辑《His And Hers》才为人注目，而95年的《Different Class》则真正使他们大红大紫，成为Britpop运动中的重要乐队之一Pulp其实来自于英国工业重镇谢非尔德，也因此，乐队的音乐或多或少受了这个城市电子音乐的影响。同时，因为乐队最初组建于70年代末，也可以从他们的音乐中找到Roxy Music和David Bowie在电子乐和舞曲方面对他们的影响。而95年的这张《Different Class》专辑因为巧妙地融汇了Disco音乐而显得格外地光怪陆离和迷人。Pulp最初给人的感觉很像一支Neo-Romantic（新浪漫）乐队，这主要源自于乐队酷似80年代的电子合成器音效，而专辑中又加上了大量醒耳的舞曲节拍，伴之以Jarvis Cooker病态的、半念半唱的吟颂，又使乐队像一支Glam Rock Band

呼之风来兮，阵阵不见 念之云过兮，飘飘凡间 远处山深兮，阴暗连绵 不问归处兮，死去凌乱··· 不问归处～～ 情何以堪！ 思，不知疲倦 山，高达天外， 云，遁入凡间， 心，神游道远， 目下，泪洒千年！ 秋叶散开 心 死复灭衰 泪已明白 魂 归兮魄败 黑色在摇摆 重生出阴霾 谁能再偎依 我骄傲的胸怀 如果多出几支深山这种把民俗与黑金融合到如此极致的乐队，那么中国极端金属有希望了！

每到周末，我都会聆听几首爵士乐，准备一顿‘大餐’，与家人共享来之不易休息日。因为我喜欢生活是平静而安逸的，而爵士乐的即兴就像是生活中的亮点，让人回味无穷，又难以割舍。虽不曾余音良久，但却会入木三分，‘主题，即兴，主题’爵士乐的特点就像是生活的写照。有人说爵士乐是抛去浮躁后的音乐，喜欢爵士乐跟年龄的递增成正比。也许把，但对我这样的人来说，爵士乐永远都是生活的写照。如果你像我一样喜欢生活，我相信爵士乐也会成为你的喜爱。　　　　如果按照某些专家的标准，呵呵，相信我应该是算是‘伪爵士迷’中的一份子，因为我不懂乐理上怎么才算波普，风格中什么算是酷派，演奏时如何会… ，我只知道什么是我的喜欢，知道只要听的出‘主题、即兴、主题’是爵士乐就足够了，就像没有源自爵士乐riff的演奏不能称之为金属乐一样，远比那些嘴里夸夸其谈各种爵士风格，却不明白什么是爵士乐的真髓 -‘即兴’，而真的多了。　　10年来听了太多的爵士乐，无论是大师还是新人，都有各自的精彩，作为一个喜爱爵士乐的俗人，就推荐些大师给大家聆听，也许你早已对这些大师如雷贯耳，也许你嗤之以鼻，也许你还未曾听说，不要紧就当做是一个爵士迷的致敬。

就像《妈妈一起飞吧,妈妈一起摇滚吧》这首歌里所唱“有些东西永远也不会失去。”这样说，不只是为求得诗人笔下“妈妈”的原谅，更多的可能是一种内心的召唤。旅居欧洲时，朱小龙接受访问说，尽管如今生活的异乡，可以获得有节制的自由，然而自己却怀念过去的愤怒无奈。这种感情，怕只有崔健《一块红布》里那句“我要永远这样陪伴着你，因为我最知道你的痛苦”才贴切。 看《妈妈》的歌词，也能嗅出许多端倪。少了世事变迁，少了对“人”的关注，转而向山川、牛羊、花草寻找答案，与其说是平和，不如说是悲悯。有人说它是“这个时代最好的安魂曲”，而在我看来，倒不如把它看作一声“早安”，毕竟弃我去者，已如昨日之梦，而今日且做赤子，一起飞，一起摇滚吧。 

Ozzy Osbourne来自英国工业重镇－伯明罕，他的父母皆在工厂里工作，尽管如此Ozzy的家庭仍然困窘，由於当时疾病流行又受到地方上帮派份子的肆虐，Ozzy 也开始逃避上学并找了一份薪资微薄的工作，有一次Ozzy犯了偷窃案而被关进监牢三个月，他的父亲此後便开始想要帮Ozzy 寻找更好的生活--那就是接触摇滚音乐。因为家庭背景的因素，使得Ozzy 偏执故怪的行为思想在乐评媒体的评论上不受激赏，但是Ozzy 在重金属音乐的领域上付出许多努力，即使他的歌唱条件不是非常却还是因为他敏锐的听力与极尽追求戏剧化的表演欲望而受到乐迷热烈欢迎。 1960年，Ozzy Osbourne成立乐团Black Sabbath，成员还有吉他手Tony Iommi，贝斯手 Geezer Butler及鼓手 Bill Ward，他们合作时间非常久，在1970年发行了第一张同名专辑"Black Sabbath"，这张专辑的风格倾向於郁闷、沉抑，树立独特的乐风，促使他们成为最畅销的摇滚乐团。之後Black Sabbath的创作型态遇到困境，无法满足他所追求的黑暗表现力，於是退出Black Sabbath，另寻自己的天地。 “你可以很容易的说，嘿，你是Ozzy Osbourne，一个摇滚明星，生活对于你来说是不是很伟大？但是我犯的错误比一般人还要多的多。我从伯明翰一个普通工厂的工作中逃脱了出来，我也不需要去抢银行，我对此感到满足。我对活着感到幸运，我对我的孩子们能够去好一些的学校感到幸运，这些就是我得到的最大报偿，因为我的教育糟糕透了。我从学校里出来的时候基本上就是个文盲。”这就是Ozzy，一个实在的摇滚音乐家，一个真实的人。

用声音，在一起

沙葱的首张专辑《值得》涵盖了多种风格，在围绕这FLOK ROCK这条主线的同时，你还可以听到BLUES,POP ,FUNK,FOLK及Alternative Rock和Rock'n'Roll的动静。整张唱片真实记录了来自我们每个人内心的《困惑》，如果《老了》离你的心还有距离，那么《胳膊拧得过大腿吗》一定给我们每个人都提出了一个关于我们生存环境的问题。理想并不见得是《海市蜃楼》，《单飞》也不一定会解决问题，把《所有的歉意》留给昨天，相信《美丽让我忘掉忧伤》之后你会觉得一切都《值得》。所以这张充满人文关怀的唱片将会是一个《爱的表达》，是对生命体验之后的一次真诚的爱的表达。

小小的木偶 强烈推荐这首无比自恋的歌:  两只麻雀在电线上跳舞…… 看着月亮还看着馒头…… 烧煤又喝开水 你说这就是幸福……。 主唱在发声方式抛弃他擅长的英式唱腔,转而在实践于在假嗓的应用， 中间主唱夸张地朗诵着李后主的“一江春水向东流”音乐做得更为阴暗，大气。 即使是柔软的情歌，也散发着渗骨的寒洌。 

风琴，吉他，笛子。 有粗犷，有深刻，有无法言语的痛，有民族的悲壮，更有能抵达平常人内心的细节。 我想，所有震撼人心的伟大情感都是由细节组成，而Lube的歌体现出来的细节由简单升华到宏伟。他们充满力量的唱腔，让我想象战场的硝烟和硝烟过后的沉寂，还有那些控诉和悲吟。某个中午听到《Davai Za!》，一切烟消云散，我似乎钻进了一种情绪里，无法自拔，至今如此。 每一段时光都可以凝固一个故事，就如同每首歌都可以包容一些情绪，乐队的合唱，中年男子低沉的声音，沧桑以后的蜕变，死亡之后的升华；简单的节奏，流畅的旋律，笛子风琴营造出的民族精神，一种特殊的民族气质。 再次听到《Davai Za!》，这个午后，下雨了，某些东西清晰起来，又模糊了下去。

在黑暗的时代不反抗就意味着同谋。秋虫不想做这个同谋，《永恒的小夜曲》中“我爱你恨的，我恨你爱的，我就是你们眼中最肮脏的”是秋虫最著名的一句歌词，也是那个时期的秋虫的标志和他们最鲜明的个性写照。“用你的冷漠刺痛我，用你的纯净迷惑我，用你的神秘麻醉我，用你的疯狂摧毁我”对生存与毁灭的挣扎，对看不见的爱人的歇斯底里，没有谁能比他们的歌词更加刺痛听者。《狂人日记》中诡异的画面和血腥的场景，偏执到血流成河的爱情，占有欲战胜一切涌入黑暗。《赞美诗》中对光明的怀疑，对死亡的信仰，用最阴暗最恶毒的句子赞美着我爱你。人生中有些事是不得不做的，于不得不做中勉强去做，是毁灭；于不得不做中做得好，是勇敢。 秋虫主唱樱子说，那个时期的秋虫就是他们自己的真实写照，那时的她就是如此的极端，美丽、光明和希望都会被最后的死亡、毁灭所终结。或许这也是为什么秋虫被贴上工业哥特标签的原因吧！如工业时代般一切都充满了绝望的气息。 

《神奇秘谱•酒狂》（1425）解题云：“藉叹道之不行，与时不合，故忘世虑于形骸之外，托兴于酗酒以乐终身之志，其趣也若是。岂真嗜于酒耶？有道存焉！妙妙于其中，故不为俗子道，达者得之。”“近作十日欢，远为千载期。风流自簸荡，谑浪偏相宜。酣来上马去，却笑高阳池。”诗人李白历尽千辛万苦终于寻到了隐居的朋友，畅饮一番，酩酊大醉了也不留宿，上马即去，心中还在笑话自称酒徒之人的做作。因为他是自信的，短暂的相聚相娱足以使其友谊可“为千载期”，而无须朝朝暮暮。爱得最深，不用说出来，看着你的眼睛，一杯酒就够了

“你笑著说 喜欢我歌 想清楚我旧时怎去努力过 　　我答谢中 再唱这段歌 泪眼中前尘再掠过 　　过去为了 心底这歌 多少所爱在尘埃里撇下我 　　我有什么 我靠什么 让我可抬头去渡过 ”　　　　　　如果这首歌还能让你猛的一动,也许是,是由许愿与Dick Lee共同担纲的曲,潘源　　良的词,而我,更宁愿相信,因为许愿做这首歌时,是真心爱她,时间过去爱情成为尘封里模糊记忆,但总有什么留下来,比如掉磁粉的磁带,比如,情歌。　　　　所谓雁渡寒潭,留下的,也就是这些。　　　　林忆莲,回忆的忆,莲花的莲。

看上去憨憨的胖胖宅男，被小S说过喜感很足，声音跟本人形象差了好多，呵呵，其实挺可爱的。感觉像是楼下小卖部的大男孩，在音乐中，吴听彻将他可畏且惊人的音乐能力发挥到了极致，而他的文字，他的音符，也同样加倍感动，闭上眼睛聆听。有的人说他的声音非常棒，但也有人说他的唱功不行，关于这个我觉得就见仁见智了，但不得否认的是这张绝对是好砖，即使是听惯流行音乐的大众们不妨试一下聆听这张《色烈芬》，你们一定会感到惊喜的。 　他的房间没有窗户，工作事的窗帘不透光... 　他说：“我沉溺的世界，不呼吸在限时或幻觉，甚或两者之间，而是在那每一个音符被牵引出来之际，闪烁温暖光源的终点。”

2000年5月正式成立的木推瓜乐队，包括主唱宋雨哲，吉他手张方泽，贝司手陈创远，鼓手李旦，键盘手王鹏。代表作《钢铁是怎样没有炼成的》、《鸟人》、《悲剧的诞生》。人们对木推瓜的发现，首先来自他们音乐巨大的戏剧化效果。主唱模仿美声的痉挛演唱、简洁明晰的和声、急骤的休止和突然爆发的合奏、明显的段落和过渡、尽力克制但任然复杂多变的鼓击，还是别出心裁的吉他编配，所有这些，都无法被文字所描述。只有在现场，只有在拥挤着铁托和其他边缘人士的现场，高亢的歌声从接近原音的吉他拨奏中迸出来，人们才会知道那高亢其实是带着哭腔的挣扎，那吉他其实也是尖利的巨响?? 不等我们从惊悸、迷狂中回神，不等我们从暴风雨中抽身靠岸。两年后木推瓜解散，留下九首歌：《鸟人》、《哆嗦哆》、《钢铁是怎样没有炼成的》、《看也不敢看》、《拼了音》、《悲剧的诞生》、《我像谁》、《我的四季》、《我谦虚死了》，还有一两首来不及为人所熟知。留下刚好够一张专辑的作品，但这张专辑或许永不会录制了。 

流连忘返于Rod Stewart一大堆“Moonglow”，“We''ll Be Together Again”类似风格的作品，柔情兜兜转转，钟情于听上去扁桃体永远处于炎症的嗓子。就像加了加了伴侣的咖啡，越品越浓，越浓越醇。邂逅到那样的歌声，仿佛昨日重新上了颜色的照片，简单的词句，已是可遇不可求的感动。最近又在屏幕见到了Rod Stewart，他并没有想象中的发福，一如既往的恬恬笑容，跳起来真想ROCK一下，然后安静的窝在被子里感受柔情似水的下午，如果他肯买弄一下他的歌喉的话。

我是肖阳 代号茉莉僧 这是我以茉莉僧为名发布的首张专辑 这些歌都写于几年前 那几年对于我的人生来说正是青黄不接的时候 我每天都喝醉 每天都和昨天一样昏昏沉沉我不知道该去哪儿 也不知道想去哪儿我每天徘徊在破碎的现实和麻醉后的世界 不想也不愿拯救自己但是在心底我知道我渴望的和害怕的是什么 那正是你在我的歌里所听到的我始终相信愿意被人在黑夜里倾听的歌是美的我也始终相信 当我们放弃挣扎进入孤独 徜徉在黑暗中的时候我们的心才是真正安静和自然的它会释放出一种舒服的光它比阳光更温暖 比痛苦更真实就像你最贴心的爱人 只要你愿意你就可以得到她

在吴哥的夜里。。。。果不其然又醉了，我们喝酒，我们高歌，我们打着金属的手势一路欢笑

在“三分慵懒”一周年的时候，在大家欢庆新年的后，做一期小小的节目，一个简单的回顾，一个小小的总结，也感谢有缘遇到小电台的朋友，也希望大家能保留住三分的自己，留下三分的时间给自己，给家人，每个人青春时期都要做一两件让自己都觉得牛逼的事情，不做墙上另一块砖，一起努力加油，感谢你们，别忘了出发时的梦想

听《地上的种子》，感觉自己站在高高的山坡上，风吹过头发，撩动衣衫，悲痛淡去，人生是一望无际的旷远。我们是城市里的孩子，也是地上的种子；我们会爱，有一天也会死去。当我们来到远方，看到蓝色的山，蓝色的海。木吉他空洞的节拍中，语气轻软柔和。这首歌是来纪念野孩子乐队主唱小索的。 　　面对死亡的时候，他们唱道：你绽开微笑，大地无限蔓延。在那阳光里，留下了痕迹。 

　相信我，这种汽油味十足的美国Grunge绝对不是房间音乐——只有在车上，在基本没有隔音的美国大车上，把音量调到最大，混着发动机的轰鸣声才能在风中体会到它的好处来。从这个意义上来讲，我很是不能理解这张显得异常经典的CD封面——买它的时候，我以为我遇到的是另一个Sinead O'connor，但却没想到，正是当年这张聒噪且“不太耐听”的专辑，陪我摇摆穿梭过茫茫的阿拉伯大漠，在渺无人烟的沙特公路上体验客机起飞的推背感。The Reason，专辑中唯一一首抒情摇滚歌曲。At least for me，无论过了多久，每每听到这首歌，脑海中的满目黄沙，都会变成一片绿洲。 敞篷的4.6升直列V8老式福特车，橙色的加州阳光，180迈，心灵瑜伽的修行者在西海岸像50年代公路片一样穿梭在体验青春的朝圣之路，Yeah！

　写青春梦和很多情歌的他似一位我能在校园里时常碰到的人。会穿着有紧束袖口的黑色丝质衬衣，神色匆匆地在校园里穿行。　　有时在图书馆的二楼遇见他，站在落地窗前看外面的雨丝。　　更多下大雨的时候, 他会在Cosi门口弹吉他，在40街pub里买醉，在深夜的路灯下踱步。　　然后很久都没有再见到他。　“先爱上一首歌，然后在爱上一个人，通常是这样子的。先抛弃一首歌然后才能真正的被一个人抛弃，通常是这样子的。你不会再想起他，十分确定了，捣住心的一遍一遍脉搏着的那首歌，通常是这样子的。一直到真的又在另一张专集里又听见了，就可以试着用现在时，第三人称，惊叹句改编成另一个故事说给她听。灌一口冰咖啡，吞一口爆米花，感动也可以像看电影一样纯粹了。 同时想起一首歌和一个人比同时爱上一首歌和一个人安全，通常是这样子的......”　　――《情定日落桥》的文案

裂刃乐队 Iron Blade 成立于2001年，风格为Speed/Power Metal。从某种程度上讲，裂刃是中国金属乐的异类，不仅因为其一向的低调气质，更主要的是在这个新派摇滚大行其道的时代，裂刃一直坚持着正统金属 True Metal 的路线。这些充满激情、斗志昂扬的作品为听者带来的不仅是感官的刺激，更是在输出一种传统的价值观和积极向上的人生态度，这恰恰就是裂刃乐队所表达的金属能量，这也正是裂刃乐队与众不同之处。

一个慵懒的午后，听着《梵高先生》，突然有种莫名的感动。一直包在世俗的外套中学着遵循伦常，学着遵循规则，学着如何一点一点将自己本性剥落。好像忘记了多久之前的欢声笑语，忘了多久之前的眼泪肆流，每天带着伪善与华丽的面具，说着虚无与空洞的言语。 漫步走在街道，对着枯黄的梧桐树，刻意躲开人群。多么想撕开世俗的羁绊，做一次真的自己。可以挥洒着肆意的青春，可以大声咆哮的岁月，但一次一次的结果就是妥协，我们始终只是大千社会的一片浮尘，要么昙花般粲然开放后急速败落。要么像松树在规则中长青不败。 想起了《 Into the Wild》中妄图挑战世俗的克里斯托弗，毅然抛弃一切的羁绊，一个人踏向梦想中自然，摒弃所有社会的产物。一开始动容于他的勇气，也幻想过自己是否可以这样真正肆意的放纵一次，背上背包，一个人踏上远去的旅途，陌生的街道，陌生的路人，陌生的湖泊，陌生的山峦，在阳光中奔跑，向大海一个拥抱，忘却了悲伤。但当最后看着克里斯托弗在荒野中逐渐忘却了语言，忘却了记忆，过着原始人般的生活，此时我退却了，有心痛，更有惧怕，我怕所有文明的印记，都毁灭在自己叛逆的心迹。于是最后克里斯托弗死于荒原时，我叛逆乖张的心又一次退却了。 没有绝对的自由，却可以有绝对的孤单。 我因循守旧，梦想突破，但真的生活开始转变时我又会局促不安。总觉得自己就像《Mary and Max》中的max，他的生活一直遵循着固定的规律。像是电脑设计的计算机程序，当任何一点的变化，整个系统就会崩溃。因为这种固有的步调，能给Max安全感。他宅，他害怕交际，他体态臃肿。。。。。只因他的孤独。 在这个春意盎然的季节，樱花会开的很艳吧。。。。。 但孤单的人，只会看到漫天的落花，和落花的孤单。

在这个被物质异化的时代，理想二字已被人耻笑的不敢再提起，偶尔的一些热情也只能隐匿于网络之中；这更是一个无所谓的年代，行动的随波逐流与耳边讨好的腻情小调成为正比，更多的梦想也会在这里耗尽。而寂寞·夏·日的音乐是成熟的，是懂得改变愤怒方式的人的音乐，是那些敏感得宁愿去幻想度日的人的音乐。这在标榜冲突与不协调的摇滚刺激的国内，“寂寞·夏·日”的“顺溜”无疑将会招致不利的评议。但这种在经过高度理解下的自然融合里，将不复出现展技的狂飙、异化的对立和煽惑的意识，整体音乐在舒缓的流动中进行着适度的起伏，它们溢满了很中国的情调，也扬起很中国的听觉惯性，散出中庸内敛的氛围情境。我们可以从中很明晰地察觉出这是一种刻意被创造出的独特摇滚韵味。

尹吾-每个人的一生都是一次远行听音乐是幸福的，做音乐是痛苦的。但没想到，会疼痛至此。　　写第一首歌是在十年前了，为此在北京已滞留了将近六年。其中的曲折、种种的遭遇、复杂的感受，难以言表。即使我能够说出来，也不是什么可以造就的故事。它既不传奇也不香艳。　　一盘录有自己的歌唱的磁带，在少年时，或许只代表着一个色彩斑斓的梦幻。来北京后，则逐渐变成了一种责任，因为它耗费了那么多的年华和钱财，承载了亲人们那么多的帮助和期盼。而到现在，却已是一个既抽象又具体的象征了，一个与异己的命运殊死相拼的象征。为了让这场"相拼"有个结果，这些年，我感觉自己就象一只在窗玻璃前百折不回的苍蝇，放弃或者完成，都倍感力不从心。大多时候，只是顺着生活的惯性一味的扑腾来扑腾去，然后眼睁睁的看着日子就这么一天天的过去。　　许多人象我一样，除了每天干活、微笑、散步、向坏人致敬、为鸡毛蒜皮烦恼，在许多孤寂的夜晚，我偶尔也会陷入漫无边际的回忆，陷入那些时光流经我脑海的时候留下的每个小小的旋涡。挣扎的同时，我的喉咙里就不由自主的涌动着一些记忆沉闷的声嚣，后来有人告诉我那是歌声。　　我的歌声和我的音乐在这个时代显得有点老旧了，但是我想，音乐的意义，不仅在于取悦我们的耳膜，更在于它能通往我们的心灵，唤醒一些情感。也许这就是我能一直坚持到今天的原因。每个人都有自己理想的世界，但这样的乌托邦永远经不起现实的唾沫的湮没。于是绝望的人也就大有所在了，尹吾也是这样。然而绝望终究不是目的，于是他可以利用自己的音乐来发泄自己的无奈，《你笑着流出了眼泪》和《好了好了》就是这样。“好了好了，我接受全部的失败，全部的空醉瓶子，空空的钱夹子；好了好了不要再说了，我知道我明了，生活是次机会，仅仅一次。”　　没有深刻的生活，不会有深刻的记忆。这些年的经历，让尹吾感受到了朋友的意义，于是他对于那些帮助他让这些歌曲面世的朋友怀着深深的感激，包括自己的知心好友红枫。虽然这样，但他还是感受到了这个社会享乐主义对于人情趋于冷落的催化。《各人》，就是尹吾的无奈。“在门口我们握手，各人看着各人的眼睛，下楼梯的时候，如果你先走，我向你挥手，我向你挥手，说再来，如果我先走，你也挥手，说你慢走，然后我们各人各披各的雨衣在漆黑的夜里，各自逃走。”　　岁月的痕迹可以有多种刻划的方式，而不单单是年轮的表示吧。于是尹吾用自己的声音留下已经走过的和将要走过的日子，而我用的，只能用的就是藏存与这些浅浮的文字中的真实的感受罢。尹吾，请相信，不是一切呼唤都没有回响，不是一切损失都无法补偿，不是一切星星仅指示黑夜而不报告曙光，不是一切梦想都甘愿折断翅膀，不是一切种子都找不到土壤，不是一切歌声都掠过耳旁而不留在心上。

毒草乐队是天津第一代摇滚乐队中唯一坚持到今天的，他的成员都已经是圈中老手了，乐队主唱兼节奏吉他张振海，主音吉他高葳，贝斯安剑和鼓手王雅楠都是在天津闯荡多年的乐手。在新人和新乐队层出不穷的地下摇滚圈里，出鼓手以外的三位年轻人已经当仁不让的属于“老人儿”阶层中的成员了，他们的音乐也确实有别于时下圈内最流行的音乐风格而走了一条比较稳重的流行金属路线。作为一支技术和作品都比较成熟的乐队，他们的演出却并不多，对此他们觉得一方面是由于天津的文化氛围所限，地下摇滚能施展的空间本身就不大；另一方面又的演出基本整场都是朋克乐队。不过他们下半年将去北京参加一些演出。　　与本地其他乐队不同的是，毒草很善于利用互联网来打造自己的音乐理想。乐队参加了一家中文流行音乐网站“红色Ｂ５２”举办的原创音乐大赛，并已进入前八名将前去上海比赛。应该说，乐队目前仍处于卧薪尝胆的发展阶段，张振海已经基本上结束了历时十年的上班族生活，乐队的几名成员都已是职业乐手，　　回首多年来走过的艰辛道路，他们表示尽管吃了很多苦，但无论如何也不能放弃自己的选择，而且每天能为自己喜欢的事奔忙，这本身已经是一种非常幸运的事了。这几个年轻人从来没有想过靠组乐队获得经济利益，他们说：“搞音乐追求的是另外一种满足，而且它本身就是一种非常奢侈的事。” 　用张振海的话说，只要乐队的作品让人记住了、理解了，下次再听到这些歌时能跟着乐队一起哼唱就是乐队的最大成功和满足。由于时间和设备所限，乐队还是以整理以前的原创作品为主，令几位成员不太满意的创作、录音、作品中的一些问题也同样需要时间和百倍的刻苦来解决。

歌翻唱自韩国已故著名歌星 Oh Tae Ho 创作并演唱的遗作，这首作品的曲谱是在整理Oh Tae Ho的遗物时发现的，后来经由谭咏麟本人填词翻唱，不想竟成了这位歌手的代表作，这段经历更给这首歌以传奇色彩。这个歌手可以说是个浪荡子吧，烟酒无度不说，个人生活上也及其颓废。不幸罹换艾滋病。这首歌就是在他即将去世前录制的。此人在韩国歌界十分了得。可惜了。你听出他的声嘶力竭了吗？你听出他对生命的留恋和对生活的渴求了吗？这是个真性情的男人。听到这首歌是好多好多年前了，那时候还没有韩流。大陆流行歌坛也不过刚刚有点红火。这是我接触到的第一首韩国歌曲。听后除了喜欢外，也感慨良多。想想我们这个泱泱大国，到处是小情小调和意识形态的应景之作。哪里找得出这样真性情的，用生命去歌唱的歌者。即使发展到现在，又有几人。

喜欢Def Leppard乐队主唱Joe Elliott那沧桑而略带沙哑的声音，以及双吉他演奏的风格，非常优美、强烈的节奏感，80年代经典长发造型，当然还有鼓手这种精神（断臂后还继续以惊人的毅力和顽强的意志重返乐队），其实乐队流畅的旋律和优美的和声是乐队的特征之一。

 在电影《岁月神偷》里，罗太说一句话，“做人，总要信，总要信。”一辈子卖鞋的罗家所能理解的这句话，也许就是生意和做人的诚信。但是看罢这片黯然的岁月悲歌，罗太说的也许是活着所要的一口气。一步难一步佳，岁月里无非如此起落，也是金玟岐所唱“好的坏的”交替剪辑的风景。这是我对歌曲《岁月神偷》的理解

交工乐队是一支台湾美浓的地方乐队，他们在九十年代反水库运动中用音乐，用美学去战斗的一支重要力量，他们推出的首张专辑《我等就来唱山歌》，用母语客家话歌唱美浓这个美好淳朴的乡村， 　　　用歌声表达农民对水库建设的不满和抗议。这张专辑引起音乐界文化界的广泛关注，为自己的家乡引来足够的关注和对水库项目的质疑。2000年，陈水扁上任，遵守承诺 ，停止修建美浓水库，美浓人们获得反水库运动的胜利。 　  　　交工乐队之后出了第二张专辑《菊花夜行军》，和《我等就来唱山歌》的战斗性质不同，这个专辑讲述的是一个外出拼搏失落而归的青年回到家乡生活的心路历程，不变的是，依然用客家话演唱， 坚持大量使用锣、鼓、唢呐、月琴等等在客家地区广泛流行的传统乐器，关注的焦点依旧是自己的乡土和乡亲。  第二张《菊花夜行军》、第三张《临暗》让他的乐团两次打败“五月天”获最佳乐团奖。 　　 　　当然，林生祥很牛逼—— 拒绝领奖！ 　　陈述为什么拒领的理由时，他说他不赞同按族群语言来给音乐分类，批评政府的族群分裂行为，并宣布把25万台币奖金分给与他的专辑《种树》相关的四个组织：美浓自发性种树团队、美浓社区报《月光山》、　讨论有机农业的《青芽儿》杂志和为农民发声而坐牢的“白米炸弹客”杨儒门（2003至2004年间，杨儒门为要求政府重视WTO开放稻米进口后农民的生计问题，在米袋中装上炸弹，在台北无人地区引爆17次，　　　　后向警方自首入狱）。 　　　  　　这就是牛逼的交工乐队，牛逼的林生祥。 　　　　 　　最后顺便说一下，大陆并非没有交工乐队这类坚持用方言演唱，歌唱自己家乡的音乐人。比如一直坚持用潮汕话演唱的“五条人”乐队。他们的作品能让我们感受到海丰这个小城市生活面貌，谐趣简单而亲切

20年过去，作为90年代内地流行乐坛最具风格的校园民谣，它像流水一样覆过一代人的身体，留下不可抹去的烙印。 　　也许你不一定能在脑中哼出这些旋律，但或许会被这些字句打动。这世上，有些词语注定为激动人的心灵而存在，青春、理想、流浪、忧伤，还有爱情……那唱歌的少年，已不在风里面你，还在怀念，那一片白衣飘飘的年代。。。

当年听校园民谣片头，明明听到的是林志炫的声音，但去音像店找，总是找不到那首歌。  　　10年后的今天，才知道那是林志炫还是优客李林的时候，在《黄丝带》里面的一首歌，《毕业纪念册》。  　　“凤凰花已开放了，空气中有夏天味道，与你千日相处时光，从今变成回忆资料。”  　　凤凰花是南国一种极美的花，火焰和血一般的红色，盛放的时候，是盛夏夏意最浓的时候，但是我们必须分离。那个时候在夜半时分打开收音机，插上耳机，只是为了郑阳的舒缓的声音，以及那个惆怅到轻灵的片首曲。  　　“有相聚就有分离”  　　宿舍旁边是一片草坪，10年前的那些夜晚，我们围坐一起，弹奏吉他，低吟浅唱，有谁默默地哭了，从来都不承认。当年流泪的你，现在回首，是否有一样心情？  　　“来路请你爱惜自己，勇往直行。”  　　10年后的相见，我们变化了一点，又似乎没有变化，一切都开始于那个傍晚，我们遇见。这个时候的我，看你的眼神，已经不是当年；这个时候的你，听见我的话音，总牵扯回过去。 就像未曾相处过那样，今后请继续过着自己奇妙的人生。  　　“天空开放给飞翔的年少，我们的路才刚刚开始，” 

梦已将我们遗忘　也遗忘了所有的疯狂 　　我不能带你去飞翔　只能这样在黄昏里流浪 　　我们慢慢的苍老　慢慢的失去了力量 　　可仍然期盼那只属于我们的　美丽的远方 　　这次EP进行了一次风格的探索，各种元素综合的实验。 黑阳K-evil个人工业音乐计划，2003年开始以黑阳K-525的身份制造声响，2004年完成《EP2》的制作。 　　因为对EBM与工业金属等工业音乐有着强烈的神经共鸣，所以便开始创作，这是对麻木、慌乱、绝望、疯狂的个人精神世界的一次永无休止的映射。

很累很累的时候，有时会想，如果脑袋中有个格式化功能键多好，摁一下就清空记忆，清空烦恼，重新整装出发聊一聊三分慵懒，这个电台，便是希望不断地提醒有缘遇到的听者，希望你们不要在出发的路上迷失了自己，忘掉自己出发时的梦想，无论生活多么艰辛，工作多么艰难，都要留住三分慵懒的时光，留住三分初心。如果我们每个人都是一个10等分的个体，或者把我们生活中所拥有的时间以10来等分，那么，现在，这10等分的个体里，你找到了几分那个还怀抱初心的真实自己？而在这10等分的时间里，你又拥有多少真正属于自己的沉淀、自省、放松、自由、爱与陪伴的会呼吸时光？ 人生似长又短，无论人生何样，生活何貌，我们都在努力地活着。七分的支出后，请定留下三分的自己和三分属于自己的慵懒时光。在这三分里，去呼吸吧，去邂逅最初的自己吧，去陪伴，去爱，去行走，去体会，去冒险，去挑战，去做自己真正喜欢的事情，去寻找自己最初的梦想。。。而今天，在这个悠闲自在的周末，不听有点喧闹的摇滚，不听感觉严肃的古典，来点放松的流行乐吧

“二手玫瑰”乐队是北京摇滚的后起之秀，在专辑发行前已名震京城。是2002年 北京演出市场上最叫好的乐队。“二手玫瑰”乐队的火爆、旋律与装扮有其直接关系。“二手玫瑰”的旋律以东北二人转为基调,谐趣幽默.浓郁的东北风情铺天 盖地，精细三碎的节奏，悠扬喜庆的唢呐与锣鼓，大秧歌的尽情渲染，一种天天 过节的气氛，让人欲罢不能。主唱梁龙在演出时更是继承了中国曲艺精粹的旦角表现方式,以“四大名旦”为榜样，男扮女装、浓妆艳抹、挥洒豪情，再加上流 水板似的现场串词和拿捏准确的一颦笑，使业内人士惊呼“中国曲艺终于找到了现代化的道路”。“二手玫瑰”是一支极具中国特色的乐队，是中国曲艺的继承者的发扬光大者，在瑞士演出时，现场观众一直随着“二手玫瑰”的节奏齐声高喊“中国！中国！” 　　“二手玫瑰”音乐中有中国民乐成分，但是唯一令人觉得不寻常的是用了木质管乐唢呐，听起来像是很具有穿透力的双簧管。梁龙用那种调侃的或是双关的语言来表达对金钱和爱情的追逐，表达他在如今中国所置身的那种环境，因 为在那里人们诚惶诚恐地觉得老的习俗和安全将会消失。  只要稍微看看二手玫瑰的歌词，就可以看出二手玫瑰的创作意图很明确，但是使用了同样的手法；拼贴，冲撞，忽软忽硬，将严肃和滑稽并置，将深刻和虚荣并驾齐驱，情绪在愤怒和狂笑之间游走。在人生话题上，二手玫瑰最重经营的，除了粗俗的性之外，就是关于生活的选择和现实对理想的压迫。尽管所有的摇滚乐都处于同样布满现状的视角，二手玫瑰以乡村市井的刻薄和乡村世故式的解答相比西方式的单纯控诉 政治、体制、未来这样大而不当的命题要更让人觉得痛快的多。

《上海童年》里的故事，我们小时候也有相似的经历。 　　小时候大人给两三个铅角子都会开心半天，放在口袋里摸来摸去；小时候经常去新华书店边蹭空调便蹭书看，皮的男孩子会被店里阿姨骂；小时候吃肯德基只有考试得高分乐器考级通过了才能坐在里面香喷喷吃套餐，大多数时间进去只是进去上个厕所；小时候的电视机质量不好，屏幕上没图像了就拿手去拍两下，图像就颤巍巍地出来了…… 　　我们的童年都那么有劲，或许我们都在曾经的时光里见过面。 这就是南方接地气的摇滚，一朵三俗又大雅的奇葩。朋友说，在北方统治独立音乐的时代里有个地域性很强的乐队也算是个标杆了。我觉得说得没错，希望这朵奇葩能老卵地一直绽放下去哈~

Ville Hermanni Valo，一个习惯自嘲的硬摇滚先锋，又是个痛苦欲绝的诗人。在台上时，他一手拿着瓶红酒一手叼着支烟，好象就是以前Jim Morrison的翻版，只不过Valo的嗓子更加低沉而富有情感，他会不断引起你的注意。Valo的母亲是匈牙利籍移民，因此这也难怪Valo的外表阴暗，就好象体内流着吸血鬼Dracula的血液一样。HIM便是His Infernal Majesty的缩写。这就是他——曾经在他父亲的性用品商店里工作。那段时间里，这个集天使般的面容和魔鬼般的微笑于一身的孩子看似一切正常，但他一直有个梦想。当周围的音乐让他醒悟后，这个孩子开始追求更多东西。他觉得很多音乐缺乏灵魂和想象力，他希望要一种音乐——可以感动你，让你痛苦流涕，在你的心灵上留下深深的痕迹。然而他最终实现了他的梦想……  某年冬天，偶然在街头看到H.I.M的现场。满场雪花般飞扬的纸片，柔和的灯光里，有个男人戴着黑色线帽夹着烟站在其中。看不清长相，只听到他款款地如朗读咒文般唱出如此细腻神圣的诗篇。黯然欲泣的音符，凄美缠绵的歌词，还有他温柔与低沉兼并的好嗓子。自此难忘。

漂亮的旋律，柔弱纤细的唱腔，从来都是duran duran的标志，也一向都那么吸引我，从come undone，到perfect day, too much information，再到这首ordinary world，无一不是如此。  　　  　　忧郁的歌词，空旷寂寞的旋律，是这首歌格外摇撼我的原因：  雨蒙蒙的周四，我从大街上回来， 　　我想我听到了你在温柔的说话。 　　我打开了所有的灯，电视，还有收音机， 　　仍无法从你的阴影中逃脱出来。 　　这一切都怎么了？ 　　“疯了”，有些人说， 　　我所熟识的生活在哪里？ 　　已然消逝…… 　　 　　但我不会为昨天哭泣，有个普通的世界， 　　我总会找到的。 　　当我努力走向去这个普通的世界的路上时， 　　我会学会活下去的。 歌曲描述了一个失恋人的心情，他在故作坚强，想摆脱和情人共有的那个伤心的世界，想回到那个普通的世界。但我能听得出来，他根本做不到，他打开了所有的灯，电视，还有收音机，但仍无法摆脱对她的思念，　　 他的生活乱成了一团遭……优美流畅的旋律下是歌者在流泪，就像一朵在哭泣的花，虽然在哭泣，可依然是那样美丽。 　　歌中没有唱i love you，但歌者对情人深深的爱恋却跃然于纸上。其实，整首歌所表达的意思就是简单的一句话：i love you, baby…… 　　 　　听到最后的那句，歌者无数次在呼喊着的“i will learn to survive”的时候，我的心也跟着他的一起碎了…… 

苏格兰摇滚乐队Biffy Clyro，自1995年成立以来，已经17年。2001年至今共发行五张专辑，却是在07年的专辑《Puzzle》之后才被主流乐迷所熟知。乐队早期深受Nirvana影响，作品也经常被拿来与其相比较。随着时间推移，Biffy Clyro的风格也越来越多元与个性化，Nirvana的标签渐渐被淡忘。直到Biffy Clyro发行自己的这第五张专辑《Only Revolutions》的时候，我从来都没有关注和了解过这支乐队和他们的音乐！很庆幸自己在专辑发行两个多月后，因为英国专辑榜的Top10里出现这个陌生的名字，于是我才开始注意这支其实出道已久的苏格兰乐队不要被The Captain硬朗嚣张的前奏蒙骗，随后朗朗上口的旋律和有趣的英国腔都会让我这等不太待见“吵闹摇滚”的听众会心一笑，并放下预设的不友好的立场，耐心听下去！接下来的That Golden Rule倒是一硬到底，不过当主唱唱到I Want To Scream时，我也忍不住想要随之摇滚呐喊，于是我知道自己已经喜欢上这给劲儿的音乐，后半段让人印象深刻的伴有小提琴的器乐演奏也算得上一大亮点！Bubbles和Shock Shock有点Power-Pop的意思，凡是和Pop沾上关系的当然也是易于接受认同的了。 通俗流畅的Mountains打入了英国单曲榜Top10也在情理之中了，不过I Am A Mountain I Am The Sea这种歌词，窃以为有点伪诗歌般做作俗套！整张专辑所呈现出来的Biffy Clyro也绝对要比唱Mountains的他们更有趣，更有才，更丰富多彩，更值得你好好听一听！

“面孔乐队”是当时国内唯一签约世界五大唱片公司之一——BMG的中国摇滚乐队，而一张唱片销量达到七十万张，这也是一个不小的记录。和所有人一样，在我心中，他们的解散让大家感到惋惜，而结束并没有让乐迷们遗忘，直到今天，他们的旋律在心中响起时，勾起的不只有倒背如流的词曲，还有这些音乐陪伴我们度过的时光。很怀念以前买盒带听的那段岁月。每次拆开新买来的盒带，一边迫不及待将卡带放进录音机按下播放键，一边又目不睱接地看着歌词内页，感受着它的“质感”和带给自己的“惊喜”。就像翻开超载乐队、“魔岩三杰”、郑钧等盒带一样，这样的心情也曾属于面孔乐队。长发与个性张扬向来刺激着正处于青春期的躁动灵魂，而面孔乐队将这视觉的冲击感和音乐的爆炸感同样带到了听众面前，他们以“面孔”为名，而人的面孔可以是善良本性的呈现，也可以是丑恶虚伪的代名词。喜怒哀乐皆由此生。但当这副面孔被玷污的灵魂所控制时，虚伪欺骗乘虚而入，我们看到的不再是面孔，而是面具的伪饰。

Crowded House这个名字，除了独树一格的的流行质感，还有那虽然略显怀旧，却无法取代的幸福与满足感。来自新西兰的Neil Finn，1985年率领一班杰出的音乐人，于澳大利亚组成Crowded House，在80年代未期至90年代间，写下一页辉煌动人的音乐历史。Crowded House的团员背景，让澳大利亚与新西兰的乐迷，都将之视为国宝引以为傲除了独树一格的的流行质感，还有那虽然略显怀旧，却无法取代的幸福与满足感。如果你喜欢don&`&t dream it&`&s over,喜欢carry on,喜欢八十年代俗气的梦幻感一本好书，一张Time on Earth，一杯装在Mug里的咖啡，如果还有一缕温暖的阳光——8年应该不会太长……

人生潮起潮落，每个人都有自己骄傲与珍惜的时刻，在记忆的深处，而将音乐视为生命的我，尤其珍惜的年份是1994年是巧合还是注定？历史都让1994年成为了中国内地流行音乐史上最值得大书特书的年份。 这一年发生的太多，经历的人好多都未曾消化，没有经历的人旁观这段往事，更是不知道从何切入。致敬1994，就是这样一道门，虽有历史的尘埃，但却难掩经典的光辉。

白日梦蓝总感觉像折纸飞机的那个年代 这首歌的前奏也总给我sonic youth的incinerate的错乱 不强带深刻的歌词加上流畅的旋律和主唱略带羞涩的唱腔 把我们带入一幅画面 那里是没有烦恼的 那里的人都是微笑的 　　说的太多 总觉得做作 整张专辑更像一个青年告诉我们 我们正年轻 我们可以伤感 但我们年轻 我们应该有梦 我们的梦是干净的 就像他们最后唱的  　　翻过这一页是新的起点 　　下一个故事中没有黑夜 　　金色世界一望无际的麦田 　　这里的故事我还从未体验 　　纷繁世界被锁在里面 　　其实我们只是些忧郁青年 　　距离不远但也从未相见 　　关于理想的故事已不再有感觉 　　拜拜 挥手告别 　　不知何时还会再见面 　　拜拜 我会想念 　　所有欢乐已化作思念 　　 　　我想说这是一张10年后 依然年轻的专辑 　　来自刺猬 　　来自我们的白日梦蓝 白日梦蓝】长长的前奏很美，跳跃的，有力的，歌词有些忧郁“青春是青涩的年代，我明白，明天不会有色彩。社会是伤害的比赛，当我醒来时才明白”。但是我们的梦境总是色彩斑斓，姿态鲜活，它让现实的生活不那么单薄，不那么疲软。于是我想我还有力可以过好明天。 

Angizia在地下音乐界创造了一种异于传统的的疯狂音乐形式。 乐队给于钢琴声部特别重要的地位。在Angizia音乐中极为丰富的戏剧化场面里，Engelke与Szinonem二人都把三角钢琴的声音放显著位置。经过一年的艰难努力后，Engelke和Szinonem终于完成了Angizia的首张专辑"Die Kemenaten scharlachroter Lichter"; 这张独一无二风格的唱片将Angizia与当时所有的音乐类别区别开来，至今仍然是金属乐界为人谈论最多的焦点唱片之一。这是关于一个阴郁而忧伤的宫廷诗人Konstanz Bürster的故事。1997年春天, Engelke完成了中篇小说"Das Tage buch der Hanna Anikin", 这篇小说即后来Angizia第二张正式专辑的基础。这张唱片是乐队俄罗斯三部曲的第一部分。Engelke把著名奥地利蒂罗尔声乐家Christof Niederwieser (KOROVA乐队成员) 纳入Angizia，形成"Denner-Engelke-Niederwieser"三重唱，一个全新的表现力无穷的组合。Irene Denner 在乐队中担当女声独唱，她的声线加强了音乐的紧张压迫感，其水准绝非当今肤浅而沉闷的所谓歌特乐队可比。Szinonem的钢琴在"Die Kemenaten scharlachroter Lichter"的宏大音乐结构中隐现，支配着整个音乐氛围，在长笛，长号，木吉他，电吉他，鼓以及疯狂的歌者背后清晰而有力"如果你足够的疯狂与偏执，那么请跟随Angizia的航线在无尽的海洋上飘荡，远离那些以苍白的口号麻醉消费者的商业岛屿。不要浪费时间，你一定可以追赶上这支卓越的奥地利舰队的伟大航程！ 无论商业音乐的市场潮流和既定规则如何变化，这支狂野和叛逆的的乐队将一如既往的沿着他们自己的美学观念继续战斗下去。

呼呼，总是一种很累很累的感觉，总是坐下来休息便能睡过去的感觉，但是头脑中是一股火辣辣的烫，觉得有无数的事情要做。关于工作，我自己做了一个小品牌“三分慵懒”的手工鞋子，自己设计与生产，明年会开始做手工包。三分慵懒的LOGO是一直眯着眼睛，有点懒懒，坏坏却实际萌呆的猫叔，最近也开始创作猫叔的系列漫画，每周更新1-2期，在“三分慵懒良品”的微博中，了解节目的优缺点，来改进自己而电台，虽然耗费了很多的时间，但是对于我来说，音乐就是生命，每段时间，我自己会想听某个人，或是某个乐队的歌曲，便整理资料做一期节目，纯业余的水平，但是会用心去做，分享给你们，希望一起在70%时间努力工作后，可以享受三分慵懒的时间　　听着COCO的歌曲，你似乎可以在嘴边尝到夏天的味道。我可以想象，在夏天的傍晚，我穿着色彩斑斓的T恤和短裤，赤脚漫步在沙滩上，迎着落日在身后留下一串脚印，此时耳机里传来coco温暖又清凉的声音，那该是人生中一大惬意的享受。 　　 好的音乐可以给听者留下一段回忆。每当我再次在我的ipod里放出这些熟悉的旋律的时候，我总会想起那年的我，那年的我们，那年的你和我做过的那些浪漫的事。　　 即使那一切都再也回不来了，但是那些记忆却可以伴随着这些动人的音乐永远被珍藏在我的脑海里。 

1996年乐队成立于武汉，之后几年人员几经变换，于1999年固定下来，风格也基本上成形。 2000年5月初，乐队利用有限的设备录制完成小样。在糅合了英伦摇滚，民谣摇滚、skA和少许电子气息的基础上，乐队更注重旋律和乐曲编配，通过成员们的自我创作形成一种自身独特的音乐风格。 很难想象，后来那个唱着“只要有浪漫的誓言，我们笑的一样甜”的彭坦，曾经也写过“编制这张网，结成一个蛋”这样荒诞和痛苦的歌词。彭坦说，他当初之所以组乐队就是因为当初听了崔健的那张《解决》，他觉得在世界面前把想法吼出来的感觉很过瘾，很好地，在达达的首作里崔健的刀子精神被演绎地出色又优秀，一点也不带软的，这张《天使》也在很多年之后带给了我更多的感动和珍贵。它比《黄金时代》青涩，但却把十七八九二十出头的痛苦和绝望表现地淋漓尽致，它的内核是尖尖的刺人的痛苦，却也因为这种痛苦让它更为耐听，时光过去重听一遍，新感受新触动已经不必多言，放在内地摇滚不短也不长的贫瘠河床中，它依旧是一颗很大很亮的壳。至少，以后再提起彭坦或者达达，我会觉得他们愤怒起来的样子更好看点。《天使》中的达达才是那股精神所在，他们有青春，并且肆意张扬，他们敢为他人无法理解的梦赌上一切，他们闲静少言，他们不慕荣利，那时的他们穷的只剩下青春和梦想。

极地双子星基本上是个三人乐队。1981由吉它手罗宾・格思里（Robin Guthrie）、威尔・希格瑞（Will Heggie）和主唱伊丽莎白・弗雷泽（Elizabeth Fraser）组成。 Robin和Wil在酒吧结识了正在跳舞的Liz Fraser，把她招收为乐队成员。 1983年，推出Peppermint Pig单曲后，Will Heggie离开了乐队，另组LOWLIFE。之后孪生卡度曾一度维持2人组型态推出作品。 这群前卫音乐家们创造出了梦幻一般的奇异音乐。迷朦的气氛下优美夹着伤感，又流露出强烈的浪漫气息。主创Robin Guthrie运用大量吉他噪音、延迟、回声、变形、电琴弓以及鼓机等手段营造出阴冷颓唐的旋律，再加上女主唱Elizabeth Fraser独一无二的、变幻莫测的、激情与技巧结合的声线使他们成为另类音乐界最美的声音

张楚的歌适合在安静的地方听，即使象《厕所和床》那样稍微急骤点的也无法和嘈杂联系在一起。听他的歌，会让你思绪万千，感觉自己要飘忽游离这个尘世，虽然他唱的就是世俗琐碎。这些琐碎会让你觉得自己身在桃花仙源之中：一个和现实世界很近似曾相似但又无法企及的境界，仿佛歌者和深入其境的听者都不在这个年代，他们都远在彼岸。《孤独的人是可耻的》给人的这种感觉尤甚，虽然它只过去了十几年，但重新听它却就象回到了古代。《造飞机的工厂》相比之下就显得真实点，但它也只属于98年的真实。一如既往，张楚在这张唱片里依然用他那沧桑纯净的嗓音和隐喻的词句歌唱着往昔。 他无所谓的生活着，从那一年在香港，直到这一年到上海，演唱会都会迟到，还会有些手足无措，还会有些羞赧，甚至不知道在唱歌的时候把手放在哪里。所以他是唯一一个坐在椅子上唱歌的摇滚歌手。 　　他就好像是一个讨厌的孩子，童言无忌地说出所有大人们避讳的话题，那么血腥露骨，那么直截了当，那么顺其自然由显得理所应当。但是我很喜欢，一直以来都很喜欢。 　　苍凉的声音，是从闹市的街角传来，从人们冷漠的眼光之后传来，从人们不确定的情绪之中传来，鲜活的人们，无聊的生活，升官的升官，离婚的离婚，无所事事的人们，我已经找到了厕所和床，面对我面前的人群，我得穿过而且潇洒，他们说女人很温柔很爱流眼泪，说这很美…… 　　张楚的皱纹，就好像是沉寂在他那消瘦面孔上的灰尘，灰尘下面的，仍旧是在城市夜空渐行渐远又此起彼伏的悠远歌声……

春秋”作为以原唐朝乐队吉他手Kaiser（郭怡广）和主唱杨猛为核心的重金属乐队，从组建开始就已经明确了他们对中国文化的喜好与探究。此前《演义》专辑中就已经打下了Kaiser的印记，如今在《春秋》里则是更进一步地深化地实现了他对中国文化与重金属音乐结合的想法。而杨猛的突出作用在春秋乐队的旋律写作和歌词创作上可见一斑。专辑中最有古风古韵的《山海间》一歌足够与“唐朝”的《演义》一歌相比肩，甚至是青出于蓝。简单的吉他编配加唱，宛如船头对酒当歌抚琴鸣瑟，颇有文士风采。专辑中其他歌曲，尤其是像《猎人》这样明显具有《演义》专辑演奏风格的歌曲，很容易让听者联想到“春秋”与“唐朝”的一脉相承性——在“唐朝”中做不到的，就让“春秋”去完成。专辑中还有不时出现的一些少数民族小调音乐和片段（《传奇》），也都一起表现出“春秋”的立意所在。专辑中最出色的部分无疑就是那些浸润着民族韵味的段落和旋律。所以有中国特色的重金属和人文气息在这里觅到了踪迹，这一创作道路才是“春秋”未来所最适合的。最后不得不指出乐队的软肋所在：主唱部分。专辑中刚猛的重金属音乐与杨猛的嗓音条件并不十分协调，高音部分、金属音乐所需要的嗓音穿透力要求这些都是“春秋”目前需要解决的问题。倒是《山海间》这样的歌曲比较适合杨猛的气质和嗓音条件。

弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦（F.F.Chopin 1810─1849），19世纪波兰作曲家、钢琴家。肖邦的作品几乎全是钢琴曲。尽管他的老师埃尔斯纳等曾一再鼓励他从事民族歌剧的创作，但是肖邦很清楚自己的所长和所短，始终局限于钢琴创作。创作范围的局限丝毫不影响尚邦作为作曲家的伟大。他在钢琴音乐的领域内，不仅写下了大量杰出的作品，并且对钢琴音乐、乃至整个音乐创作的历史发展作出了重大的贡献但是此曲曾一个人在夜深的卧室中，循环了一夜，用最大的音量

张楚，有着腼腆神情和无辜眼神的张楚象一个行吟诗人：他选择了出走，背离的是城市：“收拾破碎的梦想，背起破旧的行囊，舔着心头的伤口，永远都不会遗忘。午夜搭一班货车，去流浪一直向北方”（《北方过客》）。年轻的张楚在这一刻是决绝的/独立无羁的；作为过客的张楚走过了沉重的黄土地，走过了凄凉的阳关古道，走过了苍茫的草原，他重新变得迷惘：“在地平线上飘过的太阳车／满车是我的惆怅／你要奔去何方／再载我的一片痴心妄想……”（《太阳车》），这时候张楚的大部分歌曲都是创作在路上，他将一路上的所思所想融入自己的音乐。这就使得他的音乐更多的具有了现实主义的灵魂和流放贵族的特质。进入九十年代，张楚终于觉得疲惫了，他选择了回来，回到城市，回到生活，如果你以为张楚就这样遁入世俗，那么你错了。《上苍保佑吃完了饭的人民》《冷暖自知》《和大伙去乘凉》这些极为生活化的作品，使张楚作品在孤独中具有了亲和力，“我被天上的太阳晒成漆黑，睁不开眼，只能回到内心左右看看已经干枯”（《 和大伙去乘凉》），清楚地表明了他最初信念的遗失，然而另一方面，对社会世俗层的关注与同情使此时张楚的作品带上了人文主义的意识。进入90年代，我们看到一个疲惫/犯困/柔弱/听话/想牵着姐姐的手回家的小弟弟，这宣告了80年代那个孤独而悲壮的行者已经离我们远去。我们没有理由要求张楚什么，毕竟，社会已经进入了一个喧嚣浮躁以欲望为主题的大众时代。 

在内地摇滚乐的历史上，陈劲不仅是一个古董级的贝司手，更是一个“玩”音乐的典型代表。即使在1992年签约“大地唱片”、成为一个歌手前，他就已经拥有了“宝贝兄弟”、“大鸟”、“红色部队”、“做梦”等乐团的履历，而在离开“大地唱片”后，陈劲又回归了贝司手的本色，陆续参与了“窦唯·译”、“二手玫瑰”和Jungle Cat等多支乐队，而且从其加盟的乐队风格来看，亦是“融合”、“爵士”和“民族摇滚”五花八门都有。而这种性格，在陈劲做独立歌手这段时间所表现出来的就是，他能将所有风格都玩得很像，但却总是欠缺一点重组后为己所用的霸气，而他在《雾气里的昆虫》这张专辑后，又再度做回乐手，不知道是不是也是他对自己的一种认识。 　揭开表象之后才能看见本质。事实上，在陈劲以唱作歌手发展的那段时期，他依然很清晰的表现出他创作的生命线——民谣。从为艾敬的首张专辑《我的1997》创作的《你的军装》、《我要回家》和《离家的时候》，直到这张专辑里的《阳光下的温柔》、《起飞在冬天》这些作品，只有在这种生活化、遭遇化的情绪语境里，陈劲才能够更好的把握自己、舒展自己，这与他在华丽风格表面下失语的作品相比，也更容易表现出作为作者真挚和真实的一面。 其实，不仅是陈劲，那个时代的许多摇滚歌手，其实都像这张专辑里一曲《逼上梁山》的歌名一样，在阴差阳错间走上了摇滚这条单行道。从事后一些歌手的转型，你就会发现，其实这中间有许多是出色的民谣歌手，有些是非常风花雪月的浪漫诗人，有些根本就是一个对流行特敏感的潮人，当然也有一些是纯粹的投机份子…在1993年发行的这张陈劲专辑《红头绳》，事实上就是一张很《新长征路上的摇滚》的专辑。如果你的身边恰好同时有这两张专辑的话，在对比之余，你就会发现前者不仅走的多元化摇滚的几种风格路子和后者如出一辙，甚至就连一些具体的作品进程，都可以从后者中找到参照物。如《痛快流戏》的Rap，就很《不是我不明白》；《我幸福的活在你们身旁》的民谣弹唱，又很《花房姑娘》；而《逼上梁山》中的那股子燥劲，同样很《从头再来》。不仅编曲风格的有迹可寻，事实上，陈劲在文字创作部分的思维模式，也同样很崔健。只不过由于陈劲在音乐创作上，没有崔健的野心和洞穿力，也使得他的许多表达只是流于形式。 不知道是长大，还是时代的变化，不知道从什么时间开始，当看到，麦子，流浪，希望，理想，迷茫，忧郁诸如此类的词，就会觉得矫情。但是听《红头绳》的时候，却感觉，亲切自然，没有那么多的矫揉造作，我不知道是陈劲内心的纯净还是他当时那个社会的纯粹。  阳光下的温柔，游吟般的诉唱，黑暗中的内心独白，“擦亮我的皮鞋，寻找阳光下的温柔，我看到太多的诱惑欺骗，看到悲哀的人在我面前，我在喊，我在喊，有谁听见，来牵着我无助的双手，带着晚霞的天空，回到没有邪恶的梦中。”哪里是出口，那里是方向，前方，只是一个美丽的岔口，…… 　　 也许，每个年代都有每个年代的迷茫，每个年代都有每个年代的悲伤，幸运的是我们能听到陈劲在用心歌唱。

JAYWALK 走访亚洲各国家之后，成员之一的贝斯手中内认真的学习中文，他们慢慢地发现，与其说自己是个「日本人」，还不如说是个「亚洲人」更来得贴切。新专辑的构想是在去年产生的，台湾的唱片公司建议，唱的歌曲不妨是能够让华人琅琅上口的旋律，因此就以 JAYWALK 所感受到的亚洲来作一张专辑，於是促成新作「ASIA～风迷亚洲～」的诞生。专辑中特别翻唱王菲的「我愿意」、张惠妹的「原来你什么都不要」、林晓培的「心动」，张雨生的旧作「大海」、姜育恒「再回首」等歌曲。JAYWALK即“JAYBIRD WALK IN THE HEAVEN。JAYWALK由主唱中村根一、吉他知久光康、BASE中内助六、键盘杉田裕、鼓手田切纯一、打击乐手清水达也6人组成，是一标准的乐队。他们1980年组队，1981年6月1日推出首支单曲——《Just Because》。主唱中村根一也没有出人的歌喉，歌曲也没有激烈的节奏，但有一点是其他所有的乐队、演唱组都比不上的是“和声”这也是JAYWALK受欢迎的地方，6人不分主次人人都能当主唱，6人的歌声和在一起时那种共鸣声是最美妙的，令人想起了教堂的唱诗班的歌声仿佛是从天堂传来的。

制作人会写好听的歌，会戴着耳机坐在调音台前是远远不够的──他必须把音乐做到精致完美，让每个乐手发挥出最好水平，让MIDI调出最合适的音色，让歌手的声音符合词曲的意境。这一切可以不由制作人亲自去完成，但是他是最后把关的那个人。尤其难的是，要让一张专辑有一个统一的主题，并十分符合歌手的灵魂。在这个会写歌就可以制作音乐的年代，有几个制作人做得到？但是，总有一些杰出的大师，运用他们超卓的洞察力和对音乐、对人性的敏锐触觉，把歌手从顽石点化成美玉，给我们带来杰出的歌声和永远的感动。

沙哑有力的声音 噔噔噔的吉他钢琴萨克斯 浓墨重彩的内蕴生命力 都跟着燃起来了！不开心的时候听它就没错！一直往前走，看不到路，就用跑的吧沙哑的嗓音，富有感召力的歌词，作为一个美国人，布鲁斯 斯普林斯汀写出当时美国社会的现状，觉得The Boss最牛逼的地方在于他将美国中下层民众最质朴的情感用叙事诗般的语言和乡村以及blues rock兼具商业流行特质的形式表达了出来，仔细看歌词，别有一番体味。尤其这张专辑最后一首my hometown，son take a look around, this is your hometown。放到当下中国，你会发现，说的正是我们。

　　 胡德夫的专辑是2005年初出版，而是我是从今年9月底才开始听这把声音，可能落后于很多朋友，但这并不妨碍我对这把声音的喜爱。当时《匆匆》的前奏钢琴声刚响起的时候，就被震撼到。这个60岁的老男人，声音真好听。若是用耳机听，只有简单的钢琴配器和浑厚的声音、而视频里他，满头银发，弹着钢琴，忘情的歌唱，状态绝不亚于崔健。　　　　 而我想他的歌为何会引起如此多的人的共鸣，或许是因为他的歌里放入了岁月，有历史的印记却不是简单的历史呈现，更是因为透彻的人生，　　以及他厚实的背脊。他灵魂深处的音符，来自山，来自海那般辽阔的旋律。　　 而胡德夫身上的标签，除了晚年出专辑、台湾民歌之父等之外，还有一个标签，就是卑南族——他是原住民歌手。　　 几十年来，在那个美丽的台湾岛上，岁月流转，历史纷呈。那一颗颗子弹，那一次次的抗争——台湾与大陆、原住民与外省人、党派的轮转、一个个传奇人物来了又走。　　　　许多人看胡德夫，总会喜欢从政治角度大于音乐角度观察。而其实，作为音乐人的胡德夫，才华横溢，风格鲜明，他的作品悲壮但不绝望，他目睹台湾原住民在社会边缘角落的悲情与苦痛，全力创作以激励原住民悲苦奋斗，希望以他的文字与歌声，唱出原住民奋起的决心。他的作品歌唱自由解放，在资本变迁、权力更迭的贪婪社会之外，使得原住民保有虔敬看天、自由自然的生活观；也使得其他的听者，在他的音乐中让心灵颤抖之后，找寻到投救的希望。比如《牛背上的小孩》、《大武山美丽的妈妈》、《美丽的稻穗》等，都是这样的作品，令人听得心潮汹涌，同时也感动莫名。　　　　 而胡德夫，经历了人生的起伏，从知名餐厅歌手到台湾民歌之父——到“身边的东西都不是我想要的，但我也不知道自己想要什么” ——到做送水工在社会底层挣扎——到理想的重新燃起，在本应迟暮之年，用40年前那架断了两根弦的老钢琴，燃起了在这段历史，或者这段历史之外的人的激情。　　　　只要他一开口，全世界都要沉默。胡德夫的歌声低沉浑厚，有着穿透人心的力量。3000年前，孔子对着流水慨叹“逝者如斯夫，不舍昼夜”，是啊，人生太匆匆！所幸的是，我们还是听到了胡德夫，听到了这个台湾流行音乐史上最值得留下的声音之一，这是真正用生命吟唱的声音　　 是的，还有什么比时间，比岁月更能引起人的共鸣的呢？

阿布尼公园是一个乐队在西雅图，混合工业的舞蹈，世界音乐元素，影响他们的工作和蒸汽朋克歌词。他们的名字来自于伦敦阿布尼公园公墓（英国）。以前的哥特乐队，阿布尼公园已改变了他们的表情和声音，已被人称之为“典型的“蒸汽朋克乐队。

1995年在德国与比利时交界的一个小村庄诞生的Antichrisis展示了他们非凡的才华:喜欢创新，风格多变。 Antichrisis的风格融合了民谣、凯尔特、古典、歌特、金属等多种元素，采用的是男女双主唱。一共出过三个专集和一张DEMO，就三张专集来说， 97的那张是最黑暗和忧郁的，是正宗的歌金风格。而98的相对就要明亮一点，变成了内省的民谣风格。而2001的则开始加入电子了，可以说他们一直在变化， 正如他们自己所说的：他们不做相同的音乐。 从他们的专辑中可以看到他们对宗教、爱情、生命的思考。犹如暗夜里钟声的敲响，沉入黑夜里的男声 上面漂浮着飘渺仿佛来自天国的女生一起宣告着这趟黑暗之旅的开始：As darkness fall;只有黑暗。 只做了一张歌金专辑就立刻改变音乐风格了ANTICHRISIS就是这样一样不停探索的乐队，风格相对多元化的。里面既有让你觉得有如微风拂面的清新风格的民谣歌曲， 也有带着浓浓的凯尔特风情的歌曲；时而快乐跳脱，时而淡淡忧伤；有时让你感觉是在一个草原的夜晚里围着篝火跳舞，又似乎一个哲人在低头沉思自省。

大海的阴影从海底漏向另一个世界Empyrium的音乐中所流露出来的那种对于大自然的热爱，还有他们的忧郁特质，都给人以一个无限宽广的想象空间和非常宁静的心情。他们的音乐总让人想起深秋或是初冬时的森林，那种寒冷的气息和凋零的气味从音乐中扑面而来。在音响里放上一张他们的专辑，关上灯，任思绪四处飞扬。仿佛能看到星光之下的寂静树林；破碎的浮冰随着潺潺的小溪漂流，在月光下闪闪发光；雾色蔼蔼中的森林阴暗而忧郁…而情绪更会随着音乐突然低落：人们的生活都越来越忙碌，穿梭在城市巨大的水泥森林里，在物质生活中流连忘返，在精神生活上日渐空虚，在人际关系里益发冷漠，但却忘了慢下脚步留意一下身边的美景：那些随风飘荡的木棉花絮， 夕阳西下时天边变幻的云霞，雨后青翠欲滴的树木和绿草的清香，于夜晚远处江面上闪烁的点点渔火… 　　 于是，听着empyrium，我醒过来了，在秋天即将结束的时候。  　　 也许，我也应该吟首诗，我想到了里尔克的《秋日》。  　　 “谁这时没有房屋，就不必建筑，  　　 谁这时孤独，就永远孤独，  　　 就醒着，读着，写着长信，  　　 在林荫道上来回  　　 不安地游荡，当着落叶纷飞。

威尔士乐队 Manic Street Preachers（狂躁街传教士）在天才的词曲作者兼歌手 Richey Edwards 的带领下，从1992年到1994年连续出版了三张惊世骇俗的专辑：《Generation Terrorists（时代恐怖）》、 《Gold Against Soul（金钱反对灵魂）》和《 The Holy Bible（圣经）》。他们的作品中饱含年轻人的怨气，失落和彷徨的 Punk 复古风格，被传媒比作为90年代的 Sex Pistoles。 1995年2月1日，主唱 Richey Edwards 突然神秘失踪，乐队的其他三名成员只好等待 Richey 的再次出现。但是经过漫长的等待之后，他依旧杳无音讯，生死不明。 最后，乐队在三缺一的情况下，继续他们的音乐旅程。 没有了 Richey ，MSP 的音乐也发生了很大的变化，《Generation Terrorists》为他们树立了一个朋克复兴者的形象，而重新上路的 MSP 更注重内省， 更关注现实，同时狂躁的朋克收敛成更富有旋律的音乐。 1996年，他们推出了堪称经典之作的专辑《Everything Must Go》，这支来自威尔士的乐队已经从昔日的打击中站了起来。乐队成员 James Dean 作为乐队新的主唱 兼词曲作者已经初挑大梁，专辑中将近一半的歌曲出自其手，其余的都是 Richey 遗留的作品。 主打歌曲“A Design for Life”是无产者的颂歌，发行后不久便在英国乐坛引起了巨大轰动，James 高亢激昂的嗓音于一片吉它和弦乐的烘绕之中刺破而出 ，极具震撼力。评论界一致认为歌曲中理直气壮的狂躁、逼人的气魄和巨大的精神能量，在摇滚史上是非常罕见的。 歌词中的“... We don’t talk about love, we only want to get drunk, And we are not allowed to spend, As we are told that this is the end ...”， 透露着 MSP 尚未完全褪去的朋克色彩。整张专辑充满乐观，没有遗憾，呐喊式的演唱留给人们更多的是灵魂深处的撞击，因此被评选为 1996 年英国十大唱片之一，并荣获当年英伦音乐大奖的最佳摇滚乐队和最佳专辑奖。

　沉迷于 Tristania ，沉迷于 Widow&`&s Weeds 无需更多的为什么，只是她与安宁有着相通的秉性，倾听着她，你知道最深的痛苦来自于无法言语。 幸好，还有最爱的 My Lost Lenore 陪伴着我，我灼痛中慢慢沉淀出一份冷静一份安宁。空灵的女声，悠扬的小提琴穿插其中，低沉的男声吼哮吟唱，整齐的唱诗班，凄美忧伤的旋律跳荡，似乎领略着一场冰封世界中奇妙的心灵之旅。我爱 My Lost Lenore ，我也爱你，我的确是有些恍惚了，但又如何，一切就象天边的理想那般遥远，你还是你，我还是我。我沉静了，可我还是我，风一般飘荡的人，我看见了孤独人与他的梦想，我踏上了与之一同哀悼的路。原来，最唯美与最深刻的东西是哀伤。我沉浸于 My Lost Lenore .　爱你就象爱 My Lost Lenore 穿越了整个灵魂，一夜一夜，漫游在 My Lost Lenore ，找寻心中 、天边遥远的梦。我的信仰矗立在天之上，风包容我的狂妄。我再次沉浸于 My Lost Lenore ，变的安静...

　每一首民谣都是那人的一段故事，每一个听故事的人都赋予其更多的故事，听的人多了，故事也就多了，多得一座城也承载不了，城里的人如是说。可他却不满足于一座城的故事，他马不停蹄地穿梭于一座又一座城，追寻一段又一段的故事，收集一帧又一帧的画面。我问他，你何缘来到这座陌生的城，他递给我一只耳机，说，大抵只为这首民谣。民谣的特别和灵性在于。民谣唱出来是有画面感的。它可以是一幅油画，也可以是胶片电影。可以使一幕幕的回忆，当然也能成为一张张期许。在这个休闲的周末，放空心情，听一些简单的民谣，在七分辛勤的努力工作后，来三分慵懒的生活吧

2006年旋死界最大的发现，来自俄罗斯的古典旋死新秀Dominia。是以小提琴为最大亮点的乐队，Dominia的音乐像爱琴海上的女妖，神秘，妖娆，性感，散发着无穷的魅惑，，大调式的编曲以及大量使用合唱的副歌活泼而欢快，有着强大的感染力。而乐队的主音吉他手更是如同太阳般耀眼的人物。包办所有作品的词、曲、编曲的他，把大量的音乐元素完美的结合到一起。在这张专辑里，你可以找到力量、民谣、旋死、激流、史诗、前卫、哥特等等各种金属流派的影子，华丽眩目得让人为之疯狂！

　　 当我在那天因为枪花的那首《don’t cry》想到《novmber rain》的时候，回到家做的第一件事就是重新翻出这首许多年前曾经令我心荡神驰的曲子来听。我知道自己在任何时刻都无法抵御它，无法抵御激情喷薄而出时赋予给生命的片刻脆弱与柔情。 　　 无法抵御！即使是现在的我——现在已经很难再有人用滔滔不绝的语言、丰富的阅历和知识控制我，从某一天开始，我已经学会分辨沙砾和水份，并且毫不怜惜的让他们从我的指缝中滑落。可是rose的声音能够，slash的solo能够，它们轻而易举的把我拖回到夜的深处，人群的深处，时间的深处；拖回到那些孤立无援又静寂无声的日子里—— 当你看到slash抱着吉他，在旷野中岿然独立的时候，你会感觉到我们每个人，其实都孤单无比，却又充满力量。 歌词中写着：　　“当我凝望你的双眼 　　我看到爱正在消逝 　　但亲爱的，在我拥抱你的时候，你知道吗？ 　　我也有同样的感受 　　 　　因为没有什么可以永恒 　　我们都知道心会改变 　　就像在十一月的雨中 　　手持一只蜡烛那般艰难。”

Mantus这个名字来源于古罗马神话中的地狱之神,一说与Mantua这个意大利城市有关,神话中的曼图斯是灵魂的指引者,引领死者的灵魂到达地底.乐队的 主要成员是Martin Schindler(词曲作者与男主音)和他的妹妹Thalia(Thalia是古罗马神话中山林女神的名字,显然这是乐队女主音的化名).他们的主题 盘桓于爱恨,死亡与永恒,也有对种族主义,民粹主义的关注与批判,曲调忧伤美妙,偶尔带点毫不隐晦的神经质,Mantus并不极端,也不狂热,不论你对GOTH 有多少痴迷或偏见,标签有时候毫无意义.Mantus最值得一提的一个特点就是节奏恰倒好处,听他们的音乐,会让人想起建筑中的圆拱,键盘与鼓点的相应成 趣使这群建筑繁华,容纳着男女声的交互穿梭,是拱上挂垂的轻盈枝条,简单轻慢的摇摆中,幽暗的罗曼故事随着歌声娓娓道来,既不紧张,也不沉闷,有一种婉约, 平衡的美.Mantus的本质是温柔的,乃至到了噩梦,也不紧不慢地对你吐露心声,潜台词一句句在说:别把这个噩梦变成现实.于是你在不知不觉中,沦为了他们的同伙. “我站在长夜的走廊里，看见远处的灯火流下辛辣的眼泪，心中的一团云翳在记忆的街角招着手。轻轻拍拍我的肩，把零散的恐惧泥塑成人形， 让我能够直面这个发光的阴影。” Mantus是来自德国的双人组合，歌特与电声交相呼应，歌词是我完全听不懂的德语。不过我反而喜欢这种异国语言演绎的黑暗音乐，因为听不懂，所以就会不自觉 地产生神秘的抽离感——斩绝现实的牵扯，遥望未知的魔域，将自身置于一块稀疏的断层中。对于Mantus的音乐，这块断裂的层面让人流连忘返。 沧桑的男子的低吟与宛若少年的女子灵声，在磅礴浩瀚的音波中徜徉。前者是惯常的黑暗音乐中富有磁性的低沉男声 不是因为其音乐类型的延伸想象，而是他的声音不掺杂感情，也就是从男主唱的浑厚的低音中，听不出悲伤、狂躁或愤怒，所有情感仿佛都淹没在激流勇进般的音乐里 后者不同于一般同类型音乐中的女声：不是清幽缥缈仙子式的纤细，更不是荡气回肠女皇式的高亢，更更不是邪丽鬼魅女巫式的沙哑。没有真假声的繁复转换， 没有眼花缭乱的技巧上的跳跃，不论高音抑或低音都是一种唱诗班男童的质朴，清纯，洁净 把这样的声音镶入此种音乐中，好似雄伟震慑的歌特大教堂正中保藏着一块明澈透丽的水晶，两者激发了非一般的想象力（如第3曲Sehnsucht）， 配搭天衣无缝，不会让人担心音乐过于暗郁，或女声清丽的突兀。 　“我俯下身，折一支黑色大丽花别在胸前。在无风的日子里，我熠熠生辉。像一个发光的阴影，游弋于岔路口。我的指甲犹如十把利剑，在镜子前划出十道破绽 ——里面躺着另一具阴影。”

　　这首由第一代枪花乐队成员完美演绎的作品，有别于其许多相对“喧嚣”的歌曲，只有木吉他的分解和弦、SOLO,还有主唱那悲凉无奈的嗓音和口哨.初听这首，让我惊叹几个硬朗的小伙也有这么柔情的一面，　　 而这样完美的配合，与老鹰乐队的那种和谐相比，却是另一番味道。只是那时候，它也只是一首好听的歌曲，没有别的意义。 　　直到归零的那一天，重新拾起，只放这一首在MP3里，循环播放，一遍遍的低吟PATIENCE；那些揉碎在旋律中的歌词和一遍遍末尾的叹息，让我从失意中重新恢复自我，不再迷失，不再消极。很奇怪？本是一首沉闷的歌曲，最后反而成了自我救赎的思药。 

 Unintended这首歌是为数不多、我第一次听就深深爱上的歌曲。  　　哥特式、带着哭腔的纯净男声，直接响彻心灵最深处，旋律犹如忧伤的海洋，将我淹没。  　　最回味，一见难忘的人、物。一见钟情、或是惊为天人，都是绝美的境界。而伴随而至的，是深深的压抑和悲伤，永远不能拥有、永远不能靠近，埋在内心最深处的念想。 很妖的声音。很喜欢这个乐队的音乐风格，古典主义的心境与摇滚乐的激情共冶一炉，将歌剧花腔的演唱技巧、美丽迷人的钢琴乐韵以及吉他噪音有机地结合，创作出了一种前所未有的古典摇滚风范。 “巴洛克”式摇滚。。。。。　 I&`&ll be there as soon as I can ,　　But I&`&m busy mending broken pieces of the life I had before .

Starsailor这个四人组来自英国西北部的Chorley，他们的团名取自传奇歌手Tim Buckley的一张专辑，乐团最重要的人物则是21岁、拥有丰富写歌才华 的Walsh。2002年发行首张大破百万专辑【Love Is Here】，不仅在英国造成极大旋风，获得NME「最闪耀的新希望」之加冕，就连美国本土，也相继买 单，给予好评推荐。2003年问世的【Silence Is Easy】，依然在英国空降至亚军位置，夺下白金唱片纪录，出道三年间，拥有八首英国金榜畅销单曲 ，同时充分运用乐器共鸣的独特音色，展现平易近人却也风采多姿的深厚音乐素养。选择做自己要的音乐方向、逃脱主流商业之束缚，Starsailor又再 度啟航，祭出第三张精緻大碟【On The Outside】，团员们移军至充满阳光、棕櫚树的加州录製，请来Rob Schnapf(Beck、The Vines、Elliott Smith)主阵製作。 初识starsailor是两年前，友人极力向我推荐的这张专辑。那时我接触的英伦更为流行，心思浮躁而且毫无头绪，只敷衍似的听了一遍，没有什么特别感触。  然而某个夜晚，窗内窗外一片黯淡，漆黑的夜幕集中了我所有的敏感。当熟悉的音符再次倾泻而下，James Walsh好似要穿透一切的暴烈情绪渗透在他妖娆的音色中，刺进我的耳膜。 随之，是四个人完美的合奏，旋律极度温柔又充满力量。所有的轮廓一点点丰满起来，逐渐清晰，那仿若无望的声线下是无比的激奋与坚定。  暴烈只是宣泄，柔情才是重点。然而这种宣泄在我听来并不放肆，也不张狂。即使James Walsh再用力的嘶吼，吉他贝斯再猛烈的撩拨，好象总有一种隐隐的规则，一个底线，虽让人心中闷闷的揭不开， 却保持了一种绅士似的美感，很完整，很柔情，很闷骚。寂寞无边，就象这张专辑的封面，是不是就是starsailor所要表现的自我。  　　用一句话来表达再好不过：外表平静无声息，内在早已燃烧殆尽。  　　他们就这样牢牢地攫住我的身体，然后让我随着温柔的旋律一起燃烧殆尽。 

这张夜的专辑，受到Pink Floyd/Roger Waters启发的《夜》显然倾注了王磊太多的感受。这张概念性的唱片是我所听到的最为低调悲凉的国内作品，相比之下，窦唯的低沉不过是他悄然遁世的悠然自得罢了，而王磊却在个体与环境、人性与物性、理想与欲望间的剧烈冲突中借烈酒浇愁，撕心裂肺地独自神伤。只有细腻丰富的音乐才能使王磊找到可以倾情相诉的避难所，自然而然地，几乎《夜》中的所有歌曲都有着一种动人的力量。从痛苦无助的"夜"到自嘲无奈的"模样"，从反复呼喊的"嘿"到气势逼人的"天堂"，王磊的歌无法不叫人动容，而躲在结尾短促的"哭"更是将这种力量发挥到了极致，当王磊悄声唱出最后几个字的时候，他为整张专辑划上了完美的句号，也为自己赢得了竞争"摇滚才子"的资格。王磊的这种力量是那些无病呻吟的另类青年与故作坚涩的前卫先锋们远无法企及的，虽然这正是他们绞尽脑汁尽力追寻的。它来自王磊对自身及外部环境一系列诚恳朴实的探究。他是自觉的观察者，也是自愿的剖析者。在他眼里，周遭的世界是如此地混乱不堪，肮脏难耐。他将人比作动物:不是凶残伺机捕猎的狼，便是狡猾不知廉耻的鼠，人类贪婪自大的本性被嘲弄得体无完肤。而从他有时近乎残酷的自白中，我们同样可以轻而易举地窥视到整个时代行将溃烂的伤口。我此刻听着这个音乐.在绝望的深渊里随着>的尖叫声沉沦.把绝望的嘶声裂肺处呼叫向悠远的天堂回荡,融入我的整个麻木的感官.在尖叫中释放,释放..............

Rilo Kiley 成立于1998年，来自美国洛杉矶的乐队Rilo Kiley发表的每张专辑都大受独立乐迷的欢迎和喜爱。女主唱 Jenny Lewis的声线是吸引乐迷的主要因素，，前一秒钟她像一个温柔的小女人，后一秒钟她却摇身一变为硬朗的女强人，然而这样的转变却没有任何雕琢的痕迹，甚至于让你觉得那是再自然不过的事情，这种爆发力就是 Jenny Lewis的特点，不是每个个人都具备，也不是想学就学得来的乐队的风格很传统朴素，鼓吉他贝司传统搭配，音乐入耳而不甜腻，典型的非大红大紫，但是绝对会有铁杆拥趸的范儿！适合英国病人型人物在家里独自欣赏。 

Sometimes I feel like I don&`&t have a partner 有时我觉得我没有伙伴Sometimes I feel like my only friend 有时我觉得我唯一的朋友Is the city I live in 就是我所居住的城市The city of angels Lonely as I am 像我一样孤独的天使之城together we cry 我们一起哭泣 I drive on her streets 我行驶在她的街道上，&`&Cause she&`&s my companion 因为她是我的伴侣I walk through her hills 我徒步穿过她的山丘，&`&Cause She knows who I am 因为她了解我。She sees my good deeds 她知道我的好，And she kisses me windy 以风亲吻我。I never worry 既然这是个谎言，Now that is a lie 我从不担心 I don&`&t ever want to feel 那天我所做的事情，Like I did that day 我从来没有想过要去感受Take me to the place I love 带我去到我喜欢的地方Take me all the way 不远万里It&`&s hard to believe 很难相信That there&`&s nobody out there 外面一个人也没有。It&`&s hard to believe 很难相信That I&`&m all alone 我孤身一人At least I have her love 至少，我有她的爱，The city she loves me 这座城市她爱我 I don&`&t ever want to feel 那天我所做的事情，Like I did that day 我从来没有想过要去感受Take me to the place I love 带我去到我喜欢的地方Take me all the way 不远万里 Under the bridge downtown 在市中心的一座桥下，Is where I drew some blood 我抽了点血Under the bridge downtown 在市中心的一座桥下，I could not got enough 我得不到满足Under the bridge downtown 在市中心的一座桥下，Forgot about my love 忘记我的爱Under the bridge downtown 在市中心的一座桥下，I gave my life away 我丧掉了我的生命

总有一天，我们都会变老。当我二十岁时，这一天似乎遥遥无期，并令那时候的我满心憧憬。那个年龄，我也听卡百利。听她们年少的声音。  　　那时候，苍老很遥远。我还会幻想。少年们总是青润稚嫩。  　　这个午后，翻过布满灰尘的旧唱片封套。整理过去的CD。顺手将这张wake up and smell the coffee放进播放机。少年的声音又穿越而至。  　　never grow old，可是树生长的声音？

Chamber由吉他手、演员、主音Marcus Testory（他本人还有一个更令人瞩目的黑暗组合ASP）和另一位吉他手Ralph Mｕller以及大提琴演奏家 Katharina Kranich建立于1998年末，想法源自十年前录制“Ceremony After A Fire-Raid”这首歌的 时候，他们希望用真实的乐器来代替电脑和合成器的演绎。在乐团的第一次live-apperance (Krone Darmstadt, 1998.10.22) 之后，小提琴演奏家Elisabeth Kranich和Valerie B?hrle加入进这个三重唱。99年春，在意大利的Monteciello附近，Chamber开始了 他们隐居的传统，很多歌曲都在这个风景秀丽的地方写成，从这里的人们和他们的文化中得到灵感。99 年8月，当他们的第二次在法国的Vosges隐居结束之后，男低音和钢琴演奏家Nathalie Eis（毕业于法 兰克福音乐和绘画艺术学院，主修风琴、钢琴、男低音）加入了进来。主打歌曲A Tale Of Real Love 讲述了一个有关十字军东征的中世纪游吟歌谣，清泉般流动的竖琴带出女主唱幽兰般温柔芬芳的演唱，管风琴及打击乐的加入后，浑厚的男声遥遥呼应着远方妻子的守望

Jazz一直在改变。至从第一批黑人奴隶踏上美洲大陆而被迫与自己的“故乡”割裂开始，它就在不断变化。从1917年发行第一张Jazz唱片开始，到上世纪二三十年代，从柏林到莫斯科，从巴黎到卡萨布兰卡，Jazz的声音已经侧耳可闻……在Jazz诞生的一百多来年，在它的发展过程中，它从来不是一种什么，而是一种如何，它不仅是一种演奏风格，更是一种态度，一种方法。对黑人而言，Jazz的意义就是在陌生和艰难的环境下顽强地生存下去，是对祖先血脉的追朔中衍生出的一种自我认同，它根植于黑人内心深处的不羁和尊严，并拒绝进入一个被称为“主流”的白人社会。而对我们而言，Jazz的意义就是在末世之下与自我认同不断契合的人生感悟，在无数个夜里它一再地温暖我们那早已冰冷的心，告诉我们，什么应该舍弃，什么应该保留，什么是自由，什么是永恒。 生活就像让一部巨大的机器，早已将一切碾磨得粉粹。在冷酷的世界里，我们就像一粒干瘪的种子被抛弃在尘埃下，然而，我们要努力做到的就是寻找一片土壤，在卑劣之境顽强地生存下去——任时光流逝，真我不变，或许这就是Jazz带给我们的意义。

Agalloch让我看见的，并不是完全的黑暗，而夹杂着纯白色的恐惧。谈论生与死的本能，是金属乐队常干的事情。冰冷的史诗刺骨，而记忆回暖， 仿佛回到了遥不可及的初生之地，未知所带来的恐惧，渺小，希望的渺小，自身认可的缺乏...一切的负面情绪和沉思都可以如此简单地涌上心头。悄然逝去以后的音弦戛然而止，雄鹿遥望近在咫尺的分岔路。 生命的图腾是否将会崩塌？交叉的树枝是否将要断裂？远处传来吉他沉静的轰鸣，所有的思绪在一时间炸裂，就连黑嗓都陷入了温柔的毛衣。夜晚守望偏转的死角，消磨所有的空想和悲喜，在最安静的时候跌倒，然后站起。接受朋友，然后忘记死者。 静默，然后白。这是我与森林金属的一次淳善却冰冷的邂逅

德国战车（Rammstein）是一个在1994年成立的德国团体，由Till Lindemann（主唱）、Richard Z. Kruspe（吉他）、Paul H. Landers（吉他）、 Oliver "Ollie" Riedel（贝斯）、Christoph "Doom" Schneider（鼓手）、Christian "Flake" Lorenz（键盘）六人组成。他们的音乐风格包含了重金属/工业金属和 电子音乐的元素，并具备哥德金属的特色；在德国当地，该团体亦被视为NDH(新德意志酷派摇滚浪潮)的一员。他们的歌曲绝大部分都以德文演唱， 专辑并且在全球已销售超过千万。 德国战车（Rammstein），世界上最著名的工业重金属乐队，由德国东部地区一群厌倦了工厂生活的无产阶级组成。他们秉承了德国电子乐的一贯作风——无感情、 冷冰冰、有着金属般的质感。他们通过吉它采样的方式进行创作，完全用德语演唱，背景里常常穿插了阴冷而飘渺的伴唱，类似中世纪的感觉，他们的音乐混杂了 工业和电子成分，发表专辑Herzeleid、Rosenrot、Mutter等。

沙子的歌曲非常适合一个人或与你最爱的人躺在床上，懒洋洋的抽着烟，看着已被烟雾所弥漫，色调低沉的小屋，眯着眼睛，看着视野中的一切渐渐变的模糊，我们也就停在恍惚之中，什么也不想，什么也不做，只是放松每一根神经去享受它所带来的心与心的撞击，我们如此沉醉其中，让时间就这样一分一秒的溜掉，恍如隔世。就在不经意间，我们正在摆脱那些曾令我们太过在意的生活，仿佛是在低弥的意识中慢慢展开梦境，笼罩与包容我们的精神幻觉，我们发现自己已经醉了，而眼前的世界似乎凝固住了，一切就这样放肆的自由下去，就像烟灰半天没弹，瞬间落地的那一刹，你想去挽留，但一切似乎都已随心情沉了下去，时间的凝固使我们忘记了手上的半截烟头，只觉得食指与中指间暖暖的，很舒服，直到最后，它灼热的烫伤了我们所有的回忆，在一个寒战中，我们又一次感到我们失去了它，像沙子一样的从手中滑落了

太久没听德语，immer eine Nacht让我瞑目了。男中音配吉他啊，要森林系绝美之作森林民谣必听碟。而仔细听内颗金属心还是很清楚的。如长夜微曦。。。。。。。。

annie lennox，其实对她的接触与五体投地的迷恋，都来自于那首love song for a vampire,初次听没有很大的感觉，只是机械地将它塞进了ipod.  　　但在很久之后的某天夜里，内心不安混乱躁动伴着失眠，疯狂的按着mp3的前进键，痛苦的希望可以在音乐里寻找一些慰藉，然后，找到了这首，love song for a vampire。  　　刹那间觉得浑身的毛孔都得以释放，紧绷的心脏慢慢舒张，它不是一首柔情或抒情甚至矫情的歌。  　　它是那么冷冽而空灵，好像穿越了几个世纪来到我面前，让我折服。 

2000年8月乐队传来消息，称乐队的创作思路已走到尽头，并在2000年巡演后宣告解散。"六弦低音惊天地，一声即出泣鬼神"，如此形容Smashing Pumpkins虽然夸张了些，但确是我几年来听他们音乐的一点心得体会。Smashing Pumpkins无疑是90年代很重要的一支另类摇滚乐团，在那个以Nirvana为代表的Grunge音乐风起云涌，席卷乐坛的那个大浪潮年代，Smashing Pumpkins异军突起，他们开创了一种把激进摇滚、哥特摇滚、重金属融为一体的音乐风格，打下了一片属于自己的另类摇滚天地！那张著名的唱片《Mellon Collie and the Infinite Sadness》更是另类摇滚乐迷们爱不释手的佳作，视为必修课之一！ 十年间，Smashing Pumpkins通过不懈的奋斗和努力，在传奇人物Billy Corgan的英明带领下，成为公认的90年代最成功的时刻爆发出一股摇滚能量，尤其是那强悍凌厉的失音吉他的重叠编织加上Corgan的招牌嗓音！令我们惊奇的是，他们的音乐作品中还酝酿着细腻的情感，有一种苦涩的美、凄凉的痛！我们不得不为此而感动，不得不惊叹这位才华横溢的奇才Billy Corgan带给我们的音乐！

B’eirth，那个留着披头士式长发的书生模样的男人，他不但为IGR贡献出了那些艰涩的充满奇思妙想的诗化歌词，而且其对待时间的方式更令人称奇。在一个存放着慢节奏时间的容器里，不会允许快速忙碌的生活方式愚蠢地掺杂进来。B’eirth更专注于对空间氛围的营造。他在IGR的声音里面放置的时间明显是被溶化过了的；是受伤的飞鸟，被迫缓慢地飞越他所构筑的氛围上空。当然，IGR容纳了 B’eirth以这样的方式来对待时间，容纳了他的“胡作非为”和随性散漫的避世姿态。不过IGR本来就是以B’eirth为中心的其他成员不很固定的计划，因此他的创作并不需要受限制于外来意志的干扰。其实，B’eirth本人跟诸如Blood Axis的Annabel Lee和Michael Moynihan等音乐界的名流过从甚密，这两个纳粹鼓吹分子曾在Hazel Steps through a Weathered Home里客串小提琴和中提琴，而且IGR与Blood Axis也有过合作推出现场专辑Witch Hunt-The Rites Of Samhain的经历。在这过程里，B’eirth并没有受到Blood Axis意识形态方面的影响。IGR所有专辑都是很纯粹的，政治上的因素不会被允许掺杂进去。也许不能断定B’eirth在音乐之外的政治取向如何，但是就IGR音乐里那散漫的姿态，是不可能被选来传播任何政治思想的。IGR没有意识形态上的偏激病，但他们却有不可救药的怀乡病。如果你不想在被勾动起的乡愁里陷入痛苦的怀想，就不要轻易地去触碰他们；当然你的家乡可能是另一座城市，而不是山野风味的乡间，碰到这种情况，IGR至少在怀乡病上的嗜好将难以引起你的共鸣。不过你仍旧可能感受到他们作品里那种吟游诗人的艺术性。

Einherjer乐队1993年1月成立于挪威西海岸的一个小城镇Haugesund。他们的名字来源于古老的北欧神话传说。Einherjer是指维京人战死沙场后被Valkyries带去Valhalla的灵魂，加入神的队伍去继续战斗。乐队最初由吉他手Frode Glesnes和鼓手Gerhard Storesund组建。他们的音乐目的就是营造出北欧传说的神秘氛围和远古的光荣，非常典型的一个Viking Metal团。 鼓手并无任何炫技性的表演，但通过聆听音乐你将感觉到他独特的音乐想法，吉他，贝司，键盘这些乐器就像他手下的士兵，他犹如威风凛凛的将军一样掌控着音乐的整体动向。因为它完美的融入整体音乐中，所以其他乐器的地位并没有因此降低，每一件乐器的表现相当到位，实在令人叹服。这鼓声总让人有种闻后欲舞的冲动，加上鼓声的录制在很靠前的位置，张弛有度、沉重饱满的鼓点绝对是EINHERJER的一大听点。再说说吉他，EINHERJER音乐中吉他SOLO出现的不多，很多时候是由键盘SOLO作为主基调并将音乐铺展开来。 

因为来自东北的青年金晖，带着他对摇滚乐和“枪炮与玫瑰”的喜爱，来到了北京，并组建了一支叫作“丝绒公路”的乐队—— “丝绒公路”四个字按照乐队的定义，“丝绒”代表着性感与华丽，“公路”象征了粗犷与自由，它们无不表明这是一支师从美式硬摇滚尤其是“枪炮与玫瑰”的乐队，从音乐风格、演唱、舞台表演、外在形象乃至日常生活状态，都在向彼岸的那支世界级乐队致敬、学习和模仿。这一切在乐队自主发行的EP《On the Road》里几乎是百分百地得到了实践。但在六年后，乐队经历了所有其他乐队都会遇到的人员更替、风格尝试、各种机会的得到与丧失乃至各种赞美和嘲笑后，又变成了什么样？ 在这张专辑里，“丝绒公路”依然坚持了他们的美式硬摇风格，并且鲜明地在专辑封面上标注了师承，毫不忌讳可能招致的“模仿”或“翻版”的诟病——学习就是学习，这不需要去隐晦或者不好意思——但并不止于此。所以专辑里既有承上的作品，比如“Such A B!tch”、“Rock N’ Roller”、“Give U All”、“Blood for Blood”等，完全就是当初“中国的‘枪炮与玫瑰’”号召现实版；而启下的作品如“青春是把上了膛的枪”、“Butterfly”、“夜幕下的通州”才是乐队真正从过去几年里凝练出的自己的风格。这三首作品不仅用中文创作，更是兼具情感化体验以及现实写照的作品，将乐队多年的北漂生活，以及在北京这座都市里的感受表达得异常到位。它们代表的不仅仅是乐队自己，它们代表的更是和“丝绒公路”一般身处北京，身处通州的音乐人的共同生活——这才是乐队最难能可贵和值得称道之处

真高兴能在Dreamaker之外的计划里听到Elisa C Martin的声音，她永远是我心中第一的前卫金属主唱，并不是因为她的性别，如果把这一条也算上，那么那些男主唱就汗颜去吧……Fairyland，来自法国的一支前卫金属乐队，这张专辑“Of wars in Osyrhia”也讲述了一个平凡人经历奇幻历险的故事，但是和刚听过的Lorien一比，优势自然不在话下。双主音吉他来得极猛，鼓击强劲有力，唱诗班加入得恰到好处，当然我的最爱还是Elisa的声音，这个并不美丽的女人可以在金属中时而狂啸呼喊，时而柔情万种，她的唇边，好像时刻酝酿着风暴。“The storyteller”有一种奇妙的圆舞曲感觉，让人不由得想跟着这节奏并不太快的音乐摆动身体。最后Elisa的声音突然拔高一个八度，好像突破层层白云直冲上天际，颇为意外。整张专辑几乎挑不出任何毛病，从专辑的故事构造，编曲、演奏、演唱几乎都是完美的，交响金属就应该这么玩。

听了太多的歌，耳朵与心就会变得麻木、太多的声音都如过耳云烟，转眼即逝，但总有些声音会令人血脉喷张，心跳加快。刘以达最新个人大碟《麻木》就是这样一张激动人心的唱片，它像一头变幻莫测的怪兽、刺破生茧的耳膜，让你感受音乐无限 的想象力与冲击力。　　这是一张特别的个人作品集，在刘以达率领下，一个“超级豪华”的演唱与伴奏阵容参与了唱片制作：歌手既有“主流巨星”王菲、关淑怡，也有独立独行的黄秋生，还有大陆摇滚歌手艾斯卡、浩瀚；而演奏乐手中，既有香港本地的贝司手单立文（前Blue Jeans蓝战士乐队成员），也有来自日本摇滚乐队的鼓手Funky木吉与北京摇滚界“首席”打击乐手刘效松。这一制作群本身就已表明刘以达的音乐不仅没有国界之分，也没有什么门户之见王菲演唱的《流星》一洗《Di-Dar》大碟 版中的脂粉气，清澈晶莹的原音吉它弹奏诉说起一个美丽单纯的异域情爱神话《流星》是一首很上口的歌，也是专辑中唯一一首算不上另类的作品，请来王菲这样的大牌，多少有一点广告效应吧这张唱片是刘以达在解散后音乐生涯的一次总结，是他多年浸淫于中国民间音乐的硕果，因此不仅在音乐创作上涉足中国西南民歌、新疆（中亚）音乐、藏乐、东洋音乐，而且在器乐演奏上也大量采用民间乐器，他自己更包揽了二胡、阮、三弦、新疆琴的演奏。而与同样尝试将民乐、摇滚、电子合成器音乐结合在一起的王勇相比，刘以达在香港这个东西文化交汇的商业大都市里，拥有更加深厚的欧美摇滚与电子乐功底，以及没有传统包袱的“超然”的音乐态度，使他更加轻松或说更加彻底地将民乐与现代摇滚／流行乐融合在一起。从这张变化多端的音乐专辑中可以看出，刘以达成功地将民乐元素融入摇滚／流行乐中，他能将二胡、阮等纳入以电吉它与合成器为主的电子音乐架构之中，而且处理得精彩绝伦，但当他试图用纯粹的民间音乐语言进行创作的时候，就显得力不从心了。专辑中让人侧目的是胡蓓蔚演唱的两首曲子：《我的天》和《了了》，民族化的配乐，配合胡蓓蔚另类的演唱，成为专辑中最抢点的声音。这位来自上海的歌手，以前从未被注目过，不期在这张专辑中有如此精彩的演唱，看来主要是没有好的歌曲，以至扼杀了一个好嗓子啊。来自上海的胡蓓蔚似乎成了刘以达的御用女歌手，她演唱的《了了》尽管歌词枯燥无味，但流畅的Funky节奏、二胡与吉它的绝妙solo和她挥洒自如的演唱，使这首迷幻摇滚作品颇为迷人请仔细请听了了歌曲里，背景中那把二胡走位与旋律多么销魂吧

" 关于跑步你需要注意的几件事：" 1. 想减肥的话跑步时间控制在30分钟，最多40分钟，时间别太长，会把肌肉弄没的，肌肉没了不是好事儿，会降低你的基础代谢率，换句话说一个有肌肉的人每天吃2000卡， 只需要运动消耗500卡，因为基础代谢率高，有1500卡被肌肉日常消耗了，所以人家不会胖的，而你可能需要运动消耗1500卡，这运动量是人家的三倍才能保持不胖。 当然，跑太少也不行，至少要15分钟以上，否则一丁点儿脂肪都消耗不了，只会跑完觉得饿，吃更多。 2. 跑步不可能让腿变粗，尤其是长跑，4、5公里的跑步是不用练爆发力的，你可以看看跑马拉松的运动员和跑100米的运动员，就知道【只有爆发力训练才会 长肌肉】这个道理了。而减脂期由于出汗量大，吃的比消耗的少，而肌肉的增长必须需要大量的能量，所以减脂期基本上长不了肌肉 3. 不是跑步了就可以胡吃海塞。减肥需要的是撕开能量缺口，必须消耗的比吃的多才能瘦。当然请千万别急功近利，决定3天不吃饭，光运动，真的会死人的。 减肥绝对不能急，要起码以【月】作为单位，别信有的人说的一周瘦10斤 4. 舒服点儿的跑鞋是必备的，否则膝盖真的受不了。 5. 不是有了音乐就一定能【每天】跑4公里以上的，还是需要锻炼腿部肌肉的，否则腿没劲，跑几步就往死累。腿部肌肉只需要每天空手做120个深蹲就好，分8组 ，快快做，每组20秒，休息10秒。不会长肌肉也不会腿变粗的我求你了，要是那么好变，人人都去健美比赛了，你以为蹲几下肌肉就哗哗长么？长肌肉是个很复杂的技术活儿。 6. 最重要的一点，是要科学减肥，科学跑步，量力而行循序渐进 选择一个傍晚，或是夜深，带上自己，带上朋友，带上爱的人，带上音乐，跑到汗流浃背，跑到气喘吁吁的时候，便可以到达远处一片沙滩，在这里可以看到怕热的女孩，休闲的晚风，玩耍的孩子，豁然开朗的江面大口呼吸清新的空气，顺便洗涤一下浑浊的心情，这样的一路便是需要节奏鼓点比较强劲的歌曲便有了做这样一期节目的动机OK，为了健康，开始跑起来吧

也许你感受到的是充满魅力钢琴的摇滚曲，也许仅是流行旋律已足够引起你的兴趣，也许你应该更深入的去聆听这张满怀乐趣和忧伤的专辑。 一定会有很多的比较，关于这支来自加州圣地亚哥的乐队We Shot The Moon与曾经的Waking Ashland，由于他们共同的主唱Jonathan Jones。Jonathan Jones 给新乐队We Shot The Moon带来了悦耳的声音和熟悉的面孔，还有比Waking Ashland走得更远走得更好的音乐，让我看到Waking Ashland时期我们期盼已久却未曾满足 的希望。 另外，还有那首极其舒缓极其抒情的"Please Shine"，钢琴开场，忧郁的男声轻声吟唱"Fly away on a plane,Just like you came to me.Take a bow, you take a bow.Your spirits left with me"，接着清脆的吉他进入"Watch the clouds making shapes,And picture me with you.I’m so alive, I’m so alive. You color up my world..."毫无疑问，"Fear And Love"会成为今年感动最多的专辑之一。

南方另类摇摆劲旅，乐队主要活跃于珠江三角洲各大小城市，数年来参与过无数大型演出，现场演出极其震撼，追随者甚众，亦是广东开平市历 届五四摇摆音乐节创办人及组织者。曲风以英式另类摇摆的唯美迷幻为最重要主干，同时兼具急激和歇斯底里。 在绵绵无尽的伤感中渗透着无限张力，激情澎湃，音乐铺排倾向丰满华丽。 歌词意蕴深远，渗透着浓郁的诗意。“沼泽”，——便恰是关于人的生存环境和内心 世界的一个颇精辟而又诡秘的隐喻，乐队因这篇经典诗 歌而命名，亦碰巧成为乐队音乐构成元素丰富多变的象征。乐队创作了许多脍炙人口的经典歌曲， 如《沼泽》、《红砖墙》、《我们都将枯萎》等，吉他兼主唱海亮负责所有词曲创作。 “沼泽”名字的缘起，其实寓意了人的周遭自然，直到灵魂之居所——我们内心最深处的隐秘，如此两者是何等神似：既厌倦，又眷恋；既胶着凝滞， 而又在暗里流淌；既颓靡而又充满郁郁生机… 意蕴深远的歌词，呈现了一个黑暗而美丽的诗化世界。

Tom Waits就是个长期处于“懵”的状态的老烟枪与老酒鬼。  　　他的歌就适合灯光迷离昏黄的小酒馆，午夜萧条的灰狗巴士，或是笔直幽暗的高速公路上听。  　　那种声线在bebop的旋律下像个永葆青春的疯癫少年，长着如沟壑般的皱纹，眼神却流露出戏谑的心气。  　　“给我一瓶烈酒，让我尽情挣扎一会儿，再变成烂泥吧！”  古怪的乐器沙哑的嗓音荒诞的节奏,让我深陷在他的音乐里飘来飘去,一觉醒来已经是黄昏了,TOM 老伯的声音像剧条在拉扯着发条,他的声音是黑白的,是戏剧性的,他拿着低廉的烈酒,在深夜里小巷里徘徊着 ,弯着腰用大喇叭在舞台上歌唱,歌颂着低级的餐馆和低层劳苦大众,骑士的影子,投在夜晚洛城的小酒吧墙上,威士忌.酒鬼,老女人...  　　独自喝一杯咖啡，在tom的声音里游走，散漫而舒适，很多影像在眼前流光飞舞，但似乎什么都未曾发生，你不用奢求和期待结局。  　　曲终人散closing time曾无意推门走入的bar，此刻将打烊，挥手终于告别了那个知了声声荫翳付蔽的夏季。如水的琴声，在时光里慢慢消融，尖利的口哨，远了直至忘了来时的模样，愈走愈远……  　　  　　一个关于时间的故事，从来不是我们可以期许怎样就一定可以怎样的，你只是跟随时间，走过某一刻，而后离开，回忆记录遗忘，美丽的是那些片断和那些纠集着内省的心情 　　 。流逝的给未知更广漠的存放空间，呢呢喃喃过后，继续上路……  　 tom waits从不掩饰自己低贱的出身，他也从不缺乏自嘲精神。你可以用任何低级、粗糙甚至恶俗的词语去形容他。正如他所说:我的歌声充其量是一条吠叫的狗，但我认为我的声音非常适合我写的歌。  　　 灰暗的灯光，嘈杂的人声、吱呀作响的地板、烂醉的酒鬼和有着大胸脯红嘴唇的女郎。只要tom waits继续唱歌，他永远属于这样的地方。这里尘土满地，蟑螂与老鼠肆无忌惮，咒骂抱怨不绝于耳， 当tom waits歌声响起，其实我们觉得这地方还不错，因为我们都是吠叫的狗。

Estatic Fear是一直带有浓厚的中古世纪气息的奥地利歌特乐队，以突出的大提琴、长笛、鲁特琴(lute，古典吉他的前身)及钢琴的柔情表现为主，特别是大提琴和长笛相当重份量的　演出，也使其地方性的民族情怀更浓，而鲁特琴的运用对于金属乐而言也几乎是前所未见吧！A Sombre Dance专辑的曲目除了首曲名为"Intro"外，其余则是直接命名为"Chapter I"至"Chapter IX"，而除了曲式连贯之外，编曲上亦采取了类似古典乐多乐章式的「变奏」手法不但主旋律在多首曲子中反复出现，并且还有主旋律的变奏，再加上以多种乐器交替弹奏主旋律，整张专辑一气呵成，彷若是一出音乐剧般，相当地有意思！Chapter I 由空心吉他导入，大提琴及美声女音陆续登场，电吉他弹奏着小调般的旋律，脑海中不禁浮現出中古欧洲的小镇风光，黑死腔的出現为曲式迎來一股强烈的淒凉感，此时背后听到的是大提琴和键盘的竖琴音色，还有慢速双大鼓。难以想象黑死腔可以融入这么美的旋律.鲁特琴,长笛,大提琴令人惊讶的和谐融合

Clémence Saint-Preux 作曲家音乐家Saint—Preux的女儿，克莱曼斯（Clemence）1988年11月29日出生在巴黎的西郊的Neuilly-sur-Seine，一个充满艺术氛围的家庭∶三位姐姐是搞艺术的，父亲Saint-Preux是作曲家，母亲搞绘画并写作。克莱曼斯（Clemence）从小在艺术的环境中薰陶，学习了钢琴，古典吉他和电声吉他，并习修了舞台表演课，她希望成为电影明星。克莱曼斯（Clemence）对自己的评价是急躁，固执，有点爱发狂。而熟悉她的人认为她直率，真诚，果敢┅┅这个性格使她执著追求，坚持不懈，并成为歌手和乐手。2005年该歌星来中国访问，迷上了中国的古老文明，现在正在学习中文。克莱曼斯是一位善於掌握自己命运的人。她在11岁时说服他的父亲让她在电影《人人需要爱》（On a tous besoin d’amour）试唱。她富有个性并独特的嗓音吸引的法国当红歌星Johnny Hallyday并与她对唱灌制的主题歌。克莱曼斯希望能够演奏他父亲1969年创作的一段《独声协奏曲》。16岁时她终於实现这个愿望，和《放牛班的春天》的主角Jean-Baptiste Maunier共同完成这首曲子，该曲的名字改为《对声协奏曲》。

Step by step, 　　Heart to heart, 　　Left right left　　We all fall down 　　Like toy soldiers　　　　It wasn‘t my intention to mislead you　　It never should have been this way　　What can I say?　　......　　这是支很有旋律感的抒情歌，开始时低沉舒缓，到了后半部分高亢激情，到了结尾时那句“We never win”又特别伤感，刚好抓住了年少时的我的心。　　我反反复复地看那支歌，让人帮我录在磁带里，伴我度过无聊的夜自修。　　可是，在Toy Soldier之后，除了一首“More Than You Know”，我再也没有听到Martika的任何消息，我只知道她和我喜欢的Gloria Esterfan一样，都来自迈阿密；如今Gloria Esterfan成为了乐坛常青树，Martika却消失了。　　她到哪里去了？　　那时我不知道。　　但我有我的纪念方式：我尝试让周围的人和我一样喜欢这支歌，但失败了；我尝试向英语老师要求把英文名改作Martika，但失败了；我尝试留那样的头发，但失败了……　　后来，那盒录象带磁粉脱落，越来越模糊，Martika离我渐行渐远了，只有那支歌还留在我的心里。

去康提的路上，MATALE，小小的城镇，大大的印度教神庙，虔诚的印度教信徒男左女右朝拜真神，几排小学生静静坐在后排，认真地聆听与感受，光膀子的祭祀祭司用火种火祭苏摩，信徒一个个用双手滑过火焰上方，算是洗礼一遍。出门时，一个虔诚的孩子，大大纯真的眼神让人看到了纯净，信仰者是幸福的吧

1978 Dire Straits 1979 Communique 1980 Making Movies 1982 Love over Gold 1984 Alchemy——dire straits live1985 Brothers in Arms1988 Money For Nothing 1991 On Every Street 1993 On The Night1995 Live At The BBC1998 Sultans Of Swing：The Very Best Of dire straits如果有人让我选一个乐队来比喻我这个人的话，我会选择演绎这首歌的乐队---dire straits(恐惧海峡，感觉翻译过来味道不对，像个人本身吧其貌不扬，还是英文名味道些)，我细心反复地听过它的每首流传比较广的歌曲，提起摇滚，大家可能会想到比较另类的场面，激烈，嘈杂。但是，朋友我告诉你，你错了，不是的，那只是一个小的分支，还停留在表面水平的乐队而已。dire straits，有人评价它没有自己创新的特色，承袭了很多乐队的优点，一个杂合体。但我认为，其实不然，一个乐队就像一个有生命力的人，它又自己的灵魂，这样表面的评价是因为你不懂它。每个乐团用的乐器也许没有太大差异，但dire straits所奏出来的音符和音色没有人能模仿出来，细碎的吉他，一下下地落在你的心上，低沉明亮的贝司欢乐地跳在你平稳跳动的心口，和你娓娓地交谈，你的心也轻轻地开心着，不只你这个人，你的肢体也在幻想中随着沉实的鼓点舞动起来，想想吧，不知不觉中飞了起来。俯瞰着一切，超然于一切之外... dire straites的唱片更多的是在和听众进行心灵深处的交流，往往能在某种时刻让你触动，Mark低吟浅唱之间几乎是在朗诵一篇篇诗篇，Mark手指滑过吉他的瞬间，就如同拂过心弦般让人心动。

1997年由中国美院毕业的四名年轻的小伙子，主唱於阗、吉他手阿勇、贝司手郑宇、鼓手何老，在参加李泉杭州大学生演出时暂露头角，1999年9月作为嘉宾乐队参加英国乐队SPACE在上海的4场演唱会，10月参加上海YAMAHA乐坛惊雷比赛获奖，2001年11月签约上海泛音音乐制作有限公司。 The Honeys的首张专辑收录了十一首原创歌曲，是乐队成员多年音乐创作的结晶，也是签约泛音后的第一张专辑。作为主打歌的《在街上》，整首歌流溢出成熟丰沛的情感，体现都市人难以琢磨的生活心态。歌词中出现了许多平时生活中看似平淡无奇的景物，花砖地、红灯、扫帚、玻璃窗、生锈的自行车，这些东西一旦融入歌曲便似乎被赋予了生命，配合着流畅的音乐节奏，将主人公身处都市中的迷茫无奈烘托得淋漓尽致。《海的梦》演绎得凄美、动人、浪漫，单曲中无论是自省式的《我的灵魂》还是数字化体验的《LoveGame.Com》，无论是生存状态下的《蔫》抑或干净利落潇洒的《离开》，每首歌强烈的画面感折射出对生活的感悟。在港台风劲吹的今天，这张上海本地原创专辑无疑会带给乐迷们一身清新的感觉。而作为一支乐队组合，专辑以唯美流动的写意风格为主线，贯穿他们"先进而不怪异，敏锐而不病态的音乐"，旋律悠扬易记，曲风幽雅隽永，词曲意境漫长，完美又不失和谐，人文气息与摇滚文化的精髓在整张专辑中得到透彻的发挥，让听者产生共鸣，令人有耳目一新的感觉。

斯里兰卡狮子岩是一座构筑在橘红色巨岩上的空中宫殿，有着将不可能为可能的人工奇迹。他被誉为世界第八大奇迹。可惜坐在山顶，失落的红色天空之城旁，总是感受的时间太短，夕阳落下的速度太匆忙，就像宫殿的主人，忠诚的卫士们，早已化作无尽的绿树原野。曾经的生离死别，牵挂深爱，勾心斗角都轻如蒲公英飞远，无人能够记得，唯有留下一地废墟，留给远方路过的人惆怅感慨或是冷眼旁观而已。。。。。回到酒店，泳池怕热的人群早已散去，漂在空荡的清水上，抬头可以望见久违的满天星斗，心里顿时又变得空荡荡的，旁边是喝着酒低声浅笑的陌生人们，一杯一杯酒碰撞着惬意，一台钢琴时而温柔似水，时而如水墨画般肆意挥洒，然后就响起了“wonderful tonight”，顺手将思念写在了水面上，一道涟漪荡漾，回忆消散得无影无踪。。。。。。

 “恐怖海峡”1976年组建于伦敦西南部的代特福德，该乐队出现在朋克音乐顶峰时期，但与这一运动没有什么共同之处，最后获得了主流摇滚乐队的称号。他们在全世界范围内销售了大量唱片，他们的成功主要归功于独具特色的、 　　 受迪伦影响的歌手和吉他演奏大师、乐队的核心人物马克.诺夫勒（Mark Knopfler，生于1949年8月12日）的吉他演奏。  　　1978年他们与Phonogram公司签约，录制了歌曲《摇摆之王》和一张唱片《恐怖海峡》，尽管评论家们对其华而不实的专家气派颇为赏识，但英国的歌迷对它都很不重视。然而这张唱片更和美国摇滚乐迷的口味，因此 　　 与当时从英国来的大多数唱片相比它更易用做电台歌曲播放。转眼之间他们手中拥有了一首风靡美国的歌曲和一张唱片。 1979年出版的专辑《公报》（Communique）　　　　１９８０年在dire straits创作第三张专辑《Making Movies》期间，David knopfler离开了乐队，接替他的是Hal Lindes。１９８２年他们又推出了专辑《Love over Gold》。在创作这张专辑期间，　　 乐队加入了键盘手Alan Clark。Alan Clak是一位极有天赋的乐手，他对音乐有着细微的感触。 　dire straits一样在坚持、寻找、等待。１９８２年的《Love Over Gold》之后，时隔三年，他们才推出了新作专辑《Brothers In Arms》。而在这张专辑创作之前，吉它手Hal Lindes离开了乐队，Guy Fletcher加入；而鼓手也由Terry Williams取代了Pick Withers。 在１９８５年的《Brothers In Arms》之后，dire straits于１９８８年１０月推出了他们的精选集《Money For Nothing》。之后乐队于１９９１年３月发行了新的创作专辑《On Every Street》。６年才出一张新专辑对一个摇滚乐队来说并不是一件好事，流行乐坛大批新人的涌现会使乐迷轻易地就忘记这些“上一代”的歌者。从８５年到９１年，长时间的沉寂无疑给了dire straits更多认识自己、认识世界的机会　　 ，事实上《On Every Street》是他们最优秀的专辑，也是流行音乐史上最杰出的专辑之一。 　　　　１９９３年５月，dire straits推出了另一张现场专辑《On The Night》；同年１１月，Mark Knopfler推出了一张他为一些电影而创作的音乐合集《Screenplaying》；１９９５年发行《Live At The BBC》；　　 １９９８年推出《Sultans Of Swing：The Very Best Of dire straits》，这张精选集收录了乐队组建２０年以来创作的曲目共１６首。 　　　　以上就是dire straits在《On Every Street》专辑之后做的一切。  Dire Straits的音乐内涵、浪漫飘逸而且质朴,完全融合了爵士和民谣的音乐风格, 似乎拉近了时空的距离, 传递出蓝调音乐的温馨。Mark Knofler低沉的嗓音穿插着问郭先生(semi-spoken vocal)的唱腔, 慵懒流畅的吉他是乐队的灵魂。“Money For Nothing”匠心独运, 针贬时弊。“Why Worry”中唱到;“为什么要忧虑呢？痛苦之后必有欢乐, 雷雨过后一定是晴天, 这些都是顺畅如昔, 所以不必担心什么”…

KEANE总是直击人心的。钢琴，鼓点，假声，就是一个世界。 　　 KEANE一曲一曲地讲述爱情，讲述男子，讲述错落的人生。Chaplin就这么用力地唱，仿佛一个男子终其一生在宿命里挣扎。 　　 假声多得如同生命里的伪饰，鼓声固定的节奏好像日复一日单调的生活，大量的延迟和扭曲用于钢琴声，造成奇异的变调，更像那些不能道出的过去留下的不为人理解的奇怪轨迹。 歌的最后是一长段凄凉的呼喊，撕心裂肺的呼喊。哀怨的吟唱不能掩饰那些无奈。当Chaplin的声音渐渐微弱，Rice-Oxley的手从钢琴上慢慢移开，我们也一点一点苍老的时候，谁还能意识到破败的青春曾经就是那么美好地摆在我们面前呢？谁还会来惋惜呢？

相信《第五元素》给大家印象最深应该就是那位外星人歌唱家，全曲没有歌词，但最高音与最低音均超过人声极限，当然这都是作曲家用软件做出来的，可他从此打开了人们听觉的新境界。很难想象这样优秀的音乐竟然产生于1997年，后来的俄罗斯歌手维塔斯也唱过类似极限的高音区，这样的音乐人间稀少！电影《第五元素》中的那位号称宇宙第一美声Diva唱的歌曲，由两部分合成，前面一部分是选自意大利叹咏调《香烛已燃起》，后面较为欢快的一段歌叫《女神之舞》演唱者是阿尔巴尼亚女高音歌唱家Inva Mulla Tchako，并合成了另一位男歌手声音。除此她精灵般的咏叹调，三分鬼魅。关上灯，听如丝般的歌声在屋里扶摇直上，一切的情绪都随之而去……该唱段是模仿巴洛克声乐时期的阉伶歌手制作而成的(具有花腔女高音和男低音的共同特质)，阉伶歌手自上世纪20年代已经绝迹 （所谓的阉伶歌手一定是男性的，他们在未成年，声带还保存童音的变声期前就被选出来并进行阉割，还用其他的一些手段来训练他们成为同时拥有男音和女中、高音的歌伎。）这首歌《女神之舞》最难的地方不在音高，难度在于换气。由于本来就是电脑合成的，其跨度超越四个八度，某些地方的真假音飞速转换，或者瞬间2秒之内要完成3个8度的连贯跨越就这首歌曲本身而言，其极具创新的表现技法就足以使这首歌曲令人难以忘怀：主声部为美声唱法，但是配器和配乐却是地地道道的流行音乐；演唱者虽然不是什么大牌明星，但是她优美的音质足以打动每个人的心。听到高潮处，竟恍若觉得，世界上最美妙的乐器莫过于人的声音，女伶的表演将人声同乐器完美地结合到了一起，使人觉得不再有主次声部之分。此外，这看似安详和谐的乐曲，却巧妙地烘托了舞台后正在发生的激烈枪战，悲壮之中又不乏幽默，对故事情节的推动起到了不可磨灭的作用.

日系摇滚是有日本本土特色的摇滚乐，通偏向大调，曲风节奏轻快，也带有一点日式Pop的影子。英文称为J-RockJ-Rock的说法虽然在东亚等国外用得较多，但在日本却已经不用很久了。原来日本也有叫《J-Rock》的摇滚杂志，也停刊。这是因为目前日本的流行音乐（即J-POP）中摇滚节奏的音乐占的比率较大，过于分化的叫法没有多少意义，一般听众没接受的结果。从客观角度来看，日本国小但人才辈出的地方，无论从经济、政治、文化、科技等方面，谈到日本的摇滚，正如一位评论家所说的一句话：“日本的电子乐如同他们的摇滚一样，开拓出了一条气脉";的确能够将摇滚在亚洲发扬光大的，搞得如火如荼的地方确实是在日本，这一点是不能否认的。 日本也是个开放的国家就像美国，只要你有本事就欢迎，Beyond乐队当年就看中了这一点到日本去发展，应为那里支持原创而不是光偶像派大行其道。 像日本的地下摇滚乐团正是多了去，而且高手入云，优秀的摇滚佳作层出不穷，也许你会说我怎么不知道，其实一是由于国内对他们介绍的比较少，二是中日的历史原因吧，耳熟的像圣斗士的主题曲，灌篮高手中的拿手激情四射的摇滚佳作“大声说爱你”，北斗神拳的主题歌，还有X战记的主题曲X等，许多听过的没听过的，大部分的日本音乐，尤其是标榜自己是Rock Band的，其实都是以上所说的属於Pop Rock的风格。像Southern All Stars、或是Mr. Children那种以变化见称的乐团，已可看出和传统所谓的Rock不太相似。就算在数年前的大HIT的Visual Rock，虽然一直标榜摇滚，可是他们的歌曲方向是很倾向於日式Pop Rock的，尤其是很多当红得很的乐团，越红便越觉他们大众化，如LUNA SEA、GLAY、L’Arc~en~Ciel等等（而X JAPAN的快版歌曲则可感受到他们彻头彻尾的摇滚风格）。我以前也说过了其实Visual Rock只不过是一种在台上表现的方式，而不是音乐的风格。自70年代中后期开始，日本重金属的发展历程基本与欧美重金属发展趋势相符合，欧美重金属的鼎盛时期也是日本金属乐发展最快的时候，而在90年代初主流重金属大滑坡中日本也没能例外......造成这种现象的原因或许是日本在经济腾飞过程中对欧美文化的全盘接受——日本的重金属乐队似乎有一个共同的现象，就是有些过于重视技术而忽视对自身特点的挖掘。从70年代的BOW?WOW开始，到LOUDNESS、EZO，再到X?JAPAN、阴阳座......虽然每个乐队的技术都没的说，但听着总不够大气，缺乏一种大牌乐队具备的魅力，换句话说就是精巧有余，气势不足。而且，似乎日本的主流金属乐队花在形象上标新立异的精力要远远大于发掘自身音乐的特点。当然，SABBAT、SIGH这样的极端金属乐队也是不注重什么外在形象的，但与欧美极端金属乐队相比，它们的音乐也没有多少具有日本民族色彩的独特之处。没有技术是万万不能的，但只有技术同样是万万不能的，这或许就是日本重金属发展历程带给我们的一点启示。

今天忍不住又开始听杨一了，然后忍不住要写字了，很久就想写他了，可一直没勇气。找得到的只是有限的几首老歌，就那么反复的听。一直是不敢谈论他的，听着他那粗砺的歌声，语言是那么的苍白无力而又可笑。想说爱他又过于矫情，说他是我的本家又显得有攀附之嫌，只是真的被他感动，感动于他十多年来街头的歌唱，感动于他在极端艰苦的环境中艰难的行走，甚至于爱他的名字，爱我们共同的姓氏，爱那个简单的“一”字。 第一次听到他是那首《烤白薯》，在04年的一个下午，声声嘶哑的呼喊撕裂我心中的那根弦，完全的乡土话活脱脱现出了一个饱经风霜的老人，于大街小巷东躲西藏，只为卖出几只烤白薯，肆虐的北风割着他的脸，听到了他苦苦的哀求，求求你呀，警察大哥，睁一只眼闭一只眼，放过我吧。嗳呦，把我兜里掏了个精光光。我几天的忙活全都泡了汤。可怜的老人，但愿他现在会好一些，至少有一个人在街头默默的关注着你，歌唱着你，至少听到杨一歌唱的人会有那么一点的震颤，震颤过后呢，我不敢想，谁来为这些人出头，只有小人物的几声呼喊，声音是那么的微弱，但毕竟存在过，还是要呼喊　听着他的歌，仿佛杨一就坐在我们对面讲述着他在路上的经历，给我们唱着从老农那里学来的歌谣。事实上，他就是在街头面对着大家讲述着，不过，那些年的北京街头，停下来仔细听他歌唱的当不会很多。不过，他并不在乎，他只是歌唱，歌唱着青春，歌唱着流浪，歌唱着幸福，行走让他无比的坚强杨一，这个诗人般的歌者，仍然行走在这片古老的大地上，歌唱着原始的感动与纯洁，歌唱着坚韧的劳动者，期许着家园的永久。我们就这样在他的歌声中寻找我们失落的家园

　Fable [dream Version]：何其熟悉的旋律又一次在耳畔流淌！心疼且惊喜。心疼的是将它遗忘在时间的长河中太久了，惊喜的是就这样又一次相遇了！难忘当年的感动，赘述下当年的感觉：初听此歌，应该是大学时代，当时有种强烈的画面感：策马狂奔在茫茫草原，亦或是绵延海岸——我和未来的那个他，呵呵。现在听来，依然有这种感觉，不过物是人非而已。。。 今天终于有空听完了《Dreamland》，曲曲动人，惊喜连连，尤以Fable [dream Version]、Fantasya、In The Dawn为最佳，不枉我给它6星如果有的话。还有，它是96年发行的，不可思议，近20年后的今天听它依然耳目一新，那么独特，那么迷人，先锋感十足，充满霸气和魅力，又一个惊喜！　“摇摆，迷幻，放松，自由，释放，快乐，酷傲，感动。。。这就是心电感音的关键词。犒劳你的耳朵和心灵，听你想听的，感受你想感受的，心有灵犀一电通。于是第一次在轻轻闭上眼睛时看到了深邃浩瀚的蓝色，看到了炫丽无比倒映在湖水中的烟花..."trance初恋"比真正的初恋更美好与值得纪念~~~

日本流行音乐（英语：Japanese POP，简称J-Pop或JPOP）是指日本的流行音乐。此名称是在1988年由日本一家广播电台J-WAVE首先使用，并曾经用它来代表“新音乐”，其后在日本被广泛地用来归类受西洋影响的现代音乐，包括了流行音乐、RAP、摇滚、舞曲、嘻哈和灵魂音乐。现代日本流行音乐基本上从日本传统音乐演变而成，当中的转变当中最早可以追溯到1960年代，西方摇滚音乐的兴起。披头四和海滩男孩等组合启发了日本音乐界，于1969年组成的Happy End就尝试把摇滚音乐和日本传统音乐混合[1]。1970年代晚期，新浪潮开始，将流行音乐和摇滚乐合二为一的南方之星定义了新一代的J-POP[2]，最终在1980年代末，J-POP取代歌谣曲，成为了日本流行音乐的主流[3]。截至2011年，日本拥有世界最大的实体音乐市场。2011年，日本的实体唱片市场（仅计算单曲，专辑与音乐录影带销量）年产值达到约31亿美元，占世界市场之30%，为世界第一大实体音乐市场（30%现时日本大部分的影音商店都会将音乐分成四种，分别是J-pop、演歌、古典乐及英语／国际。有些音乐则融合了演歌和J-pop，例如安全地带和中岛美雪。1990年－1994年：Being系时代。Being的领导者长户大幸与织田哲郎也受到极高推崇，可说是小室哲哉之前“音乐制作人”这一职业极致的代名词。“低调”是旗下歌手的一大特色，其歌手除演唱会与音乐节目外，不常公开露面，极少参与综艺节目、广告代言，广告宣传也相对较少。代表人物：ZARD、TUBE、WANDS、B&`&z等。其中B&`&z至今仍为日本音乐史上总销量第一的歌唱单位。 坂井泉水，1994年－1997年：小室时代。小室哲哉这位可谓传奇的音乐制作人，此时期将电子舞曲推上了高峰。他负责的著名艺人包括：TRF、安室奈美惠、globe等。小室哲哉制作的唱片总销量至今已达到1亿7000万。代表人物：小室哲哉、安室奈美惠、globe、TRF等。1997年－1999年：乐团时代。数个视觉系色彩的乐团在此数年间得到了巨大成功，1997年11月，GLAY推出了精选辑REVIEW-BEST OF GLAY，卖出487万张，打破历史纪录。1999年7月，彩虹乐队同时发行Ark与Ray，两张合计初动达300万。代表人物：GLAY、彩虹乐队、LUNA SEA（ 月之海）等，在下一期JROCK，日式摇滚中会介绍其他在整个90年代也拥有重大影响力的乐团包括恰克与飞鸟、Mr.Children、南方之星、美梦成真、X JAPAN、SPITZ、小事乐团等。除此之外，大黑摩季、槙原敬之、福山雅治等歌手的销量当时亦纷纷破千万。歌姬时代（1999年 - 2003年）滨崎步，日本史上销量最高个人歌手。（超过4800万）1999年3月10日，16岁的新人歌手宇多田光发表了出道专辑《First Love》，销量达到了765万，再次打破了历史纪录，而此一纪录至今再也无人能挑战。她的出现引领了日本R&B曲风之大开，并使往后数年市场呈女性个人歌手强势的情况。仓木麻衣出道于1999年，当时的日本业界正处于小室家族的势力减退，及MISIA、宇多田光等R&B歌手流行的全盛年代。仓木麻衣在这风潮中成功出道，并于2000年在ORICON全年排行榜中得到单曲总销量1位、专辑总销量及艺人类别的第2位，之后其第二张专辑《PERFECT CRIME》及精选专辑《Wish You The Best》也录得百万的销量。代表人物[编辑]宇多田光、滨崎步、仓木麻衣、椎名林檎、MISIA、aiko、岛谷瞳、小柳由纪、SMAP、铃木亚美、BOA。歌姬与小室家族女歌手的特色多半都偏女高音，歌曲难度高。多样化（2003年 - 2009年）约从2003年开始，宇多田光与滨崎步两人的号召力渐渐减退，其他类型歌手团体开始受到广泛欢迎，例如EXILE、无限开关、杰尼斯系团体如岚、KAT-TUN等，音乐市场重新变得多样化。2003年，SMAP的单曲兼代表作《世界上唯一的花》在Oricon公信榜总共7周占据冠军位置，并以绝对的优势成为2003年度日本单曲销量冠军，总销量接近260万张，成为日本史上销量第9高的单曲。2005年开始，德永英明VOCALIST男声系列掀起了一股老歌翻唱旋风，该系列在日本达到销售近700万张的辉煌成绩。2008年，老牌歌手安室奈美惠发行02年后所有歌曲精选专辑《BEST FICTION》，累计销量高达170万，当年即拿下日本唱片大赏。代表人物[编辑]AKB48、早安少女组、SMAP、幸田来未、中岛美嘉、EXILE、Perfume、YUI、绚香、西野加奈、生物股长偶像战国时代（2010年－）[编辑]桃色幸运草Z，最年轻兼为首支于国立霞丘陆上竞技场进行演唱会的女子组合踏入2010年代，各个偶像团体均在日本音乐界获得成功，尤其以岚和AKB48最为突出。值得注意的是，部分独立歌手于偶像团体的激烈竞争下仍然能在唱片市场获得一定的销量和关注，例如福山雅治、宇多田光、安室奈美惠和YUI四人于2013年的“最受欢迎艺人”中也跻身Top 20，并分别获得第4、6、11及16位[17]。

听MEAT LOAF 的歌曲，总有一股鬼气，令人想起中世纪的古堡，幽灵及凄美的爱情故事，最打动人的是结尾处男女生对唱，一问一答，似乎是在古城堡里的对话 ,荡气回肠信誓旦旦，而爱情真的可以经历前年岁月的腐蚀吗？大爱的歌曲可以一直听终生的不多曲子因此也曾将这首歌曲推荐给一个最好最好，想要一生珍惜与交心的人，曾经坐在一起，电脑前听这首歌曲，看着MV，仿佛两颗心贴在一起的感动，而经过几段时间的分离，再见已是陌生的感觉，那个我可以连死都不怕，愿意用生命去帮助的人，中间已经隔了冰凉的一座墙也许人生就是孤单的旅程，即使相遇，最终也会分开的吧今晚一个人坐在这里，重新听起这首Meat Loaf - I&`&d Do Anything For Love而你，在做些什么呢？也曾像我这般思念着你，怀念我们的过往吗？

Triskilian一直给我的印象都是比较偏阿拉伯式的中古民谣，虽然很好听，终究并不是特别经典，底蕴深厚的团。像Sava，Omnia等等让人回味不断的团，也是因为其底蕴深厚，感情丰富，让人产生共鸣才能让我依依不舍。中古团那么多，若没有特别的点，若只是低唱着Palastinalied，必然无法突围成功。 　前半张Birkenhain仍然是那样的，传统的中古，热闹的原声乐器，淳朴的人声，欢快的旋律，营造出欢乐祥和的中世纪小山村形象。但是从Schäferstündchen开始，风笛和竖琴的比例陡然加重，整个乐曲的走向完全缓和下来，从Schäferstündchen的悠扬婉转荡气回肠到Bienlein的甜美低吟，从风笛和摇琴的合奏到竖琴的淅淅沥沥，一洗前半张的喧哗和多彩，回归至森林/凯尔特中古的宁静和安然，如森林里树木的高大和小溪的闲适。

吉他大师们更多的是在和听众进行心灵深处的交流，往往能在某种时刻让你触动，低吟浅唱之间几乎是在朗诵一篇篇诗篇，当手指滑过吉他的瞬间，就如同拂过心弦般让人心动。 而对于我，这首歌的回忆，确是一种一见钟情，多年以后，却仿佛变成了从来没有认识过一个人后来一天在遥远的夜深小酒馆里，忽然就听到了《Wonderful Tonight》, 然后整张桌子里的朋友就忽然都不说话，静得只听见门口烤羊肉串的噼啪声。我听见ERIC唱着“Is that you just don&`&t realize, how much i love you" 于是我想起了某人，想起挂掉的那些电话，还有那些再没回过的短信也许我们今生不会再见如果我们在天堂相遇，你是否还会记得我，还会不会大声地喊出我的名字是否还会记得相爱的那个夜晚，那个浪漫一生难忘的车里的夜晚，当酒醉的朋友们散去，只有两个人在一起，你看着我，眼睛像是夜晚的星星一般的闪亮